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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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El proyecto Picasso
'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Improvisación libre
En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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¿Qué pez es?
Sumérgete en un océano donde las palabras juegan con los peces y las imágenes se transforman en adivinanzas llenas de movimiento, las «Adivi-danzas». Es una invitación aimaginar, dibujar y escribir a pescar en el lenguaje cotidiano con las redes del pen
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El teatro tradicional japonés
El teatro tradicional de Japón es una de las manifestaciones más depuradas de la cultura nipona. Una introducción a las tradiciones escénicas japonesas.El teatro tradicional japonés pretende mostrar al aficionado una nueva manera de aproximarse a las grandes formas escénicas de Japón.En sus páginas se habla del bugaku, no, kyogen, bunraku y kabuki, destacando que algunos de sus planteamientos también están presentes en la pintura, escultura, arquitectura o jardinería japonesas. Ahí radica lo novedoso de este trabajo, en descubrir las correlaciones existentes entre el teatro y el resto de las artes visuales niponas.De esas cinco tipologías se exponen sus orígenes, elementos escénicos y técnicas de actor subrayando, en cada uno de estos apartados, conceptos recurrentes como el vacío, lo horizontal, lo sugerido o lo irreal.El ensayo se completa con una bibliografía, webgrafía y videografía, así como un glosario de términos teatrales japoneses.
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Delante de Las meninas
Una descomunal copia de Las meninas a tamaño real se instaló en el salón de un pequeño apartamento madrileño en la plaza de Tirso de Molina. Cada día y durante ocho años, Emilio Cendón, que estudió Bellas Artes pero decidió abandonar toda práctica artística, ha convivido con la infanta Margarita, con Diego Velázquez y con los reyes en el espejo para intentar entender por qué el pintor sevillano dedicó los últimos años de su vida a un cuadro que, aparentemente, no refleja más que una escena menor de la vida en palacio. A través del estudio de sus obras anteriores, del testimonio de la memoria de pinturas que Velázquez redactó explicando las obras de arte que atesoraba la corte española —como los caprichos de Tintoretto y Veronés— y del análisis de piezas de otros artistas, como Leonardo o Van Eyck, el autor recrea una investigación fascinante y obsesiva, casi policíaca, que consigue atar cabos y ofrecernos pistas para entrar en la mente de un genio de enorme influencia en el arte contemporáneo y lograr comprender, por fin, por qué y para quién pintó Las meninas. Este libro, personal y alejado de lo académico, es también una crónica de esos años en compañía de Las meninas, así como de los viajes para encontrar sus claves. Plagado de minuciosas reproducciones a lápiz hechas por el autor, este texto generará en el lector unas irrefrenables ganas de ir a El Escorial, a Milán, a Londres y, sobre todo, de volver a visitar el Museo del Prado para situarse delante de Las meninas… y que todo cambie.
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Caricaturizar
La pregunta: ¿Existen nuevas formas de abrir la caricatura a cualquier persona a la que le guste dibujar? La respuesta: ¡Por supuesto! En este libro encontrarás métodos testados y demostrados capaces de simplificar los procesos y enseñar a cualquiera, con independencia de su edad, el arte de la caricatura. ¡Incluye sencillas instrucciones paso a paso y más de 3.000 ilustraciones! Un estudio exhaustivo de emociones y expresiones · Cómo dibujar la caricatura de deportes Caricaturas para publicidad · La caricatura explicada · Desglose completo de personajes caricaturizados Animación para TV · Técnicas de dibujo para caricatura política y de prensa Cientos de estilos nuevos y variados de caricatura · Más de 500 manos caricaturizadas Bocetado de caricaturas · Dibujar multitudes con facilidad · Cómo caricaturizar chicas Montones de preciosas cabezas caricaturizadas · Caricaturas libres e informales · Cientos de rasgos faciales que, combinados, dan lugar a más rostros divertidos que personas hay en el mundo · Cómo crear personajes para chistes y tiras cómicas · Disfraces e indumentaria para caricaturas · Cientos de problemas de cabezas y figuras resueltos
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Las razones del arte
Una breve pero magistral historia del arte, desde la prehistoria hasta nuestros días, por el aclamado filósofo Michel Onfray, que da las principales claves para entender y conocer el arte.«El arte contemporáneo es un lenguaje que necesita la misma iniciación que cualquier otra obra de arte, sea del siglo que sea. Del mismo modo que no resulta fácil entender el retrato de Luis XIV de Hyacinthe Rigaud Rigaud si no se conoce la simbología de la época, no se puede entender el ramo de tulipanes de Jeff Koons si no sabemos nada de su lucha LGBTQ+ en nuestro tiempo. Me gustaría guiarte desde los primeros vestigios del arte (Chauvet, hace 40.000 años) hasta el famoso ramo de Jeff Koons (2019), o en otras palabras, de la prehistoria hasta nuestros días, para luchar contra los que afirman que el arte ha muerto, que la Belleza que siempre ha establecido la ley dejará de serlo, y que consideran que deberíamos tirar a la basura todo el arte contemporáneo. La Belleza ha sido una inquietud reciente y efímera en la historia del arte: duró entre la invención de la palabra ''estética'' en 1750 de la pluma de Baumgarten y la de la fotografía en 1826. Argumentar, por tanto, que, porque el arte contemporáneo ha dejado de ser Bello, que ya no sería legítimo hablar de arte, es un disparate.» Michel Onfray.
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Lecciones sobre color
A través de 31 lecciones prácticas y sencillas, la acuarelista y profesora estadounidense Jeanne Dobie nos abre las puertas a una nueva manera de pensar el color que nos permitirá desbloquear nuestra creatividad y encontrar el modo de expresarnos a través del arte. Elaborar una paleta de pigmentos puros, entender el avance y el retroceso de los colores cálidos y fríos, generar atmósferas con veladuras, crear puentes cromáticos, aprender a camuflar con color, planificar los blancos y las sombras... Publicado originalmente en 1986 y convertido en todo un referente, este práctico manual nos ofrece las claves para entender no solo cómo actúan los colores y cómo se relacionan entre sí, también otros aspectos esenciales en la creación pictórica como la composición y el diseño.
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El sacro Imperio Romano Español
Un libro de geopolítica cultural y de historioterapia «Occidente ha olvidado el alma hispana que lo vio nacer. Ya es hora de que reencuentre sus raíces y con él todos aquellos que vivimos divididos y de espaldas a los demás y a la verdad. Este libro contribuye decididamente a esa tarea». Marcelo Gullo, profesor argentino. «El Sacro Imperio Romano Hispano, que describe con acierto Alberto G. Ibáñez, nos incluye a todos: indígenas del norte al sur, españoles, criollos, negros mestizos y mulatos. Es un homenaje merecido a la primera operación civilizatoria multicultural de la Historia». Alfonso Borrrego, biznieto del último caudillo apache Gerónimo. «Ibáñez es un intelectual de gran talla: su lectura es urgente e importante. En el Sacro Imperio Romano Hispánico (SIRH), nos hace palpar la grandeza de nuestro legado y abre vías hacia un futuro pleno». Carlos Leáñez, profesor venezolano. «El autor, tras sus exitosos ensayos anteriores, no defrauda con un nuevo estudio serio, innovador y, sobre todo, fascinante. Con este libro el modelo hispano recupera su trayectoria y avanza una vez más hacia el Plus Ultra»
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Guía completa de dibujo. Caligrafía, iluminación y lettering (ejercicios)
'La práctica hace al maestro''. Este dicho también se aplica a la escritura, y aprender a escribir es fácil, siempre y cuando se mantenga una práctica regular. Elija los abecedarios que más le gusten y diviértase. Solo de esta manera podrá desarrollar el amor y la paciencia para mantenerse activo en la práctica hasta conseguir dominar las letras.Con este cuaderno de ejercicios, practicar resulta sencillo. Sumérjase paso a paso en el fascinante mundo de la escritura: ¡podrá implementar cada abecedario directamente en la hoja de ejercicios correspondiente! Todo ello con la ayuda de las instrucciones detalladas para cada letra individual. No solo podrá conocer las escrituras caligráficas más importantes, sino que también aprenderá todo lo que necesita saber sobre el espaciado entre letras y el diseño de páginas. En los capítulos sobre lettering, las formas de las letras constituyen el centro de atención. ¡Pruebe los diferentes estilos y dé rienda suelta a su creatividad!
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Mundus muliebris
En este lúcido ensayo, el erudito ensayista francés analiza la obra de Élisabeth Louise Vigée Le Brun, una de las pintoras más brillantes e ignoradas de las últimas décadas prerrevolucionarias en Francia. Retratista magistral «capaz de conjugar el parecido fiel con la idealización impalpable», Vigée Le Brun fue la aliada a la que escogió María Antonieta para ofrecer una imagen humana y digna de ese mundus muliebris que ella representaba y que, supuestamente, corrompía el prestigio y la autoridad de los monarcas a fuerza de afeminarlos. Un relato fascinante que recrea con magnífica precisión el virulento despertar de una misoginia política, moral y social que hizo de la reina María Antonieta y su retratista oficial sus chivos expiatorios.
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Artistas Latinoamericanos
Trabajo esencial que muestra la obra de más de 300 artistas modernos y contemporáneos nacidos o afincados en América Latina.Los artistas latinoamericanos han ido adquiriendo cada vez más relevancia internacional a medida que el mundo del arte ha ido descubriendo las extraordinarias escenas artísticas de la zona. En un formato accesible ordenado alfabéticamente, este volumen presenta obras clave de 308 artistas que, en conjunto, demuestran la variedad y vitalidad de las obras de arte que se están realizando. Centrándose en los artistas nacidos o que han vivido en las 20 regiones de habla hispana y portuguesa de América Latina, y presentando a artistas históricos y vivos -tanto conocidos internacionalmente como nombres menos conocidos fuera de sus países de origen-, este libro ha sido creado en estrecha colaboración con un experto panel de 68 asesores y escritores.Entre los artistas incluidos figuran: Allora y Calzadilla, Manuel Álvarez Bravo, Francis Alÿs, Olga de Amaral, Fernando Botero, Leonora Carrington, Lygia Clark, Carlos Cruz-Diez, Leonor Fini, Gego, Félix González-Torres, Carmen Herrera, Graciela Iturbide, Alfredo Jaar, Frida Kahlo, Guillermo Kuitca, Wifredo Lam, Teresa Margolles, Marisol, Cildo Meireles, Ana Mendieta, Beatriz Milhazes, Ernesto Neto, Hélio Oiticica, Gabriel Orozco, José Clemente Orozco, Diego Rivera, Zilia Sánchez, David Alfaro Siqueiros, Cecilia Vicuña, Adrián Villar Rojas y Faith Wilding.El panel asesor incluye a: Deri Andrade, David Ayala-Alfonso, Fernanda Brenner, Estrellita B. Brodsky, Tatiana Cuevas, Anna Di Stasi, Andrés Gustavo Duprat, Raphael Fonseca, Zanna Gilbert, Laura Hakel, Yina Jiménez Suriel, Maya Juracán, Pablo Léon de la Barra, Miguel A. López, Bernardo Mosqueira, Gerardo Mosquera, Rodrigo Moura, Laura Orozco, Taisa Palhares, Maylin Pérez, Catherine Petitgas, Patricia Phelps de Cisneros, Florencia Portocarrero, Ileana Ramírez Romero, Amy Rosenblum-Martín, Emiliano Valdés y Michael Wellen.
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El culto a la memoria
La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''.La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''. La memoria del poder ha erigido enfáticos monumentos, algunos todavía orgullosamente presentes en plazas públicas, mientras que otros muchos han sido olvidados o incluso demolidos al repudiarse sus contenidos y sus formas. El poder de la memoria ha sido utilizado por los regímenes totalitarios de todos los tiempos y lugares que han entendido que la forma más tenaz y sistemática de aniquilar a una cultura es precisamente borrar por completo sus recuerdos.En este libro se reflexiona sobre el culto a la memoria, sobre la ética y la estética de la memoria. Las transformaciones sucedidas en la conciencia universal nos llevarán a constatar los cambios experimentados en el arte de la rememoración que han provocado una total inversión de categorías: frente al monumento se propone hoy el contramonumento, frente a lo heroico, lo antiheroico, frente a la celebración de la victoria y la gloria se invoca el trauma y la opresión, frente a la glorificación de los héroes se alza el reconocimiento a las víctimas. Estos sustanciales cambios en la cultura de la memoria se detectan especialmente en sociedades que realizan tránsitos de dictaduras a sistemas democráticos o en lugares sometidos a conflictos armados, guerras o vulneraciones de los derechos humanos.Pero es un proceso que también afecta a los viejos continentes sumidos en el lánguido bostezo de sus democracias consolidadas. Así podremos comprobar cómo la memoria es una sustancia viva, cambiante y fugitiva que muchas veces provoca reacciones encontradas que oscilan desde la identificacióny la exaltación de la memoria hasta su olvido o incluso su destrucción iconoclasta.
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Cuerpos que aparecen
Este libro analiza las implicaciones estético-políticas de la presencia del cuerpo en las prácticas performáticas de los últimos años de la dictadura franquista. La performance, como estrategia estética, puede convertirse en un espacio de resistencia desde el que torcer la lengua para interrumpir la literalidad del discurso e imaginar visualidades periféricas. El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que lo circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les «da cuerpo». Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unos actos y el relato de quienes los cometieron. Citar implica recuperarlos y repensarlos desde posicionamientos feministas que contribuyan a cuestionar la historiografía del arte contemporáneo en el Estado español.
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Intervalos
El espacio vacío es una oportunidad, un encuentro activo. En este libro, Guridi reflexiona sobre cómo el cine, el teatro y la arquitectura articulan ese espacio, y sobre cómo podemos adaptar esas ideas en la creación de nuestras obras visuales.
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Sondeando el abismo: Goya y Schopenhauer
Ante la complejidad de la vida: afinidad de inquietudes y actitudes del artista y el filósofo ¿Qué tienen en común Francisco de Goya, considerado ''el más filósofo de los pintores'', con el llamado ''filósofo de los artistas'', Arthur Schopenhauer? ¿Pueden existir entre dos autores profundas afinidades que, prescindiendo de las coincidencias en el espacio y en el tiempo, remitan a una comunidad de inquietudes y actitudes? Goya fue un pintor muy poco académico, que se adentró con sus creaciones en las honduras del alma humana. Y lo mismo puede afirmarse de Schopenhauer en su condición de filósofo: un pensador atípico que se movió mejor entre imágenes que entre conceptos, prefiriendo comprender a explicar.Ambos arrojaron la sonda en las profundidades abismales de la existencia, no encontrando otro fondo que el de una extraña y oscura voluntad.
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Aún aprendo
El dibujo nace con la mano, es ésta la que conecta los ojos con el carbón, el lápiz o la pluma, el muro o el papel: la mano es el instrumento de creación, sin manos es imposible dibujar. Lo advierte Henri Focillon en su ensayo Elogio de la mano: «Lo que distingue el sueño de la realidad es que el hombre que sueña no puede engendrar un arte: sus manos duermen». El dibujo es una de las actividades humanas más básicas pero que, al igual que el descubrimiento del fuego o la invención de la rueda, revolucionó la historia de la humanidad: en el dibujo es donde la idea encuentra su concreción. Para el artista el dibujo es su forma de expresión más íntima y espontánea, la que no está sujeta a un encargo ni tiene aún en mente la mirada del espectador. Es, según Artur Ramon, allí donde se funden el azar y el don.En este volumen, un viaje desde las cuevas de Altamira hasta el despliegue de las imágenes realizadas en arcilla por Miquel Barceló en los pasillos de la Biblioteca Nacional de París, nos invita a recorrer los entresijos de este gran arte menor, el que reduce la idea del creador a lo fundamental y constituye la prueba irrefutable de su calidad como artista. «Aún aprendo», reza la inscripción en uno de los últimos dibujos de Goya, en el que un anciano anda con gran dificultad apoyado en dos bastones, «Ancora imparo», responde un octogenario Miguel Ángel a alguien que se le acerca para elogiar sus trabajos en la Capilla Sixtina. Una lección reveladora que en los albores de un siglo incierto nos recuerda la importancia de cultivar la mirada como forma de aprendizaje.
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Cabaret Voltaire
El nacimiento del movimiento DadáHugo Ball y su compañera Emmy Hennings ya venían improvisando -él al piano, ella recitando y cantando- veladas en algún local de Zúrich, cuando en enero de 1916 decidieron abrir su propio Cabaret donde exponer obras de arte, organizar lecturas de poesía y montar espectáculos de música y baile, todo con el ánimo de denunciar la violencia desatada en Europa con la Gran Guerra y denigrar los supuestos valores en nombre de los cuales se combatía.Desde el mismo día de la inauguración, se asomaron al local artistas que, huyendo de la guerra, se habían refugiado en la neutral Suiza. Especialmente un poeta rumano, Tristan Tzara, adquirirá protagonismo en cuanto acontecerá en el Cabaret Voltaire, tanto que pronto liderará una revolución que desde esas paredes no tardaría en estallar: la revolución DADÁ.
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Exploradores, soñadores y ladrones
Un nuevo ejercicio de invención a partir del encuentro de la compleja historia de Europa y América. Exploradores, soñadores y ladrones es una aventura a través de la memoria y los archivos. Este libro es un nuevo ejercicio de invención a partir del encuentro de la compleja historia de Europa y América.Después del éxito de Volver a contar, el equipo curatorial del Museo Británico y del Hay Festival se unieron de nuevo para animar a diferentes autores a inspirarse en los objetos del museo.En esta ocasión, la propuesta es un poco diferente. Los creadores fueron invitados a revisar una serie de documentos etnográficos: una profusión de diarios, cartas, bocetos, reflexiones y transacciones, todos referentes al proceso de adquisición de obras. Partiendo de estos materiales, la premisa fue imaginar narrativas propias que tuviesen como protagonistas a aquellos que lograron que esas piezas llegaran al espacio museístico. El proceso produjo un resultado asombroso. Como siempre, la imaginación de los escritores llegó hasta lugares insospechados.Cualquier lector encontrará, en esta polifonía, un juego enriquecedor y provocador. El camino a través de estos relatos es similar al que emprendieron, algunos siglos atrás, los exploradores, soñadores y ladrones que inspiran este volumen.
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III Premi Bones Lletres d'assaig humanísticamb una obra sobreLA RELACIÓ ENTRE ART I NATURAMartí Domínguez porta a terme en Del natural un ample recorregut per la història de la pintura tenint com a principal fil conductor la percepció de la natura. Des de la representació d'un corder per part de Giotto fins a les dones de Gauguin pintades a la Polinèsia, passant pel renaixement italià i flamenc i pels pintors romàntics i impressionistes, l'autor reflexiona sobre com la natura ha estat en cada cas interpretada i pintada, incloent-hi dins d'ella l'estudi del paisatge i de la mateixa naturalesa humana. D'aquesta manera, Del natural és un assaig que, des d'aquesta òptica naturalística, descobreix als lectors noves i sorprenents lectures de les obres d'art, tot això ben amanit per una prosa rica i especiosa, que es recrea en la vida dels pintors i en les seues principals creacions.
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L'autor F. Xavier Martí, arquitecte apassionat de l'art, descriu l'evolució de la pintura des de Giotto fins a Rothko. Estructurada com a guia de viatge, analitza una obra de cada autor, els precedents, les influències rebudes, les repercussions posteriors i les característiques iconogràfiques i iconològiques, tot aprofitant per traslladar-nos al moment de la seva realització i conèixer l'entorn social de l'època. El llibre ens dona una visió dinàmica de l'evolució de la pintura durant els sis segles i mig que separen les obres d'en Giotto i d'en Rothko, analitza els factors més rellevants presents en el procés evolutiu de la pintura i palesa la relació directa existent entre la producció artística i els canvis que ha anat experimentant la societat en aquest mateix període, per deixar al descobert el fil conductor que uneix i explica de forma coherent les etapes successives. Giotto di Bondone · Masaccio · Piero della Francesca · Leonardo da Vinci · Raffaello Sanzio · Michelangelo Buonarroti · Agnolo Bronzino · Pieter Brueghel el Vell · Michelangelo Merisi da Caravaggio · Peter Paul Rubens · Rembrandt Van Rijn · Giambattista Tiepolo · Jacques-Louis David · Francisco de Goya y Lucientes · Caspar David Friedrich · F. V. Eugène Delacroix · J. M. William Turner · Jean-François Millet · Utagawa Hiroshige · Édouard Manet · Claude Monet · Paul Cézanne · Vincent Van Gogh · Henri Matisse · Pablo Ruiz Picasso · Georges Braque · Ernst Ludwig Kirchner · Vassili V. Kandinsky · Kazimir Malévich · Piet Mondrian · Marcel Duchamp · André Masson · Jackson Pollock · Mark Rothko
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Los Hanamachi de las Maiko y Geiko de Kioto
Descubre el mundo íntimo de las Maiko de la mano de la mayor experta en los Hanamachi de Kioto y en la cultura de las geishas.Los hanamachi —literalmente, «ciudad de las flores»— son los barrios en los que residen y trabajan las geishas: un pequeño universo donde el tiempo parece haberse detenido, un lugar en el que perviven antiguas tradiciones y en cuyas calles se respira el arte y la belleza de la milenaria ciudad imperial de Kioto. La fama de los hanamachi ha trascendido las fronteras de Japón y hoy en día estos pintorescos barrios son conocidos en todo el mundo atrayendo a miles de turistas. Las maiko —aprendices de geisha— son su símbolo y, ataviadas con sus coloridos kimonos, recorren sus calles, acuden a eventos y reciben formación e instrucción en las artes y las tradiciones más antiguas de Japón.
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Dibujo científico
Arte. Grandes temas Cátedra
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Introducción al color
Elaborado por un equipo de profesionales del color y de la enseñanza, este libro va dirigido fundamentalmente a los alumnos de arte de un nivel medio-alto. Alumnos de distintas escuelas que no se conforman con una simple descripción de los fenómenos, y que demandan unas explicaciones convincentes de los mismos. Con esta intención como premisa, se elaborado un manual sobre el color, descriptivo en los capítulos esenciales, reflexivo y conectado estrechamente con las disciplinas afines de las que se alimenta y a las que también remite. Contiene fundamentos teóricos y físicos del color, de óptica, de historia y simbología en el uso del color, así como fundamentos de armonía y las últimas técnicas y soportes digitales para imagen.
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Catàleg de l'exposició temporal ''Emocions. Imatges i gestos del passat i del present'', que té com a objectiu principal aprofundir en el món de les emocions, com el dolor, la tristesa, la solitud i la compassió, que poden transmetre les obres medievals i renaixentistes del Museu quan es posen en relació amb algunes obres d'artistes contemporanis (Bill Viola, Antoni Tàpies o Lucio Fontana). La voluntat del Museu és revitalitzar la seva col·lecció d'art a partir d'una mirada actual sobre sentiments intemporals i universals.
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La soberanía del arte
El pintor estadounidense afincado en Inglaterra James McNeill Whistler (1834-1903) ha pasado a la historia no sólo por sus cuadros sino por la acérrima defensa que hizo de su arte ante las críticas de que era objeto por parte ya fuera del público general, como de la prensa o de personalidades destacadas de la cultura británica. Así, además de publicar en los periódicos puzantes réplicas, no dudó en denunciar por difamación a John Ruskin u Oscar Wilde, obligando con ello a los tribunales de justicia a aclarar los límites de las opiniones que, legítimamente, cabe verter sobre el Arte.
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A lo largo de su vida creativa Leonardo da Vinci reflexionó sobre la figura de san Juan. Tuvo que ver en él resabios o máscaras de mitos antiguos, provenientes de otras culturas, que remarcaban su relación con la naturaleza y lo divino. Seguramente relacionó esa figura con la de Orfeo y la de Dioniso o con la de José, el hijo de Jacob, y, aunque, por su biografía y sus escritos, parecería que Leonardo tuvo poco que ver con preocupaciones de orden religioso o místico, sus cuadros sobre Juan indicarían lo contrario.
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Antonio Rafael Mengs. Su vida y su obra
“La maestría de Anton Raphael Mengs se distingue por la gracia que imprime en sus obras, esto es, por aquella cosa que se siente mejor que se explica, y consiste en una cierta suavidad en los contornos, facilidad en los movimientos, que no muestran nada forzado, en el escoger aquel preciso movimiento que toman todas las partes cuando se muestran agradables, y en fin en la naturalidad y armonía de composición y colorido.”José Nicolás de Azara, mecenas y diplomático, fue destinado por muchos años a la embajada española en Roma, ciudad en la que coincidió con Mengs, con el que trabó gran amistad. Muerto el artista, editará sus escritos y ensalzará su legado pictórico.
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Correggio
Antonio Allegri, conocido como Correggio (1489-1534), “es el Apeles de los Pintores modernos, pues poseyó como aquél la suma gracia del arte, y con sus singulares obras nos ha enseñado el camino de la perfección que debemos buscar en la práctica de la Pintura, y adonde se puede llegar en el efecto, y cuando se debe dar por acabada una obra.”
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España rarita
«¿Has besado alguna vez la bandera nacional?».En 2008 la economía y las principales instituciones del país estuvieron al borde del colapso. A raíz de ese proceso, una serie de artistas pusieron el foco sobre la cultura oficial española (el himno y la bandera, los toros, las fiestas católicas, el folclore o el 12 de octubre).La crisis de 2008 dio al traste, entre otras cosas, con la promesa de felicidad nacional instituida durante la Transición. Se ha analizado mucho lo que supuso el colapso de la economía y el abismo al que se asomó el aparato del Estado, pero faltaba la tercera pata: el resquebrajamiento de la cultura oficial española. El entramado que conforman el himno y la bandera, los toros, las fiestas católicas, el folclore o el 12 de octubre, y que parecía patrimonio de las fuerzas conservadoras hasta que pasado al dominio público gracias a la reapropiación queer que han llevado a cabo los artistas de la España rarita. Rosalía, C. Tangana, Niño de Elche, Rodrigo Cuevas, Samantha Hudson, los Javis, María Arnal o Palomo Spain son algunos de los creadores que han venido dando la batalla simbólica por ampliar la noción de comunidad y hacer mucho más diversos los imaginarios de lo español.En estas páginas Daniel Valtueña dibuja un mapa de la efervescencia social de aquellos años al tiempo que desliza una crítica al 15M, por haberse erigido en el centro de una memoria sentimental e ideológica que ha opacado otros fenómenos culturales. A continuación, afirma el poder de la cultura, en su dimensión más perversa y en la más transgresora: por un lado, su inmensa utilidad en manos de la oficialidad como cortina, por otro, su capacidad para rasgar esa misma cortina, tomarle las medidas al poder y exponer su miserable condición.
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Guía visual de la arquitectura en la Edad Media II
Arte. Grandes temas Cátedra
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Leer a mano
Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia, producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario, un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.
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Santo y seña de Guillermo Pérez Villalta
Antonio Bonet Correa siguió con gran fascinación, casi desde sus inicios, los pasos del pintor Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948). El artista se convierte en este libro en el espejo en el que se contempla el historiador del arte. De ahí que estas páginas que les dedica a la vida y la obra del artista estén repletas de emocionantes pinceladas autobiográficas (muchas de ellas referidas a su infancia coruñesa y lucense, y a sus relaciones, en París, Madrid y Sevilla, con los creadores de su generación), y que constituyan al tiempo una suerte de testamento estético y vital de Bonet Correa. De Pérez Villalta le atraen su pasión por la Antigüedad clásica y por la mitología, su conocimiento de la historia del arte y de los tratados, su pasión por el barroco y el rococó, su vocación frustrada de arquitecto, su interés por las construcciones demóticas de la Costa del Sol y otros espacios españoles. El libro, que el autor dejó inacabado y ha sido editado por su hijo, Juan Manuel Bonet, incluye un apéndice de este último, un prólogo del propio Pérez Villalta y un epílogo de Estrella de Diego. En él se reproducen además numerosas obras del pintor y de los ''afines''. En definitiva, es un maravilloso viaje artístico de la mano de un gran maestro.
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Edad Moderna, La. Historia del Arte 3
En este tercer volumen se narra la evolución del arte y la arquitectura durante la Edad Moderna. Dos módulos específicos se dedican el arte del Quattrocento y el Cinquecento en Italia, y un tercero estudia la difusión europea del Renacimiento. En otros tres apartados independientes se examina la arquitectura y el urbanismo, la pintura, y la escultura y las «artes menores» del Barroco y el Tococó. Por último, dos capítulos más analizan las transformaciones artísticas durante el periodo de la Ilustración y la historia del arte y la arquitectura de la Edad Moderna en Iberoamérica.
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Mirar
La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la cámara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorías literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.
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El espíritu del arte japonés
Una amena lectura, con las claves estéticas para entender las obras de los más destacados artistas japoneses, desde la decorativista escuela Rinpa (Kōetsu y Kenzan) y el popular ukiyo-e (los primitivos, Utamaro, Hiroshige, Kyōsai y Yoshitoshi), hasta los pintores de las corrientes nihonga y yōga del siglo XIX y comienzos del XX, cuando el viejo arte se enfrentó con las nuevas corrientes llegadas de Occidente. Con edición crítica del profesor David Almazán y profusamente ilustrado, este libro es una ventana a una selección de artistas fascinantes, con los acertados comentarios de Noguchi, que nos facilitan su valoración.
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