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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Mariana Pineda
Una joven granadina es encarcelada en 1831 por haber mandado bordar la bandera que servirá de insignia a una insurrección liberal. Le prometen la libertad si delata a sus jefes, pero, al negarse, es condenada a muerte y ejecutada.
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Otelo
Dentro de la amplia galería de personajes que a lo largo de las obras de William Shakespeare (1564-1616) encarnaron las más universales y comunes pasiones que mueven la naturaleza humana, Otelo ha pasado a representar el hombre destruido por los celos. Sin embargo, el tema crucial y más general de la obra es la desconfianza. Movida por este veneno que se esparce por sus diálogos e impregna las relaciones entre parejas, ya sean hombres y mujeres, ya jefes y subordinados, esta tragedia sigue resultando, hoy como ayer, una lectura tan subyugante como poderosa.
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La madonnita
En el teatro de Mauricio Kartun se entrelazan la micro y la macropolítica. Las dos obras incluidas en este tomo son una muestra cabal de esa búsqueda y dos puntos de inflexión en su carrera.La Madonnita marca su primera experiencia como director de sus propios textos. A principios del siglo xx, en un estudio fotográfico en un caluroso altillo de Parque Lezama, Hertz toma fotos pornográficas a su propia mujer para luego venderlas. El cuerpo callado de Filomena, sometido al deseo de los varones, nos permite una mirada íntima de la opresión patriarcal del pasado y atisbar sus continuidades en el presente.El niño Argentino, por su parte, señala un cambio radical en la poética del dramaturgo. El viaje en barco de Buenos Aires al puerto de Le Havre que hacen un joven aristócrata, su peón y una vaca holando-argentina es una alegoría de la evolución de la historia política argentina: un ciclo de tragedias y farsas movido por la desigual distribución de la riqueza, la ambición y la traición.Prologadas por el especialista en teatro Jorge Dubatti y seguidas de una entrevista que les da marco, estas obras son un “ladrillazo a la vidriera”: un teatro que diseña una cartografía del mal en sus múltiples máscaras con la secreta esperanza de que esa visión despierte la conciencia de los espectadores hacia la utopía de un mundo mejor.
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Un enemigo del pueblo
Publicada en 1882, Un enemigo del pueblo no hace más que refrendar la actualidad de Henrik Ibsen (1828-1906), uno de los fundadores indiscutibles del teatro moderno. Autor de sólidas convicciones éticas, rebelde al corsé de las tradiciones, las convenciones y las imposiciones sociales, políticamente incorrecto en su día igual que hoy, la obra toca el delicado punto de la auténtica representatividad de la democracia, sujeta en el mundo real a las presiones de los intereses políticos y económicos y de los variados instrumentos de que se sirven para perpetuar un poder que puede mudar su apariencia, pero que es siempre el mismo. Prólogo de Juan Antonio Garrido Ardila
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Romances
Los mejores libros jamás escritos. «Qué más vesen el abismo oscuro del pasado?»La tempestad, I, ii El presente volumen reúne la producción tardíade Shakespeare, que muestra sus creaciones más claroscuras, desde las llamadas «obras problemáticas» hasta su crepuscular despedida de los escenarios en Latempestad. Sin renunciar a la reflexión, a los juegos de palabras, a la dualidad de lo tragicómico, ni a su interés por las pasiones humanas -ahí donde nace el misterio de su universalidad- construye unos dramas llenos de simbolismo, fantasía y lirismo hipnótico. Romances es el cuarto volumen de una colección de cinco que reúne la obra completa de Shakespeare. Aquí si incluyen Troilo y Crésida,Bien está todo lo que bien acaba, Medida por medida, Pericles, príncipe de Tiro, Cimbelino, Cuento de invierno, La tempestad y Dos nobles de la misma sangre. Estaedición, a cargo de Andreu Jaume, quien firma tambiénla introducción, presenta las mejores traducciones contemporáneas, respetando el verso y la prosa originales. Un festín para todos los amantes de las buenas letras.
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El otro mundo
El otro mundo es sin duda uno de los libros más sorprendentes de todos los tiempos, fruto de la imaginación de Cyrano de Bergerac, el comedi ógrafo, poeta, filósofo, espadachín y libertino francés del siglo XVII al que dio fama mundial la obra de Edmond Rostand. A través de la uto pía, el viaje fantástico y la ciencia ficción, Cyrano fustiga los vici os de su época y toma partido por las concepciones entonces más avanza das en la ciencia y la filosofía. Tras permanecer la obra censurada po r la Iglesia durante doscientos años, a principios del siglo XX se des cubrió un manuscrito completo del viaje a la Luna, gracias al cual ha llegado hasta nosotros uno de los mejores y más audaces escritores fra nceses del «Gran siglo» y de todos los tiempos, en esta ocasión por pr imera vez en español en edición crítica.
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El público
Pocos dramaturgos contemporáneos pueden mostrar una obra tan versátil y rica en matices como la que, en su breve existencia, fuecapaz de componer Federico García Lorca (1898-1936). Siguiendo el ejemplo de sus admirados maestros del Barroco ?Lope de Ve
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Tú y YO
La Asociación Palin, nuevamente sumando activos para la cultura, tiene la oportunidad de presentar una nueva Antología a disposición de los lectores. I Concurso micro teatro «Asociación Palin Julio Navarro Albero»Teatro en este caso. Una nueva forma de crear historias desde los trabajos del microteatro. Julio Navarro Albero, nuestro socio de honor, abandera esta interesantísima selección con los mejores trabajos seleccionados entre los más de 150 presentados. Teatro a lo grande con las más variadas temáticas, pero con el hilo conductor de TÚ Y YO.
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Trilogía de Leenane
Con «La reina de la belleza de Leenane«, «Un cráneo en Connemara» y «El solitario oeste», Martin McDonagh convierte el paisaje rural irlandés en un escenario de desesperación, crueldad y comedia negra. La suya no es la Irlanda del romanticismo nacionalista ni la postal turística: en esta «égloga negra» —como se ha descrito con acierto su propuesta dramática—, lo bucólico se disuelve en resentimiento, dipsomanía, rencores familiares y objetos cotidianos que, sin previo aviso, se convierten en armas del crimen. A medio camino entre el esperpento rural y la farsa nihilista, McDonagh descompone los códigos del realismo tradicional para levantar un teatro donde el lenguaje se convierte en campo de batalla y el gag convive con la tragedia. Heredero bastardo de Synge y del in-yer-face theatre británico, McDonagh sorprendió a la escena internacional a finales de los noventa con esta trilogía, que debutó de la mano de la Druid Theatre Company de Galway. Las expectativas de una obra irlandesa al uso —con su entorno doméstico, sus tópicos rurales y sus conflictos familiares contenidos— se desmoronaron en media hora: lo que parecía una pieza más dentro de una tradición reconocible se reveló como un artefacto corrosivo, cargado de humor negrísimo, violencia latente y referencias cruzadas a la cultura pop, el cine de Tarantino y el melodrama clásico. Sus personajes —hermanos que se estrangulan, hijas que matan a sus madres, policías melancólicos que citan series de televisión— encarnan una Irlanda deformada y reconocible a la vez, donde las reliquias del Estado, la Iglesia o la lengua gaélica son poco más que vestigios borrosos de un mundo en ruinas. Este volumen reúne por primera vez en castellano las tres piezas de la «Trilogía de Leenane». Con su inconfundible mezcla de comedia incómoda, estructuras clásicas trastocadas y un sentido del ritmo que atrapa al lector desde la primera línea, la «Trilogía de Leenane» confirma a McDonagh como una de las voces más singulares del teatro contemporáneo. En Leenane, como dice uno de sus personajes, «Dios no tiene jurisdicción».
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Parte de lesiones
Parte de lesiones reúne cinco ficciones teatrales de María Velasco cuidadosamente escogidas, todas ellas estrenadas entre 2014 y 2021:Escenas de cazaLa espuma de los díasLíbrate de las cosas hermosas que te deseoLa soledad del paseador de perrosTalaré a los hombres de sobre la faz de la tierraY un apéndice que recoge tres textos breves a modo de rasguños, esguinces, torceduras. Es decir: Agora(fobia), Suite TOC Núm. 6 y FAM.Diferentes mundos en uno solo de una autora de culto que transitan entre lo narrativo y lo dramático, lo sintomático y lo patológico, la curiosidad, el gozo. Un despliegue de múltiples vértices para abordar sin rodeos qué sentidos atraviesan hoy cuestiones como la familia, la tradición, el duelo, el dinero, la intimidad, la autocensura o el colonialismo en las relaciones sentimentales…Así, con un humor, a veces sombrío, y una inteligencia cortante, María Velasco escribe historias abiertas en canal en las que conviven tanto los extremos como su punto medio, momentos de reflexión y de furia. O, como lo expresó Alejandra Pizarnik, con cuya poética dialoga este libro: «He aquí lo difícil, caminar por las calles y señalar el cielo o la tierra».
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La venganza de Don Mendo
Dentro de la amplia y rica trayectoria de la parodia teatral en España La venganza de don Mendo es la obra maestra del género: Muñoz Seca supo aquilatar en ella los procedimientos característicos del disparate cómido o el astracán para ofrecernos una divertida burla del teatro más aburrido y presuntuoso de su tiempo. La obra, divertida e ingeniosa en extremo, encierra un mensaje duradero que siguen apreciando las generaciones actuales, como demuestran sus reiteradas reposiciones en los escenarios españoles.
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Dominique ensaya su papel de Nina en " La gaviota" , de Chéjov, acompañada por su novio Jean, aspirante a escritor. Ambos tienen veinte años. Sobre ellos se ciernen dos figuras asfixiantes: la madre de Jean, actriz venida a menos, y su amante
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La casa de Bernarda Alba
La casa de Bernarda Alba sigue siendo hoy un título frecuente en las carteleras teatrales, y no solo españolas. Desde su estreno en Buenos Aires en 1945, directores, escenógrafos y actores la han sentido como un reto. Quizá es difícil imaginar hoy una situación similar a la que se plantea en la obra. Vivir en un pueblo pequeño, donde el peso de la honra y la tradición ahoga a la mujer hasta el punto de que el luto por la muerte de alguien significa encerrarse durante ocho años en una casa sin tan siquiera poder asomarse a la ventana. Esta es la situación descrita en la obra. Un drama en el que un clamor callado de anhelos insatisfechos intenta encontrar algún resquicio hacia la libertad y la vida.
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Antología teatro en verde
Teatro en este caso. Una nueva forma de crear historias desde los trabajos del microteatro.Julio Navarro Albero, nuestro socio de honor, abandera esta interesantísima selección con los mejores trabajos seleccionados entre los más de 250 presentados. Teatro a lo grande con las más variadas temáticas, pero con el hilo conductor de Teatro en verde
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Francisco Ferrer: «¡Viva la Escuela Moderna!»
En octubre de 1909, Francisco Ferrer, pedagogo, librepensador y fundador de la Escuela Moderna, fue fusilado en Montjuïc tras un proceso militar plagado de irregularidades. Su nombre, borrado de la historia oficial, sigue siendo para muchos desconocido, pese a que sus ideas sobre una enseñanza laica, mixta, crítica y emancipadora marcaron a generaciones de educadores. En esta pieza teatral, el dramaturgo belga Jean-Claude Idée convierte aquel episodio en materia escénica: la voz del acusado, los interrogatorios, las memorias familiares y las heridas de una España dividida vuelven a resonar. Más que una biografía dramatizada, esta obra es un alegato contra el olvido y una reivindicación de la educación como acto revolucionario. Traducida por Pollux Hernúñez, llega por primera vez al lector en español para recordar que la pedagogía también se escribe con pólvora y tiza. Francisco Ferrer: «¡Viva la Escuela Moderna!» se estrenó en París en 2018, y en Bruselas en 2022. Ahora, por primera vez, llega al lector en español en la Colección Mínima Teatro de Punto de Vista Editores, que publica esta versión traducida por Pollux Hernúñez como parte de su compromiso con la memoria, la escena y la palabra crítica.
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Vive. El teatro en los ámbitos escolar y catequético
El juego teatral es una actividad que, sobre todo en los chicos, estimula la capacidad de imaginar, de crear mundos nuevos y de meterse en la piel de un personaje, con sus problemas y vivencias. La obra Vive. El teatro en los ámbitos escolar y catequético, de José Ramón Mata Jiménez , tiene un claro perfil evangelizador porque el tema central es el anuncio de la Pascua de resurrección de Jesús. Esta obra de teatro se desarrolla en tres actos: El calvario, La resurrección y María, la madre y se ofrece con dos versiones: una completa, con cincuenta personajes, y otra breve, con veinticinco. La representación está pensada para chicos y chicas a partir de diez años en la escuela y en la parroquia o en otros espacios eclesiales. La obra Vive contiene diversos recursos adicionales, como las descripciones de los personajes para conocerlos más a fondo y biblografía específica para poder profundizar en dichos personajes y su contexto.
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Orestíada
Karina Garantivá ha adaptado, con singular frescura, la mítica trilogía de Esquilo, lo que demuestra una vez más la perennidad de los textos clásicos. Los dramas, tribulaciones y contradicciones que encontramos en las tragedias de Esquilo no son una antigualla que preservar en un archivo bien custodiado, sino que constituyen una verdadera interpelación para los tiempos modernos: la guerra, el amor, la amistad o la familia convocan a lo más íntimo de nuestra existencia. La capacidad de desnudar la realidad que encontramos en Esquilo la actualiza y refuerza Karina Garantivá en un texto ajustado a lo específico de nuestras problemáticas más cercanas. La compañía de Teatro Urgente, de la mano de Ernesto Caballero, responsable de la creación escénica de la obra, potencia aún más, si cabe, el vigor de la actualización del texto clásico, pensado tanto para los lectores como para los espectadores.
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La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera (Teatro completo 4)
La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera es el séptimo y último volumen de la Biblioteca Federico García Lorca y el cuarto de los que reúnen su «Teatro completo». En este volumen se ofrecen al lector clásicos lorquianos como La casa de Bernarda Alba y Doña Rosita la soltera. Asimismo, se incluyen conferencias y charlas ofrecidas por el poeta en torno a sus textos, lo que permite una aproximación aún más personal a su obra. La edición y los prólogos, a cargo de Miguel García-Posada, permiten al lector acercarse a la complejidad de su obra y disfrutar, a lo largo de los siete volúmenes que componen esta Biblioteca Federico García Lorca, de uno de los autores españoles más relevantes del siglo XX. Luis Buñuel dijo...«De todos los seres vivos que he conocido, Federico era el primero. Ya se pusiera al piano para interpretar a Chopin, ya improvisara una pantomima o una breve escena teatral, era irresistible. Era como una llama.» --------------------------------------------------------------------------BIBLIOTECA FEDERICO GARCÍA LORCA Poesía competa:1. Libro de poemas | Primeras canciones | Canciones2. Romancero gitano | Poema del cante jondo3. Poeta en Nueva York | Sonetos Teatro completo:4. La zapatera prodigiosa | Mariana Pineda5. El público | Así que pasen cinco años6. Bodas de sangre | Yerma7. La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera--------------------------------------------------------------------------
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Candelero
Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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El alcalde de Zalamea
La aportación de Calderón a la comedia nueva de Lope alcanza su cumbre en esta obra, tanto en la creación de caracteres y tratamiento del honor, como en el arranque inmediato de la historia nacional. Esta edición ofrece el texto de la edición príncipe, restituyendo a la obra su candor y autoridad original.
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Aquest llibre presenta un panorama exhaustiu de l'escena catalana modernista: marc històric, nous teatres, companyies, actors, públic, procediments literaris i escènics. En aquest volum s'editen i s'estudien les obres L'alegria que passa, El jardí abandonat i Cigales i formigues.
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Magia
MAGIA, pieza teatral que Chesterton escribió a partir de un relato que hoy anda perdido, se estrenó en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres. La obra entonces alcanzó las 165 representaciones. Bernard Shaw fue sin duda el principal impulsor para que Chesterton se decidiera a escribir teatro y fue quien posteriormente lo elogió hasta el punto de situar a su amigo dentro de la tradición prestigiosa de Shakespeare. En Magia, en palabras de Felipe Benítez Reyes, encontramos a un Chesterton en toda la pureza de su método: un arranque misterioso, el desenmascaramiento, digamos, de ese falso misterio, una situación trivial, y de repente, el ascenso a un mundo especulativo, abstracto y paradójico en el que se enredan los dogmas y las dudas, la esencia y la apariencia, lo real y lo extraordinario, de modo que la trama se aleja de la linealidad y deriva en espiral, con todas las asimetrías de un discurso que crece en torno a sí mismo satisfecho de sí mismo, orgulloso de su poder. Desde el principio de la obra las palabras comienzan a tejer una tela de araña, territorio verbal, donde van quedando atrapados los sofismas, las tergiversaciones y los sinsentidos, los axiomas paradójicos, todo lo que siempre y sólo es ya propio y único de Chesterton.
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Doña Rosita la soltera
Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores va recorriendo la vida de su protagonista, desde su juventud hasta la madurez, a la espera del cumplimiento de un amor que nunca llega a materializarse. A lo largo de sus actos, García Lorca despliega un lenguaje y una sensibilidad tan íntimos como bien perfilados, en los que todo parece colmarse de una poesía discreta que, sin embargo, está dotada de una arrolladora fuerza de expresión.
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El cartero del rey
Amal es un niño huérfano, adoptado por Madhav, a quien su médico ha prohibido salir a la calle. Un día descubre que han situado una oficina de correos frente a su casa, lo que despierta su imaginación: su gran sueño es recibir una carta del rey. De entre las piezas teatrales de Tagore, quizá ninguna es tan popular y conocida como El cartero del Rey, la cual tiene la virtud de ser, al mismo tiempo, una de las obras que refleja con más profundidad el pensamiento de su autor. La presente traducción de José Antonio López de Letona es una versión que, conservando la delicadeza y autenticidad del texto original, logra hacer llegar al gran público castellano al inolvidable personaje que es el niño Amal.
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Tres sombreros de copa
Esta comedia, escrita por Miguel Mihura, escenifica una denuncia de lo absurdo de ciertas situaciones de la vida cotidiana, así como de la vaciedad de los tópicos y las convenciones sociales. En la obra se enfrentan dos mundos y dos concepciones de la existencia:por un lado, el orden burgués y las normas y comportamientos establecidos, por otro, la alegría, la despreocupación y la espontaneidad de un grupo de artistasque representan la vida libre y sin compromisos. Lapresente edición consta de una completa introducciónpara situar la obra en el contexto histórico y cultural en el que surge, además de ofrecer un análisis claro de su composición, de su estilo y de su importancia en la historia de la literatura, que incluye un cuadro cronológico. A continuación, se inicia el estudiode la obra, que cuenta con numerosas notas aclaratorias, en su mayoría de carácter léxico. Finalmente, sepropone una serie de actividades didácticas para facilitar la lectura y la comprensión del texto.
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El Si de las niñas
Moratín, neoclásico por raciocinio y por criterio artístico, lleva en sí, por temperamento, los tiempos nuevos. En esta obra, justamente celebrada como la mejor de su producción, reivindica el derecho de los jóvenes al matrimonio por amor y no por imposición familiar. Desde un tono de bondad amable, «El sí de las niñas» es un alegato contra los métodos educativos de la época en los mismos inicios del siglo XIX, hecho por un autor dramático que, por ilustrado, trataba de educar desde las tablas.
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UN CLÀSSIC DEL TEATRE CATALÀ PER A ESTUDIANTSL'arribada d'un circ ambulant a un poble vulgar i ensopit trasbalsa la vida d'en Joanet, el fill de l'alcalde, que ja somiava amb una vida lliure i sense lligams. A L'alegria que passa Rusiñol reelabora un dels temes centrals de la literatura modernista: el conflicte entre l'artista i la societat. En aquesta edició presentem el text amb notes i un estudi introductori a càrrec de Joan Oriol i Giralt, i també unes activitats adreçades especialment a l'alumnat de Batxillerat.
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Teatro reunido
Restauración, publicada en 1991, abre el Teatro reunido de Eduardo Mendoza. A la inolvidable Mallenca de Restauración, que vive apartada de la ciudad y que una noche recibe tres inesperadas visitas, se unen en este volumen los pers
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Pigmalión
George Bernard Shaw predicó con convicción que la controversia y la polémica (que abundaban en su teatro) eran un requisito previo para el progreso social, político y cultural. Fue defensor de muchas causas que en su época (y algunas aún hoy) parecían adelantadas a su tiempo: el vegetarianismo, la reforma del alfabeto... y también el sufragio femenino y la independencia de las mujeres. Vivió casi cien años y acabó convirtiéndose en el escritor inglés más prolífico de todos los tiempos. Murió en 1950, después de haber ganado el Nobel en 1925 y el Óscar por su participación en la redacción del guion de la adaptación cinematográfica de Pigmalión de 1938. Pigmalión satiriza el sistema de clases inglés y la artificiosidad con el que este dividía a las personas, a la vez que celebra el individualismo que es capaz de romper con esas cadenas, personificado en Liza, la florista protagonista. Shaw critica la rigidez de un sistema en el que la brecha entre los pobres y la alta sociedad no solo se debe a una cuestión económica, sino también a diferencias estructurales imposibles, en un principio, de sortear. El protagonista, Henry Higgins, un afamado y peculiar fonetista, se embarca en una apuesta y acoge a Liza para, a través de clases de fonética, poder hacerla pasar por una duquesa en una fiesta. Shaw reescribe así el mito latino recogido en las Metamorfosis de Ovidio: Higgins, un misógino irredento, será su peculiar Pigmalión, y Eliza Doolittle su Galatea.
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Don Juan
Tres Don Juanes para la historia, las figuras que fundaron el mito. Introducción y Epílogo de Jordi Balló y Xavier Pérez, profesores de comunicación audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona Leyenda popular, Don Juan se convirtió en personalidad literaria con el drama trágico El burlador de Sevilla, de Tirso de Molina. A partir de entonces protagonizó como héroe-villano obras de teatro, novelas y poemas, hasta convertirse en un carácter universal, comparable a Don Quijote, Hamlet y Fausto. Además del texto fundacional de Tirso de Molina, en este volumen recogemos por su relevancia el drama de Molière y el libreto de Lorenzo da Ponte para la ópera de Mozart Don Giovanni, que aquí presentamos en edición bilingüe. Un análisis del Don Juan como arquetipo de la literatura y el cine, a cargo de Jordi Balló y Xavier Pérez, acompaña las tres grandes obras que asentaron las bases del mito. De este modo, el presente volumen nos acerca a un personaje que ha seducido, como solo él puede, a lectores de todas las épocas.
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Teatro reunido 1
El teatro de Borja Ortiz de Gondra se caracteriza por su exploración de la memoria, la identidad y los conflictos familiares e históricos a través de una escritura reflexiva y una estructura narrativa compleja. Sus obras rompen la linealidad temporal, alternando tiempos, superponiendo acciones y mezclando realidad con imaginación, lo que refuerza la subjetividad del recuerdo y la tensión entre pasado y presente. En «¿Dos?» el reencuentro inesperado entre Irune y Nerea revive un secreto del pasado que desafiará sus vidas y su amistad, llevándolas a confrontar lo que fueron y lo que son ahora. «Metropolitano» relata cómo Oscar, en el metro de París, se enfrenta a su soledad y frustración, mientras la rutina y la deshumanización urbana lo rodean, con la amenaza de un destino incierto acechando. «Dedos (vodevil negro)» es una comedia desquiciada que aborda temas como el sida, el desempleo y la violencia urbana, mientras retrata las relaciones entre dos parejas atrapadas en un juego de poder y desesperanza. «Mane, thecel, phares» explora el racismo, la multiculturalidad y la violencia en las sociedades europeas, utilizando un lenguaje experimental y una narrativa fragmentada que desafía al espectador a reconstruir el significado. En «Perro del mejor amo», se retrata la tensa relación entre un padre y su hijo, marcada por la incomunicación, la violencia y el sufrimiento emocional, sin posibilidad de redención. «Hacia el olvido» narra el viaje de mujeres que se enfrentan al olvido y la búsqueda de identidad en un contexto de sufrimiento y desplazamiento a lo largo del siglo XX. En «Del otro lado (danzón)», conocemos la historia de dos hermanos divididos por la violencia y el pasado, mientras lidian con sus decisiones, el dolor del terrorismo y las cicatrices emocionales que el conflicto ha dejado en sus vidas. «Herida en la voz» narra la crisis personal y profesional de Adela, una intérprete en una cumbre internacional, mientras se entrelazan las tensiones de la globalización, la protesta política y las relaciones interpersonales.
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La clausura del amor, seguido de Ensayo
Si en el convivir es inevitable pasar de un yo a un nosotros, ¿qué sucede cuando se empieza a agrietar el nosotros y se pronuncia solamente el yo? En ''La clausura del amor'', Stan y Audrey, pareja sentimental, entran en una sala. Él dice: «quería verte para decirte que esto se acaba / que no va a seguir / no vamos a seguir». Y a continuación lanza un flujo ininterrumpido de razones directo al cuerpo de ella. Audrey calla, escucha paciente, herida, hasta que llega su derecho a réplica, y responde a cada una de sus embestidas: «¿en quién te has convertido? / ¿nos conocemos?». En ''Ensayo'', cuatro amigos, dos parejas (entre ellos, Audrey y Stan) forman un grupo de teatro, una estructura. Aquí es una mirada la que activa la mecha de un discurso que, al multiplicarse, incendiará cada una de las voces, al tiempo que los cuerpos se van desencajando. Un texto que indaga asimismo en el vínculo entre artista y creación. En definitiva, un doble combate que describe con nitidez, por medio de la palabra (una palabra bisturí que sabe dónde hacer daño), el proceso de una ruptura, de una demolición. Pascal Rambert (Niza,1962) es autor de teatro, director y coreógrafo.Su obra, estrenada y traducida a varios idiomas (inglés, ruso, italiano, alemán, japonés, chino, holandés...) ha obtenido numerosos premios, entre ellos el Premio Émile Augier de Literatura y Filosofía por su obra Ensayo en 2015 y el Premio de Teatro de la Academia Francesa al conjunto de su obra en 2016. Recientemente ha estrenado Une Vie en la Comédie-Française. Además, ha dirigido una serie de cortometrajes, algunos de ellos premiados en los festivales de Pantin, Locarno y París. En 2007, convierte el Théâtre de Gennevilliers «T2G» en un centro nacional de creación contemporánea, dedicado exclusivamente a artistas vivos. Desde enero de 2017 es artista residente del Théâtre des Bouffes du Nord en París, fundado por Peter Brook. Actualmente está preparando una película con Isabelle Huppert como actriz protagonista.
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Reflexiones de un actor
Jean-Louis Barrault (Le Vésinet, 1910 – París, 1994). Actor, mimo y director escénico francés. Después de completar sus estudios de Historia del Arte, ingresó al Théâtre de L´Atelier en 1931 siendo discípulo de Charles Dullin y completando su formación como actor con el estudio en profundidad del mimo y la pantomima bajo la supervisión de Étienne Decroux. En 1935 irrumpe en al panorama teatral francés con Alrededor de una madre, adaptación de El ruido y la furia de William Faulkner. Antonin Artaud se convierte en uno de sus más fervientes admiradores. En 1940, ya en la Comedie Francaise, conoce a Madeleine Renaud y junto con ella crean una compañía teatral de fama mundial. Incorporando un amplio repertorio que va desde Shakespeare, pasando por Feydau, Claudel e Ionesco, entre muchos otros dramaturgos. La amalgama de diversas formas de puestas en escena, le dio a la compañía un sello distintivo y un enorme éxito durante décadas en Europa y América Latina. Barrault también fue director del Odéon Théâtre en 1959 y del Théâtre des Nations en 1965. En 1967 dirige en el Metropolitan Opera de Nueva York las óperas Fausto, de Gounod y Carmen, de Bizet. Como actor también incursionó en el cine, destacando su trabajo en Los niños del paraíso, El día más largo y La noche de Varennes.
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A l'agost del 1967, un virus desconegut per la humanitat es va estendre per la pintoresca localitat alemanya de Marburg i va causar la mort fulminant de 23 persones. Aquest és el punt de partida de Marburg. L'acció es desplega en quatre línies argumentals situades en quatre punts del planeta anomenats Marburg: Alemanya, 1967, Pennsilvània, 1981, Sud-àfrica, 1999, i Austràlia, 2010. Quatre ciutats amb l'ombra de quatre epidèmies que s'entrellacen en l'espai i en el temps per entonar una sola veu, que es pregunta qui som quan estem a punt de fer desaparèixer aquest planeta.
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Qui no ha utilitzat mai el lema d'un espot publicitari enmig d'una conversa? Qui no s'ha descobert alguna vegada a ell mateix taralúlejant la tonada d'un anunci de ràdio o televisió? Spot, de Carles Alberola i Roberto García, analitza, amb el seu humor característic, i a partir de situacions quotidianes, fins a quin punt la publicitat ha penetrat en les nostres vides, i com, sovint, la gent es comporta com si visquera dins d'un espot inacabable. Una obra que segueix la fórmula del seu gran èxit: Besos.
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«En la persona de Rita Hayworth trobem elements que avui dia són tema de preocupació social, com l'Alzheimer, els abusos a menors, la violència masclista o la figura de la dona com a objecte sexual en la indústria audiovisual. Tanmateix, en l'època de Rita Hayworth eren tabú o formaven part de la normalitat.» (del text interior de Víctor Alexandre)En aquesta mirada íntima i sincera a la vida de l'actriu, Alexandre ens fa reflexionar sobre el vertigen de l'èxit, el preu de la fama i la complexitat de la condició humana. Una història que ens commou i que ens recorda que, fins i tot, els estels més brillants poden acabar perdent-se en el firmament dels records.Víctor Alexandre alterna la novel·la, el relat, l'assaig i el teatre. Entre els seus llibres destaquen Set dones i un home sol, Una història immoral i Els amants de la rambla del Celler.
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.