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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Alexander Tairov (Romny, 1885 - Moscú, 1950). Actor y director escénico ruso. Discípulo de Konstantín Stanislavski y Vsévolod Meyerhold. En 1914 creó el Teatro de Cámara que en muy poco tiempo se convierte en el centro de la creatividad experimental para muchos actores, pintores, escritores y músicos rusos. Desarrolló lo que el denominó Teatro Sintético que incorporaba ballet, ópera, circo, pantomima, historia del teatro y malabares. Le da especial importancia al trabajo con la voz y al ritmo situando al actor como fuerza motriz de la acción dramática. Tairov sostenía que el teatro era un arte en sí mismo y no un medio para trasmitir literatura. En su escuela desarrolló una compañía de actores-maestros que fueron los principales creadores de las puestas en escena. A partir de 1924, Tairov que se había unido al régimen soviético más por entusiasmo que por convicción ideológica, fue duramente criticado por sus investigaciones teatrales y descrito como burgués y antirrevolucionario. Sometido a grandes presiones es enviado con el Teatro de Cámara a realizar una gira por Siberia que dura casi dos años. Sobrevivió a las grandes purgas de Stalin y evitó el exilio como le sucedió a Evreinov o el trágico final de Meyerhold, fusilado en 1940. En mayo de 1949, el Comité Soviético para las Artes emitió una orden oficial para cerrar el Teatro de Cámara bajo la acusación de esteticismo y formalismo y el edificio fue demolido. Es trasladado al Teatro Vajtángov trabajando bajo la supervisión de una junta de teatro estatal. En 1950 a Tairov lo ingresan en un centro psiquiátrico, falleciendo como consecuencia de un cáncer cerebral a los pocos meses.
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Uwe Fleckner nos presenta la visión política y comprometida, desde el análisis profundo de la iconografía y la composición, de la producción artística de Pablo Picasso.En 2023 se conmemora en todo el mundo el 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso, el pintor más importante del siglo XX. Mientras las exposiciones y las publicaciones, principalmente en España y Francia, destacan los polifacéticos aspectos de su arte, este libro se centra en un aspecto particularmente significativo de su repercusión: el compromiso político de su obra y la acogida universal de la misma.El presente volumen reúne una serie de artículos en los que se aborda al Picasso «político»: desde la incautación de su temprana obra maestra La bebedora adormecida (1902) en Alemania, hasta la «iconización» del Guernica (1937), del que se descubre en este texto una interpretación iconográfica completamente nueva pasando por el análisis de la única obra de teatro de Picasso, El deseo atrapado por la cola (1941), que se interpreta como la reacción ante la Ocupación Alemana en París.Desde una perspectiva metológica, el libro, escrito por uno de los mejores conocedores del arte moderno, se caracteriza por el minucioso estudio de documentos desconocidos, así como por un análisis profundo de la iconografía y la composición de importantes obras maestras de Pablo Picasso.
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Las ilustraciones de Luis Ruiz y los textos de Pepo Paz nos acompañan a lo largo de un placentero viaje por la antigua ciudad amurallada de Toledo. Atalaya enclavada en un profundo meandro que describe el Tajo, de sus almas cristiana, judía y musulmana dan fe las páginas de este libro, que recorrerá el legado romano de la ciudad, la huella visigoda, la andalusí, la judería, la Catedral y sus alrededores, los palacios, patios y conventos del Toledo más íntimo, la ciudad extramuros y, finalmente, la Toledo contemporánea. Una visión cultural, histórica y artística completada por un capítulo introductorio y un glosario de términos que permitirán al lector adentrarse en la vívida esencia de Toledo.
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Un viejo amigo mío de provincias, un tal Leonardo, nacido en un pueblecito cerca de Florencia, Vinci... Era un hombre muy curioso... se pasaba las horas observando las plantas... dibujar un árbol es el primero de los cuatro libros dedicados a los históricos talleres de Bruno Munari. Con la simplicidad, humor y poesía que le caracterizan, el artista italiano nos habla sobre la forma y estructura de los árboles para mostrarnos cómo dibujarlos: dónde poner sus alocadas ramas, cuántos troncos dibujar, cómo se ven transformados por la acción del viento...
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La biografía de Peter Doherty es la última de las grandes historias del rock and roll: líder de The Libertines y los Babyshambles, compositor excepcional, blanco de la prensa amarilla, siempre metido en líos, arrastrando problemas con las drogas, antisocial y encantador al mismo tiempo. Para sus devotos seguidores, Doherty es un héroe de culto, para sus detractores, un chaval prometedor que terminó malogrado.Una vez superados sus años más salvajes, y con la sensación de haber sobrevivido de manera milagrosa, Peter Doherty expone con franqueza, de manera sobria y a veces muy emotiva, los momentos más importantes y oscuros de su vida y de su carrera musical, mostrando las claves de su creatividad, repasando la historia de The Libertines y los Babyshambles, bandas que han definido los últimos veinte años de indie rock con su sonido, sus canciones y su estilo provocador. Con ingenio y desenvoltura, Doherty detalla sus influencias musicales (The Smiths, The Clash, The Stooges, Sex Pistols...), su infancia errante y las travesuras juveniles en Londres antes de alcanzar la fama, las fiestas decadentes con drogas duras y groupies, sus relaciones con Kate Moss y Amy Winehouse, los pequeños conciertos y los espectáculos en grandes estadios, los escándalos con gánsteres, las condenas en diversas cárceles británicas, la ruptura de sus bandas a causa de las drogas, su relación con Carl Barât, su tendencia a la autodestrucción...Peter Doherty. Un chaval prometedor es la versión del propio músico de toda aquella historia, una autobiografía sorprendente que, con humor y lucidez, muestra a la persona y al músico que hay detrás de la fama y la infamia y que a más de uno le hará preguntarse: «¿Cómo es posible que todavía siga vivo?».
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Libro clásico de crítica del arte que, en esta novedosa edición ilustrada, se constituye además como guía imprescindible para la visita a un museo que cuenta con una de las colecciones pictóricas más importantes del mundo. Esta nueva edición incorpora dos textos inéditos elaborados por el autor en los años 1943 y 1952, con ocasión de la conmemoración de los aniversarios de la primera publicación de esta obra que, sin duda alguna, contribuirán a enriquecer una obra ya considerada como un clásico dentro de su campo. Para amenizar el recorrido del visitante por el museo el libro se complementa con noventa reproducciones a color de las pinturas más relevantes objeto de análisis, que además facilitan el estudio de las mismas. Goya, Zurbarán, Durero, el Greco, los denominados venecianos o Van Dyck son, entre otros, objeto de un análisis pormenorizado que su autor lleva a cabo con una autoridad fuera de toda duda, y que acercará a todo el que se sumerja en su lectura a los grandes de la pintura.
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BIM Manager ofrece una gran cantidad de conocimientos y orientación práctica para entender e implementar el Modelado de Información de la Construcción. Es relevante para todos aquellos que trabajan en el sector de la construcción y se ocupan de la integración de BIM en sus trabajos, desde técnicos de diseño, arquitectos e ingenieros hasta los gestores de proyectos, gerentes e incluso propietarios y operadores de edificios. Esta obra le proporcionará los recursos que necesita para planificar, implementar y entregar con éxito BIM en su organización. Además, cuenta con casos de estudio y numerosas contribuciones de expertos.
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Modigliani est surtout un peintre de portraits : c’est un portraitiste.“Ce que je cherche, ce n’est pas le réel, ni l’iréel, mais l’Inconscient, le mystère de l’instincitivité de l’être”, disait‐il à propos de ses tableaux. Ce livre regoupre les portraits que Modigliani a peint de ses amis avec les souvenirs de Modigliani qu’ont écrit ses amis. Livre, compagnon de celui intitulé Paysages, publiés tous deux à l’occasion de l’exposition au Musée de l’Orangerie dédiée à Amedeo Modigliani, septembre 2023.
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“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant...“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant, Modigliani fut élève à Livourne de Guglielmo Micheli, peintre de paysage dans la tradition des Macchiaoli italiens. Et pourtant avec Modigliani, de par ses nombreux portraits, c’est aussi l’Italie, le Midi et surtout Paris qui parlent.
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Les demoiselles d'Avignon' de Pablo Picasso van néixer a París, però van ser concebudes a Gósol. Si algú dubta d'això, només cal que es capbussi en aquestes pàgines. Vet aquí la crònica d'una revelació artística i d'una transformació personal. El 1906, en un poblet de l'Alt Berguedà, al peu del Cadí, Pablo Picasso va transformar-se en Pau: Pau de Gósol. Es va fascinar per l'enigmàtica Hermínia, per les «pageses d'Andorra» i per uns homes que semblaven fets de pedra i terròs. El viatge a Gósol era, a principi de segle XX, un viatge radical en el temps. Iñaki Rubio aconsegueix fer palpable el batec d'aquelles muntanyes i posar llum sobre un dels períodes més transcendentals i desconeguts de la trajectòria d'un dels artistes més influents de la història.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 22 de septiembre de 2023 al 7 de enero de 2024.El presente catálogo incluye una amplia selección de obras representativa de todos los temas que articulan la exposición que acompaña. Destaca la incorporación de Melilla, serie de fotografías realizada por el artista a finales de 2022, resultado del encargo realizado por Fundación MAPFRE con ocasión de la exposición.Incorpora además una entrevista al artista a cargo de Victoria del Val, comisaria del proyecto, así como ensayos críticos de los especialistas en migraciones y estudios fotográficos, Ilsen About y Ernst Van Alphen, y de la historiadora de la fotografía Luce Lebart. Imágenes del artista no presentes en la muestra ilustran, entre otras, estos textos.
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Contra lo común reescribe la historia del urbanismo desde la perspectiva de los oprimidos, adentrándose en el drama de la urbanización capitalista y la lucha de las clases populares por construir lugares más justos y democráticos a través de su capacidad para organizar el espacio y convertirlo en una fuente de poder, y expone cómo el capitalismo y las políticas urbanas han evolucionado en sus intentos por destruir este potencial liberador.Álvaro Sevilla-Buitrago recorre más de tres siglos de urbanización en el mundo occidental para revelar la centralidad de estas estrategias de desposesión en múltiples procesos de cambio espacial: de la privatización de la tierra comunal al control del espacio público y la vida cotidiana, de la reestructuración de la metrópolis y la producción de suburbios a las políticas de vivienda o las nuevas dinámicas de segregación, gentrificación y regeneración ligadas a la llamada «ciudad creativa».Pero «lo común no es solo un inquietante espectro del pasado, también es una hipótesis sobre el futuro». Concibiendo la historia y la planificación como proyectos transformadores, estas páginas también exploran la posibilidad de una urbanización postcapitalista basada en los comunes, en la que el contenido y el diseño del espacio social estén definidos por las personas que lo habitan.
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En aquest llibre hi trobareu una selecció de fragments d'algunes de les memòries escrites pels caçadors de cançons, els homes i dones que recollien cançons per a l'Obra del Cançoner Popular de Catalunya. La prosa poètica tan sentida de Palmira Jaquetti, l'entusiasme i l'erudició de Joan Tomàs, el rigor metòdic de Baltasar Samper, el zel descriptiu i acurat de Joan Amades... Una barreja de literatura de viatges, reflexions musicals i descripció de personatges, paisatges i maneres de viure.
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Doctor Who: Cinco Doctores es la guía definitiva para los apasionados de la icónica serie de televisión británica. Este completo compendio abarca todos los episodios de Doctor Who, desde su regreso en 2005 hasta la actualidad. Repleto de datos interesantes, esta guía te presenta una breve sinopsis de cada episodio, pero su verdadero valor radica en desvelar innumerables curiosidades y detalles detrás de cada uno de ellos. Ya sea para revivir tus episodios favoritos o para mantenerte al día con los últimos acontecimientos en el universo de Doctor Who, esta guía es un recurso esencial que te mantendrá intrigado y entretenido, sin que te pierdas ni un solo detalle de esta compleja serie.
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Los sueños de la vivienda colectiva del movimiento moderno marcan el origen de una genealogía habitacional que este estudio establece a través del análisis comparado de 125 proyectos realizados en México desde principios del siglo XX hasta la actualidad. Entre ellos, encontramos obras de arquitectos tan reconocidos como Juan O'Gorman, Luis Barragán, Mario Pani, Hannes Meyer, Alberto Kalach y Frida Escobedo. A partir de fotografías de época y planos redibujados, esta segunda edición de Vivienda colectiva en México, revisada y ampliada con nuevos proyectos, no solo examina los parámetros básicos de cada una de las obras estudiadas, sino que señala algunas de las cuestiones fundamentales que han acompañado a los debates en torno a la fórmula habitacional colectiva, como los problemas de la segregación residencial, la idea de casa productiva o el papel de las políticas actuales. Un estudio profundo y completo que proporciona nuevas claves para la construcción de una cultura del hábitat que indague en la relación que existe entre lo que es de uno y lo que es de todos.
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La pregunta: ¿Existen nuevas formas de abrir la caricatura a cualquier persona a la que le guste dibujar? La respuesta: ¡Por supuesto! En este libro encontrarás métodos testados y demostrados capaces de simplificar los procesos y enseñar a cualquiera, con independencia de su edad, el arte de la caricatura. ¡Incluye sencillas instrucciones paso a paso y más de 3.000 ilustraciones! Un estudio exhaustivo de emociones y expresiones · Cómo dibujar la caricatura de deportes Caricaturas para publicidad · La caricatura explicada · Desglose completo de personajes caricaturizados Animación para TV · Técnicas de dibujo para caricatura política y de prensa Cientos de estilos nuevos y variados de caricatura · Más de 500 manos caricaturizadas Bocetado de caricaturas · Dibujar multitudes con facilidad · Cómo caricaturizar chicas Montones de preciosas cabezas caricaturizadas · Caricaturas libres e informales · Cientos de rasgos faciales que, combinados, dan lugar a más rostros divertidos que personas hay en el mundo · Cómo crear personajes para chistes y tiras cómicas · Disfraces e indumentaria para caricaturas · Cientos de problemas de cabezas y figuras resueltos
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* Un viaje a través de la historia mediante 80 obras de arte y sus gamas cromáticas cuidadosamente seleccionadas. * El color permite a los artistas narrar historias, expresar su individualidad, evocar una atmósfera y plasmar mensajes subliminales, y los artistas más grandes han cargado sus pigmentos con referencias sociales, políticas y religiosas. * Desde tierra a piedras semipreciosas e insectos machacados, se examinan los inesperados materiales utilizados para crear pigmentos y hasta qué extremos han llegado los artistas para conseguirlos. A través de 80 maravillosas obras de arte, desde pinturas rupestres a obras maestras contemporáneas, a lo largo de estas páginas podrá navegar por puntos de inflexión de mayor y de menor importancia, así como a contemplar obras conocidas y otras que no lo son tanto a través de una perspectiva nueva y vibrante. Para estas obras, el color no es solo una herramienta, sino también el secreto fundamental de su éxito.
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¡Aprende los tres aspectos necesarios para crear impresionantes retratos: iluminación, disparo y retoque! Scott Kelby, el autor de libros sobre fotografía más vendido del mundo ha reinventado la forma de realizar libros de iluminación al abordar el proceso completo en un solo libro.En esta edición totalmente revisada y actualizada de su éxito de ventas Iluminar, disparar y retocar encontrarás desde el esquema de iluminación (y todo el equipo empleado) hasta la sesión (incluidos todos los ajustes de cámara y una hoja de contactos con la sesión completa). El autor explica además esa parte esencial que muchos no se atreven a mostrar: el revelado y el retoque posterior en Lightroom y Photoshop.Este libro también sienta un precedente en la manera visual en que se enseñan los esquemas de iluminación. No hay bocetos ni modelos en 3D, sino que verás el esquema real en fotografías tomadas durante la propia sesión, además de ángulos cenitales, laterales, y cualquier otra perspectiva que necesites, mientras observas las distancias exactas entre la luz, el sujeto y el fondo. Lo que hay es lo que verás.Además, tienes vistas adicionales detrás de las cámaras, así que podrás asegurarte de acertar la iluminación para cada ocasión. A lo largo del libro, Kelby usa flashes de mano y de estudio y explica todas las técnicas, por eso, ya uses flash de zapata o equipos de estudio, este libro te será útil.
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El arte de la oscuridad es un original libro basado en más de 200 obras de arte cuidadosamente seleccionadas e inspiradas en lo mórbido, lo melancólico y lo macabro. Los sugerentes capítulos del libro presentan una selección de obras de arte que expresan ansiedades y aversiones, tensiones y temores que trascienden el tiempo que, por siempre, han acechado nuestras mentes y, aunque resulten difíciles de afrontar, forman parte de la condición humana.S. Elizabeth nos habla sobre las influencias e inspiraciones de los artistas representados en el libro para preguntarnos, ¿podemos ganar algo al enfrentarnos a nuestros demonios? ¿Por qué nos atrae tanto el miedo y lo grotesco? ¿Y qué nos dice esto sobre la mente humana? Conectemos con nuestras sombras y disfrutemos de estas obras de arte, que nos van a ayudar a reconciliarnos con nuestro lado oscuro.
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¿Qué tiene Barcelona que la hace tan única y especial? Tiene a Gaudí, Las Ramblas, el mar… Y tiene bares antiguos e históricos que nos cuentan otra parte de la ciudad, la de sus gentes, sus costumbres, sus ‘batallas’, sus amores, sus desamores…Por eso la plataforma Bares Auténticos apostó en 2012 por crear una guía para turistas y autóctonos que quisieran descubrir y conocer mejor estos templos únicos de la gastronomía. Una selección de los bares más antiguos y emblemáticos que son un viaje al pasado de Barcelona y que ahora hemos reeditado con contenido nuevo y con un nuevo formato.No conoces Barcelona si no has estado en sus bares… Y es que Barcelona empieza por ‘bar’
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Los escritos de Julius Meier-Graefe sobre impresionismo y postimpresionismo, así como sobre el arte de las generaciones inmediatamente anteriores y posteriores, fueron claves para comprender y asegurar el éxito duradero de estos movimientos. Entre sus aportaciones más destacadas y originales están estos dos textos sobre Auguste Rodin y Medardo Rosso, casi contemporáneos y representantes de lo que Meier-Grafe denomina ''el impresionismo en la escultura''. A Rosso lo llama ''el Mefisto de la escultura'', un calificativo que parece indicar que sus tendencias lo llevan más allá de las limitaciones propias de su arte. Lo mismo podría decirse de Rodin quien, según Meier-Graefe, desatiende las leyes eternas de la escultura más que ninguno de sus predecesores. Las percepciones del autor sobre uno ayudan a esclarecer aquellas que expone sobre el otro, y viceversa. Leídos juntos, estos dos textos conforman un tratado informal sobre lo que sería la escultura impresionista, y leerlos con la perspectiva de la producción escultórica del siglo XX es una invitación a volver sobre la pregunta que se formula en uno de ellos: ¿qué va a ser de la escultura entre todas estas intenciones y hechos?
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Ampliamente considerado desde el momento de su publicación como uno de los mejores estudios jamás escritos sobre el cine y la cultura del horror, ''Monster Show'' indaga de manera provocadora y reflexiva en la obsesión de nuestra sociedad con lo macabro. Esta edición conmemorativa del 30 aniversario incluye un nuevo prólogo escrito para la ocasión por David J. Skal y decenas de ilustraciones adicionales. Iluminando el lado oscuro de la historia reciente de Estados Unidos, ''Monster Show'' rastrea los sorprendentes vínculos entre los entretenimientos terroríficos y las grandes crisis sociales de nuestro tiempo, así como la función del horror como contrapartida del surrealismo, el expresionismo y otros movimientos artísticos del siglo XX en el campo de la cultura popular. Armado con una penetrante capacidad de análisis y un sinfín de anécdotas, David J. Skal explora diversos ámbitos de la expresión cultural: de la pintura, la fotografía y los cómics a la televisión, el teatro y la música. Centrándose en última instancia en el cine, Skal examina los modos en que el arte popular predominante durante estos últimos cien años ha reflejado los traumas de dos guerras mundiales y una Gran Depresión, las visiones de desmesura atómica, invasión y control mental engendradas por la Guerra Fría, la moda de los efectos especiales capaces de distorsionar el cuerpo que se desarrolló en paralelo con la obsesión por la cirugía plástica, y el vínculo entre la epidemia del SIDA y una renovada fascinación por el vampirismo, entre muchos otros temas.
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Esta obra es una selección de estudios sobre las complejas relaciones entre la imagen y el lenguaje, y sobre las dependencias ideológicas nacidas de su relación. El planteamiento de cada uno de los trabajos que se recogen aquí aborda transversalmente trasfondos metodológicos de máxima actualidad derivados de las crisis de las disciplinas que se venían encargando de analizar las prácticas artísticas, las instituciones culturales, los imaginarios globalizados y las formas de comunicación masiva inscritas en nuestras narrativas actuales.En todos estos casos, se impone una aproximación intermedial para analizar con nuevas herramientas y perspectiva suficiente fenómenos dispares pero unidos por esta dimensión migrante entre diversos soportes, medios y contextos institucionales. En este volumen podrá encontrarse una propuesta de análisis liberada de determinismos históricos, centrada en la capacidad de los casos de estudio, con independencia de su ubicación o su distancia histórica, para revelar las pervivencias actuales de estos mecanismos de interacción imagolingüísticos.
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Las vibrantes memorias del cantante de Tequila.Alejo Stivel, el fundador, compositor y cantante del grupo Tequila, recuerda su vida en palabras e imágenes. La infancia en Argentina y el exilio junto con Ariel Roth, su llegada a una España que acababa de salir del franquismo y la revolución que supuso su música: rock en español, mallas ajustadas de colores brillantes, irreverencia y provocación. Un viaje desde el ambiente cultural de Argentina en los años previos al golpe de Estado a la España recién estrenada en la democracia y al ambiente musical y juvenil de esos años: la movida madrileña, las giras, las drogas, la pérdida de algún miembro de la banda, hasta el inicio de una carrera como productor y solista que todavía sigue.
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La historia del siglo XX muestra que hasta prácticamente los años sesenta, cuando emerge la contestación gay, lésbica y trans en las calles, la representación de la diversidad sexual se mueve en líneas generales en el ámbito privado, en la ocultación, en la vergüenza. No obstante, diversas manifestaciones artísticas lograron abrirse paso, en determinados círculos y sin llegar al gran público, para que los artistas pudiesen expresar su identidad sexual con la discreción obligada por la moralidad imperante.Es el caso de Duncan Grant, Romaine Brooks o Claude Cahun en la primera mitad del siglo pasado. El pudor se rompió a lo largo de los años setenta con el surgimiento de colectivos homosexuales que irrumpen en la vía pública tanto en Nueva York como en París, Santiago de Chile o Barcelona. Paralelamente, algunos artistas como Robert Mapplethorpe, censurado por los sectores más conservadores y ultrarreligiosos, mostraba en sus imágenes una sexualidad inconcebible para la sociedad mojigata. Los años ochenta y noventa afianzaron el retorno de las políticas sexófobas al convertir el sida en una condena moral.En esos tiempos tan duros emerge la denominada teoría queer y una pléyade de artistas inconformistas ponen de manifiesto sus deseos heterodoxos, sus formas de vida alternativas a la familia nuclear. El binomio de género (hombre/mujer, masculino/femenino) es puesto en tela de juicio, como puede verse en el espacio abierto del arte, donde las transgresiones adquieren fuerza y visibilidad. Un mundo perseguido ofrece un completo panorama de la diversidad sexual en las manifestaciones artísticas del siglo xx, en el que el título alude tanto al deseo de conseguir una vida en la que prime la libertad y el respeto a la diferencia como la realidad de que la diversidad sexual ha sido –y sigue siendo– amordazada, patologizada y condenada por las leyes y las normas sociales.
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La presente edición ofrece la lectura de todos los escritos de Picasso publicados en 1989, a los que se suman un gran número de obras inéditas descubiertas en la antigua colección de Dora Maar, en colecciones privadas y en las de los museos Picasso de París y Barcelona. Compuestos a lápiz negro, en color, en tinta china, en bolígrafo o incluso en rotulador, estos textos adornan papel de dibujo, papel de carta, reverso de sobres, tarjetas de invitación, trozos de periódico. Algunos incluso están grabados, iluminados, litografiados o pintados, elevados así al rango de obras de arte, pero resultan esenciales para la aprehensión y comprensión de su obra. La sencillez y la complejidad se combinan como en sus pinturas, sus dibujos o sus textos, como en una habitación de su apartamento o de su estudio, como en él mismo. Un volumen a color, ricamente ilustrado con obras y manuscritos, que, como un recorrido por el museo, permite sumergirnos en el corazón del proceso creativo de uno de los más grandes artistas del siglo XX.
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* Un viaje desde los primeros largometrajes hasta la actualidad, con 50 películas icónicas de las que explica el papel fundamental del color en su éxito. * Piense en los intensos colores rosa chicle de The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson, la psicodelia alucinógena de 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrik, o los suaves violetas y tonalidades pastel de The Virgin Suicides de Sofia Coppola: el color en una película puede ser tremendamente poderoso. * La gama cromática tiene la capacidad de relatar una historia, despertar emociones, favorecer una narrativa, o simplemente saturar la pantalla con unos elementos visuales hermosos e imponentes. En este libro, el crítico de cine y televisión Charles Bramesco presenta un elemento del séptimo arte que a menudo se pasa por alto, pero que se ha empleado de forma extraordinaria. Con la ayuda de gamas cromáticas y fotogramas de las películas, esta es una guía indispensable para introducirnos en uno de los elementos visuales más importantes que forman parte del cine.
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* Michael Freeman adopta un enfoque completamente nuevo, meditado y práctico, hacia uno de los elementos clave de la fotografía. * El color en fotografía puede ser un tema y un objetivo por derecho propio, pues activa como ningún otro medio una respuesta emocional y estética. El color no solo se procesa en el ojo, sino también en la mente, y esto es lo que lo hace personal. * Este libro celebra la nueva tendencia a disparar en color, recurriendo a la amplia experiencia de Freeman, tanto editorial como profesional, que ha adquirido a lo largo de una carrera que abarca dos eras del color, la analógica y la digital. El color y el tono se consideran fundamentales para el proceso de creación de imágenes. Los fotógrafos se inspiran no solo en los grandes fotógrafos coloristas de la historia, como Paul Outerbridge y Ernst Haas, sino también en la nueva libertad que proporcionan los sensores digitales y el software de procesado contemporáneos. De forma clara y meditada, explica cómo conseguir no solo un color aceptable, si no un color perfecto, en línea con el propio gusto de cada fotógrafo. Con detallados consejos y un análisis del papel de la película, que incorpora los estándares estéticos que todavía hoy siguen vigentes.
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Este libro recoge las experiencias personales, los intereses culturales, las luchas vitales y una amplia muestra de las obras de más de 50 pintoras, grafiteras y muralistas, mujeres que se dedican a intervenir en el espacio público y a enriquecer nuestros entornos urbanos con sus creaciones. Esta obra, ampliamente ilustrada, nos anima a admirar el arte callejero de nuestras ciudades y fomenta la igualdad de las mujeres en el mundo del arte urbano y el grafiti. El libro muestra la lucha de estas artistas por librarse de las desigualdades que lastran nuestra sociedad y que siguen menoscabando la posición de la mujer en muchos sectores, incluido el del arte.
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Chelo Matesanz protagoniza la sexta entrega de la serie La Colección del Centro vista por los artistas, en una nueva etapa que va más allá del marco específicamente granadino. Creadora con una trayectoria bien consolidada, profundiza aquí en su original deconstrucción del expresionismo abstracto, enriqueciendo y actualizando su imaginario gracias a una serie de claves entre las que sobresale la ironía e incluso el humor, a la vez que homenajea a sus referentes. Entre ellos destaca José Guerrero, por el que ha sentido gran admiración y al que ha regresado ahora para hablar con él en un enriquecedor diálogo plástico. La obra de ambos artistas y su puesta en sala queda documentada con abundantes fotografías, acompañadas en la parte central del volumen por una aproximación literaria de Chelo Matesanz y sendos ensayos de Juan Carlos Román y Ángel Cerviño, comisario de la muestra.
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Andrés Planas habita un extremo del mundo que linda con lo prohibido.Para divisar nuevos territorios hay que habitar en la frontera y asumir los peligros que conlleva el trato con lo desconocido. En el arte contemporáneo esta actitud de curiosidad exploratoria se hace imprescindible, y a menudo lo convierte en incomprensible, o cuando menos desabrido, para quien lo sigue como espectador pasivo. Andrés Planas habita un extremo del mundo que linda con lo prohibido. Es la frontera eterna que separa la vida de la muerte, el sexo de la digestión transgresora, el culto a la esperanza y al futuro de la descarnada blasfemia. Sumergirse en su vida y en su obra es lo que propone este libro a la manera de un pequeño manual de buceo. Quien acepte el reto que respire tres veces antes de zambullirse.
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Los cuatro ensayos recogidos en este libro proponen reflexionar sobre el arte de la Edad Media presente en museos e iglesias planteando un viaje de ida y vuelta entre el Museo del Prado y algunos de los miles de templos de ese período que salpican el paisaje español y europeo. Con el objetivo de ofrecer una lectura contextual de los distintos elementos que integran las llamadas «artes del altar», como frontales, tabernáculos y ciborios, se presta especial atención al retablo, cumbre del arte hispano medieval, rastreando para ello su desarrollo en los siglos xiv y xv y analizando su ubicación en el interior de las iglesias. Además de estudiar el entorno original de las piezas, se ponen en relación con otros ejemplos europeos y se encuadran así en un paisaje artístico más amplio.
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El poeta José Ángel Valente y el cineasta Gonzalo Suárez, reunidos por Susana Chillida para reflexionar en torno al arte, el artista, la obra y el proceso creador. Un verso de un poema de Valente, «el gato es pájaro», les da pie para armar este diálogo en torno a «esa cuestión intangible que podemos llamar arte», que a veces, recuerdan ambos, es «una bofetada», una llamada a mirar y «ver cosas que se quedan en la sombra». En esta conversación estos dos creadores tienen de fondo a Eduardo Chillida, a quien ambos conocieron en distintos momentos de su vida y al que admiraban profundamente. Las palabras de ambos mantienen plena vigencia y nos recuerdan que, en el arte, como en todo en la vida, hay que «seguir el vuelo de los grandes».
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«Siempre me he sentido como esa pieza que no encaja.»El talento no puede enseñarse, pero sí puede explorarse a partir de la obra de un artista, y qué mejor que un diálogo entre Santi Balmes, cantante y compositor de Love of Lesbian, y David Escamilla, comunicador, escritor y también músico, para hablar de talento.Ahora, cuando han pasado más de veinticinco años desde la formación de Love of Lesbian, es el momento perfecto para echar la vista atrás y explorar la carrera de Santi Balmes en una conversación en la que descubriremos cómo ha desarrollado la creatividad para convertirse en el compositor reconocido que es a día de hoy y qué se esconde detrás de sus canciones y discos más celebrados.Esa pieza que no encaja es, en definitiva, un viaje musical por esa creatividad desbordante que caracteriza a Santi Balmes.
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En el verano de 1981, el mundo conoció a un nuevo héroe cinematográfico que respondía al nombre de Indiana Jones. Este intrépido arqueólogo, basado en un concepto original de George Lucas y Philip Kaufman, recogía el legado de los seriales de la década de los cuarenta. En busca del arca perdida, dirigida por Steven Spielberg, se convertiría en un clásico instantáneo, generando tras de sí nuevas aventuras tanto en cine, televisión y otros formatos.n nombre de Francisco Javier Millán (Generación Goonies, Galaxia Lucas, Destino Camelot) es una completa guía de todo el universo del personaje.Ofrece abundante información sobre el verdadero origen de los objetos más perseguidos de la saga, detalles del rodaje, las localizaciones y la banda sonora. Nos transporta desde la ciudad perdida de Tanis hasta los tenebrosos pasadizos del palacio de Pankot, desde las catacumbas de Venecia infestadas de ratas hasta al Área 51 y sus fascinantes secretos y, finalmente, al misterio de su última gran aventura.
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Mucho más deprisa de lo que imaginamos, Picasso dominó su época con su genio polifacético y el revuelo que generó. A su muerte todos los periódicos hablaron a coro del «siglo de Picasso». Lejos tanto de la demonización actual como de la hagiografía de antaño, Stéphane Guégan arroja una luz contrastada sobre el hombre, su vida, sus compromisos políticos y su inmensa obra. Aunque es imposible decirlo todo, era importante identificar sus puntos fuertes y débiles, aislar una continuidad estética. Stéphane Guégan lo hace de manera brillante en este libro ilustrado con más de cien obras maestras y numerosos documentos, que se lee como una novela y puede admirarse como un suntuoso libro de arte.
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