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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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La carrera de Adolfo Rodríguez está marcada por su pertenencia a dos bandas puntales de la historia de la música popular española, Los Íberos y Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Transitando por el camino púrpura, la música ha marcado el ritmo de su apasionante vida desde que con dieciséis años se echó la guitarra al hombro, Ajeno al mito, Adolfo se considera un trabajador de la música, Adolfo. Por el camino púrpura recorre su infancia en el madrileño barrio de la Ventilla durante la posguerra, sus comienzos musicales en el Madrid pop de los sesenta y en el legendario Torremolinos de la época, la grabación en Londres con Los Íberos de algunas de las mejores canciones del pop español de todos los tiempos y el tortuoso y brillante camino recorrido con Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Asistimos a su participación en la versión española de The Rocky Horror Show en los estertores del franquismo, su trabajo en una orquesta o su colaboración en decenas de anuncios y discos de diferentes artistas, así como su presencia en dos de las mejores películas del pop español Un, dos, tres… al escondite inglés y Topical Spanish, Acontecimientos que hacen de Adolfo una figura incontestable del pop español y dan forma a una larga carrera en la que la pasión por la vida ha primado por encima de cualquier otra circunstancia,
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La biografía oficial y autorizada de IZAL, banda de referencia del pop-rock indie español.Doce años bastaron para que IZAL llegara a ser no solo uno de los grupos más grandes de la escena alternativa, sino del pop-rock español de este siglo. La biografía oficial de una banda que se convirtió en la máxima revelación del indie español. Una banda que se autogestionó, pero que acabó reventando las radios. Esta es la historia de Mikel Izal, Alejandro Jordá, Emanuel Pérez, Alberto Pérez e Iván mella, cinco chicos que confluyeron en la capital para tratar de hacer realidad su sueño. Y a fe que lo consiguieron, hasta unos límites que jamás habían imaginado. Miguel Ángel Bargueño, periodista musical, cuenta la historia de IZAL. A través de largas horas de entrevistas con el quinteto y personas de su entorno, este libro repasa al detalle su trayectoria, desde sus inicios por separado y sus primeras giras como banda, su progresivo ascenso a la fama... hasta su apoteósica despedida el 29 de octubre de 2022 en Madrid. Sin olvidar el factor humano, más que una biografía musical al uso, este volumen es un emocionante relato sobre la vida, el compromiso, la motivación y la búsqueda de la felicidad. Cinco sueños individuales que se convirtieron en un sueño colectivo.
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GUÍA DEL ARTE URBANO DE MADRID Una historia de Madrid a través de su arte urbano y su grafiti Este libro es un recorrido por las calles y barrios de Madrid, pero también un viaje a través de la historia del arte urbano y el grafiti. Una historia en la que Madrid ha jugado un papel singular desde los ochenta hasta hoy y que cuenta con unos antecedentes que se remontan a finales del siglo XIX. Un relato cuajado de enfoques y anécdotas que dan acceso a los secretos del arte en la calle, que obligan a replantear mitos sobre su pasado y trazan constantes vínculos con la historia y el mapa de Madrid. En estas páginas descubrirás los personajes, momentos y lugares que han marcado el rumbo del arte callejero de la ciudad. Artistas míticos como Muelle, Suso33, SpY o Eltono, barrios clásicos como Lavapiés o Malasaña, y espacios emblemáticos como La Tabacalera o Noviciado 9. El autor de esta guía no es un observador cualquiera, Javier Abarca es un influyente pionero del grafiti español que durante cuatro décadas ha compartido conversaciones y aventuras con grandes figuras del arte callejero madrileño. Actualmente es un investigador especializado de fama internacional.
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Entre 2010 y 2011, mientras pintaba en Estados Unidos de América una serie de 75 cuadros sobre unas granjas próximas a Iowa City, Félix de la Concha decidió dedicar los días en los que el frío o el viento le impedían salir al exterior a desarrollar un experimento con ''Las meninas''. Se trataba de reproducir a tamaño natural en su estudio, y por tanto con luz artificial, el original de Velázquez dividido en 140 fragmentos y a 7.000 kilómetros del Museo del Prado. Mientras se enfrentaba a esa auténtica aventura hubo de vencer varios problemas de toda índole que fue relatando en un diario que le ayudó a reflexionar sobre la copia y el proceso técnico seguido para llevarla a cabo. Pero también pudo descubrir aspectos del original que le ayudaron a entender mejor la técnica y ambiciones de uno de los grandes genios de la pintura del Barroco.
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Una descomunal copia de Las meninas a tamaño real se instaló en el salón de un pequeño apartamento madrileño en la plaza de Tirso de Molina. Cada día y durante ocho años, Emilio Cendón, que estudió Bellas Artes pero decidió abandonar toda práctica artística, ha convivido con la infanta Margarita, con Diego Velázquez y con los reyes en el espejo para intentar entender por qué el pintor sevillano dedicó los últimos años de su vida a un cuadro que, aparentemente, no refleja más que una escena menor de la vida en palacio. A través del estudio de sus obras anteriores, del testimonio de la memoria de pinturas que Velázquez redactó explicando las obras de arte que atesoraba la corte española —como los caprichos de Tintoretto y Veronés— y del análisis de piezas de otros artistas, como Leonardo o Van Eyck, el autor recrea una investigación fascinante y obsesiva, casi policíaca, que consigue atar cabos y ofrecernos pistas para entrar en la mente de un genio de enorme influencia en el arte contemporáneo y lograr comprender, por fin, por qué y para quién pintó Las meninas. Este libro, personal y alejado de lo académico, es también una crónica de esos años en compañía de Las meninas, así como de los viajes para encontrar sus claves. Plagado de minuciosas reproducciones a lápiz hechas por el autor, este texto generará en el lector unas irrefrenables ganas de ir a El Escorial, a Milán, a Londres y, sobre todo, de volver a visitar el Museo del Prado para situarse delante de Las meninas… y que todo cambie.
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Els més de 218 km de litoral i la més que notable quantitat de dies assolellats a l'any són la carta de presentació d'una marca, Costa Blanca, que abraça totes les comarques alacantines. Una costa ben diversa de platges i cales, un interior amb espectaculars cims que fan de la zona una de les més muntanyoses del país, i un grapat d'hortes perfumades conformen un paisatge que és essència pura del mediterrani.
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Las obras más ambiciosas e impresionantes de la arquitectura española, desde la Edad Media hasta nuestros días, han sido dedicadas a los templos catedralicios, en los que cada ciudad intentaba mostrar al mundo lo mejor de sí mismas. Este libro realiza un recorrido por todas las catedrales de España, haciendo una breve historia de su construcción y una descripción de sus principales elementos arquitéctónicos, así como los tesoros que custodian sus muros.
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Mucho se ha indagado en las páginas de los códices de Leonardo, en los miles de diseños de máquinas que contienen. Sus misterios y secretos salen a la luz en este libro. Por primera vez el trabajo de dos dibujantes tan apasionados por el mundo virtual como por Leonardo ha hecho posible la reconstrucción tridimensional en programas de diseño en 3D de las invenciones a las que dedicó Da Vinci su esfuerzo y su genio.
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Esta obra permite al lector adentrarse en el mundo artístico de un modo sumamente sencillo: solo hace falta que lleve consigo su curiosidad. ¿En qué consistió la furia iconoclasta del siglo xvi? ¿Qué supuso la formación de las Guerrilla Girls? ¿Todavía se hacen happenings? No tardará en saberlo. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Eduardo Barba, autor de El jardín del Prado, nos propone en esta ocasión un recorrido por la pintura de jardines, esos mágicos espacios verdes que nos vinculan íntimamente a la naturaleza y que, como obra de arte viva, constituyen uno de los más sofisticados medios de expresión cultural de cada época. Desde el antiguo Egipto a nuestros días, cada jardín encierra una concepción del mundo y es un mundo en sí mismo, habitado por diferentes plantas que el autor nos descubrirá con la mirada de un jardinero apasionado también por el arte.
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La arquitectura fue una profesión de éxito. Hoy es un oficio a menudo precario y en plena transformación. Este libro ofrece todas las herramientas que los profesionales del sector necesitan y reclaman para adaptarse y perpetuar su valor en el futuro de la sociedad. Qué significa ser arquitecto hoy. Cómo funciona el mercado de la arquitectura. Cómo diseñar una verdadera propuesta de valor. Cómo liderar la venta, el dinero y los negocios. Cómo consolidar un flujo constante de clientes. Cómo realizar proyectos excepcionales. Cómo armar un estudio de arquitectura feliz y rentable. Cómo recuperar el sentido y la utilidad profesional. Cómo contribuir con tu trabajo en el futuro de la sociedad. Cómo ejercer con libertad. Cómo vivir de la arquitectura.
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La banda conocida como los reyes del Grunge, que definió a una generación, cuya influencia llega hasta nuestros días y cuyo solista, Kurt Cobain, se convirtió en todo un icono. Tuvieron su primer gran éxito con el tema Smells Like Teeen Spirit que revolucionó las listas de éxitos y su música ya ha quedado inmortalizada con su admisión en el museo Rock & Roll Hall of Fame.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras del siglo XVIII.Cuando un visitante entra en el Museo del Prado, espera ver Las Meninas de Diego Velázquez, no los bodegones de Clara Peeters, pese a pertenecer al mismo estilo artístico, y tener un incalculable valor histórico. PintorAs vol. 2 pretende dar respuesta al vacío de conocimiento que tiene la historia del arte: las mujeres artistas. No es que no las conozcamos porque no existieran, sino porque fueron despreciadas artísticamente y olvidadas históricamente. En este tomo, que comprende todo el siglo XVIII, Sara Rubayo y Ana Gállego aportan una nueva perspectiva a la historia del arte para que puedas darle el merecido reconocimiento a todas aquellas mujeres que han contribuido a nuestra cultura con su talento.
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'Los tiempos muertos de la ciudad, la hora de la siesta, las visiones en el recorrido cotidiano: Rita Rivera nos señala la magia oculta en lo que no se tiene por mágico.'' — Sabina Urraca — “El viaje de Rita, en bucle, de ida y vuelta, capturando los restos arqueológicos de una civilización que crea y arrasa a la vez” — Tono Arias — ''No hay nada más intenso que el polvo que flota en todas las imágenes: palmeras, moteles, donde el amor no existe, donde el amor se hace. El mejor reclamo del mundo, la pasión más intensa, arrasada por El Gran Sol y su enorme sombra. ¿De verdad un día hubo República?'' — Suso Basterrechea — ''Rita G. Rivera nos guía en un recorrido cotidiano lleno de frescura por el interior de Alicante. Su mirada conocedora y crítica retrata una ciudad entre el exceso y el abandono, el brillo y la decadencia. Es la imagen de un país en construcción permanente, de un quiero y no puedo. Vacíos que no se llenan y turistas que desbordan paisajes a medio hacer. Oasis de felicidad prefabricada y reductos de silencio laboral.'' — Nerea Ubieto —
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«El Camino que puede describirse con claridad no es el Camino Inmutable. El nombre que puede pronunciarse en voz alta no es el Nombre Inmutable. Con la boca cerrada, dejando las cosas sin definir, te encuentras al principio del universo. Establece definiciones, y entonces eres la medida de toda creación».El Tao Te Ching es uno de los libros más influyentes de la historia de la humanidad. Este texto, del cual hay diversas versiones, es una recopilación de 81 pasajes escritos por el sabio Lao-Tzu/Laozi, aunque algunos historiadores dudan de su autoría. El título se podría traducir por «el Canon del Sendero y la Virtud» o, sencillamente, como «el Libro del Camino». El taoísmo es un antiguo sistema de filosofía y ética muy importante en Asia oriental, pero cuya influencia se extiende por todo el mundo y es evidente, aún hoy, en el arte, la literatura y la filosofía. Este sistema sirve para vivir en armonía con los ciclos de cambio y para tomar conciencia de nuestro lugar en la red de la vida. Las enseñanzas de los capítulos o secciones en que se divide el libro se ejemplifican en esta novela gráfica con situaciones cotidianas a las que se podrían aplicar, de forma que el lector puede ver representados los aprendizajes de Lao Tzu en una realidad que le es conocida.
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Un recorregut per les cases d'alguns escriptors que van trobar a Mallorca el seu lloc per viure i escriure: George Sand, Joan Alcover, Llorenç Villalonga, Maria-Antònia Salvà, Robert Graves, Blai Bonet i Antònia Vicenç.«Si pots suportar-lo, Mallorca és el paradís»: va ser amb aquesta frase que la poeta nord-americana Gertrude Stein va convèncer Robert Graves perquè triés viure a Mallorca quan, després de la Primera Guerra Mundial, buscava un lloc de retir. Paradisos suportables és un recorregut personal i literari, entre la crònica i la biografia d'autor, per les cases d'alguns dels principals escriptors que han trobat a Mallorca el seu lloc per viure i escriure. De George Sand a Antònia Vicens, passant per altres autors clàssics com Joan Alcover, Llorenç Villalonga, Maria-Antònia Salvà, Robert Graves i Blai Bonet, aquest llibre vol confrontar obra i vida, paisatge i creació, i fer-ho des de l'espai de la intimitat, dels papers privats, de la comprensió dels projectes vitals i artístics dels escriptors en els llocs que un dia varen habitar.
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Cuando Thomas Hoving, antiguo director del Metropolitan Museum de Nueva York, declaró en 1997 que el 40 por ciento de las obras de su museo eran falsificaciones, se pensó que era una exageración muy americana. Tras investigarlo, uno se pregunta si no se quedó corto. La falsificación de obras de arte se remonta a la Antigüedad, pero es en el Renacimiento cuando eclosiona. Un siglo antes de Cristo, el griego Pasiteles ya reproducía estatuas de los grandes artistas de su país y las vendía a los romanos como si tuvieran cuatrocientos años. El joven Miguel Ángel tampoco era reacio a este tipo de prácticas dudosas, dudosas, pero eficaces, pues así logró hacerse un sitio en la corte romana. Y qué decir de las historias del genial Han Van Meegeren, brillante falsificador de Vermeer que consiguió engañar a Hermann Goering, comandante nazi y fundador de la Gestapo, del canalla Fernand Legros, que mantenía un auténtico plantel de imitadores, o del talentoso dibujante británico Eric Hebborn, asesinado en Roma en 1996. Harry Bellet desvela los entresijos de ocho escándalos notorios, algunos de ellos cómicos, otros tristes –Knoedler, la galería más antigua de EE. UU., se vio obligada a cerrar después de más de cincuenta años tras ser víctima de un fraude– o incluso trágicos. Si alguna lección podemos sacar de estas historias es que el falsificador infalible, de existir, aún no ha sido descubierto y que, en lo falso, el arte también se parece a la vida: está, efectivamente, por todas partes y resulta muy difícil de identificar. Harry Bellet (Rouen, 1960) es escritor y periodista. Licenciado en historia del arte, trabajó en el Centro Pompidou de París y en la Fundación Maeght de Saint-Paul-de- Vence y desde 1998 escribe para Le Monde. Además de numerosos catálogos de exposiciones, ha publicado diversas obras, entre ellas tres novelas negras y tres novelas históricas sobre el pintor Hans Holbein.
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Del escenario al cuaderno. Y del micro a la pluma.Cinco de los mejores freestylers dejan el micrófono y desnudan su alma en la más singular de las batallas: la batalla de la vida.Un grito de rap, valor y poesía.
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De la mano de Emily Raluy, quinta generación de una de las sagas familiares más longevas del circo, descubrirás los secretos del mayor espectáculo del mundo. ¿Cómo viven los artistas? ¿Cómo montan la carpa? ¿Cómo se organizan para viajar por todos los continentes? ¿Cómo estudian los hijos de los artistas o los artistas más pequeños? ¿Cómo ha conseguido el Circo Raluy Legacy perdurar tanto tiempo? La vida es un circo ofrece estas respuestas y muchas más, pero sobre todo es un libro para prolongar la magia del espectáculo en la carpa, para adentrarse en un mundo de magia e ilusión y no dejar de soñar que «el más difícil todavía» aún sigue siendo posible. ¡Vive la magia del circo página a página!
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En la muestra vamos a caminar a lo largo de casi toda una vida mostrando lo que sus ojos perciben, lo que sus pinceles cuentan, lo que después se impregna en nosotros y se queda. A lo largo de los años su obra se ha ido moviendo despacio buscando un camino que recorrer, pero variando su ruta si encuentra algo en lo que merezca la pena quedarse un tiempo. Algo que le dé una nueva perspectiva, que lo transforme. Un Corella caminante, experimentador, que recorre todas las sendas hasta encontrar la adecuada: la que le conmueve. Desde sus paisajes urbanos hasta sus desnudos (pasando por la inocente infancia de su hija) todo tiene un matiz propio, un color, una luz que lo identifica. Detrás de miradas desgarradoras, pero llenas de ternura, se ocultan tristes historias escondidas en el fondo del corazón.
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Tras el éxito de su libro La música invisible, Stefano Russomanno comparte con el lector algunos de sus más significativos recuerdos musicales y reflexiona sobre aquellos músicos y músicas que han marcado su vida como melómano. Por estas páginas desfilan figuras como el violinista David Oistrakh, los directores Herbert von Karajan, Carlos Kleiber, Claudio Abbado y Riccardo Muti, o los pianistas Maurizio Pollini e Ivo Pogorelich. Por otro lado, las óperas de Giuseppe Verdi se entremezclan con los valses de Johann Strauss hijo, los Responsorios de Carlo Gesualdo y las envolventes composiciones japonesas para la flauta shakuhachi.
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'La ciencia que el oído percibe, derrámala por la boca. Agranda aún más la sabiduría comprometiéndola con otros'' San Isidro de Sevilla La Hispania visigoda discurre entre el traslado de la monarquía visigoda de la Galia a la península ibérica, a inicios del siglo VI, y la conquista omeya, a comienzos del VIII. A menudo caracterizada como una época de barbarie y violencia, en la actualidad se nos presenta como una síntesis de la cultura germana y romana, y una de las últimas manifestaciones del mundo antiguo. Como herederos del Imperio, los visigodos continuaron algunas de sus dinámicas y encontraron en la tradición cultural y política tardorromanas el fundamento sobre el que construir su reino, como muestran Leovigildo, quien renovó la monarquía imitando la realeza imperial protobizantina, o Isidoro de Sevilla, autor de las famosas Etymologiae, que condensan el legado de la Antigüedad. Descubriremos las luces de un periodo histórico convulso y fascinante a través del análisis minucioso de grandes expertos, bajo la coordinación de David Nogales Rincón.
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III Premi Bones Lletres d'assaig humanísticamb una obra sobreLA RELACIÓ ENTRE ART I NATURAMartí Domínguez porta a terme en Del natural un ample recorregut per la història de la pintura tenint com a principal fil conductor la percepció de la natura. Des de la representació d'un corder per part de Giotto fins a les dones de Gauguin pintades a la Polinèsia, passant pel renaixement italià i flamenc i pels pintors romàntics i impressionistes, l'autor reflexiona sobre com la natura ha estat en cada cas interpretada i pintada, incloent-hi dins d'ella l'estudi del paisatge i de la mateixa naturalesa humana. D'aquesta manera, Del natural és un assaig que, des d'aquesta òptica naturalística, descobreix als lectors noves i sorprenents lectures de les obres d'art, tot això ben amanit per una prosa rica i especiosa, que es recrea en la vida dels pintors i en les seues principals creacions.
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Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser, es un acercamiento del arte a la realidad social de las distintas épocas. Este segundo volumen abarca desde el rococó a la época del cine. Influido por los cánones y preceptos de la rama más teórica del marxismo, Arnold Hauser concibió su Historia social de la literatura y el arte como un ejercicio omnímodo, capaz de dar cuenta, mediante las sinergias de la historia y sus coyunturas sociales, de las producciones artísticas y culturales que han perdurado hasta nuestros días. Este segundo volumen de su obra magna recorre los dos siglos que van desde el siglo XVIII y la gestación del movimiento rococó hasta los albores y el desarrollo de la cinematografía. Son años de cambios constantes que, nos enseña Hauser, no deben disociarse en ningún caso de las expresiones artísticas que los visten: la parte no puede entenderse sin el todo.Reseña:«Un libro absolutamente indispensable.»Art News and Reviews
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¿Qué nos dicen las imágenes televisivas? ¿Qué discursos hay detrás de los diversos formatos audiovisuales? Un formato audiovisual es un conjunto de reglas capaces de generar una repetición narrativa. ¿Pero qué discursos hay detrás de estos formatos? ¿Cómo dialogan con otros lenguajes visuales? La imagen incesante plantea un recorrido a través de géneros tan diferentes como los concursos, los programas de vocación divulgativa, la telerrealidad, las películas y las series documentales, los talk shows o el contenido de las redes sociales para tratar de entender los debates y las fricciones que caracterizan las sociedades contemporáneas.A partir de esta anatomía de los formatos audiovisuales se exploran cuestiones trascendentales como la comprensión del yo y del otro, las tensiones comunitarias en situaciones extremas, las desigualdades de género, las nuevas formas de trabajo en la cultura de la fama, el mito de la libertad de elección o las paradojas de la difusión cultural. En esta indagación se comprueba que los formatos viajan de un país a otro, de un medio a otro, estableciendo puentes por donde circulan los imaginarios de la cultura popular. En contra de la idea de que los formatos audiovisuales son volátiles y no merece la pena volver a verlos, este libro propone el ejercicio contrario: pensar en la imagen incesante para saber qué nos dice de nosotros mismos.A caballo entre la mirada analítica y la vocación divulgativa, Jordi Balló y Mercè Oliva presentan un escenario que mezcla una alta consciencia filosófica con un sinfín de referencias que provienen de la cultura pop más espontánea y desenfadada, y afrontan todas estas preguntas con rigor ético y una firme precisión sociológica.
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La primera obra consagrada a la fructífera relació entre l'espionatge i el cinema, les sèries de televisió o fins i tot els dibuixos animats, des de la pel·lícula Protea, dirigida per Victorin Jasset el 1913, fins als treballs de Fritz Lang, Alfred Hitchcock, Kathryn Bigelow, Brian de Palma, John Huston o Laura Poitras. Organitzat per ordre alfabètic, aquest llibre ofereix, a més, entrevistes en exclusiva amb realitzadors com ara Olivier Assayas, Arnaud Desplechin i Éric Rochant, o amb l'actriu i noia Bond Léa Seydoux, així com textos perfectament documentats sobre la història que ha entrellaçat el cinema amb l'espionatge. Es mostren els ressorts de la geopolítica mundial a través de James Bond, Jason Bourne, Argo, Missió: Impossible, Shiri... o de sèries com Homeland, The Spy o Le Bureau des légendes. Les dones del món de l'espionatge ocupen un lloc privilegiat en aquest llibre: les espies rebels (Mata Hari) o les que només van ser creades per a la fi cció (X 27), les que van protagonitzar documentals (Chelsea Manning), i les actrius-espies, o espies-actrius, com Marlene Dietrich, Greta Garbo o Hedy Lamarr. Generosament il·lustrat amb imatges de pel·lícules, cartells, decorats dels rodatges, dibuixos i obres d'art, aquesta obra convida a descobrir el transfons d'aquest univers d'enganys, dissimulació, manipulació i secrets d'estat classificats amb un absolut Top secret.
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Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este libro pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de sus películas. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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El 20 es un número con especial significado para estos cantantes gaditanos, amigos desde la infancia, que han crecido juntos tanto personal, como musicalmente. A sus 20 años, el dúo español emprendió su carrera musical y lanzó su disco debut en el año 2003, llamado Andy & Lucas. Ahora, 20 años después, los artistas recogen la magia de esos tiempos en 20 canciones creadas de la mano de 20 colaboradores muy especiales.Algunos de los temas más sonados durante estos años son ''Tanto la quería'' o ''Son de amores'', que actualmente cuentan con millones de reproducciones. Estos temas abrieron la puerta a nuevos éxitos y discos, siendo el último publicado Nueva vida, en el año 2018. Como refleja el nombre de este álbum de estudio, en él los artistas dieron un giro musical, pero siempre manteniendo su esencia.El formato físico es un doble CD libro de tamaño 23x23cm y mas de 50 páginas con ilustraciones, fotos inéditas, textos que hacen referencia a esos 20 años en más de 20 canciones.
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Probablemente casi todo el mundo haya escuchado, en una versión u otra, la cadencia plúmbea de los acordes que abren la célebre Marcha fúnebre de Chopin. Sin embargo, la historia que rodea a la composición de la Sonata para piano n.º 2, opus 35, de la que la marcha forma parte, va mucho más allá del cliché al que la melodía se ha visto reducida en nuestros días.En este libro, Annik LaFarge sigue los pasos de Chopin entre 1837 y 1840, los años que dedicó a la composición de su pieza más famosa, para trazar un retrato íntimo y original de un creador inigualable: su compromiso con la Polonia que le vio nacer, su complicada relación con la escritora George Sand, su inestimable labor pedagógica, el desarrollo del piano y su consolidación como un instrumento clave en el canon musical europeo, el bullicio político, artístico y científico de una Europa que daba sus primeros pasos en una modernidad deslumbrante...Todos estos elementos confluyen en un viaje que nos lleva desde Polonia, a través del París revolucionario, hasta el invierno de Mallorca y de vuelta a Francia, a la finca de George Sand en Nohant, en la que escribió las últimas notas de su carismática creación, para presentarnos la obra y la vida de un artista y una música que siguen interpelándonos después de casi dos siglos.
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¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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Aquest llibre és un recull de les seixanta cançons editades per Jordi López Cayuelas en el seu projecte musical, Falcon & Firkin. S'inclouen també anècdotes, la història del grup, fotos promocionals, àlbums i singles...
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No se puede realizar una arquitectura de calidad si nuestro estudio no está correctamente organizado, en caso contrario, nuestras energías se malgastarán en la mera supervivencia. Hoy la actividad profesional de la arquitectura se ha complicado hasta la extenuación: además de proyectar, debemos gestionar permisos, cumplir normativas variopintas y cambiantes, contratar a colaboradores externos e internos, buscar encargos y presentar concursos, gestionar los recursos económicos para obtener beneficios, controlar y dirigir las obras y, por si fuera poco, atender una demanda de exigencia creciente por parte de nuestros clientes.
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Desde hace décadas los guionistas han examinado la estructura de sus guiones pensando en las cosas que pueden sucederle al protagonista, olvidando que lo que realmente debe preocupar a un narrador es lo que le sucede al espectador. La obsesión por destripar estructuras y actos, rastrear motivos y significados o mirar solo en el mundo audiovisual, ha logrado que la escritura de guión se haya convertido en un proceso aburrido, fatigoso y previsible, más propio de analistas y críticos que de creadores. Daniel Tubau, de acuerdo con los aires de renovación propiciados por los creadores o showrunners de las nuevas series de televisión, propone airear el cuarto mal ventilado de la escritura de guión y dejar que entre el aire fresco del gran arte narrativo. Frente a los trucos fáciles, las estructuras férreas y las fórmulas al uso, con una mezcla equilibrada de humor, ingenio y rigor, Tubau recuerda la riqueza de recursos que tiene a su disposición cualquier guionista. El espectador es el protagonista es a la vez un manual y un antimanual. Su autor no se limita a examinar los errores difundidos por los gurús del guión, sino que también ofrece herramientas, como el método empático, para hacer frente a los desafíos narrativos. Un libro perspicaz en el diagnóstico, innovador en el aspecto teórico y muy estimulante en lo práctico que hará recuperar el placer de escribir no solo al guionista profesional sino a cualquier narrador inteligente. Daniel Tubau es también autor de Las paradojas del guionista y El guión del siglo 21, ambos publicados por Alba Editorial entre otros muchos libros de ensayo y ficción.
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* Un precioso alfabeto para colorear (con números y símbolos), perfecto para todo tipo de artistas: con dos ilustraciones diferentes de cada letra del alfabeto y dos conjuntos distintos de números (0 al 9), así como otros símbolos útiles. * Los caracteres, con su exquisita decoración, se entrelazan con flores e insectos curiosos, todo ello con el estilo único y característico de Maggie Magoo. * Tanto si se dedica a colorear con consciencia como si prefiere personalizar sus propios proyectos, pruebe a poner toda su creatividad en cualquier letra que signifique algo especial para usted. ''Me gustaría compartir el amor por el arte y el mundo natural con todos los lectores mientras se embarcan en sus propios viajes de descubrimiento y colorean sus propias creaciones. Estoy deseando ver los mundos vibrantes que crean a partir de mis diseños, y espero que los compartan en las redes sociales''. ''Como las antiguas letras del Libro de Kells o un paseo por el bosque, deje que su imaginación vuele libre por la página y aporte su propia vitalidad a cada diseño, a través del color, con sus lápices y rotuladores. Las letras únicas y coloridas podrían ser un bonito regalo para sus seres queridos y alegrar sus hogares''.¿A qui va dirigit el llibre Letras creativas para colorear?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli, incloent-hi artistes de tots els nivells, des de principiants fins a experts. El seu disseny permet que tant els que gaudeixen del colorejat mindful com aquells que busquen personalitzar els seus propis projectes puguin trobar-hi una eina creativa. La naturalesa accessible de les il·lustracions el fa adequat per a adults i joves amb interès en l'art, el lettering i l'expressió creativa a través del color. També és una excel·lent opció per a aquells que busquen un regal original i estimulant.Temes que tracta el llibre Letras creativas para colorearEl llibre Letras creativas para colorear presenta un alfabet il·lustrat amb dues versions diferents de cada lletra, a més de números i símbols. Cada lletra està exquisidament decorada amb flors i insectes, creant un estil únic i característic. Els temes que es treballen són:Lettering decoratiu: El llibre ofereix una àmplia gamma de lletres ornamentades, perfectes per a la pràctica del lettering i la cal·ligrafia decorativa. Es fomenta l'exploració de diferents estils i la personalització de les lletres.Colorejat creatiu: S'invita el lector a explorar la seva creativitat a través del color, afegint la seva pròpia vitalitat a cada disseny. No s'imposen paletes de colors específiques, permetent la llibertat d'expressió individual.Naturalesa i il·lustració botànica: Les il·lustracions incorporen elements de la naturalesa, com flors i insectes, creant un ambient orgànic i relaxant. Això permet la connexió amb la naturalesa a través de l'art.Artesania i manualitats: El llibre pot ser utilitzat com a base per a projectes de manualitats, permetent la creació de targetes, pòsters, o qualsevol altre element decoratiu personalitzat.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Letras creativas para colorearEncara no hi ha opinions o crítiques sobre Letras creativas para colorear.
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Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.
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