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Gèneres Literaris
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La Pajarita de Papel
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La «cambra pròpia» d'Elena Ferrante: les lliçons de literatura de l'autora que més intriga suscita entre els lectors de tot el món, amb més de vint milions de lectors. Elena Ferrante dibuixa un recorregut històric i personal sobre la inspiració i sobre la crida que va sentir des de ben menuda per esdevenir una escriptora. Així, de mica en mica, ens enumera les figures clau de la seva formació literària i alhora va afinant els seus consells sobre la creació dels personatges i de la trama. Des de Shakespeare fins a Gertrude Stein, passant per les obres de Diderot, Jane Austen o Virginia Woolf, fins a la culminació amb Dante i Beatriu, la Ferrante relliga les seves lectures amb l'obra i la biografia pròpies i per primera vegada les comparteix amb el lector des d'una nova intimitat. «Quan escric, ni tan sols jo sé qui soc».Gazzetta del Sud
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Inteligencia, sensibilidad y claridad expositiva en un libro exquisito. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz sobre cuestiones artísticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relación directa con las obras. Entre la memoria íntima, la observación culta y el análisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra más de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.
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LA LIBRERA DE TOKIO ES UNA HISTORIA DE AMOR, UNA HISTORIA DE AMOR POR LOS LIBROS.La vida de Nanako Hanada no solo se ha estancado, sino que ha tocado fondo... Recientemente separada de su marido, vive entre albergues cápsula y cibercafés de mala muerte. Su trabajo va igual de mal: las ventas en la excéntrica librería Village Vanguard de Tokio, que Nanako regenta, son cada vez menores. Desenamorada en todos los aspectos, Nanako se da cuenta de lo estrecha que se ha vuelto su vida, sin más amigos que sus colegas, y sin más aficiones que leer y ordenar libros. Mientras la vida de Nanako se desmorona, la lectura es lo único que la mantiene con vida. Es entonces cuando Nanako, en un intento de traer algo de emoción a su vida, se une a un sitio de encuentros en línea que le ofrece 30 minutos con alguien a quien nunca volverá a ver. En su perfil se describe como una librera sexy que ofrece a desconocidos «el libro que cambiará sus vidas». Durante el año que sigue, Nanako conocerá a un ecléctico abanico de desconocidos, algunos de los cuales querrán algo más que un libro, y otros se convertirán en verdaderos amigos.Escrito con un sutil pero agudo sentido del humor, La librera de Tokio es un libro conmovedor sobre el autodescubrimiento y una oda al placer de la lectura. Además de ofrecernos una visión del mundo del libro en Japón y del lado peculiar de Tokio y sus gentes, esta es una historia de cómo los libros pueden ayudarnos a forjar la conexión con los demás y a encontrarnos a nosotros mismos.Es una historia sobre la belleza de meterse en un libro, sumergirse libremente en su interior y volver a la superficie en la última página, listo para respirar un aire diferente...«Un regalo irresistible para todos los bibliófilos».Waterstones
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Los textos recopilados en este libro analizan la presencia de algunos clásicos contemporáneos en la lírica española de nuestros días. La genealogía estética trazada en estas páginas permite dar cuenta de una recepción conflictiva donde convergen la sombra tutelar de Juan Ramón Jiménez y Antonio Machado en los versos recientes, la impronta rehumanizadora de Carmen Conde y Miguel Hernández en las escrituras de posguerra, la pervivencia de la voz social y del personaje poético que confeccionaron los maestros del cincuenta —entre ellos, Jaime Gil de Biedma, Ángel González, Antonio Gamoneda o Carlos Sahagún—, las revisitaciones tópicas que efectuaron dos sesentayochistas alejados del paradigma generacional, como Aníbal Núñez y Víctor Botas, el legado cómplice de “la otra sentimentalidad” y la huella discursiva de la musa experiencial, o la concurrencia de las corrientes “deshabitadas” que pugnan por la visibilidad bajo los auspicios del efecto dos mil. Más allá del inventario de nombres y tendencias, el viaje hacia la génesis de la poesía actual nos invita a transitar entre las leyes de la herencia (el ADN del siglo XX) y las señas de identidad epocales (el DNI del siglo XXI). Luis Bagué Quílez es doctor en Filología Hispánica y trabaja como investigador “Ramón y Cajal” en la Universidad de Murcia. Ha publicado los ensayos La poesía de Víctor Botas (2004), Poesía en pie de paz (2006, Premio Internacional de Investigación Literaria “Gerardo Diego”) y La Menina ante el espejo. Visita al museo 3.0 (2016). Ha coordinado la antología Quien lo probó lo sabe. 36 poetas para el tercer milenio (2012), las recopilaciones de ensayos Un espejo en el camino (2012) y Cosas que el dinero puede comprar. Del eslogan al poema (2018), y, en colaboración con Alberto Santamaría, el volumen colectivo Malos tiempos para la épica (2013). Junto con Ángel L. Prieto de Paula, ha preparado los monográficos “Poesía española contemporánea” y “Memorial de la noche: la poesía de Carlos Sahagún” para la revista Ínsula (2014 y 2017, respectivamente). Ha publicado varios libros de poemas, entre ellos Página en construcción (2011, Premio “Unicaja”), Paseo de la identidad (2014, Premio “Emilio Alarcos”) y Clima mediterráneo (2017, Premio “Tifl os” y Premio de la Crítica). Asimismo, ha obtenido el Premio Iberoamericano “Cortes de Cádiz” de Relatos por su libro 5 capitales (2017). Ejerce la crítica de poesía en el suplemento “Babelia” del diario El País.
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La mujer lectora se convierte en una figura mítica en el siglo XIX que explica buena parte de las inquietudes y sentimientos de unaépoca. Para entender esta figura, a la que varias obras dan una dimensión quijotesca, este libro aborda la imagen de la muj
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Ahí, al otro lado, en el camino, escucha la lengua secretos que yo no debo conocer y los transmite a otros que no quieren oírlos. ¿Por qué no se quedó conmigo, al margen, por qué se separó de mí? Está en el vacío. El vacío es el camino. Y yo me encuentro incluso al margen del vacío.¿Cómo consigo que todas estas palabras mías digan algo que pueda decirnos algo? No con el mero hecho de que yo hable. Es que no puedo hablar.Existe una profunda relación entre la cita y los muertos. A través de ella se establece un misterioso diálogo entre vivos y muertos. Todo le es propio y, al mismo tiempo, ajeno. La cita apuntala y refuerza y, por tanto, hace aparecer no solo lo citado sino también al citado, lo hace comparecer.
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Un recorrido fascinante e hilarante por los antidiccionarios que nos lleva desde Flaubert y Bierce hasta Bioy Casares o Gómez de la Serna. Un libro sorprendente.“En vez de anhelar un control o un dominio sobre las palabras, los antidiccionarios establecen un diálogo e instalan una incertidumbre. A diferencia de los diccionarios oficiales, operan disfrazados de rigor e imitan o aplican la forma y la ‘fachada’ con una lógica que no pretende ser científica, pero que muchas veces finge serlo por medio de la crítica abierta o de la ironía. Esto no significa destruir por completo el objeto o el modelo original, sino más bien sumarle (o a veces incluso restarle) algo. Ampliarlo, conmoverlo, transformarlo desde la movilidad y no desde la rigidez.”Eduardo Berti nos propone aquí un recorrido tan fascinante como hilarante que nos lleva de Flaubert a Bierce o de Bioy Casares a Gómez de la Serna, con numerosas paradas en obras menos conocidas pero igualmente ingeniosas. Un libro que sorprende a cada página.
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El texto más íntimo de Oscar Wilde, una honda y descorazonadora carta a su amante escrita desde la cárcel de Reading. De Profundis es, sin duda, el texto más íntimo de Oscar Wilde. En esta larga carta que dirigió desde la cárcel de Reading a su amante lord Alfred Douglas, se revela la parte más viva y más honda no sólo de su clara inteligencia sino también de su compleja personalidad humana. De Profundis marca el punto culminante de la vida y filosofía personal de su autor y evidencia cómo todas las experiencias adquirían para él significado artístico. Wilde, que había luchado por huir tanto del dolor como de la degeneración del espíritu y que había perseguido siempre el placer estético y logrado la máxima brillantez social, tuvo que vivir en los últimos años de su vida el escándalo, la vergüenza de un terrible proceso que lo envió a la cárcel y el desprecio y las burlas de sus múltiples enemigos. Así descubrió por primera vez el significado del dolor, un mundo hasta entonces desconocido para él.
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En su nuevo libro de ensayos Guerrero, editor y especialista en literatura hispanoamericana, analiza lúcidamente los cambios en la narrativa, la poesía, pero también en el mercado editorial desde fines del siglo xx hasta principios del xxi. Así, analiza la nueva narrativa a la luz de nuevas figuras o concepciones sobre el tiempo -el presentismo-, por ejemplo, o reconcideraciones sobre el concepto de Nación.
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En la serie de cinco ensayos que ha venido publicando desde 1989, Peter Handke (1942) ha explorado y desarrollado nuevos caminos en el campo de la creación literaria, en unos peculiarísimos textos que combinanel recuerdo, la autobiografía y la reflexión, al tiempo que alumbran una nueva mirada sobre la cotidianidad. En Ensayo sobre el jukebox (1990), la visión deunos de estos aparatos en un establecimiento viajandopor España desencadena en el narrador una mezcla desentimientos y reflexiones que le sirven como pretexto para volver acerca de las connotaciones, relaciones, experiencias y vivencias relacionadas con él, así como sobre el tiempo en que era un objeto familiar enestablecimientos públicos de esparcimiento.
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En la serie de cinco ensayos que ha venido publicando desde 1989, Peter Handke (1942) ha explorado y desarrollado nuevos caminos en el campo de la creación literaria, en unos peculiarísimos textos que combinanel recuerdo, la autobiografía y la reflexión, al tiempo que alumbran una nueva mirada sobre la cotidianidad. En Ensayo sobre el día logrado (1991), un autorretrato del pintor inglés del siglo XVIII William Hogarth que muestra en la paleta su «línea de la belleza»lleva al escritor austriaco a considerar la idea deun día logrado , derivando hacia una reflexión acerca del arte de vivir el presente que mezcla recuerdos, asociaciones y digresiones con observaciones precisas como el corte de un bisturí.
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Bernard Noël (Sainte-Geneviève-sur-Argence, 1930) ofrece en Diario de la mirada un cuaderno de notas, tomadas entre 1970 y 1983. De modo asistemático, envolvente, casi obsesivo en ocasiones, se propone una intensa investigación: el ojo, la vista, la imagen, la visión, lo visible... la mirada, pero también la pintura, la fotografía, el cine. El riguroso análisis de la percepción visual y del proceso de formación mental de la imagen, cercado por la reflexión una y otra vez, acaba desencadenando un haz de preguntas acerca de la realidad: acerca de qué sea, de la posibilidad de conocerla, de su diálogo y pugna con lo virtual, de las coordenadas con que nos ubicamos en el mundo, el vacío y el ser... Lo que mantiene la potencia de todo este proceso y convierte en energía su fragmentarismo es la escritura: el extraño poder de lo abstracto y especulativo para mostrar lo plástico, de las reiteraciones para irse deslizando, una contundencia aforística que se preserva móvil, el salto y la tensión de lo poético, la exigencia que impone y la claridad que propicia. Libro para atravesar y releer, Diario de la mirada, tan ajeno a la anécdota, ofrece una zona viva de pensamiento, pensamiento siempre por hacer, siempre forma abierta.
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Un inolvidable y apasionante acercamiento a la figura de Cesare Pavese«Es imposible no dejarse seducir por este hermoso intento de resurrección de Pavese.» Livres Hebdo«Un texto a la vez sencillo y erudito, melancólico y luminoso: un hermoso homenaje.» Le Monde des Livres«Un luminoso viaje personal por el Piamonte y la ciudad de Turín, que dan ganas de visitar.» Le Figaro Littéraire«Un relato bien construido, documentado y de gran sensibilidad.» Les Échos«Pierre Adrian despierta un gran apetito por la lectura. Primero, apetito de leer las obras de Pavese.» Télérama«Una lectura que te abre otras lecturas. Hotel Roma es uno de esos libros que te transportan a una biblioteca eterna.» Norbert Czarny, L'École des Letres«Un paseo inspirado y luminoso por la vida y obra de un hombre desdichado, plasmado en un lenguaje denso y sereno, como fruto de una extraña ósmosis.» Le Devoir«Una invitación irresistible a seguir los pasos de Cesare Pavese.» La Règle du Jeu«Un relato desgarrador pero extrañamente luminoso.» Le Canard Enchainé El 27 de agosto de 1950, el escritor piamontés Cesare Pavese se suicidó en la habitación número 49 del Hotel Roma, en Turín. Dejó una nota de disculpa, algunos poemas y un diario: El oficio de vivir. Pierre Adrian, mientras recorre con su pareja algunos lugares favoritos de Pavese, profundiza en el último verano de un escritor perseguido por la idea del suicidio. Y en toda la biografía de Pavese, en sus libros y lecturas, en sus ideas y sus amistades, Adrian ha buscado algo que nos ayude, pese a todo, a la dolorosa tarea de vivir. Pavese aparece así, a lo largo de estas páginas, como un compañero de viaje taciturno y sincero. Durante estos paseos por la ciudad y por las colinas amadas por Pavese, por su vida cotidiana y por su breve «estancia carcelaria» en Calabria, nos encontramos con Monica Vitti y Antonioni, Italo Calvino o actrices norteamericanas, pero sobre todo con la ciudad de Turín y sus alrededores, que en adelante quedarán para siempre ligados a Pavese en la mente del lector. De un modo tan indeleble como la deslumbrante prosa del autor italiano.
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Inexplicablemente no publicado en forma íntegra en lengua castellana hasta ahora, es un libro ineludible para la comprensión de la modernidad y las tradiciones de las que surge y con las que rompe y los criterios estéticos que sustentan la literatura del
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Els aucells a les rondalles mallorquines i al cançoner és producte d'una doble afecció de l'autor: la cultura popular manifestada en la literatura oral (rondalles, gloses, refranys, creences, dites...) i l'ornitologia de camp, és a dir, l'observació dels aucells silvestres en el seu hàbitat. En aquesta obra es presenta, d'una manera raonada i suggeridora, un recull extens de les citacions d'espècies d'aucells presents en les produccions culturals populars reunides sobretot en l'Aplec de rondaies mallorquines d'Antoni M. Alcover, el Cançoner popular de Mallorca del pare Ginard (i algun altre cançoner) i el molt recentment publicat Atles ornitonímic dels persistents investigadors Cosme Aguiló i Antoni Mestre. Però Els aucells a les rondalles mallorquines i al cançoner també respon a una tercera intenció, permanent en l'obra, ja llarga i diversa, de Miquel Rayó: la de difondre els noms i els trets principals i els valors dels aucells presents a Mallorca per fomentar-ne la protecció. Les poderoses il·lustracions d'Andrew Pinder contribueixen a reforçar aquesta declarada voluntat divulgadora i alhora conservacionista.
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Pensamiento y sentido del humor pueden ser buenos compañeros de viaje. Prueba de ello es este conjunto de reflexiones que conforman las Siluetas pensantes de Ernesto Calabuig. El análisis del enloquecido, amenazante y extraño mundo en que vivimos se entremezcla con interesantes y a menudo cómicas situaciones de clase, en el diálogo real con los alumnos durante su tarea de profesor de Filosofía de Secundaria y Bachillerato. Si la Filosofía, tal como quería Platón, no es el monólogo estático de un solo personaje, sino diálogo, espacio en el que entre todos se busca alcanzar algún tipo de verdad, este es un libro combativo que invita a la irrenunciable tarea de pararse a pensar en tiempos diseñados contra el pensamiento, a mantener los ojos abiertos en una era de desarrollo tecnológico que nos supera por todas partes y de políticos acostumbrados a habitar cómodamente en la posverdad de sus discursos cambiantes. Pero no estamos solos en el empeño, por estas páginas desfilan con naturalidad aliados como Sócrates, Platón, Aristóteles, Descartes, Kierkegaard, Sartre, Hannah Arendt... pero también Tolstói, Orwell, Jünger, Javier Marías, Franco Battiato, Hitchcock o Wim Wenders.
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'No me gustan los vencedores, los triunfantes, sino más bien los derrotados, y creo que es tarea del artista pintar a esos personajes que se resistieron a las tendencias de su época y que cayeron víctimas de sus convicciones''. Stefan Zweig Me he pasado tanto tiempo con este proyecto abierto que todos me preguntan por usted, señor Zweig. Y todo el mundo sigue preguntando con curiosidad: ¿Por qué se suicidó el famoso escritor? ¿Por qué se suicidó también su mujer? Stefan Zweig no se suicidó solo por el nazismo y su apocalipsis, también lo hizo porque perdió su identidad como autor. Al tener que huir y perder sus marcos de referencia y su lengua materna, el mundo de autor que lo sostenía se desmoronó. García Márquez escribía para que le quisieran, para obtener un suministro narcisista que sostuviera una personalidad deficitaria, en cambio, Beckett escribía para llegar al silencio. En La lucha contra el demonio, Stefan Zweig detecta que Schiller y Goethe pueden ir hasta la luz, traerla y, aparentemente, no quemarse. Los demás, incluido Stefan, no pueden regresar sin daños. Stefan Zweig escapó de la vida que le tenían diseñada, de la empresa familiar, de la vida académica, de la paternidad, y se centró únicamente en ser escritor. Después de recuperarse de la Primera Guerra Mundial, Stefan Zweig no tuvo energías para volver a intentarlo cuando pasara la segunda. Además, pensaba que un hombre de sesenta años ya estaba acabado. Su visión melancólica de la realidad se adueñó de él y de su pareja y no pudo seguir contando desde Brasil nuestra historia como si fuera otra de sus biografías.
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El príncipe de Palagonia debe su fama a la villa de Bagheria, en Sicilia, conocida como la villa de los monstruos. Desde 1770, fueron muchos los viajeros que la visitaron y escribieron acerca de ella, y ya hacia 1780, pese a ser objeto de burla y desdén por parte de quien se sentía protegido por las leyes serenas del clasicismo, se había convertido en una de las paradas obligadas del viaje a Italia. Pero el presente volumen no está dedicado propiamente a la villa sino a su creador-propietario, hombre receloso, irónico, esquivo y un tanto enigmático. Obsesionado con la materialización de un sueño, se comportaba como un artista sin serlo, y su timidez y reserva en la vida privada contrastaban agudamente con la necesidad de maravillar, escandalizar, atemorizar, incluso de aterrar que delataba su obra. ¿Era acaso el príncipe un revolucionario del gusto que, desgarrado por una nostalgia de tiempos feudales, se lanzaba contra su propio siglo, sin servirse de la pluma ni de la espada ¿O se escondía en él una ambición burlona, una ideología secreta, una enfermedad, un amor por la venganza? En estas páginas Macchia sigue las extrañas transformaciones que convierten al príncipe en un personaje de cuentos fantásticos, explora el diagnóstico oficial de su locura y se confía –también él– a la fantasía cuando hace hablar al príncipe de las razones que presidieron su trato permanente con lo monstruoso en el diálogo que mantiene con uno de los muchos viajeros que visitaron su villa, en este caso un patricio veneciano, representante de una civilización antagónica. Señalando los límites, siempre bastante inciertos, de una geometría de lo imaginario, Macchia logra registrar las ideas, obsesiones y delirios de esta figura históricamente incontrolable, que junto con el marqués de Sade y Casanova conforman la tríada de personajes insólitos del Siglo de las Luces.
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Aquest llibre és, essencialment, un estudi sobre la narrativa de Llorenç Moyà (1916-1981), el qual ubica habitualment les novel·les curtes i els contes a Binissalem, gairebé sempre amb el topònim de Robines, el nom de l'antiga alqueria àrab en la qual s'emplaçà de la vila primigènia i que Moyà, atret pels mites i enamorat del seu poble natal, utilitza literàriament com una mena de sinònim poètic de Binissalem. Per això, Robines esdevé el mite de Llorenç Moyà per situar-hi les històries que expressen de manera simbòlica la manera que té de percebre el món que l'envolta. Així, El mite de Robines se centra en la narrativa en català, que consta de novel·les curtes i contes, tant l'editada com la inèdita (tres relats fins ara desconeguts), tot i tractar també la producció narrativa en castellà en els inicis literaris de Moyà, i la localització de Binissalem-Robines en la seva obra poètica i dramàtica.
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Ferran Sáez Mateu traza un recorrido desde la solitaria torre de Montaigne en el siglo XVI hasta la actualidad, marcada por tecnologías que nos fascinan aunque siempre exigen algo a cambio. La intimidad es un lugar de la conciencia, un territorio de libertad, lejos está de ser una forma de recogimiento, o incluso de aislamiento. Por ese motivo, privacidad e intimidad son cosas muy distintas. «Privatus» no alude a lo que somos, sino a lo que tenemos y a cómo lo demarcamos, «intimus», en cambio, refiere a «lo que está más adentro», lo más profundo, es decir, el último límite. El territorio de la intimidad, la penumbra del espíritu, propicia el surgimiento de la Modernidad. Aparece primero en la «pintura del yo» que Montaigne delineó con sus «Ensayos», a la vez que fundaba este género literario, y se consolida filosóficamente casi un siglo más tarde, con el hallazgo del «cogito» cartesiano. Esos dos espacios extremos de intimidad son los que nos hicieron verdaderamente modernos. Ferran Sáez Mateu traza un recorrido desde la solitaria torre de Montaigne en el siglo XVI hasta la actualidad, marcada por tecnologías que nos fascinan aunque siempre exigen algo a cambio. En el camino asistimos a la renuncia dócil a nuestra privacidad, y a su corolario más preocupante: el potencial olvido y la pérdida de la intimidad.
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Éste es un libro que, asegura el autor, ha ido creciendo con él. La reflexión sobre su quehacer, sobre la poesía y sobre el arte en general, es cosa que hace muchos años acompaña su escritura, en un intento de no perderse, o al menos de saber cómo, dónde y por qué se perdía. Pero esa reflexión ha ido tomando forma lentamente, a lo largo del tiempo, los textos aquí reunidos son el resultado. Los ofrece ahora por lo que puedan valer, en la esperanza de que, como lo han sido para él, puedan ser también útiles para un posible lector. Que bien puede discrepar de lo que aquí se dice (a menudo, poco o nada convencional), pero eso no importará si le ayudan, o cuando menos le incitan, a pensar, a preguntarse, sobre el quehacer artístico y sobre el mundo. No piensa el autor que, como a veces se dice, tenga el poeta que estar doblado de crítico, pero sí que ese otro modo de crítica, «silencioso y creador», de que hablara Luis Cernuda, es efectivamente deseable que acompañe su trabajo. Y que tampoco es malo que, como le ocurrió a él mismo, alguna vez se rompa ese silencio. José Cereijo nació en Redondela (Pontevedra), en 1957. Desde 1968 vive en Madrid. Ha publicado hasta la fecha cinco libros de poesía y uno de relatos (Apariencias, Renacimiento, 2005). Ha sido incluido en numerosas antologías, y muestras de su trabajo han aparecido en diferentes publicaciones, tanto de España como del extranjero. Colabora en distintos medios de prensa, escrita o electrónica, en los que ha publicado artículos, reseñas de libros y otros textos literarios. Es también autor de varias antologías de otros poetas, publicadas en esta misma Editorial, donde igualmente ha aparecido otra de su propio trabajo (Árbol desnudo, 2017), preparada por Javier Lostalé. En 2016 apareció, también en Renacimiento, la antología de poemas de Emily Dickinson de título Carta al mundo, realizada en colaboración con su esposa, María Taibo. En 2017 ha sido elegido miembro de la Asociación de Juglares de Fontiveros, pueblo natal de San Juan de la Cruz.
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Este precioso ensayo, El Quijote, símbolo universal, es una entusiasta yacendrada invitación a seguir los pasos de la autora en el viaje alinterior de uno mismo, en la aventura fascinante que supone adentrarseen ese concierto de voces amigas, en ese prodigio de humor y delenguaje, en esa exultante celebración de la vida que es pasearse porlas páginas del Quijote. Y para ello centra su atención en explicar, deforma muy didáctica y amena, en qué reside el clasicismo de la obra y,en esa medida, su categoría de símbolo a partir del análisis de trestérminos significadores claves: universalidad, modernidad ytranscendencia, ejemplificados con una cuidada selección de textosilustrativos.
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Joseph Conrad fue marino antes que escritor. El mar recorrió su obra y le imprimió carácter. Cuando el 15 de abril de 1912 el Titanic se hundió en poco más de dos horas, el hombre de mar y gran moralista que fue Conrad no pudo permanecer ajeno al drama y reflejó su visión del asunto en los dos textos que aquí se recogen y que cuestionan la labor de las comisiones de investigación cuyos trabajos fundamentaron una sentencias final sospechosamente favorable a los armadores. Ambos textos son inestimables por su calidad literaria, por su lucidez en medio de la confusión y por su dimensión moral. Entre consideraciones técnicas sumamente atinadas, Conrad cuestiona la soberbia del armador, de la prensa, de los investigadores comisionados y de la sociedad toda que generó tan infladas y poco fundadas expectativas alrededor del Titanic, con tan dramáticos resultados. El Titanic fue, por voluntad de sus propietarios, todo un símbolo, y el símbolo se volvió contra quienes lo concibieron. Conrad suscita la verdadera dimensión humana y moral del drama que, más de 100 años después, sigue dando tanto que hablar.
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Todo el mundo creía conocer La Sirenita de Andersen, pero pocos conocen su verdadera historia. Como una sirena cuenta la vida accidentada del joven Hans Christian Andersen, hijo de una alcohólica y nieto de una prostituta, que creció siendo semianalfabeto y que a los quince años partió de Odense con dirección a Copenhague, soñando con convertirse en bailarín. La carrera en el Teatro Real se truncó nada más empezar y Andersen vivió años rocambolescos: es un adolescente cuando va a la escuela y sus compañeros de clase son niños que tienen la mitad de sus años, es pobre pero goza del favor y de la amistad de las familias más ilustres, sus primeros libros se los publica él mismo hasta que se convierte en uno de los más grandes escritores de su tiempo. Lo consiguió pasados los treinta años, escribiendo los cuentos que todos recordamos. En sus cuentos Andersen expresa el miedo, las emociones, los amores nunca vividos por chicos y chicas, y sobre todo por Edvard Collin, hijo de su protector. Es el patito feo, la pequeña cerillera, la princesa, el guisante y la sirenita, una criatura que intenta amar desesperadamente.
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Isla de Man, 1938 Un amor inesperado Una guerra a punto de estallar Una novela inolvidableIsla de Man, 1938. En un rincón remoto del mar de Irlanda, donde el viento arrastra ecos de guerra y las carreteras se enredan entre acantilados y secretos, Mila Kovac, una joven piloto española, llega para participar en unas pruebas automovilísticas. Ha dejado atrás la muerte de su marido, el célebre Anton Behra, y un pasado lleno de heridas aún abiertas. En torno al circuito se reúnen los grandes pilotos del momento, hombres y también mujeres. Pero es fuera de la pista donde Mila deberá afrontar su verdadero desafío: enfrentarse a su historia, a una pasión inesperada y a las sospechas que aún planean sobre la muerte de Anton. Mientras las rivalidades personales se intensifican y Europa se asoma a un nuevo conflicto, Mila busca su lugar entre la niebla, la memoria y el deseo. Carla Montero firma una novela inolvidable y emocionante, en la que el amor, la ambición y las verdades ocultas cruzan la línea de meta en un mundo que está a punto de cambiar para siempre.
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Escrituras postseculares plantea un análisis exhaustivo de las formas de intersección que se producen entre el discurso religioso y la narrativa de ficción española desde mediados del siglo xx hasta la actualidad. A través del examen detenido de diez novelas escritas por algunos de los autores más reconocidos de la literatura española contemporánea (Gonzalo Torrente Ballester, JuanBenet, Camilo José Cela, Miguel Delibes, Antonio Muñoz Molina, Arturo Pérez-Reverte, Alberto Méndez, Manuel Rivas, Joan F. Mira y Rafael Chirbes), descubre el retorno de la religión y lo sagrado al pensamiento filosófico a finales del siglo xx, poniendo en entredicho la teoría de la secularización, rasgo distintivo del agotamiento de las narrativas de la modernidad.
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La cultura es fuente, a veces beligerante, de identidad colectiva, yarchivo de lo que cada sociedad ha vivido o imaginado, una fuente y unarchivo en que los escritores tienen el poder de nombrar y de contar.Enel caso de la cultura catalana, autores como Jacint Verdaguer, Joan Maragall, Salvador Espriu o Miquel Martí i Pol (considerados por muchos poetas nacionales ) han escrito y cedido palabras que luego hansidoesenciales a la hora de establecer, mantener y reproducir la idea decomunidad. A cambio, han obtenido un importante reconocimientopúblico.Este es o quiere ser un libro de historia cultural. Y un libro, comoreza su subtítulo, sobre escritores, literatura e identidad: el últimosiglo y medio puede ser visto como un largo esfuerzo de la culturacatalana por ser , y en ese esfuerzo lo literario ha jugadosiempreun papel destacado. Construir con palabras. Escritores, literatura e identidad enCataluña(1859-2019) estudia el papel clave de textos, autores, editores,traductores, críticos, organizaciones, instituciones, revistas ycertámenes, de todos los agentes del sistema literario, vistos de formavinculada y dinámica, en la configuración de la cultura catalana contemporánea. Y lo hace siguiendo la máxima de que la tradición no consiste en adorar cenizas, sino en mantener vivo un fuego.
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Imaginemos la escena. Estamos ante una obra de creación. Puede ser una novela, un cuadro o una película. Estamos ante una pieza artística y la hemos disfrutado sin tenerque preguntarnos necesariamente por los mecanismos o artificios que producen ese efe
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Allí donde proponen obras, yo no pretendo más que mostrar mi espíritu, escribió. Y cumplió con lo escrito. Padre del teatro moderno, figura notoria del surrealismo y una de las voces más emblemáticas de la literatura del siglo XX, Antonin Artaud es un estallido permanente en cada palabra, en cada idea. Una revolución permanente sobre todo lo establecido.
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Este libro ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Cultura y Deporte --- Benito Pérez Galdós(1843-1920) es una de las grandes figuras de la España contemporánea. Su producción literaria fue extraordinaria, pero, a diferencia de otros escritores, no fue un espectador impasible de la realidad social, muyal contrario, se comprometió con la construcción deuna España más libre y solidaria. Por ese motivo, elconocimiento de la vida de Galdós, de su época y de su actividad política, es indispensable para abarcar su obra y su personalidad. Pese a ello, la mayoría delos investigadores ha priorizado el estudio de sus textos literarios, dejando en segundo plano los aspectos políticos, reflexivos y públicos de su vida. La presente biografía subsana esta tradicional laguna a través del estudio de tres facetas complementarias dela trayectoria biográfica de Galdós: la inserción desu actividad en las coordenadas históricas y culturales de la época que le tocó vivir, la relevancia social de sus escritos, tanto literarios como periodísticos, y el compromiso cívico y democrático que mostró entodas las facetas de su proyección pública.
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Literatura no mimética y supresión de la incredulidad. Cosmogénesis y ubicación espacio temporal. Clasificación y efecto de la literatura no realista. Literatura fantástica y de terror. Ciencia ficción, épica y realismo mágico. Estos son solo algunos de los temas por los que transita este manual (acorde al temario de los cursos oficiales de Escuela de Escritores y editado por Alejandro Marcos), pensado para aquellos que deseen adentrarse -desde los márgenes al centro- y explorar las innumerables opciones que los subgéneros fantásticos nos conceden, entre ellas la de representar la realidad en la que vivimos o trasladarnos a otros mundos sin abandonar del todo el que habitamos. Con un generoso repaso clasificatorio, un recorrido por los principales autores, puntos de vista u opciones, y bien acompañado de un gran número de técnicas narrativas, con este manual aprenderemos cómo hacerlo.
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De Gloria Fuertes han perdurado en nuestra memoria sus apariciones en programas infantiles y su valía como poeta, pero todavía permanece velada esa otra Gloria Fuertes, la que no salía en los medios, la que arrastró sus últimos años en soledad escudándose en sus pitillos, su whisky y su casa atestada de objetos reflejando el paso —y el peso— de los años. Una Gloria Fuertes cansada de que se le fueran muriendo los amigos, las amantes… Porque ella amó intensamente, aunque eso no se contara.Gloria. La poeta de los amores prohibidos es una obra colectiva coordinada por Lola Lapaz que recopila una serie de testimonios que pueden explicar cómo era, qué huella dejó en la vida de mucha gente y qué supuso su existencia como mujer lesbiana en una España en la que esa palabra implicaba un estigma y un tabú. La historia real de Gloria Fuertes merece ser conocida y reivindicada, para que otras personas puedan verse reflejadas también en su figura.Junto a Lola Lapaz, participan en esta obra la ex alcaldesa de Madrid Manuela Carmena, la escritora y poeta Luna Miguel, la escritora, poeta y traductora Gloria Fortún, la investigadora afincada en Estados Unidos Ana Isabel Simón Alegre, el escritor y activista cultural Carlos Barea, la poeta Belén Reyes, que fue amiga personal de Fuertes, y el escritor y periodista Darío Gael Blanco Gómez de Barreda.
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En els marges de la llengua i la cultura literària dominants, la traducció uneix la performance, la repetició, el fracàs, el procés, la col·laboració, el feminisme, la polifonia, la conversa, la diferència, el punk i la improvisació. Nakayasu desafia el concepte clàssic de traducció com una transformació d’una llengua a l’altra, amb una revolta personal i col·lectiva: cada decisió en la traducció és política, cada paraula, un possible fet artístic transformador.Aquest llibre forma part de la col·lecció Cicló, on la llengua és al centre per pensar com anomenem i per què, i així transformar la nostra mirada i el món.
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Flaubert, un provocador, en el buen sentido de la palabra, un incitador, un acicate de la reflexión, no se limitó a describir a los seres humanos de su época, sino a la sempiterna condición humana. Experto en su obra y traductor de sus cartas, Antonio Álvarez de la Rosa imagina en este libro la posibilidad de contemplar sus ideas en el espejo de las cartas de Flaubert para comprobar la vigencia de su pensamiento. En una suerte de autobiografía intelectual, va descubriendo y razonando sobre el mundo que nos ha tocado vivir: desde la suprema importancia de la palabra precisa, la estupidez generalizada y la comodidad del tópico que carcomen el pensamiento del ser humano, pasando por la revolución femenina, el enigma del amor, los problemas sociales, la necesidad de dialogar con los clásicos, la duda como motor de la inteligencia y de la búsqueda de la verdad, el escepticismo ante el poder, cualquier poder. Flaubert a la carta -que obtuvo el xvi Premio Málaga de Ensayo- propone una elegante y muy literaria manera de reflexionar a la sombra de los testimonios del autor francés, sobre cuestiones que son de una rabiosa actualidad, es decir, de una actualidad que, a veces, da rabia.
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Una recopilación de los mejores textos feministas de la Vivian Gornick más radical, más combativa, más urgente Antes de convertirse en una de las grandes cronistas de lo íntimo, Vivian Gornick escribía con la claridad furiosa de quien ha elegido vivir al servicio de una causa. Los textos reunidos en Por qué algunos hombres odian a las mujeres revelan a una pensadora radical, lúcida y vibrante, en plena efervescencia del feminismo de los años setenta. Desde las disputas ideológicas dentro del movimiento hasta las conversaciones aparentemente triviales en una peluquería del Upper West Side neoyorquino, sirven a Gornick para capturar el pulso de una transformación histórica. Y le sirven además para reflexionar sobre las diferencias entre las olas feministas, denunciar la misoginia soterrada -y no tanto- en autores consagrados como Norman Mailer, Saul Bellow o Philip Roth, y defender el poder político del testimonio personal en los grupos de autoconciencia, donde lo privado se vuelve revolución. Este libro no es solo la crónica de una época: es una cartografía de la resistencia, una llamada a no bajar la guardia, una guía de combate. En tiempos en los que el feminismo vuelve a ser desafiado por viejos y nuevos reaccionarismos, estas páginas nos recuerdan que ninguna conquista es irreversible y que la autonomía de las mujeres sigue siendo, para muchos, una amenaza intolerable. Con prosa incisiva, Gornick analiza cómo se construye el poder masculino, cómo se transmite la sumisión femenina, y qué ocurre cuando una mujer empieza a ver su experiencia personal como parte de algo mayor. «Por qué algunos hombres odian a las mujeres es la recopilación de unos textos magistrales que abarcan cincuenta años de cuestionamiento feminista». The Observer «Leer a Vivian Gornick es como ver pintar a alguien: al principio no estás seguro de lo que va a esbozar, pero te complace observar sus pinceladas a medida que va surgiendo el cuadro... Gornick siempre va más lejos, mira más lejos, arriesga más». Times Literary Supplement
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