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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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XI laboratorio de escritura teatral
'Adelas y Bernardas. Una carta de matridicio'' o la desmitificación de las relaciones materno-filiales. ''Demasiada piel'': aborda la cultura de la cancelación o los límites del arte (y la moral). ''El mejor padre del mundo'': muestra las múltiples identidades de un padre ausente. ''Reconversión'': la deriva de un astillero en Galicia y sus consecuencias sociales y particulares. ''Las películas de Ned'' o la historia real de una chica desaparecida vista por la industria del entretenimiento. ''Oficina de Vida Independiente'': inspirada en quienes trabajan para favorecer y acompañar a las personas con diversidad funcional y a sus familias.
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Gaviota, La. El tío Vania. Las tres herm
Chéjov refleja en su obra las contradicciones de la vida social de su país en las postrimerías del siglo XIX y vísperas de la revolución democrática burguesa de 1905 a 1907. Describe irónica y despiadadamentela degradación paulatina, tanto económica como cultural, de la nobleza latifundista, centrando su atenciónen la suerte de su propio estamento social. Chéjov introdujo un cambio radical en las formas de la dramaturgia, dando a la acción dramática una estructura nueva capaz de abarcar cualquier manifestación de la vida. Con una simple sucesión de cuadros cotidianos logra impresiones generales, a veces de una gran intensidad.
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Transbordo
Pol, un joven trans, visita la consulta de una psiquiatra de la Seguridad Social para que le diagnostiquen «disforia de género». Lo necesita para poder cambiar su identidad de género ante las instituciones del Estado y de la sociedad en la que vive, que aún lo ve y lo trata, a veces, como una mujer. A lo largo de la hora que dura la sesión, Pol no solo se enfrenta a la hipocresía de una sociedad supuestamente avanzada e igualitaria, sino que también dialoga con algunos de sus propios fantasmas y con sus mejores recuerdos.
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El gran teatro del mundo
Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: ''Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos''. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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La casa de Bernarda Alba
El asesinato de Federico García Lorca (1898-1936) fijó la imagen de La casa de Bernarda Alba como la obra máxima de toda una dramaturgia. Con este drama en el que unos personajes y un espacio se encadenan con suprema maestría a una pasión estéril -el amor no conseguido- cuya liberación sacrificial es la muerte, el poeta granadino llegó, en efecto, a una cumbre similar a la alcanzada por las más grandes creaciones del teatro clásico y contemporáneo. Mario Hernández fija rigurosamente en la presente edición el texto de esta tragedia en la que la tiranía de unas normas sociales opresoras, encarnadas en Bernarda Alba, sofoca de forma implacable el deseo y el ansia de libertad.
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Casa de muñecas, Solness, el constructor
La publicación de estas dos obras es el resultado de un proyecto impulsado por el Instituto de Estudios Ibsenianos de la Universidad de Oslo y financiado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Noruega, con el apoyo de NORLA para traducir de nuevo todo el teatro de Ibsen. En el caso de las dos obras que presentamos, la traducción es de Cristina Gómez Baggethun y es realmente novedosa. Por un lado, como señala Ignacio García May en su esclarecedor prólogo, “Casa de muñecas es una de las obras más famosas de la historia del teatro pero también de las más asediadas por los lugares comunes y la incomprensión”. Por otra parte, Solness, el constructor llevaba cincuenta años sin publicarse en España, y fue la primera obra escrita por Ibsen tras su regreso a Noruega después de veintisiete años de exilio. Se trata de una obra maestra absoluta, un texto titánico, y seguramente uno de los más personales jamás escritos por Ibsen. Transcurridos más de cien años desde su muerte, Ibsen es, después de Shakespeare, el autor más representado en el mundo. Su genialidad, que fue continuada poco después por Strindberg y Chéjov, puso, como señala García May, “patas arriba la forma entonces convencional de escribir teatro dejando a un lado la retórica declamatoria decimonónica para introducir en los personajes eso que, a partir de Stanislavski, se popularizaría en el lenguaje teatral como “el subtexto”, es decir, aquello que no se dice pero late bajo las palabras, sujetándolas o contradiciéndolas, pero en cualquier caso dotándolas de una riqueza de significados previamente desconocida.”
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El médico a palos
Sganarelle y Martina forman un matrimonio que acostumbra reñir porque él es un leñador holgazán y presuntuoso. Por eso un día en que dos criados buscan a un médico que alivie a la hija de su patrón de una extraña enfermedad, Martina decide jugarle una broma pesada a su marido y les dice que en el bosque hay un médico con un carácter tan excéntrico que, para que confiese sus conocimientos, se le debe dar una paliza. Los criados siguen sus instrucciones al pie de la letra de tal forma que, cuando Sganarelle niega ser médico, lo tunden a golpes, provocando que él reconozca lo que ellos quieren. Al ser conducido a la casa de la enferma, Sganarelle descubre que la joven Lucinda no ha hecho más que inventar su mal para evitar que la casen con el hombre que ella no quiere, en realidad Lucinda ama a Leandro, un joven que no puede competir con la riqueza del otro pretendiente. Conmovido, Sganarelle promete ayudar a los jóvenes a escapar, pero con tan mala suerte que, cuando se descubre que los enamorados han huído, él es señalado como responsible, y condenado a morir en la horca. Finalmente el problema se resolverá cuando Leandro y Lucinda regresen a pedirle perdón a su padre, y a informar que Leandro acaba de recibir una herencia. La reconciliación es general, incluso Sganarelle perdona a Martina por la broma tan pesada que lo ha puesto al borde de la muerte, pero le advierte que a partir de ahora tendrá que aguantarle sus recién descubiertos talentos como médico.
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Casa de muñecas
La acción de Casa de muñecas (1879) tiene como protagonista a Nora, una mujer que simula estúpida frivolidad pero que en verdad es inteligente y aguda. Nora se vio forzada años atrás a recurrir a una artimaña financiera para costear un viaje en salvaguarda de la salud de Helmer, su marido, al tiempo que su padre se hallaba moribundo. A medida que la tensión del conflicto va in crescendo, la monotonía burguesa de la protagonista se va convirtiendo en un nudo corredizo que va dejándola sin aire. Ante su impotencia, observa la imposición de todo un mundo de valores contradictorios que amenazan su idea de felicidad. Teatro de ideas, pero intensamente dramático, la obra del noruego Henrik Ibsen (1828-1906) ha influido profundamente en la evolución de la escena europea contemporánea.
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Moby Dick
«La adaptación teatral de ''Moby Dick'' fue para mí una aventura de obsesión y entusiasmo que sin duda llegó hasta los ensayos y el montaje final. Todo el mérito es por supuesto de Herman Melville, cuya obra, más allá de las tinieblas y los fondos marinos, sigue siendo un llamamiento a la reconciliación y el humanismo, cada vez más necesarios. El protagonista de ''Moby Dick'' no está claro. Se puede leer como el relato de Ismael, el de Ahab o el de la propia ballena, y también como un tratado sobre la vida en el planeta tierra en general. Esta versión comienza con la frase ''Es un hombre raro, el capitán, pero te gustará, no tengas miedo'', y ahí de alguna manera se mostraba el camino. Creo que solo Andrés Lima podía plasmar la ambición del libro original, reconducida sobre el papel a lo que era prácticamente un monólogo de Ahab/Josep Maria Pou apoyado en intervenciones puntuales de otros personajes (Ismael, Pip, etc.) y todo ello en el contexto de un envolvente marco de acción y efectos puramente teatrales». Juan Cavestany
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El mercader de Venecia
El mercader de Venecia, escrita entre 1596 y 1598, es una tragedia romántica muy representativa de la obra de William Shakespeare. En esta pieza teatral hallaremos a algunos de los personajes más icónicos de la literatura shakesperiana: el prestamista usurero Shylock, dispuesto a cobrarse sus deudas de la forma más sanguinaria, el mercader Antonio, antítesis del anterior, quien asumirá los riesgos financieros de la aventura sentimental de su amigo Bassanio, poniendo su amistad incluso por encima de su propia carne, y la acaudalada huérfana Porcia, quien, con su aplastante superioridad intelectual y audacia, conseguirá doblegar las voluntades de cuantos la rodean. Esta apasionante obra, dividida en cinco actos, disecciona el alma humana para adentrarse en una cuestión que, más de 400 años después, sigue gozando de plena actualidad: hasta dónde es capaz de llegar el poderoso con tal de cobrarse una deuda de quien todo lo ha perdido.
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Tres anys després de l'èxit d'Els dies bons, la història de Xavier, Martina i Ariadna torna en forma d'obra teatral. Amb una estructura dramatúrgica única, les històries d'aquests tres personatges es despleguen simultàniament, oferint una visió global del que ha sigut la seua vida. Una vida en què les conseqüències de la droga són més que un teló de fons, es converteixen en fil conductor que trenca i desafia els llaços familiars.
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El Pabellón de las Peonías
El Pabellón de las Peonías (Mudan ting) o Historia del alma que regresó (Huanhun ji) es la obra cumbre de la dramaturgia china, traducida aquí por primera vez al español. Escrita por Tang Xianzu (1550-1616) en 1598, relata la apasionada historia de amor entre la hermosa Du Liniang y el joven Liu Mengmei. En medio de un ambiente bélico, por la amenaza de unos bárbaros a la dinastía Song, la joven luchará por alcanzar el objeto de sus sueños enfrentándose a todos aquellos que intentan impedir su amor, incluso hasta la muerte. Los sueños, el autorretrato y la muerte se convierten en manos de Tang en un juego de espejos, mundos posibles en los que dar rienda suelta a las pasiones de la joven en una época en la que dichas pasiones eran consideradas como una amenaza al orden establecido. La obra entreteje momentos de un profundo lirismo con situaciones hilarantes, ofreciendo una profunda reflexión sobre el amor y las fronteras entre realidad e ilusión.
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Las agujas dementes
Las agujas dementes nos muestra la relación entre Sylvia Plath, Ted Hughes, Assia y David Wevill, descubriendo no solo la brillantez de dos mujeres que acabaron con su vida trágicamente, sino develando también el amor, la tristeza y la poesía que embarga a los personajes. En esta obra, la genialidad que demuestran sus protagonistas, mediante la agudeza en sus diálogos, no es suficiente para soportar la violencia desequilibrada que comienza a apoderarse de ellos. Jorge Volpi desnuda los hechos que propiciaron uno de los finales más siniestros en la historia de la literatura universal. Los comportamientos violentos, el delirio amoroso y el suicidio son algunos de los temas que encontramos en esta obra donde las vidas de los personajes se entrecruzan como agujas que dan puntadas hasta bordar una misma tragedia. «[] un juego de espejos en el que los personajes seducen y son seducidos, rechazan y son rechazados, lastiman y encajan el daño en el transcurso de 40 años, desde su primer encuentro hasta los suicidios de Plath y de Assia. Las agujas dementes (como Hughes definió en una ocasión a sus dos parejas, ambas poetas extraordinarias) es una reflexión acerca de la vocación y la pulsión y el suicidio». Patricio Pron, Babelia de El País «Con Las agujas dementes Jorge Volpi amplía un registro literario que, si antes dominó la narrativa y el ensayo, ahora se mueve con soltura en un género que, siendo literatura, también es otra cosa: una hipótesis a comprobar en el espacio-tiempo del escenario».
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Teatro Completo
Chejóv tiene una forma propia, como los impresionistas. Uno mira y tiene su impresión de que el artista porne sus colores tal como le van a parar a las manos y como si sus pinceladas no tuvieran ninguna relación entre ellas.Pero si uno se aleja un poco y lo mira mejor, recibe una impresión extraordinaria, la de encontrarse frente a un cuadro claro e indiscutible.
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Cyrano de Bergerac
Personaje pendenciero, jugador, libertino y libre pensador, materialista y poco romántico, célebre por su desproporcionada nariz, Rostand convirtió a Cyrano de Bergerac en mito y héroe nacional, haciéndole pasar de la historia a la leyenda.
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Fuente Ovejuna
Fuente Ovejuna se cuenta entre las comedias más apasionantes de Lope de Vega. En ella el autor reivindica la fuerza y el sentido de justicia que subyacen a la colectividad, representando a través de las acciones de un pueblo que se rebela contra una autoridad local los valores humanos de la dignidad, el coraje y el apoyo mutuo. Su importancia literaria y social han sido enormes, tanto que incluso han dejado huella en nuestro refranero, como lo prueba el hecho de que la expresión ''Todos a una, como en Fuente Ovejuna'' todavía se utilice para reivindicar la unidad en la lucha contra la injusticia y por el bien común.
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La vida es sueño
'La vida es sueño'' no solo es la obra más popular de Calderón de la Barca, sino también una de las más significativas del movimiento barroco y del teatro español de todos los tiempos. Bajo la historia del desafortunado príncipe Segismundo, reside una obra inmortal que nos habla de temas filosóficos y trascendentales, de la lucha del libre albedrío contra el destino y de la razón contra el instinto. De la fugacidad y futilidad de la vida, del papel que representa el hombre en este mundo ilusorio, perdido entre sombras y sueños.
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Don Juan Tenorio
La obra de Zorrilla no fue tanto fuente sino catarata que inspiró a docenas de autores dramáticos a lo largo del siglo XIX y bien entrado el siglo XX. (...)Desde el principio el autor concibió una obra profundamente cristiana, una obra que marcara el contraste entre el pagano mundo romántico que dominaba las tablas españolas de su época y una nueva visión armónica del mundo.(...)Zorrilla adoptó brillantemente, para su obra, elementos de otros dramas y de otros géneros literarios.
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El caballero de Olmedo
Lope de Vega se basó en una popular leyenda castellana, Alonso, caballero procedente de Olmedo, se enamora en la feria de Medina –y es correspondido– de Inés, prometida por su padre a Rodrigo. La dama, para evitar el enlace, finge una repentina vocación religiosa. Durante una corrida de toros en Medina Alonso salva la vida de su rival que, resentido y envidioso, decide matarlo ayudado por su amigo Fernando en el camino de regreso a su casa: Que de noche lo mataron al caballero la gala de Medina la flor de Olmedo
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Ópera de cuatro cuartos. Ascensión y caí
Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva ante todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este tercer volumen de la serie que recoge su «Teatro completo» incluye cinco piezas escritas entre 1928 y 1930: «La ópera de cuatro cuartos», «Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny», «Vuelo sobre el océano», «Pieza didáctica de Baden sobre el acuerdo» y «El consentidor y el disentidor». Traducción de Miguel Sáenz
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Tamerlán, el grande I y II
Según la crítica, Tamerlán el Grande es la obra de Marlowe de más consistente intensidad y más generosos recursos poéticos. Se la señala como una creación de extraordinaria fuerza, concentrada en su protagonista, Timur el Cojo (del persa Timür-i lang), el último de los grandes conquistadores nómadas de Asia Central.Christopher Marlowe nació en 1564 en Canterbury –el mismo año que Shakespeare– y murió en 1593. Ya desde el estreno de Tamerlán el Grande en 1587, Marlowe consiguió triunfar en los escenarios londinenses. Su carrera como dramaturgo fue sumamente exitosa, y todas sus obras, representadas en exclusividad por la compañía Admiral’s Men, fueron muy aplaudidas.
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Teatro Completo-León Felipe
LEÓN FELIPE (Tábara, Zamora, 1884-Ciudad de México, 1968) fue ante todo poeta. Sin embargo, en los años cincuenta comienza su andadura teatral. No se trataba de una ruptura, sino de una continuación. Con razón seha dicho que su teatro es poético y su poesía teatral. León Felipe sentía haberse topado ya con las limitaciones de la poesía lírica y quería explorar nuevosmundos. Para ello retoma argumentos y personajes ya establecidos y los adapta de una manera «hispánica y quijotesca». Y es que para León Felipe los grandes temas que han atormentado o apasionado al hombre a lo largo de la historia seguían abiertos y debían seguir desarrollándose. Shakespeare, uno de los héroes literarios de León Felipe, será su principal inspirador, dando como resultado las famosas paráfrasis realizadassobre las obras del Bardo de Avon. Criticado por unosy alabado por otros, León Felipe nos extiende con suteatro una auténtica pista de despegue hacia otros rumbos literarios. En esta edición, además, se presenta por primera vez el manuscrito incompleto de Hamlet,con quien mantenía una deuda de juventud, y que se conservaba inédito en su legado. «Yo invito al teatroa los buenos literatos, a los buenos cuentistas, a los buenos novelistas, a los poetas», instaba León Felipe a los artistas. Ahora nos toca a nosotros, a los lectores, recoger el guante. Esta edición nos da la oportunidad.
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Un grup d’actors es prepara per assajar una obra de Pirandello quan, de sobte, irrompen a l’escenari sis personatges de carn i ossos que han estat rebutjats pel seu autor i clamen la necessitat de viure i representar el seu drama. Pirandello convida el lector a ser testimoni d’allò que normalment no té ocasió de conèixer al voltant de l’experiència teatral i, en un dels seus textos més cèlebres, posa damunt la taula les principals inquietuds de la seva obra literària, com la impossibilitat de comunicació de l’ésser humà, la identitat múltiple de cada individu o la reflexió sobre la relació entre l’art i la vida.
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Teatro breve español
Salvo contadas excepciones, el teatro breve no ha gozado hasta hace poco de la atención y consideración que merece, lo que contrasta con la favorable acogida que el público siempre le dispensó. En la actualidad, superados ciertos prejuicios críticos (como el de confundir breve con «menor») y abordado desde nuevas perspectivas, no solo en su producción textual, sino en su contexto dramático, se ha puesto de relieve su valiosa aportación a la historia de nuestro teatro. Pero tan importante como su reivindicación crítica resulta el gran interés que ofrece como valiosísimo instrumento didáctico para fomentar el interés y el gusto por la lectura, puesto que con la dramatización de este tipo de obras se consigue más fácilmente implicar a los alumnos en una lectura cooperativa y participativa, al tiempo que se favorece en gran medida el perfeccionamiento simultáneo de varias destrezas ahora tan descuidadas: la dicción, la entonación, la expresividad verbal y gestual, etcétera. En este volumen se incluye un conjunto de doce piezas de teatro en un acto en el que se ha pretendido ofrecer un amplio y variado repertorio de esta especie dramática en nuestra literatura a través de los autores más representativos. En la elección de autores y obras se ha tenido en cuenta, sin menoscabo del interés particular de cada pieza, que constituyan hitos significativos en el dibujo de una trayectoria razonablemente completa de este género imprescindible, a través de sus principales fases -raíces folclóricas y carnavalescas, dignificación literaria cervantina, artificiosidad barroca, costumbrismo dieciochesco y decimonónico y nuevas orientaciones de la época actual- y tendencias, con especial atención -por ser la más característica y abundante, por lo menos hasta épocas recientes-, a la de carácter cómico, en sus diversos registros y tonalidades.
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Macbeth
Publicada por primera vez en 1623, ''Macbeth'' es una de las tragedias más relevantes de la literatura universal. Escrita por William Shakespeare entre 1605 y 1606, la obra está ambientada en Escocia durante el siglo XI y en ella se narra la transformación que sufre el valeroso y noble Macbeth, quien, después de oír una profecía, se transforma en un tirano despiadado. A medida que avanza la obra, ''Macbeth'' se convierte en una invitación a la reflexión sobre el significado de la ambición humana, sobre las consecuencias del poder mal habido y las de cruzar nuestros propios límites morales. Las desatadas ansias de poder no solo afectarán al noble guerrero, sino a todos quienes lo rodean, llevando al otrora leal Macbeth hacia las puertas de la locura y, finalmente, hacia la muerte. ''Macbeth'' es una tragedia que no pierde actualidad, ya que en ella se exploran temas universales que son inherentes a la naturaleza humana y que no desaparecerán a pesar de los tiempos.
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Orestíada
Karina Garantivá ha adaptado, con singular frescura, la mítica trilogía de Esquilo, lo que demuestra una vez más la perennidad de los textos clásicos. Los dramas, tribulaciones y contradicciones que encontramos en las tragedias de Esquilo no son una antigualla que preservar en un archivo bien custodiado, sino que constituyen una verdadera interpelación para los tiempos modernos: la guerra, el amor, la amistad o la familia convocan a lo más íntimo de nuestra existencia. La capacidad de desnudar la realidad que encontramos en Esquilo la actualiza y refuerza Karina Garantivá en un texto ajustado a lo específico de nuestras problemáticas más cercanas. La compañía de Teatro Urgente, de la mano de Ernesto Caballero, responsable de la creación escénica de la obra, potencia aún más, si cabe, el vigor de la actualización del texto clásico, pensado tanto para los lectores como para los espectadores.
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Trilogía de Leenane
Con «La reina de la belleza de Leenane«, «Un cráneo en Connemara» y «El solitario oeste», Martin McDonagh convierte el paisaje rural irlandés en un escenario de desesperación, crueldad y comedia negra. La suya no es la Irlanda del romanticismo nacionalista ni la postal turística: en esta «égloga negra» —como se ha descrito con acierto su propuesta dramática—, lo bucólico se disuelve en resentimiento, dipsomanía, rencores familiares y objetos cotidianos que, sin previo aviso, se convierten en armas del crimen. A medio camino entre el esperpento rural y la farsa nihilista, McDonagh descompone los códigos del realismo tradicional para levantar un teatro donde el lenguaje se convierte en campo de batalla y el gag convive con la tragedia. Heredero bastardo de Synge y del in-yer-face theatre británico, McDonagh sorprendió a la escena internacional a finales de los noventa con esta trilogía, que debutó de la mano de la Druid Theatre Company de Galway. Las expectativas de una obra irlandesa al uso —con su entorno doméstico, sus tópicos rurales y sus conflictos familiares contenidos— se desmoronaron en media hora: lo que parecía una pieza más dentro de una tradición reconocible se reveló como un artefacto corrosivo, cargado de humor negrísimo, violencia latente y referencias cruzadas a la cultura pop, el cine de Tarantino y el melodrama clásico. Sus personajes —hermanos que se estrangulan, hijas que matan a sus madres, policías melancólicos que citan series de televisión— encarnan una Irlanda deformada y reconocible a la vez, donde las reliquias del Estado, la Iglesia o la lengua gaélica son poco más que vestigios borrosos de un mundo en ruinas. Este volumen reúne por primera vez en castellano las tres piezas de la «Trilogía de Leenane». Con su inconfundible mezcla de comedia incómoda, estructuras clásicas trastocadas y un sentido del ritmo que atrapa al lector desde la primera línea, la «Trilogía de Leenane» confirma a McDonagh como una de las voces más singulares del teatro contemporáneo. En Leenane, como dice uno de sus personajes, «Dios no tiene jurisdicción».
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La dama del mar
Henrik Ibsen nació el 20 de marzo de 1828 en Skien, al sur de Cristianía, llamada hoy con su nombre más antiguo: Oslo. Alternó sus residencias en Noruega —su patria—, Alemania, Italia y, desde 1892, ya no se movió de Cristianía, donde murió en 1906. Hasta el final de su vida Ibsen marcó las llagas morales de su pueblo y de la humanidad, sin hacer caso de las voces contrarias. Desenmascaró a sus adversarios en Un enemigo del pueblo (1883), planteó la lucha entre la verdad y la mentira en El pato silvestre (1884), y la de los valores ciertos o aparentes en Casa de muñecas (1879), determinó las causas del tormento fisiológico y espiritual en Espectros (1881), en Hedda Gabler (1890) buceó en el abismo del alma femenina como foco de un problema general, debatió en La dama del mar (1888) el determinismo y el libre albedrío, formulando sugestiones novísimas, y deslumbró con la imaginación envolvente de Peer Gynt (1867), donde resuenan los ecos de las fantásticas leyendas nórdicas.
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Aquest llibre presenta un panorama exhaustiu de l'escena catalana modernista: marc històric, nous teatres, companyies, actors, públic, procediments literaris i escènics. En aquest volum s'editen i s'estudien les obres L'alegria que passa, El jardí abandonat i Cigales i formigues.
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Cartas de amor... después de una paliza,
Juana Escabias es una mujer de teatro en el sentido máspleno: escritora, profesora, actriz, editora, directora de compañía y gestora de numerosas actividades teatrales y culturales. «Pertenezco a esa generación que ha vivido y exigido la igualdad como derecho innegable, pero en mi obra siempre están presentes las mujeres obligadas a vivir una existencia de segunda categoría por el hecho de pertenecer «al segundo sexo»».De esta forma, Juana Escabias se ha comprometido conlos asuntos más importantes que afectan a nuestra sociedad y ha colocado la lucha contra la violencia quesufre la mujer en una de las preocupaciones esenciales de su vida. Las tres obras que se incluyen en estelibro son buenas muestras de ello.
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Playoff
PLAYOFF es una tragicomedia que ocurre alrededor de un equipo de fútbol femenino durante el partido más importante de sus vidas. La obra reflexiona sobre el papel de la mujer y del deporte femenino en una sociedad que todavía manifiesta un machismo feroz. En el campo de juego aflorarán las envidias, los sueños, las dudas y los miedos de unas chicas que lo único que quieren es vivir de su pasión.
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Obres que van ser maleïdes mentre l'autor era viu, però que als ulls del lector/espectador del segle XXI adquireixen una nova dimensió i permeten gaudir d'una experiència poc habitual: descubrir un nou vell autor i, en tot cas, apreciar de manera global la magnitud i la qualitat variada i polièdrica del dramaturg estatunidenc més prolífic del segle xx.
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La madonnita
En el teatro de Mauricio Kartun se entrelazan la micro y la macropolítica. Las dos obras incluidas en este tomo son una muestra cabal de esa búsqueda y dos puntos de inflexión en su carrera.La Madonnita marca su primera experiencia como director de sus propios textos. A principios del siglo xx, en un estudio fotográfico en un caluroso altillo de Parque Lezama, Hertz toma fotos pornográficas a su propia mujer para luego venderlas. El cuerpo callado de Filomena, sometido al deseo de los varones, nos permite una mirada íntima de la opresión patriarcal del pasado y atisbar sus continuidades en el presente.El niño Argentino, por su parte, señala un cambio radical en la poética del dramaturgo. El viaje en barco de Buenos Aires al puerto de Le Havre que hacen un joven aristócrata, su peón y una vaca holando-argentina es una alegoría de la evolución de la historia política argentina: un ciclo de tragedias y farsas movido por la desigual distribución de la riqueza, la ambición y la traición.Prologadas por el especialista en teatro Jorge Dubatti y seguidas de una entrevista que les da marco, estas obras son un “ladrillazo a la vidriera”: un teatro que diseña una cartografía del mal en sus múltiples máscaras con la secreta esperanza de que esa visión despierte la conciencia de los espectadores hacia la utopía de un mundo mejor.
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La cabeza del dragón (texto original)
El teatro de Valle-Inclán, muy renovador y avanzado para su época, es considerado hoy como uno de los más importantes del siglo XX en la literatura castellana. La cabeza del dragón, que se inscribe en el género de la farsa (de ahí su título original: Farsa infantil de la cabeza del dragón), es una buena muestra de ello. Con el humor característico de ese tipo de obras, se presentan en escena una historia y unos personajes llenos de gracia e imaginación: un príncipe que se disfraza de bufón, un duende, una infantina a punto de ser devorada por un dragón…, Pero La cabeza del dragón anticipa también el teatro basado en la deformación grotesca de personajes y situaciones por el que es conocido su autor.
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És un matí de setembre i fa una calor insuportable als arrossars. Quan el cotxe se’ls avaria en una carretera de terra, Isabel i Gerard no podran esquivar els problemes que els acacen. Tots dos són professors d’Art Dramàtic d’una de les escoles d’interpretació més prestigioses del país, i també figures importants i referents de l’escena teatral. Aquesta setmana, però, s’han fet públiques unes denúncies que canviaran les seues vides per sempre. La veritat esclatarà en aquella carretera solitària i perduda en el laberint de camps d’arròs daurats llestos per a la sega.Una carretera sense arbres és la poderosa obra de teatre amb què Clàudia Serra ha captivat crítica i públic. Un text carregat de veritat, però també de matisos, que s’endinsa en les diferents cares de l’abús de poder per parlar-nos de les conseqüències dels silencis i les complicitats que l’acompanyen. Una premiada creació escènica que, estrenada per la companyia Lluna Plena, ha recorregut el territori agitant emocions i removent consciències. Una història necessària sobre supèrbies i violències quotidianes, que ens posa davant l’espill d’uns personatges que esdevenen dues bèsties a punt d’explotar.
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Quinientos epigramas griegos
El epigrama comenzó siendo una inscripción en verso para conmemorar una muerte o una ofrenda y con el tiempo se convirtió en un género literario particularmente dinámico. Funerarios, votivos, eróticos, escópticos(satíricos), de adivinanza, de crítica literaria, descriptivos, narrativos, simposiacos, aritméticos, cristianos: la variedad de temas y motivos de los epigramas griegos es casi infinita. Cada epigrama es un pequeño universo que cuenta una historia completa en unpuñado de versos, a veces en apenas dos, y que llevaal límite las capacidades expresivas de la poesía. Esta antología del epigrama griego presenta un panoramacompleto del género, desde el siglo III a.C. hasta el siglo VI d.C., y muestra por qué el epigrama es unade las formas poéticas con mayor presencia en toda la literatura griega.
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