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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Tragedia póetica que consagró a Federico GarcíaLorca como autor dramático.Drama poético,basado en un hecho real (la fuga de una novia con suamante en la víspera de su boda con otro hombre), con la que Lorca ahonda en las pasiones desgarradas y en la que encontramos ecos de la tragedia clásica, delteatro del Siglo de Oro y de los autores modernistas. Mito, símbolo y leyenda convergen en esta tragediarural, cuyo estreno en Madrid, en 1933, supuso la consagración de Federico García Lorca como autor dramático.
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Tras más de cien años de historia, el Teatro Circo Price fue demolido en el año 1970. Medio siglo después, en el año 2020, y una vez resucitado el Price, Aránzazu Riosalido y Pepe Viyuela escriben Mil novecientos setenta sombreros. Esta tierna y divertida obra, a caballo entre el teatro y el circo, rescata para el mundo la fascinante historia del Price. Algunas de sus principales estrellas reviven como ha hecho el propio circo para evitar un auténtico cataclismo: el que puede provocar un payaso que, desencantado, se dispone a abandonar. «El circo es un sueño común nacido de la vulnerabilidad y el sobrecogimiento ante lo que no es posible explicar con palabras, algo que va más allá de la literatura, que escapa de la expresión verbal y conecta con impulsos atávicos, con el movimiento y la danza, con la tensión del músculo y el miedo a acabar, a terminar, a caer del trapecio». Pepe Viyuela
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El epigrama comenzó siendo una inscripción en verso para conmemorar una muerte o una ofrenda y con el tiempo se convirtió en un género literario particularmente dinámico. Funerarios, votivos, eróticos, escópticos(satíricos), de adivinanza, de crítica literaria, descriptivos, narrativos, simposiacos, aritméticos, cristianos: la variedad de temas y motivos de los epigramas griegos es casi infinita. Cada epigrama es un pequeño universo que cuenta una historia completa en unpuñado de versos, a veces en apenas dos, y que llevaal límite las capacidades expresivas de la poesía. Esta antología del epigrama griego presenta un panoramacompleto del género, desde el siglo III a.C. hasta el siglo VI d.C., y muestra por qué el epigrama es unade las formas poéticas con mayor presencia en toda la literatura griega.
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Secta tiene una finalidad clara y manifiesta: la escuela. Y una estructura íntimamente ligada a esta finalidad: los ejercicios y las jornadas.El cuaderno de ejercicios diarios que lo compone se despliega hacia la fundación de una escuela de técnica dramática, pero una escuela que: a) no es la escuela del artista, b) no es un lugar donde se aprende a actuar de la mano de maestros del arte de la interpretación, c) ni siquiera es un lugar, d) es una dimensión del saber, no un nexo en la transmisión del saber.Claudia Castellucci propone, así, un espacio colectivo pero no comunitario (es decir, no afectivo) destinado al desarrollo de un conocimiento agonístico (es decir, no pacificado) de la realidad, equidistante de cualquier tentación de carácter magisterial así como de esa tradición pasiva y apresurada que consiste en destilar con devoción un legado de la propia experiencia, y sobre todo atenta al mecanismo paradójico de la «secta»: un procedimiento acrítico estructuralmente destinado a producir las condiciones subjetivas de la acción. Incluso de la acción teatral.«Un viaje al mundo del conocimiento a través de una escritura cautivadora y trepidante. Un manual nada didáctico, lleno de sugerencias, donde también se pueden apuntar las propias reflexiones y anotar los resultados del viaje personal». Francesco Bove, «L'armadillo furioso»«Los estudios teatrales en el ámbito hispánico están de celebración, pues esta edición de Secta. Escuela de técnica dramática en lengua española abre un nuevo camino en la investigación en artes escénicas en el contexto hispánico y se integra de manera significativa como un eslabón más en la cadena de relaciones que la escuela establece, enriqueciendo así el panorama teatral actual». Belén Tortosa, del prólogo
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El texto con el que Angélica Liddell hizo temblar el Palacio de los Papas en la inauguración del Festival de Aviñón, la muestra teatral más prestigiosa de Europa.Y aquí estamos intentando arreglar lo que no tiene arreglo, sobre el amor, sobre la muerte, sobre el miedo y sobre el arte.¿Qué haréis cuando ya no os quede tiempo? ¿Qué haréis cuando ya no existan ni los machos ni las hembras, ni las falsedades ni las apariencias, sino solamente mierda y vejez, y no podáis poner en juego ningún tipo de fama, ni de influencia, ni de belleza, ni de grandeza ni de orgullo, ni de vanidad, ni de poder? ¿Qué pasará cuando cada mañana os cueste más prepararos para existir? ¿Qué pasará cuando vestirse y asearse sea una tarea de extenuante cumplimiento? ¿Cómo evitaréis los pequeños derrames que poco a poco irán fulminando vuestra memoria, vuestra inteligencia, vuestra prepotencia y vuestra lucidez? ¿Qué pasará cuando se os olviden las palabras y las cosas, y sintáis manchas blancas en el cerebro, y estéis solos, completamente solos y desvalidos, y enfermos, y vuestro aspecto sea desagradable y repulsivo, por mucho que os lavéis, por mucho que os afeitéis, y nadie, absolutamente nadie quiera pasar un día entero con vosotros? ¿No sabéis que la juventud solamente le otorga cosas a la juventud? Entonces, ¿a quién pediréis misericordia cuando estéis a merced de todos y de cualquiera, y no tengáis nada más que pedir? ¿Cómo sabréis que habéis llegado a la demencia si es imposible saberlo, si es imposible distinguir entre lo real y lo irreal? ¿Qué pasará cuando un desconocido os lleve donde no queréis ir? ¿Gritaréis?¿De verdad no os da miedo?
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MAGIA, pieza teatral que Chesterton escribió a partir de un relato que hoy anda perdido, se estrenó en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres. La obra entonces alcanzó las 165 representaciones. Bernard Shaw fue sin duda el principal impulsor para que Chesterton se decidiera a escribir teatro y fue quien posteriormente lo elogió hasta el punto de situar a su amigo dentro de la tradición prestigiosa de Shakespeare. En Magia, en palabras de Felipe Benítez Reyes, encontramos a un Chesterton en toda la pureza de su método: un arranque misterioso, el desenmascaramiento, digamos, de ese falso misterio, una situación trivial, y de repente, el ascenso a un mundo especulativo, abstracto y paradójico en el que se enredan los dogmas y las dudas, la esencia y la apariencia, lo real y lo extraordinario, de modo que la trama se aleja de la linealidad y deriva en espiral, con todas las asimetrías de un discurso que crece en torno a sí mismo satisfecho de sí mismo, orgulloso de su poder. Desde el principio de la obra las palabras comienzan a tejer una tela de araña, territorio verbal, donde van quedando atrapados los sofismas, las tergiversaciones y los sinsentidos, los axiomas paradójicos, todo lo que siempre y sólo es ya propio y único de Chesterton.
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Amal es un niño huérfano, adoptado por Madhav, a quien su médico ha prohibido salir a la calle. Un día descubre que han situado una oficina de correos frente a su casa, lo que despierta su imaginación: su gran sueño es recibir una carta del rey. De entre las piezas teatrales de Tagore, quizá ninguna es tan popular y conocida como El cartero del Rey, la cual tiene la virtud de ser, al mismo tiempo, una de las obras que refleja con más profundidad el pensamiento de su autor. La presente traducción de José Antonio López de Letona es una versión que, conservando la delicadeza y autenticidad del texto original, logra hacer llegar al gran público castellano al inolvidable personaje que es el niño Amal.
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Esta comedia, escrita por Miguel Mihura, escenifica una denuncia de lo absurdo de ciertas situaciones de la vida cotidiana, así como de la vaciedad de los tópicos y las convenciones sociales. En la obra se enfrentan dos mundos y dos concepciones de la existencia:por un lado, el orden burgués y las normas y comportamientos establecidos, por otro, la alegría, la despreocupación y la espontaneidad de un grupo de artistasque representan la vida libre y sin compromisos. Lapresente edición consta de una completa introducciónpara situar la obra en el contexto histórico y cultural en el que surge, además de ofrecer un análisis claro de su composición, de su estilo y de su importancia en la historia de la literatura, que incluye un cuadro cronológico. A continuación, se inicia el estudiode la obra, que cuenta con numerosas notas aclaratorias, en su mayoría de carácter léxico. Finalmente, sepropone una serie de actividades didácticas para facilitar la lectura y la comprensión del texto.
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Antonio Buero Vallejo, un clásico ya en la historia del teatro español, ha definido el propósito de suobra como «gafas para cegatos que quisieran ver». Apoyándose en la anécdota histórica que le sugiere un grabado del siglo XVIII –,la cruel humillación de una orquestina de músicos ciegos por parte de un empresario parisino–, teje en El concierto de San Ovidio una parábola que, en el momento de su escritura, podía ciertamente reflejar la experiencia colectiva de los españoles de la etapa franquista, pero que, rebasando con mucho aquella concreta circunstanciahistórica, por la fuerza universalizadora del arte, nos presenta la realidad profunda del momento actual.Profesor de la Universidad de Strathclyde en Glasgowy uno de los mejores conocedores de la ideología bueriana, David Johnston desvela en esta edición las múltiples dimensiones de una obra que, transmitiendo unagran lección moral de esperanza, constituye un ejemplo artístico de extraordinaria calidad.
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Ubú irromp al Théâtre de l'Œuvre de París l'any 1896 i sacseja l'escena burgesa amb un crit que marcarà la història de la modernitat teatral: «Merdra!» Així comença ''Ubú rei'', però les peripècies d'aquest grotesc personatge, amb el cap en forma de pera i una espiral dibuixada a l'immens ventrell, no han fet altra cosa que començar. Després del deliri de grandesa per ser rei, decideix convertir-se en esclau i buscar la felicitat en la submissió, envaeix la casa d'un col·leccionista de poliedres, esdevé pare d'un bell arqueòpterix a causa de qüestions de banyes i recupera la naturalesa original de titella en un guinyol. Alfred Jarry converteix la burla d'un grup d'escolars a propòsit del seu professor de física en un univers literari que desemboca en la invenció del cèlebre personatge que centra l'interès d'aquesta edició: Ubú. El volum que presentem inclou per primera vegada en català les quatre peces teatrals que protagonitza -''Ubú rei'', ''Ubú encadenat'', ''Ubú cornut'' i ''Ubú al turó''-, així com versions alternatives i una selecció d'articles, discursos, cartes i conferències que Jarry escriu al voltant del teatre. La prosa apassionada que el caracteritza, i que neix de la creació col·lectiva, juga amb la tradició literària i explora el poder infinit de les paraules per fer d'Ubú una sàtira despietada del poder, la cobdícia i la condició humana. Alfred Jarry (Laval, 1873 - París, 1907) va ser dramaturg, novel·lista, poeta i autor d'altres textos sovint inclassificables. Amb l'obra ''Ubú rei'' (1896), va dinamitar les convencions escèniques, va obrir el camí al teatre de l'absurd i es va acabar convertint en precursor del dadaisme i el surrealisme. No només va donar transcendència i continuïtat al mite d'Ubú, inspirat en una paròdia escolar, sinó que també va inventar la ciència de les solucions imaginàries anomenada patafísica. La seva vida, marcada per l'excentricitat i la provocació, es va fondre amb la seva obra fins al punt d'adoptar l'extravagància del mateix Ubú. Malalt i empobrit, va morir prematurament als trenta-quatre anys i va deixar un llegat literari que encara ressona i continua fascinant lectors i creadors.
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Don Juan Tenorio es un excelente mecanismo teatral cuyo protagonista habla, escribe y se enomora teatralmente. Es esa condición esencialmente dramática del personaje de Zorrilla lo que permite conectar con el público desde la primera escena.
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La gran versión romántica de un mito inmortal de la edad moderna. Edición de Ismael López Martín, profesor de la Universidad de Zaragoza Heredera de una rica tradición literaria, en la que destacan nombres como el de Tirso de Molina, Molière o Lord Byron, Don Juan Tenorio de José Zorrilla es una de las versiones más populares de esta mítica figura, caracterizado como un personaje satánico redimido por el amor. De ello resulta una obra de teatro de sorprendentes recursos dramáticos, que se ha convertido en una de las más representadas en los escenarios españoles de todos los tiempos. La presente edición está a cargo de Ismael López Martín, profesor en el departamento de didáctica de las lenguas y de las ciencias humanas y sociales de la Universidad de Zaragoza y especialista en teatro español. Su estudio introductorio y el aparato de notas que ha diseñado constituyen una aportación fundamental que nos acerca aún más al mito de Don Juan.
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Coriolano condensa de un modo extraordinario las características del Shakespeare universal.Coriolano, una de las obras más políticas de William Shakespeare, ha sugerido en el mundo contemporáneo interpretaciones antagónicas. Sin embargo, no es un teatro de ideas, sino de personajes y «caracteres». Es, quizá, la última tragedia de su autor y, como tal, refleja los rasgos más característicos del Shakespeare maduro y universal, al tiempo que manifiesta una singularidad en el plano estético e intelectual que la convierten en su obra más inquietante: T. S. Eliot la consideró, junto a Antonio y Cleopatra, su mejor logro artístico. Frente a la espiritualidad de Hamlet o Macbeth, Coriolano es una obra de acción que insiste en lo material, en lo más elemental de la historia: la lucha por la supervivencia o, incluso, la mera subsistencia. Ángel-Luis Pujante, uno de los mayores conocedores en España de la obra de Shakespeare, consigue mantener en su traducción el estilo austero y el lenguaje lleno de paradojas, antítesis y dilemas de Coriolano, mientras que analiza en la Introducción el carácter de esa singular tragedia.
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Dice Lucía Carballal que La fortaleza gira en torno a la herencia: todo aquello –material o inmaterial– que recibimos de nuestra madre, de nuestro padre, el patrimonio cultural que, como sociedad, heredamos de las generaciones anteriores. ¿Qué hacer con todo ese pasado? Quizá cada persona, cada época, se defina por el lugar que otorga a sus ruinas.Y si La fortaleza mira hacia atrás, ante Los nuestros la autora se pregunta: «Vale, y ¿ahora qué? ¿Cómo ir hacia lo nuevo?». La obra arranca con la muerte de Dinorah. Los «suyos» se han reunido en su casa de Madrid para cumplir con el Avelut: el duelo judío en el que la familia se aparta del mundo y convive a lo largo de siete días. Cada cual abandona su realidad, vacía de rituales, para sumergirse en el encierro y enfrentar los roces y conflictos familiares enquistados durante años.La fortaleza y Los nuestros, dos ficciones atravesadas por lo biográfico, la tradición, la familia, el patrimonio cultural, la descendencia y ese misterio capaz aún de convocarnos para responder quiénes somos.
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Una joven granadina es encarcelada en 1831 por haber mandado bordar la bandera que servirá de insignia a una insurrección liberal. Le prometen la libertad si delata a sus jefes, pero, al negarse, es condenada a muerte y ejecutada.
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Aquest llibre presenta un panorama exhaustiu de l'escena catalana modernista: marc històric, nous teatres, companyies, actors, públic, procediments literaris i escènics. En aquest volum s'editen i s'estudien les obres L'alegria que passa, El jardí abandonat i Cigales i formigues.
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Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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La aportación de Calderón a la comedia nueva de Lope alcanza su cumbre en esta obra, tanto en la creación de caracteres y tratamiento del honor, como en el arranque inmediato de la historia nacional. Esta edición ofrece el texto de la edición príncipe, restituyendo a la obra su candor y autoridad original.
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La tensión entre persona y personaje, entre verdad y ficción?La vida es un juego de máscaras, un juego de representaciones, en el que los seres humanos son, a sabiendas o no, actores que desempeñan un papel que nada o poco tiene que ver con la verdad de su yo profundo.?Considerado, junto con Seis personajes en busca de autor, una de las cumbres de la obra teatral de Pirandello, Enrique IV aborda el sentido y alcance de la locura, y la compleja e inextricable relación entre personaje y persona, ficción y verdad.
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La urbanización. R. BELLO: El amor y la muerte encarnados en una escritura españolísima y hermosa. 56 verdes diferentes. B. BERGAMÍN: Una mujer que vive en carne propia los cambios que el tiempo pinta en su cuerpo y en la naturaleza emprende y aprende el camino hacia lo inevitable. La obra del mar. A GARCÍA: poema escénico que apuesta desde la forma y la memoria por repensar la escritura. Un castaño, un almendro o un árbol que dé fruta. L. MIHON: ¿Cómo gestionamos la muerte, la propia y la ajena, en un mundo diseñado para ignorarla? Hay un perro que camina en la niebla. S. SERRANO: La palabra como herramienta de emancipación. Ídolo. Episodios de mutismo selectivo. A. TORRES PEÑALVER: una obra de teatro que se resiste a ser escrita. También hay un diario. Y un manual de clases.
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La tragedia romántica más señalada de la literatura en inglés.Escrita originalmente en 1892, esta obra de William Butler Yeats retoma una vieja leyenda franco-inglesa -que a su vez remite a la del sacrifico de Alcestis de la mitología griega- para abordar, con tintes propios de la cultura popular irlandesa, la cuestión de la adversidad y la redención.
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Els humans han oblidat el poder dels Déus de l'Olimp i ja no recorden ni qui són. Per això, les dotze deïtats s'han decidit a contar un dels mites més coneguts: el de Dànae i el seu fill Perseu, el botxí de Medusa. Tot, per demostrar que sense la seua ajuda, la història seria molt diferent.
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Encina confirió carácter al teatro-espectáculo cortesano al darle mayor entidad literaria y elevar su condición artística y poética. Imprimió un ritmo teatral, fijó las condiciones de la puesta en escena y potenció el elemento lírico y musical. Esta edición recoge las catorce piezas que constituyen su producción dramática.
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Aquest volum recull dues obres mestres del Premi Nobel de Literatura Harold Pinter. Dos treballs que tracten sobre la lluita de poder i l'ambigüitat de la victòria o la derrota, temes que recorren bona part de l'obra pinteriana. La festa d'aniversari ha esdevingut, amb el temps, un dels treballs més emblemàtics de l'autor. Stanley Webber es refugia en una pensió a vora mar per a oblidar un passat fosc. Un dia arriben dos emissaris d'una organització tenebrosa i, aleshores, diversos interrogants atrapen el lector-espectador. De què fuig Stanley? Quina relació va tenir amb els sicaris? Per què vénen a buscar-lo? L'altra peça del volum, El porter, va constituir el primer èxit de Pinter. Aston rescata un vagabund d'una baralla i el convida a viure amb ell. Prompte el captaire maquina desfer-se d'Aston, malgrat la generositat del seu benefactor, a fi de guanyar-se el favor del germà ric, que és alhora el propietari de l'edifici on s'allotgen.
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En hi ha dos personatges que s'atrauen i es repel·leixen, enfrontats en una per-manent guerra de sexes, però hi trobem també la lluita per la supervivència de dos éssers, l'un amb una ambició fora mida i l'altre amb una ànsia exa-cerbada de llibertat. En Una teoria sobre això es tracta la sempre difícil assumpció de la madure-sa. Daniel, el protagonista, és un cirurgià destacat, que té tots els condicionaments per a ser feliç, i, això no obstant, no ho és. La imminent mort del pare li fa reviure velles aspiracions. És el moment d'un balanç, en què no s'estalvia la cruesa ni la ironia.
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El teatro de Lope de Vega supone una síntesis de lo culto y lo popular. Lope escribía pensando siempre en llevar la obra al escenario, tenía en cuenta que estaba creando un espectáculo y no solo un texto literario. Introducía «música» y «canciones» que daban color a sus obras y atraían al público, que incluso podía corearlas. Para «El Caballero de Olmedo», Lope se inspira en una canción popular que en 1620 era conocida y cantada por el público: «Que de noche le mataron / al caballero, / la gala de Medina, / la flor de Olmedo». Los espectadores ya conocían el final de la obra, la muerte del héroe. Lope supo hacer el resto: crear la expectación por conocer la historia de ese famoso caballero, que fue la gala de Medina, la flor de Olmedo.
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«Naturaleza trans» relata la historia de tres chicas trans de la frontera entre Uruguay y Brasil. Mediante una audaz exploración de las identidades no normativas, a través de la performance y la narrativa personal, la historia desentraña la complejidad de vivir más allá de la categoría del género binario. La obra fusiona elementos del teatro documental y el ritual, invitando al público/lector a ser testigo de una transformación colectiva, donde lo individual se entrelaza con lo social en una lucha constante por la visibilidad y la aceptación. «Muñecas de piel» nos habla sobre la explotación sexual a partir del hallazgo del cadáver de una joven, un suceso real que nos sumerge en un universo de dolor, culpa y cuestionamiento. Esta obra -que generó una gran polémica y acabó en los juzgados uruguayos al abordar un tema tan delicado como la explotación sexual de menores- se convierte en un poderoso testimonio artístico que invita a reflexionar sobre las sombras de nuestra sociedad y el papel del teatro como catalizador de cambios sociales. Acompañan a cada obra las bitácoras de la autora, que nos permiten conocer de primera mano su proceso de gestación.
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Fausto-pop es una original adaptación del mito de Fausto a nuestro tiempo, sobre el que este libro reflexiona a fondo. Escrita en distintos registros, la obra pretende constituirse en un referente cultural de nuestro tiempo. En este libro no se eluden la extravagancia y el humor, que salpimientan sus páginas, como cuando se relatan las peripecias del diablo y Pfeffer-King, su protagonista, asociados para emprender proyectos inmobiliarios en la costa levantina, proyectos que tropiezan una y otra vez con la Administración, a la que Santiago González-Varas dedica una punzante sátira. Pero tampoco se evita la profundidad intelectual, ejemplificada en sesudos diálogos con literatos y pensadores alemanes, o en la propuesta de un nuevo modelo social, de bases estéticas, con el que Pfeffer-King se propone salvar el mundo. Y tampoco se renuncia al estilo, pues el autor entremezcla diversos tonos literarios, desde el lenguaje poético hasta un uso renovado del expresionismo más crudo y cruel. La obra abunda en las paradojas: el diablo se convierte en un auténtico vividor. El protagonista, Pfeffer-King, escritor idealista, acaba invadido por la negra y profunda melancolía.
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El caballero de Olmedo, basada en un hecho histórico que fue motivo de múltiples recreaciones artísticas ?la muerte de don Juan de Vivero, caballero de Olmedo, a manos de su vecino Miguel Ruiz en 1521?, es una de las obras maestras de Lope de
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El galán fantasma es una comedia de enredo enmarcada en un ambiente palatino: la acción se sitúa enla corte sajona, tiene lugar en un periodo indefinido y, entre sus dramatis personae, se halla unduque, representante de la nobleza. La trama principal parte de un conflicto asentado en un triángulo amoroso en cuyo vértice está Julia, enamorada de Astolfo,y a quien pretende conquistar el duque de Sajonia. Calderón quiso aprovecharse en esta obra de la intrigay el juego amoroso que le brindaban la figura del fantasma. El desenlace, que finaliza con el desenmascaramiento del fingido fantasma -producto de la imaginación de algunos personajes-, corrobora la postura racional calderoniana ante las supersticiones propias desu época.
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La edición bilingüe una de las mayores tragedias de Shakespeare, la historia del mítico rey bretón Lear y de sus hijas. Edición y versión de Andreu Jaume, crítico literario El rey Lear es el mayor logro de Shakespeare y una de las obras más radicales que ha dado la literatura occidental. Lear es un viejo rey que decide de pronto dividir su reino entre sus tres hijas pidiéndoles a cambio que les expresen su grado de amor. Goneril y Regan se deshacen hipócritamente en halagos y Cordelia, la pequeña y favorita, contesta que no dirá nada, una respuesta que desata la furia de su padre y el principio de un viaje hasta lo más hondo de la condición humana. Desnudo ante el mundo, Lear se verá despojado de sus dominios, de su autoridad, de su cordura y de lo que más ha querido. Nada hay en esta obra que no sea interrogado. Cuando se cumplen cuatrocientos años de la muerte de Shakespeare, publicamos una nueva edición y traducción de esta magna tragedia al cuidado del editor y crítico Andreu Jaume.
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PREMIO NOBEL DE LITERATURA 2005 Traducción: Carlos Fuentes En la constelación de autores británicos que surgieron en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, muy pronto se destacó la figura de Harold Pinter (que hoy sigue en el primer plano de los grandes autores), se diría que como una brillante ilustración del parentesco que el filósofo Georg Lukacs encontraba entre el ''naturalismo'' y la ''vanguardia''. Se diría que se trataba de un ''absurdo'' bañado de realidad reconocible, y que los espectadores del teatro -y de la radio, y del cine y de la televisión- reconocían y reconocen como una voz aguda contemporánea. Pinter comenzó su hoy extensa obra en 1957 con The room (el cuarto), siendo desde entonces los cuartos cerrados, con muy pocos personajes, dos o poco más, los escenarios de muchos de sus dramas. En 1960 daría The caretaker (que se tradujo como ''El guardián''), y comenzó su fama. Aquella vanguardia naturalista trascendió luego, hasta nuestros días, en un ''teatro político'' que da lugar a temas como la tortura y la opresión lingüística. A esta fase corresponden las excelentes muestras contenidas en este volumen.
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La cisma de Ingalaterra lleva a escena la desventurada historia de los turbios amores de Enrique VIII y Ana Bolena, casada en secreto con el monarca después del repudio del rey de su esposa Catalina, a través de una serie de acontecimientos desastrosos parala corona que terminan con la separación de la Iglesia de Roma y la proclamación de la Iglesia anglicana.Una lección de los peligros de la falta de autodominio y de no medir la responsabilidad de los actos de uno mismo sobre la colectividad.
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Stefan Zweig escribió esta obra de teatro entre la primavera de 1915 y principios de 1917, en plena Primera Guerra Mundial. Pacifista acérrimo, escogió la figura de Jeremías, el profeta judío que predicaba en vano, para encarnar el trágico papel del «derr
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Además del gran valor que tiene para la historia de la épica antigua la Tebaida, del poeta y maestro latino Estacio (45-96), por cuanto se trata de la única epopeya que ha llegado hasta nosotros, y además íntegra, referente al ciclo tebano -y, por lo tanto, en la estela de tragedias como Los Siete contra Tebas, de Esquilo, Antígona, Edipo rey y Edipo en Colono, de Sófocles, o Fenicias y Suplicantes, de Eurípides, todas presentes en esta colección-, el poema merece por sí mismo ser rescatado del olvido. El lector interesado en la poesía épica o en la mitología clásica que se acerque a él comprobará la potencia expresiva de su autor y su enorme capacidad evocadora, que nos sitúa de golpe en medio de los acontecimientos que relata.La presente versión de Rosa María Agudo Cubas constituye la primera traducción moderna al castellano.
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.