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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Las tres colecciones de artículos sobre cine de Guillermo Cabrera Infante en un estuche que se disfruta como una función. Director de la cinemateca de Cuba y crítico de cine en su juventud, guionista de Hollywood en su madurez, Guillermo Cabrera Infante fue un apasionado cinéfilo toda su vida.El presente estuche reúne sus tres colecciones de ensayos sobre el tema: Un oficio del siglo xx, Arcadia todas las noches y Cine o sardina. En ellas brillan su espíritu lúdico y la fina ironía, que nos ayudan a comprender el sentido, el contexto y la factura del séptimo arte. De texto en texto y de mirada en mirada, Cabrera Infante repasa la obra de Orson Welles, Alfred Hitchcock, Howard Hawks, John Huston o Vincente Minnelli, así como una plétora de películas clásicas y modernas. Si el cine es el protagonista indiscutible, el crítico-escritor no deja de darle la réplica. Del diálogo entre la pantalla y la palabra surgen textos que no solo aportan una valiosa información, sino que se disfrutan como verdaderas funciones.Sobre el autor y la obra:«Para los que estudiábamos cine, Un oficio del siglo XX era un libro de cabecera.»Fernando Trueba «Ha convertido la crítica cinematográfica en un género literario gracias a su riqueza verbal y a su imaginación.»Mario Vargas Llosa«Cabrera Infante es casi una enciclopedia del cine hollywoodense.»Jacobo Machover, Revista de Libros
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Este libro es una invitación a sumergirse en la historia y el arte de una de las más destacadas joyas arquitectónicas: la Mezquita-Catedral de Córdoba, un tesoro histórico y cultural que presenta las más antiguas cúpulas nervadas que han llegado hasta nuestros días, las cúpulas de la Macsura de Al-Hakam, y que nos conducen a un apasionante viaje para explorar su complejidad constructiva e histórica. A través de esta obra, descubriremos las significativas intervenciones monumentales de las que han sido objeto, o cómo la decoración de mosaicos y pinturas, así como la distribución de los arcos, han evolucionado para mostrar una búsqueda constante de continuidad decorativa y una jerarquía de materiales y motivos ornamentales. Igualmente, nos invita a explorar las influencias recíprocas de distintos esquemas arquitectónicos, como la tradición romano-bizantina y la musulmana, y a apreciar la fabulosa fórmula de dobles arcos que tanta personalidad le confiere. El libro presenta las conclusiones de una jornada que abordó los descubrimientos constructivos y arqueológicos en las cúpulas de Al-Hakam de la Mezquita-Catedral de Córdoba. Promovida por el Cabildo de la Santa Iglesia Catedral de Córdoba, participaron numerosos arquitectos y especialistas. El Cabildo es responsable de la conservación del monumento desde 1239 y ha llevado a cabo trabajos de consolidación y restauración de forma continua.
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Este 2021 se conmemora el centenario de la muerte de la escritora Emilia Pardo Bazán, una mujer valiente que luchó toda su vida por los derechos de las mujeres. Emilia vivió una infancia feliz con sus padres en Galicia, en la que dio sus primero
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El primer ensayo escrito en profundidad sobre Pere Portabella: cineasta referencial de la modernidad cinematográfica y una figura absolutamente imprescindible para comprender el origen y el desarrollo de las producciones cinematográficas independientes, experimentales y clandestinas en España a partir de los años sesenta. Pere Portabella, nacido en Barcelona en 1929, es uno de los directores más relevantes de la historia del cine español, recientemente recuperado para el público tras las importantes retrospectivas de su obra organizadas por los museos MoMA, MACBA y el Centre Pompidou de París, y con el reestreno en salas comerciales de buena parte de sus películas. Éstas son un referente central a la hora de analizar la impregnación de las rupturas estéticas e ideológicas de los llamados Nuevos Cines europeos en el ámbito de la cinematografía española. Además, los filmes de este cineasta plantean —de forma casi excepcional en nuestro país— una vinculación estrecha y enriquecedora entre la producción fílmica y las nuevas propuestas formales de la vanguardia artística. Son, además, uno de los cuestionamientos más lúcidos y constantes de los límites convencionales entre el género documental y la ficción que se han llevado a cabo dentro de nuestras fronteras. Rubén Hernández recorre en profundidad la obra de Portabella, proponiéndonos una lectura de la relación entre las películas de este cineasta y las políticas de la narración en el cine. ¿Qué es, en realidad, el llamado «cine político»? ¿Qué factores determinan, en uno u otro sentido, los valores políticos de una película? ¿Cuál es la relación entre arte y política que tiene lugar en una obra de vanguardia, como es el cine de Portabella? ¿Pueden ser la forma, el lenguaje y la técnica de una película un espacio de producción de contenidos políticos con independencia del argumento de un filme? El autor de este libro se enfrenta a estas preguntas y así nos presenta, finalmente, una reflexión sobre el vínculo entre lo estético y lo político que tiene lugar en el ámbito del cine. Así, este ensayo sobre el cine de Portabella se convierte, además, en un ensayo sobre la obra de Epstein y Buñuel, de Eisenstein y de Marinetti, de Godard y Debord, de Pasolini y de Rocha, de Aristóteles y Deleuze, ¡incluso de la crítica política vehiculada por Los Soprano! Finalmente, pensar la dimensión política de las películas de Portabella es pensar el contexto histórico, filosófico y cinematográfico que hace de ellas un referente imprescindible en las políticas contemporáneas de la narración fílmica.
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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Puede que conozca la cita de 1889 de Oscar Wilde, ''La vida imita al arte mucho más de lo que el arte imita a la vida.'' Puede ser así, pero cuando el arte imita a la vida, se llama mímesis. Mímesis -derivado del verbo griego mimeisthai- es un término que conlleva una amplia gama de significa dos, que incluyen representación, mimetismo, el acto de expresión, el acto de semejarse, y la presentación del yo. En la antigua Grecia, la mimesis era una idea que regía la creación de obras de arte, especialmente en lo que respecta al mundo físico que se identificaba como el paradigma de la verdad y la belleza. Hoy en día este término se utiliza principalmente en la crítica literaria y la filosofía, pero a propósito de esta exposición reconoceremos el significado original de mimesis, el acto de representar la realidad en el arte.
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La figura de Blas Infante y su lucha por la conciencia del pueblo andaluz durante la Segunda República son aún un legado que sigue vivo en la actualidad. Esta obra se adentra en el estudio de la imagen del Padre de la Patria Andaluza y del andalucismo en la prensa española de aquel periodo, con el objetivo de documentar y analizar su pensamiento y praxis. El valor de la prensa histórica como fuente de conocimiento es indispensable para entender las peculiaridades del pensamiento de Blas Infante en la Segunda República. La investigación se basa en una intensa búsqueda hemerográfica que ha permitido documentar más de 700 artículos, conferencias, entrevistas y noticias sobre su actividad política. En definitiva, la Segunda República española fue un periodo convulso y complejo, y la figura de Blas Infante fue activa en aquellos años, y la prensa histórica es la herramienta que nos permite reconstruir los hechos vividos y las opiniones sentidas en aquellos momentos clave de la historia de Andalucía. La obra de Catano-García, con su estudio exhaustivo y riguroso, aporta una visión completa y profunda de la figura de Blas Infante y su lucha por el autogobierno y la identidad de Andalucía.
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El autor de este libro singular, pasea junto al lector por los lugares que habitaron y pisaron Cervantes, Miguel Hernández, Juan Ramón Jiménez, Antonio Machado o Galdós, entre otras figuras queridísimas para la Cultura del mundo hispano, e hicieron su obra con palabras cargadas de sentido hasta hoy. Antonio García evoca en estas páginas, con sensibilidad y ardor, los momentos decisivos del existir de literatos de reconocido prestigio y logra acercarnos a la vida cotidiana, al misterio, inseguridades, afanes y esperanzas, de algunos de los primeros nombres de nuestras Letras, que vivieron en Madrid y aquí pasaron, día tras día, horas de dicha y momentos de pesadumbre, hasta hacer temblar al lector de gozo y emoción. Pasear por los mismos lugares que recorrieron nuestros poetas y novelistas más amados, para sumergirse en su vivir cotidiano y más escondido, convierten a éste en un libro de referencia. JESÚS FONSECA ESCARTÍN
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La dramatización no solo es una técnica de interés educativo para el currículum escolar en el área de la educación artística, sino también en campos tan diversos como las áreas de lengua, educación física o la enseñanza de lenguas extranjeras. Continuando con el esquema establecido en el anterior libro, de los mismos autores, El juego dramático de 5 a 9 años, en la presente obra se ofrecen claves didácticas para la introducción de la dramática creativa en las edades comprendidas entre 9 y 13 años. Este libro constituye una guía fundamental para introducir el teatro en el aula de manera fácil y divertida tanto para el profesor como sus alumnos, siendo de interés para profesionales de la educación o del teatro interesados en la pedagogía teatral.
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Hidden Architecture establece un Atlas de arquitecturas y proyectos que han permanecido fuera del foco dogmático de la Arqutiectura.En una disciplina en la que la imagen de la ciudad y el entorno antropizado son una construcción ficticia creada a partir de una selección determinada, Hidden Architecture desafía los dogmas asumidos en relación a lo que se publica masivamente poniendo el foco en aquello que permanece velado.Este libro es una recopilación de proyectos basada en la idea del viaje, tanto real como imaginario, que esboza un Atlas en expansión enfatizando la experiencia física, emocional y cultural de recorrer las obras.
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Un exhaustivo informe de lo que fue aquella década, tras su diáspora, para los dos miembros principales del conjunto. Relata, basado en una apabullante documentación y con profusión de detalles, la vinculación personal de ambos, tan prolija en altibajos, interrumpida abruptamente por el asesinato de Lennon, el 8 de diciembre de 1980 frente al célebre Dakota Building. ¿Estaban en serio preparados para iniciar carreras solistas sin el grupo que los había encumbrado? ¿La crítica y el público estarían de su parte o no les perdonarían haber disuelto la banda? ¿Se podía sobrevivir a Los Beatles? Desde una óptica objetiva, se aborda la vida y la obra de John y Paul, con George y Ringo como espectadores omnipresentes, tratando de explicar cómo su vínculo fraternal degeneró en otro no exento de conflictos y acusaciones mutuas y que supuso un ultraje al optimismo y felicidad que transmitieran Los Beatles con sus canciones.
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Amb el seu llibre Francesc Galí fa un viatge a les entranyes del rock dels anys vuitanta a l’Empordà, per descriure i documentar els anys d’intensitat musical i generacional que van protagonitzar grups com The Montheros, Ganja, Locura de Amor, Rockson, Doctor Chivato, La Cripta, Código de Barras, Sangtraït, Digit Arts, Tremendos, Hobbie i Los Carbónicos. Formaven part de l’anomenada moguda empordanesa dels anys vuitanta, prèvia a l’esclat del rock català.«La moguda empordanesa que Francesc Galí descriu amb rigor obsessiu en aquesta immersió en els actors i els supervivents d’aquell mapa únic de locals d’assaig, bars i billars, estudis de gravació i colles d’amics que s’iniciaven en els rituals del sexe, les drogues i el rock’n’roll és un efecte col·lateral d’aquella europeïtzació somiada que va consistir a sacrificar l’herència francesa —guia i model de la modernitat fins a la Segona Guerra Mundial— per l’adoració anglosaxona, la qual va arribar en forma massiva i esclatant en l’inconscient col·lectiu de la resta del món, catalans inclosos.»
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Que me parta un rayo no es solo uno de los mejores discos de rock en castellano de todos los tiempos. Con él, Christina Rosenvinge abrió un camino que hasta entonces transitaban muy pocas mujeres, sin aspavientos pero con valentía, y sin pedirle ni deberle nada a nadie.El álbum conoció el éxito y cautivó a oyentes de toda condición en España y, al mismo tiempo, fue una obra de referencia, de libertad y de esperanza para cientos de miles de muchachas en Latinoa mérica, a las que ayudó a comprender que había otras vidas posibles.Con Que me parta un rayo, Christina Rosenvinge dio un giro radical a su carrera, buscando su propia voz e identidad artística, pero ocurrió algo más: se destapó también como una inmensa compositora, des lumbrante tanto en unas cuidadas, personales y narrativas letras como al imaginar melodías arrebatadoras. Para poner en pie el disco, recurrió al grupo de directo de Joaquín Sabina (Antonio García de Diego, Pancho Varona, Jaime Asúa), rebautiza para la ocasión como Los Subterraneos.
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Un juego musical inspirado en el parchís para repasar y aprender los contenidos de educación Musical en los tres ciclos de Primaria y el primero de Secunadria.
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Textos y declaraciones del Movimiento Surrealista de los Estados Unidos (1967-1999)Grupo Surrealista de ChicagoEdición, traducción y notas del Grupo Surrealista de Madrid.El conjunto de estos textos es representativo de una actividad revolucionaria que ha atacado sin tregua el urbanismo penitenciario, la ideología de los zoos, la Organización Mundial del Comercio, la cultura rancia y elitista, el fetichismo de la mercancía representado en el arte de Warhol y la acomodación al estado encarnada en el «viejo» y estalinista Picasso. Pero también el Grupo Surrealista de Chicago ha hecho una crítica radical del racismo, del patriarcado... en definitiva de la autoridad. Y siempre con la ayuda del «umor», de la experimentación, del juego y del amor. En perpetua compañía de Bugs Bunny y sus «cómplices populares», del blues y de los «inspirados del borde de las autopistas del pensamiento y la imaginación creadora», los componentes del Movimiento Surrealista en los Estados Unidos han redactado las volantinas más hilarantes, cáusticas e incendiarias y han escrito los análisis más lúcidos de los acontecimientos, llegando a su cenit en el análisis y la defensa de la Revuelta de Los Ángeles de 1992.Los textos incluidos en ¿Qué hay de nuevo, viejo? —dispuestos de modo cronológico para tener una visión más clara de la naturaleza emocional e intelectual, poética y política de esta particular aventura— nos acercan a una de tantas realidades norteamericanas que constantemente son ignoradas en Europa. De alguna manera, de estos textos se destila una de las otras historias de los EE.UU.
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Tercera edición del catálogo de la exposición ''Fernando Higueras. Desde el origen'' celebrada en el Museo ICO. Lola Botia ha sido la comisaria y responsable de la edición.Se trata de un libro que recopila exhaustivamente las obras más emblemáticas realizadas por Fernando Higueras desde sus primeros dibujos en 1950 hasta su fallecimiento en 2008. Profusamente ilustrado y rigurosamente documentado, es la más completa monografía dedicada al arquitecto.Se organiza como un recorrido cronológico y sumamente visual por toda la obra de Fernando Higueras, con maquetas originales de la época, fotografías, planos, etc. con los que el arquitecto nos habla sobre sus edificios y su concepción de la arquitectura.
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Este libro es una reflexión sobre la crisis ecosocial que afecta a nuestro mundo y de cómo las películas y las series de ficción contemporáneas, de las que disponemos en abundancia en las plataformas o los cines, pueden ayudarnos a afrontar los miedos y los desafíos planteados por el futuro incierto que se avecina. Aún estamos a tiempo de actuar y pensar de manera positiva, y por eso en este libro se analizan películas y series que presentan soluciones colectivas en lugar de esperar que los héroes fantásticos nos salven del desastre, como suele ocurrir en el universo mainstream. La mujer en la montaña, Alcarràs, El Olivo, Sweet Tooth, Don?t Look Up, Okja, Estación Once, Una vida a lo grande y La última lección son ficciones audiovisuales que, además de entretenernos, nos impulsan a hablar y debatir sobre temas importantes. Este texto busca ofrecer palabras de aliento y utopía, porque la ficción es un espacio privilegiado para llegar al corazón y a la mente de las personas que anhelan vivir con la esperanza de un mundo que sea no mejor, sino posible.
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El relato visual de Liza Ambrossio (Ciudad de México, 1993) arranca en la adolescencia con la huida de su casa familiar y el infantil, perverso y a su vez instintivo deseo de supervivencia al invocar la muerte de sus progenitores antes que permitir el feminicidio o la desaparición de ella misma en un país, una educación y una cultura profundamente conservadora, religiosa, elitista, desestructurada y machista. Su violento exilio dispara una investigación sobre la supervivencia, la locura propia y ajena, la libertad, la responsabilidad y la muerte, invitándonos a un viaje -mental y real-, a través de sus obras. El camino recorrido por la artista genera historias entrelazadas que rompen la cotidianidad banal y frívola para poner el foco en cuestiones inconfesables, en acciones surrealistas, en extremos actos de deseo, de justicia simbólica o en fetichismos macabros. Toda imagen para Ambrossio se convierte así en señuelo y delirio. La presente publicación recoge cerca de 80 textos escritos como resultado de la libre asociación de ideas a partir de las imágenes de Liza Ambrossio, elaborados por los tres comisarios que más estrechamente han trabajado con ella en las diferentes etapas de su carrera: Javier Martín-Jiménez (España), Cuauhtémoc Medina (México) y Arianna Rinaldo (Italia).
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Billy Wilder, reportero reúne una selección de más de cincuenta artículos que Wilder (entonces conocido como ''Billie'') publicó durante aquellos años en revistas y periódicos. Desde el relato humorístico de sus experiencias como compañero de baile contratado en un elegante hotel de Berlín y sus artículos sobre el panorama cinematográfico internacional, hasta sus agudos perfiles de escritores, artistas y políticos, la selección nos ofrece nuevos conocimientos sobre la mente creativa de uno de los cineastas más valorados de la historia del cine. Estos escritos de Wilder, una mezcla embriagadora de ensayos culturales, entrevistas y reseñas, contienen el mismo ingenio e inteligencia que los guiones que escribió (14 nominaciones como guionista) para Hollywood, mientras que también arrojan luz sobre los rincones oscuros de Viena y Berlín de entreguerras, por el que aparecen Charles Chaplin. Cornelius Vanderbilt, Adolphe Menjou, Erich von Stroheim, el príncipe de Gales, y otras figuras universales. Uno de los libros del año (Tom Stoppard, Times Literary Suplement) Una revelación (Marc Weingarten, Washington Post) Una deliciosa compilación (Tobias Grey, Financial Times) Una animada antología (Jonathan Coe, Spectator) Este libro incluye los reportajes más significativos de los inicios de Wilder (Gavin Plumley, Literary Rewiew) Billy Wilder, reportero es una lectura maravillosa, se lee como si fuera un buen wiskhy de malta literario (David Marx, Book Reviews) Una antología que tanto puede interesar al público académico como al público en general (Nora Gortcheva. EuropeNow)
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El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión ''bellas artes'', pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.
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'Harold Chasen, de diecinueve años, está obsesionado con la muerte. Simula suicidios para sorprender a su egocéntrica madre, conduce un coche fúnebre y asiste a los funerales de completos extraños. Maude Chardin, de setenta y nueve años, adora la vida. Ella libera árboles de las aceras de la ciudad y los trasplanta al bosque, pinta sonrisas en los rostros de las estatuas de la iglesia y «toma prestados» automóviles para recordarles a sus dueños que la vida es fugaz, ¡hoy está aquí, mañana no! Un encuentro casual entre los dos se convierte en una locura, un romance vertiginoso, gracias al cual Harold se da cuenta de que vale la pena vivir y aprende a tocar el banjo. Harold y Maude comenzó como la tesis doctoral de Colin Higgins en la Escuela de Cine de la UCLA, antes de convertirse en la célebre película de 1971 dirigida por Hal Ashby. La peculiar y oscura comedia se convirtió en una obra de culto con muchos fieles seguidores y en 1997 fue seleccionada para ser incluida en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso. La novela de Higgins se publicó al mismo tiempo que la película original, pero ha estado agotada durante más de tres décadas. Un libro fundamental para los fanáticos de la película, que encontrarán en él un valioso complemento, ya que aporta elementos nuevos y responde a muchas de las preguntas no resueltas en el film.
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Com diu Ester Pinart en el pròleg: ''Tothom sap el nom de les notes musicals, però potser no tothom sap d'on venen, aquests noms''. L'autora ens descobreix quela trompa marina no és cap trompa, que l'os de la música no és un os i que la tarantel la era una teràpia. Gaudiu de l'ànima de la música amb aquests textos interessants, frescos, pedagògics i amb petites dosisd'ironia i de reivindicació.
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Marta LLorente lleva la mirada alli donde se deslizala luz «a partir de la experiencia de habitar el mundo, el paisaje, y en especial la arquitectura». Dice la autora: «he seguido el camino que recorre el trazode la luz desde las fuentes ma s distantes hasta losespacios que habitamos. Escribirlo ha sido como ver brillar de nuevo la arquitectura: sentir el poder de la luz en construcciones del pasado y del presente quese han levantado bajo el mismo cielo. Al final de este camino, he reconocido una vez ma s lo mucho que necesitamos tanto iluminar como preservar los lugares que habitamos de la radiacio n de la misma luz, de manera cotidiana, desde la casa hasta la ciudad». Desfilan por estas pa ginas, a modo de un muy personal catalogo de la Historia de la Arquitectura, espacios sombri os y protegidos, tales como caban as, po rticos ypatios, construcciones que miran hacia la bo veda celeste o que imitan sus formas, torres que son tambien observatorios, o lugares en donde la luz resulta unasombro para los ojos o una necesidad para la salud.A nuestro tiempo, la autora lo llama el tiempo de las cajas de luz, y ese tiempo le permite revisar el trabajo de creadores emblema ticos, de magos de las luces y de las sombras que desfilan por este singular libro.
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