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Llibres de literatura
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Situada en el norte de Italia a principios del siglo xix, La Cartuja de Parma, última novela de Stendhal, es un relato de pasión y aventuras: las alegres pero enfermizas hazañas amorosas de un elegante joven aristocrático, Fabricio del Dongo, durante las guerras napoleónicas.El gran logro del autor es haber sabido describir el exaltamiento y el romance de la juventud sin perder de vista en ningún momento las duras condiciones que rodean el logro de la felicidad.Esta obra dio gran celebridad a su autor y halló un sitio privilegiado en la literatura universal: Honoré de Balzac la consideró la novela más importante de su tiempo, para André Gide es la novela francesa más grande de todos los tiempos, mientras que Tolstoi se vio muy influido por el célebre tratamiento que en ella hace Stendhal de la batalla de Waterloo.
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Síntesis espiritual y poética de la Edad Media, La Divina Comedia se compone de cien cantos distribuidos en un prólogo y tres cantigas (Infierno, Purgatorio y Paraíso), de treinta y tres cantos cada una de ellas.El fundamento de esta proporción es el número 3, y el canto que sirve de prólogo al poema forma con los demás el número 100, múltiplo de 10 y símbolo de la perfección. El título genérico del poema fue originariamente Commedia, en relación con su contenido, que en un principio, triste, termina en un final feliz.“Divina” es el epíteto añadido posteriormente y que quedó consagrado, como título de la obra, a partir de la edición de Giolito (Venecia, 1555).Un problema por resolver es el de la fecha de composición del poema, pero la opinión que presenta mayor probabilidad es la que sitúa su inicio en 1307 y su finalización en 1321.
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La obra de Nikolái Gógol, considerado por muchos críticos como el padre del realismo ruso, sirvió para sentar las bases de lo que sería el Siglo de Oro de las letras rusas. Dostoievski, Turguéniev, Tolstói y Chéjov en el siglo XIX, así como Zamiatin, Bulgákov y Nabókov en el siglo XX, reconocieron su deuda con este autor. Sus personajes y sus héroes (o antihéroes) están presentes en la vida cotidiana de los rusos. Tal fue el caso de Tarás Bulba (1835), epopeya heroica que se convirtió rápidamente en patrimonio inalienable del acervo literario de su país.Nikolái Vasílievich Gógol nació en 1809, en la actual Ucrania, y murió en Moscú, en 1852. Se trasladó a San Petersburgo en 1828, y luego de sobrellevar algunos contratiempos, ingresó en los círculos literarios de esa ciudad en 1831. Su humor, el tratamiento de los temas, el empleo de la lengua y de los recursos estilísticos dejaron huellas profundas e hicieron escuela.La obra de Nikolái Gógol, considerado por muchos críticos como el padre del realismo ruso, sirvió para sentar las bases de lo que sería el Siglo de Oro de las letras rusas. Dostoievski, Turguéniev, Tolstói y Chéjov en el siglo XIX, así como Zamiatin, Bulgákov y Nabókov en el siglo XX, reconocieron su deuda con este autor.
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Síntesis espiritual y poética de la Edad Media, La Divina Comedia, de Dante Alighieri (Florencia, 1265-Rávena, 1321) se compone de cien cantos distribuidos en un prólogo y tres cantigas (Infierno, Purgatorio, Paraíso), de treinta y tres cantos cada una de ellas.El fundamento de esta proporción es el número tres, y el canto que sirve de prólogo al poema forma con los demás el número cien, múltiplo de diez y símbolo de la perfección. El título genérico del poema fue originariamente Commedia, en relación con su contenido, que en un principio, triste, termina en un final feliz.
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Un matí esplèndid d'octubre, un jove anomenat Antoni Maria Cluet, molt apreciat per la gent de Corbera, troba la mort a la serra del Grau. Artemi Boix, un bibliotecari local afectat per una misantropia extrema, té la fatalitat de ser a prop de l'indret quan es produeix el fet tràgic. Tot i que ignora l'abast i les conseqüències dels esdeveniments, percep un element d'estranyesa en una situació que només ha entrevist. Després d'això, el bibliotecari intentarà de mantenir-se al marge de la truculenta mort, però es veurà atrapat en una mena de laberint: la seua vinculació amb el desaparegut esdevindrà cada cop més profunda, fins a arribar al punt de sentir-se com un autèntic suplantador de la víctima. Potser serà per aquest motiu que provarà amb insistència de saber la veritat i de donar-li el darrer consol -encara que siga a títol pòstum- d'una mica de justícia.
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Retrato del artista adolescente (Nueva York, 1916) narra la gestación de un alma. Muy a propósito, en el primer capítulo, el de la embrionaria niñez, abundan líquidos y humedades. En cierto punto, podría decirse que el niño Stephen se rebautiza en una inmersión forzosa en la zanja de aguar servidas, que lo lleva a un sueño febril convaleciente.Las escenas se conectan no por secuencia temporal sino por asociaciones sensoriales o elementales. El niño va tratando de captar las diferencias entre su padre y su madre, entre su familia y otra, entre sí mismo y los demás, a través del lenguaje. Conversaciones y discusiones entre mayores lo introducen en la política. En el segundo capítulo, la pubertad, junto con los intentos de intelectualizar las propias experiencias, surgen los impulsos sexuales incontrolables. Sigue, en el capítulo tercero, una retracción hacia el mundo interior en la forma del retiro religioso. En el cuarto, se acaba la breve devoción y se descubren el llamado de la vida y la vocación artística. En el quinto, el más largo, el alma, ya desarrollada, elabora el camino que se le abre ante el arte, la necesidad de aislamiento figurado en el exilio, una forma de vuelo.
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Fiódor Mijáilovich Dostoievski (1821-1881) publicó El eterno marido por primera vez en los números 1 y 2 de la revista Zaria (“Amanecer”), editada en San Petersburgo, en 1870. Según Henri Troyat, en su biografía de Dostoievski, “El eterno marido ofrece, en resumen, todos los grandes temas del autor. Pero no los desarrolla durante la intriga.
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De entre todas las narraciones de Daniel Defoe, tal vez ninguna destaque tanto por su versatilidad como ''Diario del año de la peste''. Se trata de una obra en la que confluyen de manera asombrosa la ficción y un rigor que podríamos llamar periodístico o incluso historicista. El resultado es un relato escrito en un estilo excelso (Joyce lo llamó ''magistral''), repleto de heroísmo en las calamidades y tan dinámico como apegado a los terribles sucesos de la que fue la última gran epidemia de peste de Londres, en 1665. La vida de Daniel Defoe (¿1660?-1731) fue vertiginosa. Sobrevivió a la peste siendo un niño, fue comerciante y acabó en la ruina, ejerció como espía, escribió, entre otras cosas, panfletos políticos y literatura moral, estuvo en la picota y en la cárcel. No fue hasta casi los sesenta años, de hecho, con la publicación del mítico ''Robinson Crusoe'' (1719), libro al que seguirían ''Moll Flanders'' (1722) o ''Diario del año de la peste'' (1722), que comenzó a consagrarse como el gran urdidor de ficciones en el que pensamos hoy. Su obra se cuenta sin ninguna duda entre las más famosas e influyentes de la literatura anglosajona.
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ATRÉVETE A SUPERAR TUS PROPIOS LÍMITES ¿Estás listo para explorar tu sexualidad y disfrutar como nunca en la cama? ¿Te gustaría descubrir maneras desinhibidas de experimentar el placer, ya sea en solitario o en pareja? A menudo, el ritmo acelerado de la vida y las representaciones poco realistas del sexo pueden hacernos olvidar que, al fin y al cabo, se trata de un juego, de una deliciosa exploración de los cuerpos al completo —no solo de los genitales— que nos abre las puertas de las sensaciones y la excitación. Este libro está diseñado para todo el mundo, sin importar su sexualidad, identidad o el tipo de juego que prefiera, ya sea a solas, en pareja o en grupo. Con explicaciones claras, ilustraciones elegantes, ejercicios prácticos y sugerencias tentadoras, esta guía te ayudará a encontrar la chispa de felicidad carnal. • Explora tu sexualidad y disfruta de todo aquello que te hace sentir bien. • Aumenta tu confianza y tu libido. • Redescubre tu sensualidad y sentido de la aventura. • Explora nuevas ideas, conceptos y fantasías.
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El segon volum de La Guerra Civil o Farsàlia conté els llibres IV-VI d'aquest gran poema èpic que poetitza, amb una inusual força expressiva, el conflicte bèl·lic que va tenir lloc entre Pompeu i Cèsar els primers anys de la segona meitat del segle I aC, en el temps final de la República romana. El volum es presenta amb la traducció catalana acarada amb el text original, en edició crítica. És la primera vegada que aquesta obra de referència es tradueix al català.
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Una novela satírica, situada en los límites del esperpento, en la que los grandes escritores comparecen como presencias fantasmalesPoblada por personajes estrambóticos, a menudo grotescos, Lo mejor de Europa es una novela satírica, situada en los límites del esperpento, que describe un día cualquiera en una pequeña biblioteca pública de una vieja ciudad anclada en el pasado y reacia a todo progreso. Su protagonista, Andrés, un meritorio sin sueldo, es un muchacho con severos problemas locomotores que pese a su aspecto posee una gran inteligencia, un alma cándida y una memoria prodigiosa. Lector incansable, recuerda todos los libros que ha leído, vive más en la literatura que en la realidad, al modo de Alonso Quijano, y conversa con autores fallecidos cuyas presencias fantasmales recorren el relato. También intervienen varios objetos inanimados -un ordenador zalamero y vigilante, una escalera con tendencias asesinas, un cuadro cuyos personajes lo observan todo y todo lo juzgan- que al cobrar vida contribuyen a crear una atmósfera entre cómica y alucinatoria. Sumados a las apariciones de escritores célebres, con citas expresas, la novela contiene homenajes implícitos, por lo común en forma de parodia, a pasajes de algunas obras literarias: la cena de Trimalción, por ejemplo, o el descenso del protagonista al infierno dantesco guiado no por Virgilio, sino, de forma más castiza, por don Pío Baroja. Juan Manuel Muñoz Aguirre se acoge a la vieja tradición burlesca de la literatura española, esa que va del Lazarillo a Cervantes, de Juan Ruiz a Valle-Inclán, y muestra, bajo las capas de modernidad y renovación, a menudo aplicadas torpe y apresuradamente, una realidad que remite, por decirlo con palabras de Gil de Biedma, a un viejo país ineficiente.
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Ganadora del Premio StregaMás de 350.000 ejemplares vendidos en Italia«Una escritora febril y poderosa.»Corriere della SeraAunque los lugares cambien, el pasado que perdura en ellos siempre resurge para recordar quiénes somosNo existe una edad en que no pasemos miedo. Siempre está la fragilidad, ya seamos padres o hijos, a la hora de reconstruir cuando ni siquiera sabemos dónde poner los cimientos. Pero hay un momento específico, el de zambullirnos por primera vez en el mundo, en que estamos expuestos y desnudos, y el mundo no debería herirnos. Por eso, Lucia, que una noche de hace treinta años se salvó por casualidad, observa ahora asustada el silencio de su hija. Aquella noche en el Diente del Lobo estaban todos. Los pastores, los propietarios del camping, los cazadores, los carabineros. Todos, excepto las chicas que desaparecieron.Con su escritura vibrante y profunda, capaz de hacernos sentir el peso de una mirada y el sonido de una pregunta sin respuesta, Donatella Di Pietrantonio aborda en esta novela una tensión del todo nueva. «De una maestría excepcional.» Javier Aparicio Maydeu, El País Babelia«Una prosa que cautiva, páginas que se leen en apnea, una sintaxis seca y palpitante. Extremadamente convincente.» La Repubblica«Lean esta novela intensa y precisa, en la que las mujeres luchan contra una fuerza brutal y antigua. En ella está todo: el pasado oscuro del mundo, pero también el presente, cada vez menos frágil.» Il Foglio«La clave de su éxito es la transparencia de su escritura y la ausencia de sentimentalismo.» El Cultural de El Mundo
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El maestro y Margarita es, sin dudas, la obra más famosa de Mijaíl Bulgákov. Es en ella donde el escritor ha plasmado más acabadamente sus ideas sobre el sentido de la vida y de la historia, el mal y el bien, la libertad y el arte, el amor y la muerte. La novela, una denuncia tan genial como feroz contra el nuevo régimen soviético, no fue publicada en vida del autor, tardaría casi tres decenios en ver la luz. Por la especificidad de su género, la complejidad de su composición y la multiplicidad de sentidos que encierra, El maestro y Margarita es una de las cumbres narrativas del siglo XX, junto a las grandes creaciones de Proust, Joyce, Kafka, Rulfo o Thomas Mann.
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Corazón, que se publicó por primera vez en 1886, es sin duda la más conocida de las obras de Edmundo de Amicis. A modo de diario, trufado de anécdotas y pequeñas y grandes historias cotidianas, la novela nos presenta las sencillas reflexiones de un preadolescente que cursa tercer año en una escuela pública italiana, de bancos de madera y ventanas soleadas, en la que conviven entrañables maestros y una ruidosa y variopinta chiquillería. La galería de personajes que comparecen entre sus líneas, compañeros de aula, profesores y familiares de Enrique -que así se llama nuestro protagonista- y de sus colegas de escuela, van a configurar el magnífico fresco de la Italia del último tercio del siglo XIX perfilado a través de la mirada astuta y benevolente de un autor caracterizado por el amor a su patria, a la que defendió con su propia sangre, y por el inevitable derrotero didáctico de sus escritos. No en vano, como nos recuerda el prologuista, sus Racconti militari «habría de (...) servir de texto en todas las escuelas de Italia». Mª Ángeles Robles «Enrico Bottini es uno de los personajes infantiles más inolvidables de la historia de la literatura. La narración de su día a día es un documento inigualable para entender la forma de vida y los valores de un mundo que ya no existe. Con una ternura apabullante y una delicadeza estremecedora, Edmundo de Amicis escribió una novela inmortal que el paso de las generaciones ha sabido mantener viva». Juan Naranjo, traductor literario y coordinador de clubes de lectura Vuelve uno de los grandes clásicos de la literatura universal. Si creciste viendo -y llorando- a Marco buscar a su madre de los Apeninos a los Andes, podrás reencontrarte con él en estas páginas. Edmundo de Amicis (1846-1908) fue un destacado escritor y periodista italiano, reconocido principalmente por su obra Corazón (Cuore), publicada en 1886. Nació en Oneglia, Liguria, y desde joven mostró interés por la literatura y la carrera militar. Tras servir en el ejército italiano, se dedicó por completo a la escritura, combinando su pasión por los viajes con la creación literaria. Sus obras, caracterizadas por un estilo emotivo y moralizante, reflejan su compromiso con la educación y los valores humanos. Corazón, su libro más famoso, se convirtió en un clásico de la literatura juvenil, destacando por su enfoque en la solidaridad, el respeto y la justicia social. Además de su faceta literaria, De Amicis fue un ferviente defensor de la unidad italiana y de los ideales socialistas. Su legado perdura como referente de la literatura educativa y humanista del siglo XIX.
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Becs de proa, la novena publicació en solitari de Cristina Àlvarez Roig, és un llibre de gran cohesió temàtica que gira entorn del dolor i l'amor, la pèrdua i el goig, Eros i Thanatos, els dos eixos principals característics de la poètica de l'autora, que ara ens ofereix la seva obra més íntima i madura, el seu llibre d'absències, que alhora és un cant a l'amor com a motor creador i transformador. L'obra, d'una gran varietat formal, mostra el domini de les estrofes clàssiques i del vers lliure o del poema deconstruït i sense puntuació. Becs de proa és una elegia per al pare traspassat massa d'hora i per al fill no nascut una vegada i una altra, temes que ja apareixien en els reculls anteriors i que ara es tracten amb una gran serenor i imaginació: el pare esdevé fill, el fill esdevé pare i l'autora mare-filla espiritual. L'orfandat i la maternitat frustrada es diuen volgudament des del lirisme i la subtilesa evitant tota imatge explícita perquè és una poètica que vol sublimar la mort i la xacra per convertir-les en vida a través del poema. El desig sempre hi és present per convidar-nos a «morir sense mai no haver mort» i a entrar en els mons onírics i metafísics d'una autora que mai no ha deixat d'escriure la seva particular reinvenció del món.
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Diez fascinantes relatos, inéditos en castellano, con los que sumergirse en el universo del gran maestro japonés.«Leer a Yasunari Kawabata es como experimentar un haiku en forma de prosa: conciso, evocador y profundo.» The Independent«Su literatura actúa como un puente entre los paisajes serenos de Japón y las complejidades universales del corazón humano.» The Washington Post«En los relatos de Kawabata, la sutil interacción entre la tradición y la modernidad revela la profundidad de la emoción humana.» Le Monde«Contados escritores pueden crear con tan pocas palabras el recuerdo imborrable de una imagen.» San Francisco Chronicle«Una de las obras más conmovedoras y originales de nuestro tiempo.» The New York Times Book Review Tamayura contiene diez relatos con historias que se entrelazan, a veces porque los protagonistas comparten el mismo nombre, otras por su carácter sutilmente sobrenatural, y casi siempre porque tienen el amor -y el dolor que nace de él- como tema central. Cada uno de ellos fue publicado primero en revistas literarias entre 1951 y 1956, años en los que la pobreza y la desolación de un Japón en ruinas traumatizaron a una generación abatida por la derrota en la Segunda Guerra Mundial. En estos relatos, como en muchas de las obras posteriores de Yasunari Kawabata, la guerra y la rendición de su país marcan un antes y un después en la vida de los personajes, y son hechos históricos que están omnipresentes como telón de fondo. El propio autor los seleccionó para su publicación en esta antología que ve la luz por primera vez en castellano. Maestro en el arte de desvelar lo extraordinario en lo ordinario, «leer a Yasunari Kawabata es como experimentar un haiku en forma de prosa: conciso, evocador y profundamente conmovedor» (The Independent). Uno de los grandes autores nipones del siglo xx y el primero en recibir el Premio Nobel, «su literatura actúa como un puente entre los paisajes serenos de Japón y las complejidades universales del corazón humano» (The Washington Post).
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En Orfeo desciende, estrenada en Broadway en 1957 y considerada por su autor como su obra maestra, Williams apela al mito griego para cargar de resonancias trágicas una nueva visita al profundo sur estadounidense.
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Al Faro, novela mayor de Virginia Woolf, pinta dos momentos breves: una tardecita y una mañana separadas entre sí por varios años y unidas por un mismo lugar, una casa de vacaciones y sus alrededores, y por algunos personajes.Ambos momentos corresponden a las dos partes más extensas: “La ventana”, la primera y más larga, y “Al Faro”, la tercera. En medio hay una segunda parte, la más breve, cuya función se explicita en el título: “Pasa el tiempo”, donde los elementos y los objetos cobran vida en trazos líricos. Eje de todo, como presencia en la misma parte y como ausencia en la tercera, es la señora Ramsay, atenta madre de familia, esposa firme, belleza madura, gran anfitriona. Una invitada, la pintora Lily Briscoe, está pintando un cuadro en que la incluye, sentada en el hueco de la ventana. Entretanto, el hijo menor de la familia ansía ir al Faro visible desde esa ventana, pero el clima parece impedirlo. En la parte final, ausentes la modelo y el impedimento climático-familiar, se consumarán el viaje y la pintura.
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Con el estreno en Londres de El abanico de Lady Windermere (1892) Oscar Wilde se convierte en el dramaturgo más celebrado por el gran público y la crítica de Inglaterra. Hasta ese momento era reconocido por sus poemas y sus cuentos, pero su familia y él solían pasar privaciones. A partir de esa noche, paladeará la fama y riquezas y su vida fastuosa se convertirá en la comidilla de una sociedad cuyos prejuicios pone, implacable, al desnudo. Luego de Una mujer sin importancia (1893), el 3 de enero de 1895 sube a escena Un marido ideal, su tercera obra importante, con la presencia del príncipe de Gales en la sala, algo inusual y promisorio para el futuro del escritor. El 14 de febrero de ese mismo año se estrena en el teatro St. James La importancia de llamarse Ernesto, su comedia más brillante y también la última.El encanto y la vigencia del teatro de Wilde puede explicarse por su ingenio verbal, uno de sus rasgos distintivos, ese modo de decir, lejos de ser formal, constituye su estructura, y está significa una diferencia. A la absolutista moral victoriana de costumbres hipócritas, el escritor, un irlandés exiliado en Inglaterra, opone la voz de otros desterrados por una sociedad que los ignora o convierte en víctimas. La gracia del lenguaje, lejos de mimetizar los rituales, arranca las máscaras y desnuda las intenciones. Estética e ironía se resuelven en la réplica aguda, despojada de dramatismo pero colmada de profundidad.Celebrado y luego escarnecido, el 30 de noviembre de 1900, víctima de una meningitis cerebral, murió en la miseria a los 46 años.
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En La heredera (publicada con el título Washington Square en 1880) encontramos uno de los más profundos y exhaustivos estudios psicológicos de toda la literatura, y no solamente de unos personajes, sino de una situación geográfica e histórica que condiciona sus vidas.El frío y lúcido doctor Sloper, la ingenua Catherine, el cínico Morris Townsend, la entrometida tía Lavinia son productos de una época y de una educación que configura su modo de ser, atándolos a un ambiente del que no pueden despegarse. La heredera (obra que el cine ha divulgado desde 1949 con el film del mismo nombre, dirigido por William Wyler, con Olivia de Havilland como Catherine) es una obra maestra en su género. Henry James nació en Nueva York en 1843 y murió en Londres en 1916. Tres novelas suyas: Los papeles de Aspern, El sitio de Londres y Otra vuelta de tuerca figuran ya en nuestro catálogo.
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Flush bien puede considerarse una transición entre la biografía de un personaje ficticio y la de otro real, una rara mezcla de, por un lado, el rigor conceptual, la fina observación y la sutil ironía frecuentes en los ensayos de Virginia Woolf y, por otro, un libre ejercicio de sus exquisitas y peculiares dotes novelísticas.
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Como los demás libros de esta colección, este libro analiza el mundo de la infancia a través de la ironía y la sátira del signo cáustico de Frato, alter ego dibujante de Francesco Tonucci. Como los demás libros de esta colección, este libro analiza el mundo de la infancia a través de la ironía y la sátira del signo cáustico de Frato, alter ego dibujante de Francesco Tonucci. Este libro tuvo una primera edición en la Argentina con el título de Cómo ser niño, ahora Losada publica una traducción argentina con el título que tenía en la edición italiana Niño se hace. “Si no se hacen como estos niños…” dice Jesús en el Evangelio: hace 2000 años los niños ya eran señalados como modelo para todos aquellos que quisieran salvarse. Hoy que sabemos todo sobre la infancia, que la reconocemos como la etapa más importante de la vida, y que quisimos defenderla y honrarla con la Convención de Derechos de 1989, los niños se han vuelto transparentes. Muchos tienen hambre, no tienen escuela ni garantías de salud, son explotados, objetos de abuso, usados como soldados o pequeños criminales. Muchos son ricos y obesos, están atiborrados de juguetes, pero solos, llenos de escuelas y actividades, pero ya no son libres de salir solos para jugar con sus amigos.Unos y otros están olvidados, excluidos de la comunidad de los grandes. El libro analiza desde diferentes puntos de vista la difícil experiencia de ser niño hoy y las graves responsabilidades de los adultos.En este libro comienzan también las reflexiones de Frato sobre las relaciones entre los niños y la ciudad.
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Las diabólicas, de Jules Barbey d’Aurevilly (1808-1889), es la obra más representativa de este gran escritor francés. En el prólogo de la primera edición (1871), el autor expone irónicamente los motivos de su arte narrativo: son diabólicas sus nouvelles, porque él cree en la presencia real del demonio, diabólicas son también las mujeres que nos presenta en sus páginas, ya que las mujeres, más inclinadas hacia los instintos, suelen ser presas del mal con mayor facilidad.Como puede verse en los tres relatos seleccionados, uno de los rasgos más característicos de este escritor son los narradores que elige en cada caso, quienes, además de ser personajes –como el dandi maduro de “La cortina carmesí”, el médico ateo y materialista de “La dicha en el crimen” y el relator provinciano que en su juventud fue testigo parcial de un misterioso amor y de un misterioso delito en “El secreto de una partida de twist”–, saben contar manipulando con maestría el interés del lector.
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Las olas es la novela más “experimental” y excelsa de Virginia Woolf, una de las voces literarias más destacadas del siglo XX. Está organizada en nueve capítulos no numerados ni titulados sino introducidos por sendos pasajes “líricos”, en cursiva, donde un narrador en tercera persona va describiendo el transcurso de un día entero en un jardín con vista al mar, semejante al de la casa de su novela anterior, Al Faro.El día, que como las olas, es también un simbólico ciclo de nacimiento, desarrollo, muerte y recomienzo incesantes, constituye otro principio organizador de esta novela. Al final sólo queda una breve oración para las olas, que siguen y siguen rompiendo, como también romperá, queda en nosotros inferir, una y otra vez el día. Desde fines del siglo pasado, con el predominio de la producción y circulación de novelas centradas en los hechos, Las olas ha vuelto a convertirse en una rara joya, dispuesta a mostrar su exquisito fulgor a todo aquel deseoso de abrir esa caja fuerte de la mente humana para explorar los tesoros más recónditos.
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Nork ez ditu haurren gerra-deiak entzun... Ezagunenetan oinarria hartu eta egin dira BAI ZERA! bilduma honetako aleak. Ipuin jostagarriak ageri dira eta gainera konponbideak ematen dituzte. Ezin utzizko bilduma bat, familiako bakoitzak bere burua bertan ispilatuta ikusteko.
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La suerte está echada llegó a la pantalla en los años posteriores a la guerra, dirigida por Jean Delannoy, con Micheline Presle, Marcel Pagliero y Marguerite Moreno en los principales papeles. Al lector importará más observar hasta qué punto participan estas ficciones de una idea de la libertad y unas preocupaciones metafísicas que son, inconfundiblemente, el centro de toda la obra de Jean-Paul Sartre (1905-1980) en aquel período. Al interés de esta narración se suma su apertura a una forma de relato tan apasionante como nueva.
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Umorea da eleberri honen ardatza. Umorea literatur tratamendu egokiz egina, estilo arinez, generoaren arauekiko berritzaile, eta beste berezitasun garrantzitsu batekin: arrakasta. Giharren bat ukitu izango du liburu honek euskaldun berri edo zaharberrituen gorputzean, nork bere burua identifikatua sentitzeraino pasarteren batean edo bestean. Izan ere euskal belaunaldi baten ispilu konplexurik gabea da Kutsidazu bidea, Ixabel.
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Nada deja de constituir sorpresa en las novelas de Jorge Amado (Bahía de Todos los Santos, 1912-2001), que ha hurgado con maestría y sagacidad en los aspectos mágicos de la vida en su país, llena de contagiosa fascinación. Aunque se trata del primer libro del narrador nordestino, El país del Carnaval (1930) muestra ya las esenciales virtudes de esa visión popular en que Amado impregnó toda su obra.
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Oscuridad y locura son los eslabones que conectan los trece relatos que componen este libro. De las realidades más crueles al surrealismo más simbólico, adentrarse en ellos es penetrar en las sombras de mentes cuarteadas por el trauma, de psicopatías y esquizofrenias conscientes, de trastornos sin cura nacidos de la más absoluta desesperación.Un hombre que le arranca la cabeza a una rata viva a mordiscos, una madre que repta por el inodoro, una plaga de cucarachas que parasita a la humanidad. Una niña enterrada viva en las inmediaciones de un pabellón industrial, una vieja actriz interpretando su último papel, una prostituta de lujo con piernas de metal. Por estas páginas vagan los fantasmas de Cormac McCarthy y Lorrie Moore, Stanislaw Lem y Salman Rushdie, Kurt Vonnegut y Mónica Ojeda. Y, sobre todos ellos, Kafka. De ellos bebe José Luis Pascual y sus ecos laten en este exorcismo personal y terrible.«Ayer estuve muerto. Lo sé porque cuando desperté esta mañana me dolían el bazo y el corazón y algo me apretaba las costillas desde dentro. Y también porque detrás de la enfermera flotaba el hombre sin cara que me ha dado la bienvenida».
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Como es habitual en su narrativa, Donato Ndongo crea una galería de personajes que dan voz a los africanos, expresando en público las hondas inquietudes cotidianas que rumian en silencio, un mosaico de experiencias que nutren su vida interior y conforman su cosmovisión. La finalidad es clara: acercar al resto de la Humanidad el sentir de unos seres sepultados bajo la losa -¿inamovible?- de prejuicios y estereotipos de siglos, primer escalón hacia el mutuo conocimiento, un universo más armonioso que facilite la positiva interacción. Desde su prosa precisa y vibrante, que le destaca entre los mejores narradores actuales en lengua española, la obra de este escritor guineoecuatoriano permite al lector percibir situaciones y sensibilidades a menudo consideradas alejadas, pero necesarias para entender algunas realidades del mundo actual.
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Un nen setmesó i esquerrà amb trets dislèctics i dificultats per orientar-se que sovint passa els diumenges a Barcelona amb la família, que s'escapa com pot dels afanys de la seva germana per liquidar-lo, que va a un col·legi on treballa un conserge amb habilitats paranormals, que es busca la vida amb àvies i tietes per aconseguir quatre monedes i que un bon dia, ja més gran, se salva de miracle de morir ofegat en un tsunami de semen. Aquest nen-adolescent que protagonitza Xarnego se'ns adreça amb una mirada irònica i divertida, no exempta d'emotivitat, en un esforç per entendre el seu entorn i a si mateix. A mesura que ho fa, en un intent de fixar-lo en la memòria, aixeca acta del món dels anys setanta i vuitanta a la Barcelona metropolitana que va veure'l créixer, sobreviure, estimar i enyorar.
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Hace un año, Roberto decidió cortar con Marta y ella siente que el tiempo se ha detenido en los detalles de la vida cotidiana. Apenas queda con sus amigos, ya no escribe y hace mucho que no sabe nada de Teresa, su profesora de teatro. Sus días transcurren entre el hospital en el que trabaja y un piso de 42 m2 dominado por el caos.Sin embargo, un viaje a una casa rural por la despedida de soltera de su amiga Alicia, un trayecto en tren algo accidentado y una inofensiva competición de propósitos para el nuevo año son los elementos que la devuelven a la partida. ¿Se atreverá a lanzar los dados y recuperar todas las versiones de sí misma con las que una vez soñó? Con una prosa melancólica, sincera y delicada, Catalina Maer ha creado un relato de ausencias y reconstrucción, de pasados protagonizados por el frío, la niebla y el dolor y presentes en los que empiezan a aparecer tímidos rayos de sol. A través de escenas que adoptan rasgos propios de una tragicomedia, esta novela se convierte en un retrato de vida sobre el amor, la culpa, el duelo, la complejidad de las relaciones humanas y la búsqueda de la identidad.
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PREMIO NOSTROMO 2025Armando Villalobos, un restaurador de muebles acosado por las deudas de juego, se topa por azar con documentos cifrados del legendario tesoro de Barbanegra. En su lucha por cambiar su suerte, se une a Diego Mendoza, el renombrado explorador. Corre el año 1912, cuando juntos se lanzan a una emocionante aventura desde las sombrías calles de Madrid hasta las enigmáticas aguas de las Bahamas, a través incluso de los pantanos de Florida y las costas de las Outer Banks. Pista a pista, enigma tras enigma, el peligro se cierne, cada vez más cerca, y la amenaza sobre sus vidas aumenta día a día.Paralelamente, en 1715, Barbanegra, el pirata más temido del Caribe, lucha contra su destino. Ha dejado atrás su antiguo nombre, Edward Teach, pero bajo su imponente figura, las pistolas que siempre lo acompañan y la barba negra que lo convierte en una sombra demoníaca, aún late el hombre e fue. Y ahora, ante el temor por el futuro, se ve obligado a actuar...En un rápido ameno relato entre dos épocas, en un viaje a través de los siglos, La canción de Hands sumerge al lector de inmediato en un viaje vibrante en el que misterio, aventura e historia navegan de la mano. Porque esta nueva novela de Teo Palacios, ganadora del Premio Nostromo, nos habla, en definitiva, del legado que dejamos y cómo, a veces, la historia más oscura puede iluminar los rincones más inesperados de la humanidad. Y, gracias a su narración ágil y su estilo preciso, como en la más pura aventura clásica, nos condice hasta los confines del mundo para descubrir un final sorprendente...
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Los Himnos homéricos, de épocas y procedencias diversas, son una muestra de la rica poesía hímnica vinculada a nombres de cantores legendarios como Orfeo y Museo. Se los llamaba también proemios (preludios, canciones introductorias), lo que concuerda con el hecho de que a menudo concluyan con una referencia a otra canción. La estructura característica se compone de un relato de sucesos vinculados con la deidad correspondiente, precedido por un preludio definidor de tal deidad y cerrado por un saludo a ella, los himnos más breves están constituidos sólo de preludio y saludo. La diferencia de extensión guarda relación con la variedad de contenidos.La Batracomiomaquia, parodia de epopeyas de tema bélico como la Ilíada, narra en lenguaje épico-cómico una batalla campal entre ranas y ratones desatada por la muerte de un ratón que cruzaba una charca montado en una rana.
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El rescate de la producción cuentística de César Vallejo (1892-1938) no puede sino ser celebrado. En primer lugar, porque el presente volumen viene a refrendar, casi sesenta años después, la apuesta abierta por la Editorial Losada en 1949, fecha en que se editan por primera vez las Poesías completas (1818-1938), con prólogo y notas de César Miró. En segundo término, porque los textos que lo integran permiten descubrir una faceta ignorada o poco conocida de una de las voces esenciales de la poesía hispanoamericana contemporánea.En efecto, no representan estos textos una especie de complemento o mero apéndice en relación a la obra en verso de su autor, indefectiblemente más reconocida y valorada. Por el contrario, poseen ellos un valor intrínseco y que se acrecienta a partir del momento en que se los ubique en relación con el resto de la producción narrativa hispanoamericana generada en el período de las vanguardias.
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Esta edición ofrece a los lectores la recopilación de algunos de los más significativos y alucinantes cuentos de terror de Edgar Allan Poe (1809-1849), como La caída de la Casa Usher –que da título al volumen–, “Los crímenes de la Rue Morgue”, “El retrato oval”, “Ligeia”, “La máscara de la Muerte Roja”, “William Wilson”, “Manuscrito hallado en una botella”, y “La verdad sobre el caso del señor Valdemar”.Estas narraciones tienen en común el estar dominadas por el horror, la presencia de lo sobrenatural y el gusto por el análisis, tópicos sobre los cuales Poe es reconocido unánimemente como un gran maestro, tanto por la crítica especializada como por el gran público.
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