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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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De qué hablamos cuando hablamos de amor · Antología apropiacionista reúne a 50 autoras y autores de distintos campos artísticos para configurar un proyecto coral que gira en torno al apropiacionismo como recurso creativo, enfocándolo siempre desde el amor y la admiración. Siguiendo con las herramientas conceptuales marcados por Raymond Carver, que en su momento cimentó su discurso con la obra de Antón Chéjov, cada autor/a se apropia de un/a autor/a diferente hacia el que siente especial predilección, y reformula cuatro fragmentos extraídos de su obra en clave de poema breve. Lo que aquí se presenta, en definitiva, es un amplio compendio de extractos que, apartados de su contexto original y expuestos ahora de manera autónoma, tienen la oportunidad de manifestarse libremente en un nuevo escenario, respaldados por una nueva autoría y con una nueva forma. En el amplio abanico que compone la antología pueden encontrarse artistas plásticas apropiándose de escritores, poetas apropiándose de teóricos del arte, novelistas apropiándose de chefs y un largo etcétera. A nombres que hoy son absolutas eminencias en sus campos, como Kurt Vonnegut, Ursula K. Le Guin o Virginia Woolf, se suman referencias mucho más contemporáneas, como Sabina Urraca, Bo Burnham o Gordom Ramsay.
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Si bien fueron sus espléndidas novelas, como Bel Ami o Fuerte como la muerte, las que valieron en su día a Guy de Maupassant (1850-1893) fama y dinero, no es menos cierto que su regular labor como cuentista en publicaciones de la época ha contribuido no poco a consolidar su renombre en tiempos posteriores. Ambientados a menudo en París, sus alrededores y el Sena, en los relatos reunidos en La mujer de Paul: Cuentos galantes el amor se desarrolla al margen de las reglas convencionales. En ellos hallamos el mundo ambiguo de las mantenidas, el aburrimiento de las damas de la alta sociedad y la frustración de las pequeñas burguesas insatisfechas, pero también prostitutas en día de asueto, provincianas en busca de amores prohibidos y enamoradas de singular delicadeza moral. Traducción de Esther Benítez
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«Cuando los dinosaurios dominaban la tierra -escribe Alfredo Taján, editor de este número-, Torremolinos ya existía y se comunicaba con los dioses del Olimpo». Y así fue, este mágico enclave sedujo a los dioses por su fastuosa ambigüedad enroscada en arenas blancas. La revista LITORAL, ella misma protagonista de esta historia, es la nave a la que les invitamos a subir.
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Una poderosa reflexión sobre hallar propósito en el ocaso de nuestras vidas. «Dyer, que se ha propuesto escribir un libro sobre los finales, se siente atraído por la infinitud, por la forma en que una cosa lleva a la otra [...]. Hay pasajes realmente magníficos, algunos fragmentos de crítica maravillosos, algunas apasionantes descripciones de psicodélicos».The New York Times ¿Qué ocurre con la carrera de grandes artistas y atletas cuando llegan a la vejez? ¿Alcanzan una serenidad renovada o sucumben al tormento? A medida que nuestro cuerpo y nuestra mente se deterioran, ¿cómo seguir adelante? Geoff Dyer reflexiona sobre las secuelas del paso del tiempo y se fija en los últimos días de grandes escritores, pintores, futbolistas, músicos y estrellas del tenis (sí, también Roger Federer). Con un tono mordaz y una lucidez inigualables, Dyer nos acerca a momentos críticos de genios que cedieron física o mentalmente cuando sus carreras alcanzaron la cúspide o que se reinventaron desafiando las convenciones. Entre su exquisita selección, Dyer nos confía el deterioro mental de Nietzsche, los nuevos sonidos que Dylan encontró tras una crisis creativa, las últimas pinturas con cierto aire abstracto de Turner, la brillante pluma de Jean Rhys en su madurez y los mágicos cuartetos finales de Beethoven. Los últimos días de Roger Federer es una ingeniosa y festiva reflexión sobre la finitud y sobre el arte como modo de perdurar en el tiempo. Una obra conmovedora, ágil y lúcida que nos devuelve la esperanza de hallar sentido a los últimos años de la vida. La crítica ha dicho:«Un tesoro nacional».Zadie Smith «Dulcemente transcendental. [...] Un libro que, a pesar de tratar un tema sombrío, rebosa energía y su voz resuena alegremente».The Sunday Times «Qué sensibilidad tiene charlando con el lector de una manera cálidamente amigable, con su prosa salpicada de humor autocrítico y notas al pie, su erudición para nada pomposa o trivial».The Daily Telegraph «La madurez le ha llegado, pero la juventud no se ha ido. Son los soportes para las rodillas en ambas piernas los que ahora lo mantienen en la cancha de tenis, pero, al igual que Federer, lo que lo mantiene en el juego es una mezcla de estilo, toque, sincronización y buen ojo».The Guardian
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Esta obra ayudará de manera gráfica y sencilla a comprender los principales aspectos de la trama, aclarar las partes más confusas y disfrutar de las más divertidas. Esta guía para lectores intrépidos permitirá profundizar en su estructura interna y conocer las referencias literarias y musicales que Joyce utilizó para construir su novela ''Ulises''.
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Veinte años de la poesía de Curiel, restituida y revisada hay en este Viajero de las edades (2000-2020). Sin un orden cronológico o temporal Curiel lo rescribe en su totalidad hasta darle la forma de un libro definitivo. Una de las voces más singulares y originales de la poesía española de los últimos tiempos. Desde su libro ''El Verano'' Accésit del premio Adonais 2002, una poesía como medio de conocimiento de la realidad y la existencia. Una reflexión sobre lo absoluto de la palabra y el sentido del ser. Una poética cada vez más cercana a la mística en un sentido moderno. En El Viajero de las edades Curiel indaga en su particular mundo interior desde la más honda radicalidad, siendo la naturaleza y la intemperie del hombre actual escenarios donde los grandes dramas de la existencia se conjugan y se desarrollan. Una reescritura de la cultura europea desde los límites del lenguaje. Una escritura radical, oscura y a la vez luminosa y cada vez más transparente, que en sus sucesivos libros se va despojando hasta volverse cada vez más diáfana. Una obra lúcida en la que se tratan los grandes temas que acompañan al ser humano, como el amor, la muerte, el paso del tiempo, la vida, el vacío o la existencia.
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From the bestselling author of The Lincoln Highway, A Gentleman in Moscow, and Rules of Civility, a richly detailed and sharply drawn collection of stories set in New York and Los Angeles.The millions of readers of Amor Towles are in for a treat as he shares some of his shorter six stories set in New York City and a novella in Los Angeles. The New York stories, most of which are set around the turn of the millennium, take up everything from the death-defying acrobatics of the male ego, to the fateful consequences of brief encounters, and the delicate mechanics of compromise which operate at the heart of modern marriages.In Towles’s novel, Rules of Civility, the indomitable Evelyn Ross leaves New York City in September, 1938, with the intention of returning home to Indiana. But as her train pulls into Chicago, where her parents are waiting, she instead extends her ticket to Los Angeles. Told from seven points of view, “Eve in Hollywood” describes how Eve crafts a new future for herself—and others—in the midst of Hollywood’s golden age.Throughout the stories, two characters often find themselves sitting across a table for two where the direction of their futures may hinge upon what they say to each other next.Written with his signature wit, humor, and sophistication, Table for Two is another glittering addition to Towles’s canon of stylish and transporting historical fiction.
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¿Qué pasa si nuestro mundo se acerca cada vez más a un cataclismo? ¿Qué ocurrirá después de que la Tierra sea tragada por la nueva naturaleza salvaje, una naturaleza que espera acechante su momento bajo puentes de carreteras y vías férreas? ¿Qué pasará cuando ya no estemos aquí? Este libro trata sobre cosas que siempre están a la vista y, sin embargo, nunca las notamos. No solo los niños, también la gravedad o los bogavantes merecen nuestra atención y ternura.Nueva naturaleza salvaje es un intento de ver eones de tiempo en lo cotidiano, de encontrar la pieza que le falta al frágil futuro de nuestros hijos.
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Vive la magia de tu vida con un arcano cada día.El poemario que tienes en tus manos está lleno de regalos. Descubrirás cómo viven y sienten las personas de tu ambiente. Cada arcano del tarot presagia un tipo distinto de magia. Comprenderás mejor a tus amigos, compañeros y familiares si lees y escuchas con atención estos 22 poemas singulares. Atrévete a conectar con la emoción de cada canción. Baila, ríe, llora, canta, juega y comparte la diversión.VALORES IMPLÍCITOS: La lectura de cada uno de estos poemas nos trasmite importantes valores como la empatía, la sinceridad, el merecimiento, la justicia, la gratitud y la humildad, todos ellos necesarios para lograr tener una vida feliz y plena.
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Este libro contiene poemas que no merecen serlo: una lista de miedos, una charla íntima con un criminal, una madre que busca a su hijo en la arena, una balacera disfrazada de canción infantil, un suicidio televisado... Óscar Franco hace uso de pensamientos desorganizados al diseñar un laberinto que recupera nombres, apellidos y momentos infames que quedaron registrados en los libros, para describir una sociedad que emerge de la arena devorando al desprevenido: egoísta, caótica, violenta, impune.
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¿Qué hace un escritor cuando no escribe? ¿Qué hace un escritor con resaca, o cuando una mujer espléndida lo invita a un trago durante un cóctel literario, o cuando ve dormir a su hijo, o cuando está solo en un cuarto de hotel? ¿De qué manera el magma formado por un accidente de bus, una película cursi y un premio literario transforman a un poeta desconocido en un escritor a quien reconocen hasta en el mall? ¿Cómo nace y cuán inconmovible es la vocación de alguien que escribe? Cuando Leila Guerriero recibió el encargo de hacer una antología de los textos que Pedro Mairal había publicado en distintos medios de comunicación, fue despiadada. Descartó muchos de ellos sin oír las súplicas del autor, le encargó escribir textos nuevos para ampliar temas que aparecían solo insinuados y le encontró a todo un orden perfecto. Maniobras de evasión es el resultado de ese trabajo conjunto. No es una antología sino una auténtica autobiografía involuntaria en la que el autor, en palabras de Guerriero, «recorre sin anestesia un territorio que a muchos otros estremecería: la trastienda de la escritura, que es como decir la trastienda de la vida. Una radiografía alucinada y elegante del lado B de un escritor, y la aplicación más clara de la escritura como método de supervivencia». «Una “,autobiografía”, que le justifica como uno de los escritores más brillantes y prometedores del actual panorama hispanoamericano.» Miguel Munárriz (Zenda) «Un libro heterogéneo, pero cuyas partes diversas están cosidas por dos hilos, invisibles de tan sutiles. El primero es el humor, que permea la mirada de Mairal (…,) quien al tiempo que se divierte observando la feria de vanidades también desnuda sus miserias egotistas. Lo cual conduce al segundo hilo que enhebra el índice de 'Maniobras de evasión'. Lejos de querer colocarse en el centro, a Mairal le gusta transitar por los extremos, lejos del foco de la acción, para así poder observarlo mejor.» Xesús Fraga (FUGAS –, La Voz de Galicia) «Las piezas de 'Maniobras de evasión' no sólo permiten conocer la trastienda literaria y personal de Mairal, sino que confirman su capacidad de fabulación para enganchar a los lectores convirtiéndose él mismo en uno de sus personajes.» Luis M. Alonso (La Nueva España) «Un recorrido de polifonía textual que transita por todos los temas que tanto nos fascinan de Mairal (…,) Es como echar un vistazo furtivo a la carpeta de documentos de su ordenador, o quien sabe si incluso a su propio cerebro.» Javier Menéndez Llamazares (El Diario Montañés) «En esta “,autobiografía”, hay textos que justifican lo que me dice Guerriero: “,Pedro es uno de los mejores autores argentinos contemporáneos”,.» Jaime G. Mora (ABC Cultural) «El autor de 'La uruguaya' y 'Una noche con Sabrina Love', es, como siempre un gran observador de la realidad que le rodea, pero en estas piezas nos muestra, o nos lo muestra Guerrero con su selección, su lado más íntimo y humano.» Rosa Martí (Esquire) «Como alejado del superyó literario, Maniobras de evasión es un libro intenso, emotivo y caliente, compuesto por una serie de relatos, entre el diario personal y la crónica, que aclaran esa idea de que el humor le quita seriedad a un autor, cuando en realidad hay más inteligencia en hacer reír que en mostrar, por ejemplo, el drama humano.» Felipe Ojeda (Paniko) «Pedro Mairal es uno de esos escritores que despiertan admiración en la crítica, los colegas y los lectores por igual. Pocos logran aunar el gusto popular de la manera en que lo hace él, sin estridencias ni un perfil mediático.» Karina Ocampo (Letras Libres) «Oscila entre el diario personal, la crónica, el post breve y la reflexión pasajera, en los que Mairal despliega su originalidad como narrador preciso y como observador agudo de la realidad. (…,) Autobiográficos y profundamente humanos, los textos de 'Maniobras de evasión' revelan un costado interesante del Mairal público y el privado.» José Heinz (La Voz) «Pedro Mairal ha hecho de la mirada diaria una fuente de sus crónicas, donde la impresión es el insumo principal.» José Ignacio Silva (Las Últimas Noticias)
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Com els colors a la nit està format d'un seguit de textos en prosa, en general breus, cadascun dels quals és autònom de sentit respecte als altres, encara que tots junts formen una mena de biografia fragmentada i sempre incompleta d'un personatge que no necessàriament és l'autor. La tècnica compositiva és, doncs, la del retaule: diverses ''escenes'' de moments significats d'una vida, centrada sobretot en el que podríem anomenar ''la sensibilitat intel·lectual del protagonista''. El llibre que el lector té ara a les mans no pot ser res més que provisional, perquè queda obert a créixer en el futur.
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Antón Reixa se plantó en el panorama poético gallego de 1976 equipado con herencias magistrales, tanto autóctonas como internacionales (Manuel Antonio, Rosalía de Castro, Sanguineti, Maiakovski...). Las desarrolló con marca de autor, pero usando material de desecho de la era posmoderna y empleando la ironía en calidad de antídoto contra aquello que pretendía, y pretende, hacernos torcer el gesto ante la mirada estrafalaria y terrible de la vida. Y lo ha hecho, en buena medida, al margen del paradigma identitario de su generación. Sus versos huyen de la mirada rural o urbana, distanciándose del canon para seguir un camino único que buscaba hacer salir a la poesía de los palacios. Y lo consigue con una aparente ligereza pop, una contundencia punk con las que sobrevuela temas como la extrañeza de lo cotidiano, los fraudes del idealismo, lo inconsciente, la decadencia, el deseo, el tabú... Su megáfono apuntaba, y apunta, allí donde el capitalismo que depreda la tierra toma el rostro de la violencia colonial, ya sea Galicia u otros pueblos que nunca estarán lejos. Considerado como una de las figuras más destacadas de la cultura gallega contemporánea, Antón Reixa compila en Enciclopedia perplejidad más de cuarenta años de su expresión poética, en un trayecto que resume así: «Cuando habitas en el absurdo militante y crees que lo absurdo es un bien común, el único ecosistema individual posible es la perplejidad».
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La obra de Ezra Pound consta de dos grandes ciclos. El primero, de formación, aprendizaje, asimilación y renovación del lenguaje poético, y el segundo, de experimentación y aplicación de lo aprendido a un proyecto omnicomprensivo: The Cantos. La inflexión entre los dos ciclos la marca la publicación, en 1926, de Personae, una recopilación de la poesía escrita por Pound en sus años londinenses (1908-1920), que cerraba y resumía una etapa fundamental de su vida: la de estudio e incorporación de algunas grandes tradiciones poéticas (la latina, la provenzal, la china, entre otras) a través de la ''traducción creativa'', junto a los hallazgos de concentración de fuerza, economía de medios y hábito de análisis que consideraba necesarios para su renovación lírica. De ahí la importancia de Personae, un texto clásico de la poesía del siglo XX, que con su aparición dio solidez al movimiento ''modernista'' y confirmó el papel fundamental que en él representaba su autor, junto a creadores como James Joyce o T.S.Eliot.
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La Palabra Poesía habla de la luz que encontramos en la naturaleza como luz de la poesía que es a la vez construcción literaria y creativa tanto del universo como de la poesía. La Palabra Poesía proviene del contexto natural universal donde se reconoce la creación como parte del mismo poema, desde el cual se observa la misma creación que origina la Palabra creadora o el Verbo creador, que es la Palabra Poesía, como principio del universo en todas sus expresiones y formas, como origen de todas las lenguas y lenguajes, en el reconocimiento de su obra y significado. La naturaleza está muy presente en este libro, que ayuda y es esencia del arte para que el arte pueda llegar a ser mensaje universal y pueda perfeccionarse para alcanzar la trascendencia humana y mostrar a la humanidad la vía para ser parte de la naturaleza y del mismo arte, como conocimiento del ser humano expresado en la luz y la acción de la luz en su dimensión poética y creadora.La Palabra Poesía está dirigido a los lectores que tengan un interés por la naturaleza y por el despertar, en general, a todos los lectores de poesía.
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El nuevo libro del autor de El camino del alba.«La visión poética tiende aquí a desgranarse en fragmentos o partículas, la reunión de los cuales (que no su adición) se propone como la única configuración posible del mundo.» Andrés Sánchez Robayna «Una poesía de subrayada modernidad que se reencuentra con sus fuentes, una escritura casi abstracta que se vuelve materia pura en nuestras manos, ante nuestros ojos.» José María Espinasa Prosiguiendo el itinerario de El camino del alba, el nuevo libro de Alfonso Alegre supone la culminación de su poesía exquisita. Su primera sección es como un jardín de la escritura, un reguero de piedras letras. El tiempo del hoy y del ayer es, en la segunda, el destino de los sufrientes, que se refleja en los pies heridos de Edipo y en el dolor de Antígona, en el morir de Francisco de Aldana, en el desierto de Alcazarquivir, o el de Federico García Lorca en la linde invisible de Aynadamar. En la siguiente sección, la superficie de las palabras se vuelve agua y así espejeo y cenit del cristal. Luego, en el jardín de Basho y en el de Emily Dickinson, la poesía se aboca a la caligrafía, a la línea que traza el verso en el horizonte o al ramaje desnudo del árbol contra el cielo. Ya en la última parte, las palabras caen ahora entre nosotros, y sólo se oye el ruido de los pies sobre la grava y el tiempo del lugar por fin despierta.
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Rainer Maira Rilke (Praga, 1875 - Montreux, Suiza, 1926) es uno de los creadores más determinantes de la literatura del siglo XX. Las nuevas dimensiones del lenguaje y de la forma, explorada y fijadas con su poesía, han ejercido una influencia concluyente. En plena crisis sentimental, tras su fracasado matrimonio, marchó a París donde conoce al escultor A. Rodin en 1905, con quien trabaja como secretario y del que aprende la severa concepción de la creación artística, la disciplina moral y la observación objetiva. En 1907 preparó una exposición de Cézanne, con quien también hizo una gran amistad y del que aprendió a fijar con precisión las imágenes de las cosas, para restituir a la realidad la plenitud del sentido, siempre atormentado por las ambigüedades e inexactitudes de las palabras y de las cosas y encerrado en su propia interioridad, los conceptos artísticos de Cézanne y Rodin fueron determinantes en su poética. Estos años de estancia en París, hasta 1910 que se marcha tras una grave crisis psicológica, con su acercamiento a la filosofía existencial de Kierkegaard, son necesarios para comprender los nuevos caminos que le van a conducir hasta «Elegías de Duino» y «Sonetos a Orfeo».
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«No se mira en el espejo. Rara vez sonríe, no se ríe, no llora. Nunca afirma: esto es mío, sólo pregunta a veces: ¿esto es para mí? Rara vez dice yo e ignora el tú. No pronuncia mi nombre. No obstante, cuando me veo por casualidad en un espejo, la sorpresa de descubrir sus ojos en mis ojos me obliga a suponer un parentesco de nuestras vidas secretas, a imaginar en él una historia que habrá proseguido en otro lugar y de la cual, como investigadora incompetente, impaciente y desconsolada, busco descifrar los mensajes demasiado escasos».La filósofa y ensayista Elisabeth de Fontenay nos ofrece un texto intimista y deslumbrante dedicado a su hermano menor, autista. Este libro conmovedor invita a la reflexión sobre las aptitudes diferentes a través de una narración que supera lo autobiográfico y nos sitúa en el terreno ontológico: ¿en dónde estoy yo y en dónde el dolor de los otros?
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Jaime Siles (Valencia, 1951) es catedrático emérito de Filología Latina de la Universi¬dad de Valencia. Sus libros han merecido el Premio Ocnos (1973), el Premio de la Crí¬tica (1983), el Premio Loewe (1989), el Pre¬mio Generación del 27 (1998) y el Premio Jaime Gil de Biedma (2018). También ha recibido el Premio Teresa de Ávila (2003), el Premio de las Letras Valencianas (2004) y el Premio Andrés Bello (2017), estos tres por el conjunto de su obra. Este nuevo libro de Jaime Siles, Doble fon¬do, ahonda en la línea de su pensamiento y profundiza en su sistema de dicción, a los que añade e incorpora un abanico de núcleos temáticos, todos ellos interrelacionados entre sí, en torno a los que la poética existencial de su autor traza y teje una lúcida y rigurosa reflexión sobre el Ser del Tiempo, del Yo y del Poema, la na¬turaleza del signo, la reverberación de la memoria y los espectros de la identidad. Poesía, pues, de conocimiento, en la que los recursos del lenguaje son tensados hasta el máximo de sus posibilidades y en la que los límites entre poesía y filosofía, sin confundirse, se llegan a identificar.
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¿Recuerdas la playa Revestida de cristales amargos Sobre los que No podíamos caminar descalzos? ¿El modo en que Mirabas el mar Y decías que me escuchabas? ¿Recuerdas Las gaviotas histéricas Girando en el tañido De campanas de iglesias invisibles Y los peces como santos patrones, El modo en que Corriendo, te alejabas Hacia el mar Y me gritabas que te hacía falta Distancia Para contemplarme? La nieve Se apagaba Enredada entre las aves En el mar, Con una desesperanza casi alegre Yo miraba Tus huellas en el mar Y el mar se cerraba como un párpado Sobre el ojo, dentro del cual yo esperaba. “¿Recuerdas la playa?”, de Ana Blandiana. Ana Blandiana (n. 1942), poeta, prosista y ensayista de excepción, es una figura legendaria de la literatura rumana, en la que ocupa un lugar comparable al de Anna Ajmátova o Vaclav Havel en las letras rusas o checas. Destacada opositora al régimen de Ceauș,escu, Blandiana forma parte del grupo de escritores que concibieron su vocación literaria como una forma de resistencia moral. Autora de catorce libros de poesía, dos volúmenes de relatos fantásticos, nueve de ensayos y una novela, es la poeta rumana actual más internacional. De su obra se han traducido sesenta y nueve libros a veinticuatro lenguas. Después de 1989, Blandiana reorganizó el PEN Club rumano cuya presidencia asumió (1990-2004). Fundó y presidió la Alianza Cívica (1991-2001), una organización independiente que luchó por la democracia e hizo posible la entrada de Rumanía en la UE. Bajo la égida del Consejo de Europa, Ana Blandiana ha creado el “Memorial de las Víctimas del Comunismo y de la Resistencia” en Sighet, museo, centro de investigación y escuela de verano considerado el tercer museo de la conciencia europea después de Auschwitz y el memorial de Normandía. El museo tiene como lema una frase suya: «Mientras la justicia no logre ser una forma de memoria, la memoria en sí misma puede ser una forma de justicia». En reconocimiento de su contribución a la cultura Europea y su valiente lucha por los derechos humanos, Blandiana fue condecorada con la más alta distinción de la República Francesa, Chévalier de la Légion d’Honneur (2009), el Departamento de Estado de EE.UU le otorgó el Romanian Women of Courage Award y el Rey Mihai de Romania la decoración “Nihil Sine Deo” (2014). Blandiana es Ciudadana de Honor de cuatro ciudades rumanas: Sighet, Botoș,ani, Timiș,oara y Oradea. Es Doctor Honoris Causa por la Universitatea de Vest, Timiș,oara (2014) y Babeș,-Bolyai, Cluj (2015), Dună,rea de Jos, Galaț,i (2016). Desde 2012, en Bră,ila se celebra anualmente el “Festival Nacional de Poesía Ana Blandiana de Creación e Interpretación para alumnos de Instituto” (FAB). Ana Blandiana ha recibido el Premio “Poeta Europeo de la Libertad” (Gdansk 2016) y su libro Mi patria A4 (Pre-Textos 2014) ha sido reconocido como uno de los grandes libros europeos con vocación de la libertad. Entre los otros galardones internacionales figuran: Premio Gottfried von Herder (Viena 1982), Premio Internacional de Literatura Vilenica (Eslovenia 2002), Premio Internacional de Poesía Camaiore (Italia 2005), Premio Especial de Poesía “Giuseppe Acerbi” (Modena 2005). Blandiana forma parte de la Academia Europea de Poesía (Luxemburgo), de la Academia de Poesía “Stéphane Mallarmé” (Paris, 1997) y de la Academia Mundial de Poesía (UNESCO, Verona, 2001). De naturaleza romántica, contemplativa y visionaria, su poesía aspira a un lirismo de las esencias y cultiva un tono sincero y espontáneo de inflexiones metafísicas. Su poética, basada en el sentimiento trágico de la existencia, se perfila como un arte que revela a la vez que esconde los significados de las cosas. La poesía de Ana Blandiana ha nacido en una época en la que, como la misma poeta dice, “ser libre es más difícil que no serlo, en un tiempo, en el que, paradójicamente, la libertad de la palabra disminuye la importancia de la palabra”.
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La poesía de Sajturis opta por retener las consecuencias en vez de los hechos: la reiteración de muertos, heridas y sacrificios que encontramos en sus poemas dan el paisaje de unos actos que nunca se nombran. Este mundo subterráneo e inconsciente nos llega filtrado por los mecanismos de la literatura popular y reducido a un conjunto de símbolos que recorren sus libros y se van cargando de sentidos potencialmente contradictorios.
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'Este libro de Danilo es una constante conversación, un diálogo permanente con el lector o lectora, un diálogo que nos va mostrando otras vidas: la de sus abuelos, sus hijas, recuerdos que no terminan, que se enlazan el uno con el otro, para ofrecernos esa biografía sentimental, poética, que comenzó buscando en un armario cosas olvidadas, que hacen surgir este libro-poema-cartas. Cosas que se encuentran, fotos que desencadenan un mar de historias, un mar de vidas.'' DR. HORACIO PEÑA
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Poesía y naturaleza se dan la mano en este bello libro de acuarelas y versos en donde la espiritualidad y el amor nos invitan a descansar en este jardín.Un jardín es un espacio donde vivir de otra manera. Más allá de la variedad botánica que lo conforma, de su diseño y ubicación, aparece un nuevo mundo donde entrar, un lugar lleno de olores, colores, raíces y ramas, musgos y rocas para nuestro propio disfrute. Espacios mansos y tranquilos donde encontrarnos con lo que verdaderamente somos, en un viaje a lo más íntimo de nosotros mismos.Este libro está lleno de estas incursiones viajeras dentro de un jardín cerrado que se constituye como el refugio de la poeta mediante un diálogo amoroso de naturaleza contemplativa con las plantas que cultiva, con cuyo crecimiento se sorprende y disfruta, se conmueve y avanza en cada espiral, en el movimiento de cada hoja, en el tierno matiz de las yemas, en lo efímero y perfumado de cada flor.María Ángeles Álvarez conversa con el jardín que a sus pies se abre cada día y que aparece reflejado también en las acuarelas que enriquecen la lectura de este poemario, sumando las imágenes a los versos.Palabras poéticas de naturaleza mística llenas de energía y verdad, como las plantas que crecen libres y radiantes. Palabras que trascienden lo contemplado llevando el lenguaje a un silencio de naturaleza espiritual, en una expresión lírica contenida y esencial.Además este libro viene acompañado por un audiolibro con el que podemos oír a la autora recitar sus propios versos, entrando con ella en el jardín, en el invernadero... Momentos de sosiego, naturaleza y poesía.
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Felipe Benítez Reyes (Rota, Cádiz, 1960) ha publicado en Visor los libros de poemas Sombras particulares (1992), Vidas improbables (1995, Premio de la Crítica y Premio Nacional de Literatura), La misma luna (2006), Las identidades (2012), Ya la sombra (2018) y Un mentido color (2021), así como Libros de poemas (2009), que recopila su poesía escrita entre 1978 y 2008. «Poemas de gran intensidad, hondura y vitalismo, que, sin renunciar a una notable densidad de pensamiento, se expresan con un lenguaje depurado y bello para abordar aspectos cotidianos y otros de gran calado existencial, con una escritura inteligente y sensible, capaz de emocionar». Fernando Aramburu «Comunicación y sensibilidad, claridad y sabiduría poética se funden en el crisol de la excelencia en este libro de Benítez Reyes, un nombre indiscutible en la mejor poesía española de los últimos cuarenta años». Luis Alberto de Cuenca.
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Lope de Vega se basó en una popular leyenda castellana, Alonso, caballero procedente de Olmedo, se enamora en la feria de Medina –y es correspondido– de Inés, prometida por su padre a Rodrigo. La dama, para evitar el enlace, finge una repentina vocación religiosa. Durante una corrida de toros en Medina Alonso salva la vida de su rival que, resentido y envidioso, decide matarlo ayudado por su amigo Fernando en el camino de regreso a su casa: Que de noche lo mataron al caballero la gala de Medina la flor de Olmedo
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Perseverança de la buidor: 50 poemes en forma de tanka, i alguns mapes d'espectres, a carrerons sense sortida de Barcelona.
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Febre amb gel és un experiment que neix de deixar que la poesia faci la seva, un doll incontrolable que queda fixat en uns materials que s'han treballat més de vint anys. Un joc de miralls còncaus, convexos i distorsionats en general, una veu que en són tres i la mateixa per anar més enllà del mirall i la síntesi: miratges per copsar un món on imperen les emocions. El poemari està escrit en català, castellà i anglès.
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El primer libro de poemas de Francisco Javier Ávila después de diez años.Es posible que algunas lectoras y lectores familiarizados con lo que suele llamarse «poesía» no en todas las páginas de este libro encuentren exactamente lo que esperan.No están mal las sorpresas, las sonrisas, las pequeñas o grandes indignaciones, que se encrespen los sabios o se enfurruñen los poetas. Brillan las navajas cuando una tipa o un tipo construyen un barquito de papel con la hojita sagrada donde se lee «Esto será muy bueno, porque entiendo muy poco». Por otra parte, ¿qué es «entender»? Un viejo poeta que una vez viajó en coche recordó el viejo reto «de atreveros a decir manzana », o las palabras de una Teresa inolvidable.Exactamente lo que esperan: aires de antiguos montes, pinos exhaustos, nubes interrogantes o casas soñadoras, historias de antihéroes con hijos, prisas o hipotecas, la voz de un gato, una mosca, una cabra rebelde, un dinosaurio diminuto, las prosas crudas de una radical, los ecos de algunos muertos vivos.No es fácil saber qué seres escriben o susurran algunos de estos textos. Ellas aciertan siempre. Los errores se deben a quien ustedes pueden imaginar.Todo puede asumirlo alguien que es nadie, o que se da por muerto.
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UN POEMARI QUE REFLEXIONA SOBRE L'EROSIÓ QUE EL PAS DEL TEMPS VA EXERCINT EN NOSALTRES. _Vidrendins_ vol ser un repàs de la trajectòria poètica de l'autor, poemes que destrenen camí fins a arribar a les seves deus originals i vitals: un paisatge concret, molt concret, rere una finestra, i aquella mirada adolescent on va larvar, subtilment però irreversible, la seva càrrega metafòrica. A _Vidrendins_ hi trobem l'essencialitat d'aquesta mirada, els versos que ha acabat imantant, aquella empremta tan constant, obsessiva: branques temàtiques molt ramificades i universals (els paradisos perduts, la realitat i el desig, l'amor i el desamor...), però sempre amb un tronc comú que les sustenta, un monotema: l'erosió que el pas del temps va exercint en nosaltres, tot allò que va usurpant-nos irreversiblement (persones, paisatges, desitjos...)· amb aquella voluntat, però, que, tanmateix, va creixent en el temps, aquella voluntat de matisar, inequívocament, els versos: malgrat tot haurà estat, és, extremadament bell i excitant aquest viatge.
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Nilton Santiago (Lima, 1979) vive en Barcelona. Sus últimos libros son El equipaje del ángel (2014), Las musas se han ido de copas (2015) e Historia universal del etcétera (2019). Por ellos ha merecido, entre otros, el Premio Tiflos de Poesía, el Premio Casa de América y el Premio Internacional de Poesía Vicente Huidobro. «No es la miel para la boca del asno», le respondió Sancho a su mujer, Juana Panza, cuando le preguntó qué eran esas ínsulas de las que sería gobernador, para luego acabar diciéndole «cose la boca». Este libro es un reencuentro con esas voces silenciadas: la de la abuela migrante, la del padre forzado a trabajar en la pesca siendo tan solo un niño, la del protestante asesinado o la de la suegra suicida, relegadas todas de la miel de la palabra. Es este también un testimonio de esa poesía que subyace tras la «caída» del yo y del lenguaje, como si las palabras fueran abejas que vuelven a un poema-panal derribado para decir desde sus fragmentos.
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Podría pensarse que Todo lo que es cuerpo es agua en tránsito aborda, sobre todo, el desplome de la estructura que sostiene a una pareja, pero no es este un libro acerca del fin del amor, sino de lo que el amor hace con el lenguaje, de lo que el lenguaje hace con el amor (uno es las rocas y el otro las olas que las golpean, mas lo difícil siempre ha sido distinguir cuál es cuál). Los cuerpos se deshacen y los hilos que unen a un cuerpo con otro lo hacen también, pero el poema aún puede —,al tiempo que martilla o que hurga en la oscuridad—, seguir el consejo que una poeta canadiense nos dio un día, y que no deja de resonar en estas páginas: hay que retener la belleza. LUIS EDUARDO GARCÍA
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A través de los dos tomos en los que se ha dividido su obra, el lector podrá percibir la evolución de la poesía de Robert Lowell, siempre muy estudiada y cuidada, pero que con el paso del tiempo va adquiriendo un tono más íntimo y confesional. El poeta ut
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La palabra mágica es un «estuche de joyas» que contiene algunos de los textos más agudos de Augusto Monterroso (1921-2003), en los que saca a relucir su faceta de lector autárquico -de su amado Cervantes, Quiroga, Góngora, Quevedo, Montaigne o Borges-, de traductor -y nos regala perlas como ''Sobre la traducción de algunos títulos''- y de mero mortal que reflexiona con su característico ingenio sobre las ínfulas de grandeza o la falsa promesa de inmortalidad que da la fama.
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Sobre la Herida es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico. Cada poema en Sobre la Herida expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal.La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío. A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales. La crítica ha celebrado Sobre la Herida por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.
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Virus, bacterias, hongos, lobos, secuoyas milenarias y bosques de abetos y abedules proliferan y se diseminan a lo largo de una obra que, siguiendo las redes que conectan organismos simples y complejos, recorre tallos subterráneos, recuerdos escolares, hazañas del activismo ambiental y un medio natural en delicado equilibrio donde la lengua del imperio impone categorías y se opera por dominación y extracción de recursos.
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De qué se esconden las tortugas recoge quince relatos breves protagonizados por mujeres que pertenecen a distintas realidades familiares, En cada una de las historias nos adentraremos en el mundo interior de estas mujeres, donde no tienen cabida las impostaciones ni las correcciones sociales, donde se pueden mostrar tal como son, en total libertad dentro de su secreta intimidad, ajenas a la mirada exterior y a sus inseparables prejuicios, La suma de estas voces construye una mirada poliédrica sobre la familia, ese caparazón en el que, a veces, nos refugiamos, y, otras, en cambio, se convierte en una amenaza,
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