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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Teatre reunit (2010-2021). Aquest volum aplega algunes de les obres que Joan Yago ha escrit al llarg d'una dècada, de vegades en solitari i sovint en estreta complicitat amb la seva companyia, La Calòrica. Des de la comèdia, els seus textos s'acosten a les debilitats de la societat que estem construint entre tots, les injustícies que conviuen amb un sistema que s'anomena democràtic i la responsabilitat que pertoca a cadascun de nosaltres de canviar les coses. Temes com el capitalisme, la monarquia, el sistema neoliberal, el canvi climàtic, la precarietat laboral o la insatisfacció de tota una generació viuen sota les obres de Yago, com si fossin una terra malalta que el dramaturg dinamita des de sota, capgirant l'ordre establert, fent-los treure el cap i remenant-ho tot, posant les coses de manifest.
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La casa de Bernarda Alba
La casa de Bernarda Alba fue la última obra de teatro de Lorca, quien no llegaría a verla representada. Protagonizada por personascorrientes que salen del pueblo, negando la heroicidad, representa el dolor cotidiano y familiar hasta sus últimas consecue
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El caballero de Olmedo
El tema amoroso lleva aparejado irremediablemente el del honor, de extraordinario rendimiento dramático. Los protagonistas de la comedia suelen ser caballeros esforzados y virtuosos que merecen la admiración de sus compañeros, amigos, sirvientes... Reúnen diversas virtudes, tales como la valentía, la entereza, la lealtad, la honestidad, un comportamiento ejemplarmente cristiano. (...)Lope de Vega encarna una figura típicamente española de su tiempo: su vida, apurada con pasión, se debate entre sus creencias cristianas y una conducta a veces disoluta, los contrastes barrocos se plasman en su azarosa biografía.
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La influència de Harold Pinter ha estat determinant en la dramatúrgia catalana de les últimes dècades. Vint-i-cinc anys d’evolució creativa separen els textos que presentem en aquest volum, amb tot, l’essència de la poètica el•líptica i alhora compromesa del premi Nobel es manté incòlume en tots dos. Si Vells temps (1971) presenta el conflicte que provoca en un matrimoni la visita d’una antiga amiga, Cendres a les cendres (1996) parteix del diàleg entre un home i una dona al voltant d’un antic amant. Es tracta de dues peces sobre la memòria líriques i melancòliques, que destil•len una gran dosi del misteri pinterià.
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Romeo y Julieta
Inspirándose en una antigua leyenda acerca de la rivalidad entre dos familias de la Italia medieval, William Shakespeare (1564-1616) encarnó en la tragedia deRomeo y Julieta el símbolo universal por excelencia del amor juvenil contrariado. La feroz enemistad entreel clan de los Capuletos y el de los Montescos no consigue, en efecto, evitar que dos jóvenes miembros deambos se enamoren y lleguen a casarse en secreto, unión que la oposición de sus progenitores y las pasiones ajenas tornarán funesta. La obra, que ha emocionado a lectores de todos los tiempos, ha atraído en nuestra época, por su poderosa fuerza dramática, la atención de numerosos cineastas, coreógrafos y compositores, que la han hecho objeto de las más variadas versiones y adaptaciones.
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Teatro reunido
Restauración, publicada en 1991, abre el Teatro reunido de Eduardo Mendoza. A la inolvidable Mallenca de Restauración, que vive apartada de la ciudad y que una noche recibe tres inesperadas visitas, se unen en este volumen los pers
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Baal. Tambores en la noche. En la jungla
Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este primer volumen dela serie que recoge su «Teatro completo» incluye susprimeras tres piezas, escritas entre 1918 y 1924, marcadas por la Primera Guerra Mundial y sus secuelas:'' Baal, Tambores en la noche '' , que toma como telón de fondo la revuelta espartaquista de 1919, y '' En la jungla de las ciudades '' , centrada en la pugnasin cuartel de sus dos principales personajes. Traducción de Miguel Sáenz
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Escaleras al techo. El cuaderno de Trigorin
Escaleras al techo (1945) es una obra peculiar y diferente, es al mismo tiempo una historia de amor, una comedia y un experimento con un toque de ciencia ficción.El cuaderno de Trigorin (1981) es una adaptación libre del clásico La gaviota, de Antón Chéjov, transformado por el genio de Tennessee Williams en un poderoso drama contemporáneo.Tennessee Williams nació el 26 de marzo de 1911, en Columbus, Mississippi, donde su abuelo era ministro episcopal, y murió el 25 de febrero de 1983, en Nueva York. Entre otras piezas fundamentales del drama psicológico contemporáneo, publicó también: El zoo de cristal (1944), Un tranvía llamado Deseo (1947), Verano y humo (1948), Lo que no se dice (1958) y Período de ajuste (1960).
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La vida dels habitants de la petita localitat nord-americana de Grover's Corners transcorre com a qualsevol altre lloc del món: neixen, creixen, s'enamoren, es casen i moren. L'aparent senzillesa de la seva existència es converteix en un cant als petits esdeveniments quotidians i en una colpidora reflexió sobre la consciència de viure. Amb aquest text, Thornton Wilder construeix una obra coral i sobre el pas del temps, guardonada amb el Premi Pulitzer de Teatre l'any 1938.
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Pedro y el Capitán
En Pedro y el Capitán (1979), tenso diálogo entre víctima y verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios, el escritor uruguayo Mario Benedetti aborda «una indagación dramática en la psicología de un torturador» a la que una objetividad rigurosa aleja del maniqueísmo. «Esta pieza dramática -advierte el autor en el prólogo- no escenifica el enfrentamiento de un monstruo y un santo [...]. La distancia entre uno y otro es, sobre todo, ideológica, y es quizá ahí donde reside la clave de otras diferencias, que abarcan la moral, el ánimo, la sensibilidad ante el dolor humano, el complejo trayecto que media entre el coraje y la cobardía, la poca o mucha capacidad de sacrificio, la brecha entre traición y libertad.»
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La dama boba
La dama boba ha sido una de las piezas dramáticas de Lope de Vega que ha mantenido una estimación y valor permanentes en el género de capa y espada.Dentro de una sencillez de trama y una comicidad espontánea, el amor se erige en fuerza motriz de la acción y es capaz de abrir el entendimiento de Finea, la dama boba, que a través de su enamoramiento se afirmaa sí misma y logra sus objetivos galantes, en contraste paralelístico con su culta hermana Nise.
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Un enemigo del pueblo
Henrik Ibsen nació el 20 de marzo de 1828 en Skien, al sur de Cristianía, llamada hoy con su nombre más antiguo: Oslo. Alternó sus residencias en Noruega —su patria—, Alemania, Italia y, desde 1892, ya no se movió de Cristianía, donde murió en 1906. Hasta el final de su vida Ibsen marcó las llagas morales de su pueblo y de la humanidad, sin hacer caso de las voces contrarias. Desenmascaró a sus adversarios en Un enemigo del pueblo (1883), planteó la lucha entre la verdad y la mentira en El pato silvestre (1884), y la de los valores ciertos o aparentes en Casa de muñecas (1879), determinó las causas del tormento fisiológico y espiritual en Espectros (1881), en Hedda Gabler (1890) buceó en el abismo del alma femenina como foco de un problema general, debatió en La dama del mar (1888) el determinismo y el libre albedrío, formulando sugestiones novísimas, y deslumbró con la imaginación envolvente de Peer Gynt (1867), donde resuenan los ecos de las fantásticas leyendas nórdicas.
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El teatro coreano
Con este libro quiero hacer llegar al lector mis investigaciones sobre los orígenes del teatro coreano y su evolución hacia formas más contemporáneas de dramaturgia. Desde una perspectiva académica y etnográfica, reflexiono sobre las relaciones entre el teatro coreano y el teatro occidental, y cómo poner en práctica a través de mi propio trabajo artístico este diálogo entre oriente y occidente.Durante mis estudios en España era constantemente interpelada sobre la historia, la evolución y la realidad del teatro en Corea. Esta obra contribuye a dar a conocer, en español, el mundo de las artes escénicas orientales, y más concretamente el teatro coreano. Además, facilitará a los profesionales, investigadores y a la sociedad en general, tener una perspectiva más global del teatro, en lugar de una percepción reduccionista concentrada en las formas de representación europeas. Al mismo tiempo, mi formación como directora de teatro me ha permitido poner en práctica los resultados de esta investigación y compartirlos con el público. Este tipo de estudio, donde la observación participante y la construcción de la identidad del propio sujeto investigador son fundamentales, puede servir como modelo y apoyo para otros investigadores e investigadoras con identidades híbridas que estén inmersos en procesos de creación cultural entre dos mundos.
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Luces de Bohemia
Ramón María del Valle-Inclán (Villanueva de Arosa, Pontevedra, 1866-Santiago de Compostela, 1936), presidente del Ateneo de Madrid y director de la Academia de Bellas Artes de Roma, fue una de las personalidades más interesantes de la generación del 98. Gran poeta, forjador del idioma, creador del esperpento y autor de novelas históricas, Valle-Inclán hizo el mejor teatro de su tiempo. COLECCION AUSTRAL presenta en este volumen LUCES DE BOHEMIA, esperpento trágico de la vida literaria de la época. Al degradarse la realidad aparece la farsa y, en un segundo nivel, el esperpento, «Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento», aclara Valle-Inclán. Aquí el espejo cóncavo es una conciencia dolorida, una conciencia moral que escandaliza o aterra. Resulta patético que quien vea la verdad sea un ciego, Max Estrella, soñador perdido en un Madrid absurdo y hambriento. La magnífica Introducción de Alonso Zamora Vicente, de la Real Academia Española, y la ilustrativa Guía de lectura y Glosario preparados por Joaquín del Valle-Inclán nos descubren el universo mágico del genial escritor, el entramado de relaciones entre la realidad y el texto y la visión voluntariamente deformadora y crítica que se oculta bajo la caricatura, un completo y sugerente análisis de las claves de la creación valleinclaniana.
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La cena de los idiotas
Un grupo de amigos se reúne los miércoles para cenar, pero con una condición muy peculiar: tienen que llevar un idiota a la cena, quien aporte el idiota más idiota de todos, gana. Jacobo Agudo es uno de los integrantes del grupo, y por recomendación de un amigo decide llevar a la cena a Francisco Hueso. Para conocerlo antes de llevarlo a la cena, decide invitarlo a su casa, lo que, a la larga, se convertirá en una de las peores pesadillas de su vida. La cena de los idiotas es una comedia con apenas un único escenario y basada, principalmente, en la conversación entre dos personajes, que se convierte en una crítica mordaz de la aburrida y decadente burguesía.
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Lectura prescriptiva de Literatura Universal al batxillerat a Catalunya. Promoció 2020-22 i 2021-23. La història original del moro de Venècia, de Gianbattista Giraldi Cinthio (1565), va servir a William Shakespeare per crear Otel·lo, l'única de les seves grans tragèdies basada en una obra de ficció. Contravenint la imatge isabelina del «moro», Shakespeare inverteix els papers dels protagonistes i atorga a Otel·lo el caràcter d'home noble i aristocràtic, mentre que reserva per a l'italià Yago la perversitat i la hipocresia, desenvolupant en ell un dels estudis més profunds del mal. Otel·lo es presenta com la tragèdia de la incomprensió, en la que lluiten l'amor pur, la passió, l'orgull, la gelosia i la venjança. Com un autèntic heroi tràgic, el protagonista, conscient de la seva degradació i de la seva pèrdua, escriu el seu propi epitafi amb l'angoixa de l'heroi destrossat.¿A qui va dirigit el llibre OTELO?OTELO, de William Shakespeare, és una obra clàssica de la literatura anglesa que pot ser gaudida per un públic ampli. Es recomana a lectors interessats en la tragèdia, el drama i les exploracions de temes universals com els celos, la manipulació, la raça i la justícia. La seva complexitat lingüística i les seves múltiples capes de significat el fan especialment atractiu per a estudiants de literatura, aficionats al teatre i lectors amb experiència en obres clàssiques. No obstant això, la història central és accessible i captivadora, la qual cosa permet que també sigui gaudit per lectors que s'acosten a Shakespeare per primera vegada. L'obra convida a la reflexió sobre la naturalesa humana i les conseqüències de les accions impulsades per la passió i la desconfiança.Temes que tracta el llibre Otel·loOTELO explora una sèrie de temes complexos i interconnectats que segueixen sent rellevants en l'actualitat. Entre ells es troben:Celos i enveja: El motor principal de la tragèdia és la manipulació dels celos d'Otelo per part de Iago. L'obra mostra com l'enveja i el sospita poden corroer la ment i conduir a la destrucció. S'analitza com la falta de confiança i la inseguretat poden ser explotades per individus maliciosos.Traïció i engany: Iago és el mestre de l'engany, utilitzant la mentida i la manipulació per sembrar la discòrdia i aconseguir els seus propis fins. L'obra explora les diferents formes en què la traïció pot manifestar-se, tant a nivell personal com social. Es mostra com la confiança pot ser trencada i les conseqüències devastadores que això pot tenir.Raça i prejudici: Otelo, un moro, és un personatge complex que desafia les convencions racials de l'època de Shakespeare. L'obra explora el tema del racisme i la xenofòbia, mostrant com els prejudicis poden afectar les relacions interpersonals i les percepcions socials. Es planteja la qüestió de com la diferència racial pot ser utilitzada per manipular i controlar.Poder i ambició: L'obra també examina el tema del poder i l'ambició, mostrant com el desig de poder pot corrompre els individus i portar-los a cometre actes atroços. Iago, en la seva recerca de venjança i ascens social, utilitza la seva astúcia per manipular els altres i aconseguir els seus objectius.Moralitat i justícia: OTELO planteja preguntes sobre la moralitat i la justícia, explorant la naturalesa del bé i del mal, i les conseqüències de les accions. L'obra no ofereix respostes fàcils, sinó que convida al lector a reflexionar sobre la complexitat de la condició humana.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre OTELOEncara no hi ha opinions o crítiques sobre OTELO disponibles per a la seva inclusió en aquest resum.
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Cimbelino és una de les grans obres del període final de William Shakespeare. L'obra va ser ja en el seu moment una de les preferides de grans escriptors com Bernard Shaw (que fins i tot va rescriure l'obra al seu deliciós Cymbeline refinished), Tennyson o Lytton Strachey. Recentment redescoberta per la crítica anglosaxona, en ella Shakespeare desplega ja els recursos dels quals es va servir per a les seves altres dues obres de suprema maduresa: La tempesta i el Conte d'Hivern. Les tres juntes formen el gruix dels anomenats romanços shakespereans, obres noves en què experimenta amb nous recursos i formes dramàtiques. A Cimbeli observem el gust per la sofisticació i les ostentació imaginatives portades a l'extrem: l'artifici teatral en la forma més joiosa. Ambientada en una Britània preromanitzada vagament irreal, les convencions del conte de fades, les intrigues pel poder i el tema etern de la gelosia i la fidelitat amorosa s'entreteixeixen amb virtuosisme genial fins a arribar al veritable gran final de l'última escena: en només quatre-cents versos se succeeixen més de vint revelacions d'identitat i escenes de reconeixement. Abans, però, els personatges (i l'espectador/lector amb ells) hauran presenciat prodigioses aparicions divines, visites de fantasmes, enverinaments i batalles. Presideix totes les peripècies la bella figura d'Imogènia, princesa de Britània, que sobresurt per dret propi a la supèrbia galeria de personatges femenins imaginats per Shakespeare i que per a Wordsworth era, ni més ni menys, «la dona per sobre de totes les dones de Shakespeare».
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Enmig d'una etapa de canvis a casa seva, marcada per la separació dels seus pares, la seva ment es veu envaïda per un cúmul de pensaments que li impedeixen sentir-se feliç. Però el destí li té preparada una sorpresa: coneixerà en Bigotets, un gat misteriós que es convertirà en el seu guia en un viatge inesperat cap al seu món interior.
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Lucrècia Borja és una de les obres més representatives del teatre didàctic de Victor Hugo i ha passat a la posteritat com un dels textos que més han ajudat a nodrir la llegenda negra dels Borja, la família valenciana més poderosa del Renaixement. La vida de Lucrècia va estar envoltada d'històries fosques, matrimonis de conveniència i traïcions, que han contribuït a fer més gran el mite dels Borja. Un drama colpit per l'amor, la traïció i la mort en el marc d'una Itàlia renaixentista dominada pel poder del papa Alexandre VI.
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La cantante calva / Jacobo o la sumisión / El porvenir está en los huevos
La cantante calva, primera obra de Eugene ionesco, fue estrenada en el Teatro de los Noctámbulos en 1950. La pieza produjo uno de esos escándalos habituales en París desde hace siglos. Dos años después, cuando Soupault, Bretón y Péret vieron las obras de Ionesco le confesaron: ''Esto es lo que nosotros queríamos hacer''. Puede decirse, pues, que el teatro de Ionesco fue la realización de un anhelo colectivo, y el éxito universal alcanzado prueba hasta qué punto así lo sienten las nuevas generaciones. El genio de Ionesco pertenece esencialmente a la farsa, es el poeta cómico de nuestro tiempo, como queda demostrado en las tres piezas que presentamos.
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Otel·lo. Traducció i pròleg Salvador Oliva. De la col·lecció Obres De William Shakespeare de Vicens Vives.
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La Casa de Bernarda Alba
Escrita por Federico García Lorca, Bernarda Alba es una obra teatral en tres actos. En la casa de Bernarda vive ella, una mujer que ha enviudado por segunda vez, con sus cinco hijas y dos criadas. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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La señorita Julia. El padre
Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887), impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez.El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”
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El misántropo. El avaro. El enfermo imaginario
Críticos e historiadores de la literatura francesa señalan entre las principales obras de Molière: La escuela de los maridos (1661), El misántropo (1666), que ridiculiza ciertos rasgos de la vida “de salón”, El avaro (1668), que dio vida al famoso personaje de Harpagón, Tartufo (1669), El burgués gentilhombre (1670) y El enfermo imaginario (1673), que apunta contra la víctima tradicional de la comedia popular, el médico.Jean-Baptiste Poquelin, conocido como Molière, nació en 1622 y murió en 1673, en París. Proveniente de una familia de burgueses acomodados, estudió con los jesuitas en el Colegio de Clermont y luego con Gassendi. Su afición al teatro se manifestó desde temprana edad, canalizándose a través de la triple actividad de actor, director (ya en 1642 formó la compañía del Illustre Théâtre) y autor (escribió treinta y una obras). Molière constituye, junto con Pierre Corneille y Jean Racine, el tríptico mayor del gran teatro francés, siendo el maestro indiscutido de la comedia de costumbres y caracteres.
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L'obra de teatre que va escriure Milan Kundera després de la invasió russa de Txecoslovàquia.L'any 1972, el jove director de teatre francès Georges Werler va visitar Milan Kundera a Praga i, malgrat els controls fronterers, va aconseguir introduir a França el manuscrit de l'obra Jacques i el seu amo. Kundera l'havia escrit després de la invasió soviètica, quan la seva obra havia estat esborrada de les lletres txecoslovaques. Aquesta lliure variació sobre Jacques le Fataliste de Diderot és un homenatge a l'escriptor francès que el va ajudar a sobreviure en un moment tan difícil. Durant el viatge que emprenen Jacques i el seu amo s'entrellacen tres històries d'amor: la del mateix amo, la de Jacques i la de Madame de la Pommeraye. Tres històries que, juntes, conformen una comèdia brillant sobre els problemes existencials de la passió, els gelos, la venjança i el destí. «Els llibres de Milan Kundera són tan divertits, transparents, experimentals i sofisticats que em fascinen». Adam Thirlwell, The Guardian
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Teatro castellano
Edición de Manuel Calderón.Artífice de un teatro tradicionalista en lo estético, con características tardomedievales y poca influencia de los aires de comedia urbana latina que llegaban de Italia, Gil Vicente supo no obstante imprimir a su creación importantes cotas de lirismo, mostrar una patente voluntad de variación en lo temático y en lo métrico y trazar una evolución en busca de nuevos asuntos y de tramas más elaboradas. La edición de Manuel Calderón reúne todo su teatro castellano (incluido, como novedad, el llamado Sermón de Abrantes) y estudia con pormenor las características de las dos ediciones antiguas de la Copilaçam, la segunda expurgada y ocasionalmente con añadidos (es el caso del Don Duardos, quizá su mejor pieza), al tiempo que da cuenta del orden, significación y alcance de esas composiciones, sin dejar de atender además a la razonable perduración en los escenarios contemporáneos de algunas de ellas, joya única de la literatura dramática de principios del siglo xvi, a caballo entre dos culturas y dos lenguas.
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La celosa de sí misma
El teatro de Tirso de Molina es un enclave en la historia del teatro áureo situado entre el inicio sobresaliente de Lope y la culminación triunfante de Calderón, sobre todo en lo que a la comedia de enredo se refiere. Entre ''La dama boba'' y ''La dama duende'' se sitúa el eslabón de un nutrido puñado de comedias tirsistas en las que las mujeres llevan la iniciativa, dirigen la trama siempre en su beneficio y en la lenta pero imparable imposición de su libre arbitrio como quien no quiere la cosa. Tirso dio a sus personajes, sobre todo a las mujeres, el coraje y la fuerza de la autodeterminación, dentro de los límites que su tiempo marcaba. Tirso juega con el ''engaño a los ojos'', con que casi nada sea lo que aparenta a primera vista, con las urdimbres del enredo y la eficacia humorística y cómica. ''La celosa de sí misma'' es una de las mejores comedias de intriga escritas por Tirso de Molina, empezando por la paradoja del título. Sobre el muy antiguo motor teatral de los celos, Tirso logra crear uno de los personajes femeninos mejor acuñado por su pluma. Rizando el rizo, el tercero o tercera que exige toda trama de celos se convierte en un desdoblamiento especular de sí mismo, demostrando así que un personaje con capacidad imaginativa y herencia de ''curioso impertinente'' puede desdoblarse en su mismo rival por el amor de un galán que resulta ser, simultáneamente y por la misma persona, deseado y rechazado.
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Què faries si apareguera un extraterrestre a la teua habitació? Això és el que els passa a Daniel i Piloki, que se'n troben no un, sinó cinc!Què faries si apareguera un extraterrestre a la teua habitació? Això és el que els passa a Daniel i Piloki, que se'n troben no un, sinó cinc! Aquests éssers galàctics són molt diferents: tenen braços addicionals, una pell multicolor i, fins i tot, tentacles. Poden fer por al principi, però... és possible que puguen ser amics?
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Yo la prisión, ¡confieso!
Urdir una trama teatralizada del complejo mundo del encierro es una tarea difícil que Genelhú y Húngaro consiguen con maestría. Tal es así que A podemos visualizar el horror del abandono, percibir hasta el crepitar de los huesos machacados que sedimentan los cimientos, sentir la grasa viscosa de los cuerpos inmolados, hasta casi oler la de putrefacción que rodea ese averno de dolor. […] Esta dramaturgia ficcionada es tan real, refleja con tal viveza la violencia y destrucción que supone la cárcel que su lectura puede dañar seriamente la salud emocional de quienes la lean. Puede provocar rabia e indignación y consecuentemente argumentos sólidos para la acción organizada por la abolición de las prisiones…
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Hamlet
«En este instante yo podría beber sangre caliente, y hacer cosas tan amargas, que el día temblaría de verlas.» Versión y epílogo de Tomás Segovia Introducción de Alan Sinfield, profesor emérito de la Universidad de Sussex. En una gélida noche, tan funesta que el viento se vuelve mensajero de terribles presagios, Hamlet, Horacio y tres soldados se reúnen con el propósito de desentrañar el misterio en torno al espectro que ha aparecido en las últimas noches cerca del castillo. Solo hablará con Hamlet, pues esa criatura castigada a vagar por las tierras de Elsinor fue su padre, el último rey de Dinamarca. Su hermano Claudio le traicionó arrebatándole la vida, el trono y su reina. Un horrible crimen que reclama justicia. Frente al magnífico texto original presentamos la versión de Tomás Segovia, una de las más apreciadas en español. Asimismo, cuenta con una introducción a cargo de Alan Sinfield, catedrático emérito de literatura inglesa de la Universidad de Sussex.
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Teatro de la memoria
«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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En un jardí oblidat al bell mig d'un barri envellit, la Carme, una dona gran lligada al passat, i en Gerard, un funcionari atrapat per les seves pròpies contradiccions, s'enfronten a un dilema profund: la lluita entre la memòria i el progrés. Quan l'Ajuntament decideix enderrocar la casa de la Carme, aquest petit espai es converteix en un camp de batalla on es qüestionen la justícia, la impotència i el sentit de l'existència. Amb un gronxador com a símbol de pèrdues irreparables i esperança tènue, l'obra explora la fragilitat humana davant les forces implacables de la societat.
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A.K.A. (Also Known As)
Carlos, me llamo Carlos. Tengo 15 años o 16. Voy al cole, me aburro, salgo con los colegas al parque, bailo hip-hop... y un día conozco a Claudia y... magia. A.K.A. (Also Known As) nos habla de un periodo de la adolescencia de Carlos del que nosotros formamos parte. De un momento en el que, por circunstancias ajenas a él, tiemblan sus cimientos, sus raíces, su identidad. Y es que Carlos es adoptado... y los ojos de los demás le hacen plantearse cuál es su «verdadera» identidad, quizás él no sea totalmente quien ha decidido ser. Y es que, en el fondo, ¿somos quienes sentimos que somos o quien la gente cree que somos? De esto va A.K.A.: de cómo se enraízan estos gérmenes en la vida de Carlos.
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La lección. El Maestro. Víctimas del deber. La joven casadera
Eugène Ionesco (Slatina, 1912 – París, 1994), de origen rumano, junto con Samuel Beckett, Arthur Adamov y Jean Genet, es considerado uno de los más notables renovadores del teatro francés.Teatro de situaciones, ilógico, inverosímil, pero poético, burlesco y apasionante, el teatro de Ionesco está alejado de toda digresión dramática y pretende más bien sorprender, algo que por cierto no es nada fácil.En sus obras, el lenguaje saca a la luz la ausencia de ideas que las palabras intentan ocultar y en la que los objetos desbordan a seres insignificantes que no son capaces de enfrentar y dominar al mundo material, poniendo así en evidencia el absurdo de la existencia y de las relaciones sociales.
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Obra dirigida per Carles Alberola i produïda per Albena per a un escenari molt concret: l’antiga presó de Sant Miquel dels Reis. A partir de testimonis històrics, sis autors i autores valencians actuals han inventat sis monòlegs diferents, cadascun dels quals imagina una carta que un presoner o presonera escriu a la seua família o, senzillament, per a la seua intimitat. El primer monòleg correspon a un home que espera el seu afusellament l’endemà, mentre que en l’últim un periodista celebra, des de la presó, la mort de Franco.
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Magia - Una comedia fantástica
Incitado por su amigo y rival George Bernard Shaw, que lo tenía por un escritor que malgastaba su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir una obra como dramaturgo: Magia, estrenada en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres.La obra tuvo muy buena acogida, representándose hasta 165 noches seguidas, antes de estrenarse en Nueva York con idéntico éxito.En una combinación de comedia y drama, de romance, intriga y paradojas, Chesterton aborda en esta obra singular muchos de los temas que le eran predilectos, especialmente la relación entre realidad y racionalidad, entre lo fantástico y la locura.
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.