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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Un libro que profundiza en el cine del gran director desde su primera incursión en el séptimo arte, hasta su testamento cinematográfico, El inocente.Pedro García Cueto va detallando los argumentos de sus películas, donde sobresale un gusto esencial por la estética, por el mundo clásico, por una aristocracia a la que perteneció.El libro está divido en varias partes y dedica una atención especial a una obra cumbre del director, que adaptó varias novelas importantes: Muerte en Venecia, basada en la novela de Thomas Mann, La muerte en Venecia. Pedro García Cueto se detiene en muchos detalles tanto de la novela como de la película en un afán comparativo, para señalar semejanzas y diferencias en dos obras maestras, tanto de la literatura como del cine.
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El dramaturgo, director de escena y poeta, Fernando Renjifo, reúne en estas páginas el conjunto de su producción escénica y literaria, desde principios de los90 hasta la actualidad.
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Un gran viaje histórico artístico desde el quattrocento de la Florencia de los Medici y la época dorada del cinquecento, con los grandes genios Leonardo, Miguel Ángel o Rafael hasta la propagación del Renacimiento por toda Europa y su florecimiento en España en el siglo XVI con la poesía mística, la picaresca, el Quijote o El Greco. Conozca una de las épocas más interesantes de la historia, el inicio de la Edad Moderna y el desarrollo de la cultura humanista, que desde Italia se extiende por toda Europa occidental llegando hasta América a través del descubrimiento y la conquista del Nuevo Mundo. Una época de cambios, con el desarrollo de la ciencia y la astronomía, así como la Reforma protestante iniciada por Lutero, que produjo una división en la Iglesia que perdura hasta hoy. Breve historia del Renacimiento le acercará al genio de los grandes artistas del quat-trocento y el cinquecento, en el que brillaron grandes mentes como Leonardo da Vinci, Rafael o Miguel Ángel, así como su influencia en Flandes, los Países Bajos, Francia y España en los tiempos en los que en el Imperio español «nunca se ponía el Sol». Una época en la que desarrollaron su obra grandes creadores como el Greco -,que superó el manierismo para alcanzar la modernidad-, y hubo un auge de la literatura manifestado tanto en la poesía mística como en el teatro, la novela pastoril, la picaresca, así como la aparición de la obra más importante de la literatura española, el Quijote. Su autor, Carlos J. Taranilla de la Varga, experto en el tema, le presentará con un estilo ágil, ameno y riguroso, una información completa sobre esta época tan importante de la historia, que sentó las bases del desarrollo científico del mundo actual.
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En este libro se muestra que el fundamento de la actitud crítica en filosofía -tanto en el criticismo kantiano, como en la crítica marxista, así como la llamada ''teoría crítica de la Escuela de Frankfurt''- procede en realidad de la crítica artística y literaria,y no al revés. Por ello también, este libro se afanaen buscarle un fundamento de legitimidad a la crítica, así como en establecer su alcance y sus límites.
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Le grand dandy parle de mode et de vêtements.Texte inédit en français '' Être bien habillé est convenable et nécessaire, avoir un but dans la vie, non.'' '' La mode est une forme de laideur si intolérable qu'il faut en changer tous les six mois.''
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Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesan nuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julián Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturaleza del medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representación visual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.
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Decía el protagonista de una película de Woody Allen,“si se dobla tiene gracia, si se rompe no la tiene”.Pues bien, el autor de este libro asegura que el arte ha hecho tantas cabriolas, acrobacias, volantines ysaltos mortales que ha terminado por romperse. Una ruptura acelerada por la siempre inestimable ayuda delas Redes Sociales, por unos artistas cada vez más empeñados en servir a las ideologías de los poderes fácticos y, de manera sobrevenida, por un confinamientogeneralizado que ha revelado las muchas fragilidadesdel llamado mundo del Arte...
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En este libro el autor analiza desde el punto de vista histórico la línea. Para él simboliza al hombre, su forma de expresarse, sus cambios y sus inquietudes éticas y emocionales. A través de elementos propios de la música, la escritura, la ética o el arte, Tim Ingold desarrolla con un lenguaje muy cercano la historia de la línea como si de la historia del hombre se tratase. Para que sus explicaciones sean más cercanas e ilustrativas el libro contiene gran variedad de ejemplos visuales.
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Los textos reunidos en este libro representan secciones a través de una carrera de especulación, investigación y experimentación cuya ferocidad y asunción de riesgos no tiene parangón en la historia de la arquitectura de los últimos 50 años. Sin duda, los textos seleccionados para este volumen tienen un único foco que encaja muy bien con el de la carrera que, de algún modo, sintetizan: la dificultad y la necesidad de colocar el pensamiento arquitectónico en una plataforma formalista defendible. Este ha sido, en suma, el Santo Grial de la obra y de los textos de Peter Eisenman. Las antologías retroactivas de textos tienen la habilidad especial de colocar un volumen de trabajo en una perspectiva específica para proporcionar ángulos de percepción no disponibles en el período en el que fue creada, ya solo por esto, estas antologías no tienen precio.
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Seiobo, una deidad japonesa que tiene en su jardín un melocotonero que florece cada trescientos años y cuyo fruto da la inmortalidad, decide volver a la Tierra en busca de un atisbo de perfección: la belleza, por fugaz que sea, revela lo sagrado, que a menudo apenas somos capaces de soportar. En su viaje, Seiobo explora el Japón que perpetúa algunos rituales desde hace siglos, contempla la pintura en la Rusia medieval o en la Italia del Renacimiento, escucha la música del Barroco y sobrevuela la Acrópolis de Grecia, la Alhambra de Granada o la Pedrera de Barcelona. Una obra melancólica y turbadora en la que Krasznahorkai indaga en el extraordinario consuelo de la belleza y nos ofrece su singular perspectiva de la inmanencia.
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El presente libro es una obra de madurez, en la que su autor, uno de los más reputados historiadores del arte del panorama actual, sintetiza sus postulados en torno a una teoría de la imagen que es correlato de los «Actos de habla» de los filósofos del lenguaje. Como alternativa a una historia de las imágenes como fruto de la producción de los hombres de una época, objetivo tradicional de la Historia del arte y la Iconografía, Bredekamp busca explicar las imágenes en su condición de agentes históricos, como núcleo, más que consecuencia, de ciertas dinámicas sociales y ciertos modos de interpretación de la realidad. En este sentido, las imágenes son eficaces cuando actúan como catalizadoras de una cierta dinámica social, en la estela de otros ensayos fundamentales ya publicados en castellano, como los libros de David Freedberg, El poder de las imágenes, y Hans Belting, Antropología del arte. El eje vertebrador del libro es un análisis del poder de las imágenes para motivar la acción humana en ciertos contextos, y el impacto de las imágenes en tres campos fundamentales: la vida artificial, el intercambio de imagen y cuerpo, y la actividad autónoma de la forma. La imagen no necesariamente refleja la realidad, sino que también coadyuva a la conformación de lo real. En este sentido, a través de ejemplos que van desde el mundo antiguo al contemporáneo, Bredekamp problematiza la relación entre la obra de arte y su público formulando el concepto de «Actos de imagen», que pone en cuestión ideas tradicionales de la Historia del arte como ilustración, representación y mímesis.
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Arte y cotidianeidad hacia la transformación de la vida en arte
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Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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La escultura es la gran aportación de India al arte universal y constituye el arte que con mayor vehemencia refleja su peculiar forma de ver y de pensar el mundo. En este libro la autora reflexiona sobre los ideales que la sustentan y las consecuencias plásticas de éstos durante su periodo de máximo esplendor, que abarca nada menos que mil años de su historia (desde el siglo quinto hasta el siglo quince aproximadamente). La escultura, además de ser un espejo para adentrarse en el conocimiento de una cultura tan extraordinaria como la india, es un ejemplo de elocuencia formal, un catálogo de los riquísimos materiales naturales que evidencia la capacidad de los escultores para extraer de ellos una expresividad inaudita y un paradigma de la vitalidad de la connivencia de forma y contenido. Así mismo, a través de la estatuaria, se pone de manifiesto el talento de los artistas para hacernos sentir de una forma física las historias, mensajes y emociones que las obras pretender transmitir. Un arte, en definitiva, de una enorme capacidad empática que, como quiere reflejar el título de este libro, tiene la habilidad de convertir las obras del hombre en instrumentos para la vivencia de la naturaleza material y hacerse uno en la materia del mundo.
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Apunts per a un incendi dels ulls' (2020) és un llibre travessat pel foc, una temptativa de reflexionar sobre la iconoclàstia i l’adoració d’imatges a partir de la poesia. Entenent el llenguatge com un cos en construcció, elàstic i mutant, ple d'orificis, en aquest llibre Gabriel Ventura ens endinsa en una experiència lingüística que busca constantment més ull, més pell, més límit on despenyar-se. Revolta, innocència, destrucció i transformació són els temes d’una obra que es pregunta si és possible arrencar el cap del cos del poder i si encara ens podem rebel·lar a través del llenguatge.
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Estética de la novela expone una historiade la novela a través de las diversas estéticas que ha desplegado este género desde su aparición en la Antigüedad hasta la actualidad. Partiendo de una concepción del complejo fenómeno novela como puenteentre la cultura popular y la cultura elevada, se explican esas estéticas como el recorrido del espíritude la sociedad abierta al despegarse de la tradición sin renunciar a servirse de ella. Desde una nueva concepción de los orígenes de la novela (la ''protonovela), se recorren las dos orientaciones de lanovela premoderna (la cortesana y la popular) y la gran fusión que significa la novela moderna para ofrecer un horizonte de igualdad y libertad.
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Ojos y capital es un ensayo de textura piel y tft queoscila entre las 4 y las 15 pulgadas, habla sobre elpresente y la cultura-red y amenaza con la materialidad de “,lamer los ojos”,. Este libro,que transita por la conformaci≤n identitaria a travΘsde la visualidad y la economφa, se pregunta por c≤molos ojos operan hoy como nueva moneda. Para ello, pretende identificar desarrollos contradictorios de latransformaci≤n capitalista de un mundo conectado, excedentario en lo visual y trucado en la preeminencia de lo econ≤mico frente a clßsicas y nuevas formas de polφtica y Θtica. Quiere hacerlo atravesando conceptoscomo sombra, mirada, desaparici≤n, (auto)representaci≤n, derroche, reciprocidad, lazo moral, capitalismoo feminizaci≤n, interpelado por las vigentes formas de creaci≤n de valor y nueva colectividad en las redes.
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A través de veinte textos, Valentín Roma nos descubre algunos episodios en que sus protagonistas viven momentos inesperados de cambio, de vacío, de aislamiento, de locura, de interrupción brusca o disrupción en el tiempo. Son situaciones de «apagón» que provocan un giro en el proceso de la historia. Estos episodios hilvanados constituyen un cierto manifiesto sobre la interpretación, sobre como percibimos y comprendemos lo que nos es expuesto, ya sea un cuadro, una obra literaria, un espectáculo teatral, un discurso... Para Valentín Roma, el arte es conversación: «Mirar es la antesala del decir, porque en el decir habita el deseo por ser oído y, finalmente, porque esa búsqueda de algún oyente nos obliga a escuchar otras palabras, a entablar conversaciones».
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A Salvador Dalí le divertía comparar al Greco con un caracol. Tusquets se divierte en este libro comparando cosas que no viene a cuento comparar: obras de arte, calendarios, museos, lupanares, la Ley Seca, el libre albedrío, correcciones visuales, el globo terráqueo, escaleras históricas, clientes legendarios, toreros atemorizados, luces y colores misteriosos, alimentos en conserva, arte abstracto, vagones tolerantes, duchas inteligentes, deportes desafortunados, jardines imperecederos... Este es un libro escrito por un arquitecto (¿o por un diseñador? ¿O por un pintor y escritor dominguero?), pero no es un libro para arquitectos, sino para lectores que gusten de seguir un razonamiento original sobre temas manidos, cargados de lugares comunes y de visiones políticamente correctas. Por trascendente que sea el asunto, el autor no engola la voz, prefiere la ironía y el humor para exponer evidencias que, aunque son de sentido común, parecen insólitas y extravagantes.En resumen, un libro desbordante de talento, escrito desde una postura de radical independencia, y de lectura (y relectura) tan obligada como gozosa.
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Estéticas coherentes con el desarrollo sostenible, propuestas artísticas ecológicas, reciclaje. Con más de 100 imágenes donde Ardenne presagia una nueva era en el arte.Del desafío ecológico actual depende la supervivencia de la especie humana. Es necesario ya mismo luchar contra el desastre medioambiental, pero ¿qué puede hacer el arte en esta lucha? Contra la ola de calamidades que prosperan con la irresponsabilidad humana, este libro da cuenta de un combate en muchos aspectos desesperado: el de los pintores, escultores, landartists, fotógrafos, videastas, performers, instaladores y creadores de web comprometidos en la lucha ecológica.Es necesario reanudar una relación más sincera con el mundo natural, una relación más respetuosa. Los artistas que presenta este libro nos ayudan a hacerlo. Ellos adoptan como principio la ejemplaridad. Abren un surco de esperanza, una vez más, contra las fuerzas de la muerte.
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En 1893 una joven francesa comenzó a escribir un diario que mantendría durante toda su adolescencia. “Siempre he querido llevar uno”, señalaba con determinación, “así que creo que voy a empezar ahora”.El nombre de aquella chica era Julie Manet y procedía de una familia artística verdaderamente notable. Su padre, Eugène, era el hermano menor de Edouard Manet y su madre, la destacada pintora impresionista Berthe Morisot. La familia contaba a Renoir, Degas y el poeta Mallarmé entre sus amigos más cercanos.El diario, de hecho, ofrece una fascinante visión de primera mano del mundo de los impresionistas y de la propia Francia en el cambio de siglo. La vida aparentemente idílica de Julie se vio truncada por la prematura muerte de sus dos queridos padres en un corto periodo de tres años, quedó huérfana con sólo dieciséis años de edad. Bajo la tutela de Stéphane Mallarmé, se fue a vivir con sus primos de quienes se sentía muy cercana. Recibió también el apoyo de artistas amigos de la familia, Renoir en especial, que tuvo a Julie durante todo el verano tras la muerte de Berthe, dando muestras de gran bondad y de un continuo interés por su bienestar.
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