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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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La maduresa de Maria Josep Escrivà.La poesia de Maria Josep Escrivà ha arribat a la plena maduresa. Ho demostra aquest llibre, en què tenen cabuda un seguit de poemes nascuts de la urgència per parlar de les coses del món o per homenatjar els amics («En l'arbre del meu cor») i també unes quantes suites de poemes breus («Lluny de qui sap què») que capturen espais d'intimitat en instantànies verbals d'una precisió exquisida.
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Este esperado libro, dice Teresa Gómez, nació de la contemplación de la intérprete de un concierto de violín, cuando la danza de pequeños músculos de su espalda sugirió a la autora el contraste entre el silencioso trabajo de sus brazos y la fluidez del sonido resultante, que aparentaba brotar sin esfuerzo alguno. Del mismo modo la poeta, que aspira a la difícil sencillez, pule sus versos hasta lograr que suenen desprovistos de retórica, apelando a sentimientos que llevan implícita una profunda carga reflexiva. Ya desde el título, La espalda de la violinista nos sitúa en un ámbito donde se conjuganla música y la palabra, que caminan al paso de una sinfonía compuesta por un preludio y tres movimientos. Combinando el tono conversacional con el despliegue de imágenes sorprendentes, la poesía de Teresa Gómez explora la realidad a través de las emociones: el amor, la distancia, el desamor, la angustia, el desencanto o la esperanza laten bajo cada verso constituyendo la clave de una voz con un alto grado de autoconciencia, que por una parte construye una identidad propia y elegida, frente a los condicionantes ideológicos impuestos, y por otra analiza y cuestiona el discurso dominante desde una voluntad de resistencia.
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La sutura y la piel es una invitación a trascender la superficie de las cosas en busca de un sentido. Propone un paseo y una mirada a escenas donde algo parece estar desmantelándose y reconstruyéndose, destejiéndose e hilándose, tachándose y reescribiéndose. La búsqueda es un trenzado que ata la reflexión y el abrazo, el silencio y la proclama, la niebla y el aliento.
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Inèdit fins ara al nostre país, Edward Hirsch (Chicago, 1950) és un dels poetes nord-americans més reconeguts de l'actualitat. Atent al valor comunicatiu de la poesia, amic de l'expressió cenyida i essencial, reflexiona sobre la seva pròpia condició humana (il·lustrada, urbana i jueva), sense deixar mai de convertir les vivències en situacions generals que obren al lector la porta a la reflexió sobre si mateix, com si cada poema fos una pausa per pensar una mica. Aquest tret estilístic aparentment simple -la indagació en la quotidianitat de la vida moderna- assoleix tanmateix altes fites de torbament, un desfici quasi filosòfic o religiós que intensifiquen els imprevistos i els arcans d'una existència inaprehensible i plena de matisos. De factura impecable i profunditat extraordinària, la seva poesia traça un itinerari que va de l'hostilitat del destí i els elements exteriors al goig més gran i elemental. L'antologia que teniu a les mans, que recorre el corpus anterior a Gabriel (2014) i pren com a base The living fire (2010), mostra l'obra d'Edward Hirsch per primer cop traduïda al català. Edward Hirsch és una de les figures cabdals de la poesia nord-americana dels nostres dies. Nascut a Chicago el 1950, ha estat professor a la Universitat Estatal Wayne i a la Universitat de Houston, col·laborador en diaris i revistes -cal destacar, per la seva popularitat, els articles setmanals sobre poesia a The Washington Post Book World del 2002 al 2005- i actualment és president de la Fundació John Simon Guggenheim de Nova York. Autor de set poemaris publicats entre els anys 1981 i 2008, va recollir el millor de la seva producció fins aleshores a The living fire (2010). El 2014 va aparèixer la seva darrera obra, Gabriel, un llarg poema elegíac a la mort del seu fill. També ha escrit diversos assaigs literaris, entre els quals destaca How to read a poem and fall in love with poetry (1999), que va esdevenir un supervendes. Ha rebut nombrosos premis, com ara el MacArthur Fellow el 1997. Aquest volum antològic comprèn una tria significativa de la poesia de Hirsch, per primer cop traduïda al català.
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A lo largo de más de tres décadas, tanto los Cuadernos como los Almanaques o los Zaquizamíes han sido dedicados, en muchas ocasiones a temas monográficos: Erotismo, Jardines, El Agua, La Imprenta, el Amor, La República, Picasso, La Fotografía, El Cómic, El Tiempo, Los Heterodoxos. Y de nuevo, un largo etcétera. Con ello hemos querido conciliar los temas eternos de la poesía y el arte con la actualidad, la urgencia con la oportunidad. Pero siempre movidos por un espíritu libre y festivo: compartiendo, colaborando, discutiendo, manteniendo la amistad por encima de todo. Y aun siendo conscientes de lo efímero de unas hojas volanderas de poesía o unos Cuadernos de poemas y dibujos, nuestra apuesta colectiva sigue la máxima latina, más como deseo que como certeza, de que el tiempo pasa pero lo escrito permanece. Tempus fugit, scripta manet. El tiempo, precisamente, lo dirá. Cuadernos de Roldán es un colectivo de poetas, pintores, músicos, dibujantes, que ha venido desarrollando una actividad ininterrumpida durante treinta y tres años. Desde que el 21 de abril de 1988 se presentara el número cero, De trovos y artes de todas suertes, hasta el último Cuaderno, número 100, dedicado a Itálica y presentado esta primavera, se han editado Libros, Cuadernos, Almanaques, Zaquizamíes, Ad Libitum y Hojas de San Lorenzo. (2 de diciembre) «Cuadernos de Roldán» es un grupo de poetas andaluces, buena gente, amante de la poesía y militante convicta del culto a Baco, que no acostumbra a salir en las páginas de Cultura ni en los suplementos de los periódicos importantes. A mí, a pesar de que ya no escribo versos y de ser bastante parco en el beber, me hicieron socio del gremio, quiero decir, inquilino, que es así como nos designamos en la cofradía. José Saramago, Cuadernos de Lanzarote I (1993-1995)
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Dice Lucía Carballal que La fortaleza gira en torno a la herencia: todo aquello –material o inmaterial– que recibimos de nuestra madre, de nuestro padre, el patrimonio cultural que, como sociedad, heredamos de las generaciones anteriores. ¿Qué hacer con todo ese pasado? Quizá cada persona, cada época, se defina por el lugar que otorga a sus ruinas.Y si La fortaleza mira hacia atrás, ante Los nuestros la autora se pregunta: «Vale, y ¿ahora qué? ¿Cómo ir hacia lo nuevo?». La obra arranca con la muerte de Dinorah. Los «suyos» se han reunido en su casa de Madrid para cumplir con el Avelut: el duelo judío en el que la familia se aparta del mundo y convive a lo largo de siete días. Cada cual abandona su realidad, vacía de rituales, para sumergirse en el encierro y enfrentar los roces y conflictos familiares enquistados durante años.La fortaleza y Los nuestros, dos ficciones atravesadas por lo biográfico, la tradición, la familia, el patrimonio cultural, la descendencia y ese misterio capaz aún de convocarnos para responder quiénes somos.
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G. K. Chesterton no necesita presentación en España. Narrador universal, el polemista hace tiempo que resulta difícil encontrarlo en librerías, mientras el poeta apenas está traducido entre nosotros. Sin embargo, su poesía es la puerta de entrada al resto de su obra. Cuando Chesterton necesita explicar su idea del mundo, recurre con frecuencia a sus propios versos y sus dos novelas más reconocidas se inician con sendos poemas introductorios. Chesterton es un poeta vitalista y activo, que canta a Dios, a la naturaleza y a los hombres con optimismo y jovialidad. Como señala Auden, todos sus poemas de amor son un hallazgo. La presente traducción da muestra de todas esas facetas líricas. Ha sido hecha por poetas españoles de muy diversa condición, edad y obra literaria. La poesía de Chesterton, que tiene algo de coral, ha sido interpretada por cada poeta procurando no desentonar del coro.
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Este libro de Mario me ha parecido fresco, sincero y amigable, y porque me han gustado y divertido mucho los versos que contiene y, sobre todo, porque Mario es un cowboy de medianoche, un fiel seguidor de las conversaciones radiofónicas de cuatro señores mayores que han decidido, como Peter Pan, no crecer y seguir siendo eternamente jóvenes
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Carlos Oquendo de Amat (Puno, Perú 1095) es autor de un único y deslumbrante libro, condujo la lírica hacia lo que se ha llamado un primitivismo no reñido con la cotidianeidad. Su poesía está constituida por los elementos del lenguaje más corrientes, descargadas de misterio y de sonoridad, sus metáforas son de fácil lectura porque son visuales y cargados de luz y de color. El efecto estético que produce su escritura proviene de su imaginería plástica, donde lo que importa es la sucesión de distintas imágenes en un todo coherente y nuevo. Editado en forma de acordeón, de manera que su longitud fuera la que señala el título, juega con los espacios blancos de las páginas, usa los esquemas liberadores del caligrama y los cambios tipográficos, con la ruptura de la sintaxis y con los contrastes entre sonoridad y silencio. Después de una sufrida y pesarosa existencia, expulsado de distintos países por pertenecer al Partido Comunista peruano, en 1936 es internado en un sanatorio de Guadarrama cerca de Madrid, donde murió en 1936 enfermo de tuberculosis. «Se le enterró bajo la nieve, en el cementerio vecino de la clínica». «Con un mecanismo metafórico tomado de Huidobro, realiza una poesía cristalina, de aire espontáneo y lúdico». César Aira «Había sido un hechicero consumado, un brujo de la palabra, un osado arquitecto de imágenes, un fulgurante explorador del sueño, un creador cabal y empecinado que tuvo la lucidez, la locura necesaria para asumir su vocación de escritor como hay que hacerlo, como una diaria y furiosa inmolación». Mario Vargas Llosa
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TRADICIONALMENTE vinculada a la estética modernista, Delmira Agustini (Montevideo, 1886-1914) ingresó en el territorio poético rioplatense a una edad temprana y en tan solo siete años alcanzó la cumbre del éxito gracias a la publicación de tres libros de poemas que tuvieron una extraordinaria acogida entre sus contemporáneos: El libro blanco (Frágil) (1910), Cantos de la mañana (1910) y Los cálices vacíos (1913). Su asesinato a manos de su exmarido interrumpió esta fulgurante y fecunda carrera cuyos últimos frutos vieron la luz en 1924 en Los astros del abismo, una edición póstuma publicada con el beneplácito de su familia. Admirada y censurada a partes iguales, Delmira Agustini, pese a las tensiones y contradicciones propias del periodo finisecular a las que tuvo que enfrentarse, supo imprimir un nuevo aliento al Modernismo literario hispanoamericano en una época en la que el movimiento se acercaba a su inexorable ocaso, convirtiéndose, además, en la precursora de otras voces poéticas femeninas que, retomando su legado, no tardaron en despuntar en el continente americano.
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Una de esas escasas series de sonetos a los que no puede ponerse pega formal alguna, porque no solo están escritos, sino que parecen cincelados con la misma precisión con que Rodin o Miguel Ángel hacían hablar a la piedra convirtiéndola en hombre o en mujer por obra y gracia de su talento. Pasmo es, como otros libros, un canto a lo humano o, lo que es lo mismo, un lamento ante la insignificancia de la condición humana, esa que hace de nuestra especie una estirpe trágica, consciente de que va a morir y de que todos sus trabajos y sus días desembocarán en un mismo océano de olvido.
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El agua empapa la tierra. Las raíces de los árboles y los matorrales que forman una maraña en el subsuelo, la sostienen, todo forma parte de un equilibrio primigenio. Pero la montaña se quema, las máquinas cortan de un tajo la roca para trazar la carretera, el musgo y las raíces desaparecen y continúa lloviendo. Lo hace hasta que la tierra se hace blanda, algo se quiebra y una masa inmensa se derrumba monte abajo. Y en ese movimiento gigantesco lo arrastra todo a su paso. Es el argayu, metáfora que acecha nuestras vidas, tamizadas por las renuncias, temores, goces y fracasos. Este Argayu/Derrumbe es una apelación a la memoria viva de un mundo rural que se desvanece. Un derrumbe que sobrecoge desde su verdad más íntima.
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Como sucede en la vida y en la realidad, los poemas de ''Caramelo culebra'' se desenvuelven con un tono agridulce: entre la alegría propia y el dolor en primera persona del plural, entre la luz que teje la rutina y las sombras de lo que ocurre más allá de los espacios íntimos. Sara Herrera Peralta ha escrito un libro de una madurez rotunda, que plantea un paso más allá en su poética, y abarca el trayecto justo entre la reflexión sobre la importancia de la escritura, la maternidad como bálsamo y también como desafío, el compromiso con una sociedad que desdeña el lugar que habita, y a quienes la componen.
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PREMIO PULITZER Y MEDALLA ROBERT FROST «La mejor poeta desde Safo.»Poetry «Liberada y talentosa, dramática y frívola, osada y fiestera, se alzó como la voz de su generación. [...] En sus versos no temía ser exuberante, desafiante y también indiferente, como las caprichosas heroínas de Scott Fitzgerald.»Andrea Aguilar, El País Edna St. Vincent Millay es una de las escritoras norteamericanas más fascinantes y menos conocidas del siglo xx. Perteneciente a la generación de T. S. Eliot y Wallace Stevens, su militancia feminista y su radical independencia provocaron que su obra tardara en difundirse, a pesar de haber ganado el Premio Pulitzer por su «Balada de la hilandera del arpa», de contar con una personalidad arrolladora y de congregar a multitudes en sus lecturas y polémicas apariciones públicas, que hicieron de ella una precursora de una nueva forma de ser mujer. Nunca temió proclamar sus ideas políticas y proponer innovadoras vías de expresión de la experiencia femenina. Millay escribió libretos de ópera, teatro y prosa, pero destaca sobre todo por su poesía, extraordinariamente virtuosa -es autora, con Robert Frost, de algunos de los mejores sonetos del siglo xx en inglés-. Aunque vinculada con la vanguardia anglosajona, su voz única es capaz de cantar la belleza como una poeta emotiva y de componer a su vez poemas satíricos y provocadores. Lumen presenta la antología más completa en castellano de su obra poética, en una magnífica edición y traducción de Ana Mata Buil. La crítica ha dicho:«Preocupada simultáneamente por la indagación formal y por la instancia política de su escritura, Edna St. Vincent Millay ha quedado opacada a ojos de la historia por coetáneos masculinos como T.S. Eliot o Robert Frost, con los que trabajó cerca. Décadas más tarde, su voz rebota con fuerza en las paredes.»Zenda «La mejor poeta mujer desde Safo.»Harriet Monroe, Poetry «Una de las figuras más fascinantes de los felices años 20. [...] El amor y el dolor, la soledad y la muerte, la naturaleza y la imagen recurrente del mar son lugares habituales en su poética, en la que se rebeló contra las máscaras de la feminidad y que debió ser un clásico.»Vanessa Graell, El Mundo - La Esfera de Papel «Una de las autoras en lengua inglesa que han asumido en vida la categoría de poeta clásica.»Edmund Wilson «Consiguió que la poesía pareciera algo sencillo que cualquiera podía hacer, pero naturalmente no era así.»Dorothy Parker «La lectura de esta Antología poética convencerá a los más escépticos de que este renovado interés no se trata de una ocasional moda. Hay en ella una verdad y una maestría que no han envejecido, junto a un puñado de poemas que nos cortan el aliento [...] y siguen igual de vivos y heridores hoy como en el momento en que fueron escritos, y no solo en el original, sino también en esta traducción al español gracias al buen hacer de Ana Mata Buil.»José Luis García Martín, El Comercio «Un talento literario incandescente. [...] Millay ofreció una atrevida visión de la experiencia femenina, con una gran carga sexual. [...] Su poesía brilla aún más cuando refleja las ansias de rebelión contra el espacio reservado a las voces de mujeres en la literatura y en la vida.»Amandas Ong, The Guardian «Una de las poetas más exitosas y respetadas de Estados Unidos. [...] Consiguió algunos de los mejores sonetos del siglo XX, al igual que Frost.»Poetry Foundation
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pieles muertas se acumulan sobre las hojas a veces son grillos que olvidan carcasas de un blanco translúcido todo se entrega a la sequía de enero un cielo que anula cantos rodados arranca golondrinas de los cables nada de lo que existe impide el paso de la luz BYRON SALAS (San José, Costa Rica, 1993). Cursó estudios de filosofía en la Universidad de Costa Rica. Ha publicado las novelas Mercurio en primavera (Lanzallamas, 2017, Premio Nacional de Literatura Aquileo J. Echeverría, Punto de Vista editores, Madrid, 2021) y Mar de fondo (Lanzallamas, 2021), el libro de cuentos Gloria al amor sombrío (Encino ediciones, 2019) y el conjunto de poemas Zarcillos (Libros Humildes, 2022).
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Aquesta obra és el resultat de la dedicació de Josep Murgades a l'estudi del Noucentisme al llarg de més de quaranta anys, en el marc d'un seguit d'avinenteses professionals. És també una contribució a la comprensió crítica del tercer gran moviment cultural i polític que va configurar la Catalunya contemporània, al marge de les fílies i les fòbies que, ara com llavors, indefectiblement suscita. Els vint-i-cinc escrits que aplega aquest volum, amb independència de la seva cronologia, s'agrupen en cinc apartats: definicions i valoracions, context històric, ideologia i pràctica literària, Noucentisme i cànon, i antinoucentisme. En paraules de Goethe, del que es tracta, doncs, és d'investigar el que ha estat i el que és, no el que plau o desplau.
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«El libro de las aguas es un libro inclasificable, elmás hermoso a mi juicio». ?Emmanuel Carrère Escrito en un raro estado de gracia, Eduard Limónov afrontó el que para muchos es su mejor libro mientras se hallaba encarcelado en una prisión militar, acusado deterrorismo y tráfico de armas. Buceando una vez más en su apasionante y copiosa biografía, desatendió poruna vez cualquier continuidad cronológica y geográfica para utilizar el agua ?mares, ríos, lagos, estanques, piscinas, fuentes? como elemento conductor del relato. Poético y crudo a un tiempo, Limónov describe con estas palabras el contenido de El libro de las aguas: «He tratado de pescar en el océano del tiempo lascosas verdaderamente esenciales para mí y, releídas las cuarenta primeras páginas del manuscrito, no he podido hallar más que mujeres y guerra: he ahí el modesto resumen de mi vida».
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A veces, la persona indicada se cruza en tu camino cuando más lo necesitas. Iba a ser una noche de sexo sin compromiso. Pero, al día siguiente, Sutton, que es consultora, acude a conocer a su nuevo cliente y no puede creer lo que ve: los propietarios son tres gemelos idénticos, y uno de ellos es el misterioso chico con el que pasó la noche, ¡aunque no sabe cuál! Tras descubrir que se llama Callahan y que trabajarán juntos en un resort paradisíaco, él le deja muy claro que quiere más. Sutton también, pero ¿se atreverá a arriesgar su carrera por él? Déjate seducir por los hermanos Sharpe en esta nueva trilogía adictiva
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Nosaltres, purs desposseïts, errem perduts mentre assagem donar sentit a un discurs que —ho sabem— no escoltarà ningú, però ferms en la convicció profunda que tot poema ha de sorgir de la foscor, de la ceguesa, de l’obscuritat, del fons ignot de cadascú on la paraula es fa silenci, a mig camí entre l’udol de l’animal i la impassibilitat dels ídols. La llengua, el poema.
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SHUNTARo TANIKAWA es uno de los poetas más leídos delas letras japonesas. Nacido en 1931, su obra coronael proceso de renovación de la lírica nacional, iniciado tras el contacto con la poesía occidental a finales del siglo XIX. Su primer poemario, publicado en 1952, marca para muchos el punto de partida de la poesía japonesa contemporánea. Fue el primer poeta capaz de asimilar las corrientes vanguardistas de Occidentey fundirlas de forma natural con el acervo cultural de Japón en una poesía personal y moderna. La obra deTanikawa es difícilmente clasificable ya que no se encasilla en ningún estilo determinado. Emplea por igual el verso libre y la prosa poética. Se distingue ensu temática por retratar episodios cotidianos en losque plantea cuestiones vitales en una búsqueda permanente de la armonía con un marcado trasfondo humanista. minimal constituye un poemario inusual dentro de su obra. Publicado en 2002 tras un silencio de una década, es un libro compuesto por 30 poemas que constande cuatro o seis estrofas formadas por breves tercetos. El autor, en un intento por huir de la retórica que, a su juicio, ha corrompido el mundo actual y estádesvirtuando la esencia de la palabra, intenta reducir los poemas a la mínima expresión. De este modo, arguye, los versos dejan un margen mayor para la interpretación del lector, al que se hace partícipe de la huida de la locuacidad. Tanikawa vuelve a escribir paraadvertirnos que, en esta sociedad imprevisible del siglo XXI, a veces conviene distanciarse de la presencia abrumadora de palabras vacías de contenido para buscar la esencia de la comunicación y recuperar atributos humanos como la intuición, la humildad, la naturalidad o la introspección.
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ÑAQUE Editora vuelve a apostar por recopilar piezas breves para niños y no tan niños. En la aventura de editar texto, se hacen muy necesarios textos de este cariz que no solo aportan ideas ya concluidas, sino propuestas para que aquellos que dinamizan con el teatro las aulas y compañías infantiles y juveniles, vean la posibilidad de ser ellos mismos los que aporten ideas y textos al escenario. TEATRILLO PILLO va en esta línea, con una recopilación de pequeñas obras de teatro, dirigidas a los más peques de la casa. 25 dramatizaciones que parten de cuentos tradicionales, de temáticas tradicionales o de otro tipo de propuestas como el otoño, la Navidad o la paz. En el prólogo, Remepalma afirma: Si buscas textos cortos, sencillos y divertidos para trabajar con niños y niñas, este es su rincón. La apuesta es segura porque todas y cada una de las obras de teatro han sido escenificada en diferentes centros educativos e instituciones. YOLANDA FUENTES es la pedagoga que aporta su visión de la escena y su capacidad de gestionar grupos de niños para llevar a escena ideas que surgen del imaginario común. De nuevo Remepalma nos avisa: Yolanda Fuentes tiene el don de organizar pequeños o grandes grupos de niños y niñas para que la interpretación sea un juego divertido y un disfrute para los espectadores. Cada teatrillo puede ponerse en escena con muy pocos o muchos participantes.
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Como nos dice el autor: «Este libro que sostienes ahora entre tus manos es un breve ensayo sobre literatura. No encontrarás aquí una historia de la literatura occidental con todos los grandes autores que merecerían extenso comentario... No tiene ningún afán erudito o enciclopédico. Se trata de un sencillo canto de amor a la literatura a través de la meditación sobre su origen sagrado: la palabra creadora, la palabra que da a luz al universo y que nos permite conocernos a nosotros mismos. La magia de esta palabra es invocada por los poetas y escritores a través de los tres grandes géneros literarios: la lírica, la narrativa y el teatro. Cada género aparece aquí representado por un símbolo antiguo que encierra su espíritu: el tambor de la lírica, el río de la narrativa y la máscara del teatro.» El tambor, el río y la máscara es un breve viaje por la Historia de la Literatura, que nos plantea una lectura singular y brillante, dirigida a todo tipo de lectores. D'Ors nos cuenta la literatura ante todo como una aventura vital e intelectual.
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Un millón de puertas y ventanas es todas esas oportunidades que nos da la vida. Es una puerta cerrada que invita a entrar por esa ventana que a veces olvidamos que está abierta. Es un recorrido a pecho descubierto. Es la sinceridad en palabras, con una sensibilidad que llega para instalarse en tu corazón. En palabras de Diego Ojeda, que no puede definir mejor este poemario: «Las puertas y ventanas que se abren dentro de uno después de leer estos poemas ya no se cerrarán jamás. El poeta dejó la guitarra en un altar y, sin escudo ni armadura, ahora nos cuenta esa parte de la historia que otros omiten en su biografía. No se trata de ser valiente, sino de ser sincero. Con los vivos y con los muertos. Con los hijos y, sobre todo, contigo, lector».
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John Ashbery és el poeta nord-americà viu més important del segle XX. Considerat pel crític Harold Bloom com l'últim dels poetes canònics, la seva obra hereta i renova alhora la gran tradició política anglosaxona. Admirat, aplaudit i consagrat internacionalment, la seva obra sona cada any com a possible guanyador del Premi Nobel de Literatura. Ara Lumen té el privilegi de publicar un dels seus llibres, per a molts compendi essencial de tota la seva obra: Una ona, esplèndidament traduït per Ignacio Infante. En aquest llibre els poemes de llarg alè es donen de la mà amb proses d'un hipnotisme enlluernador, on el llenguatge d'Ashbery sorprenentment sensual arriba a cotes insospitades. L´amor, la mort, la memòria il´obra d´altres poetes s´uneixen en la musculatura d´aquests poemes inoblidables.
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Uno de los documentos más característicos de la Ilustración europea. Escrito en francés por un joven caballero inglés exiliado en Suiza por razones religiosas, trata de defender, contra la influencia creciente de la Enciclopedia de Diderot y d´Alembert, la tarea de los eruditos, un neologismo de nuevo cuño de esa época.
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Una vegada més, Lluís Calvo Guardiola se supera, ens sorprèn i ens il·lumina amb l’obra més poderosa i ambiciosa que ha escrit fins ara: Cor pirinenc. De la mà d’una curiosa parella de companys de viatge, Fontalba i Gotanegra, vivim una aventura poètica i narrativa a través d’un dels paisatges més sublims del món: el Pirineu. Des de Benasc al cap de Creus, el pelegrinatge de dos personatges antagònics, però complementaris, ens ajudarà a descobrir algunes de les arrels ancestrals de la nostra realitat més immediata, així com les formes absolutes de l’amor i de la passió. Volum únic que es pot llegir talment una novel·la trepidant —per bé que s’abeura en els grans metres, ritmes i rimes, així com en un seguit de referents de la literatura de muntanya—, Cor pirinenc acaba essent una oda al país i a la vida viscuda intensament, un extraordinari poema èpic com no se n’havia vist d’altre des de feia temps en la nostra llengua. Sens dubte, i per drets propis, un llibre destinat a ser una obra de referència de la literatura catalana.
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Esta antología poética, preparada por Maria Asunción Mateo, e ilustrada por Jesús Aroca, recoge las mejores poesías para los jóvenes lectores de la colección Alba y Mayo de Fernando Villalón, Pedro Salinas, Jorge Guillén, José Bergamín, Federico García Lorca...
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Leer poesía nunca pasará de moda, porque la moda está basada en la poesía. Así como no pasa de moda el amor, la sonrisa o el beso.
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Hospital del aire es una ficción poética sobre un acontecimiento real: el trágico accidente aéreo ocurrido en Madrid el 27 de noviembre de 1983. Aquel suceso tuvo un impacto decisivo en el devenir de la literatura hispanoamericana. Entre el pasaje se encontraba un nutrido grupo de escritores y artistas del continente que, desde sus diferentes exilios europeos, viajaban a Colombia para asistir al I Encuentro Hispanoamericano de Cultura. Un evento de enorme trascendencia, pues buscaba reconectar las literaturas del allá y del acá, además de propiciar, acabada la Transición, un diálogo intelectual entre artistas españoles divididos por la dictadura franquista. Entre los fallecidos figuraron autores de la talla de Manuel Scorza, Jorge Ibargüengoitia, Marta Traba, Ángel Rama, así como otras figuras del mundo de la música y la pintura.A través del reportaje lírico, fusionado con un collage periodístico y un diario de escritura, asistimos a la invención de personajes que habitaron aquellos dramáticos momentos. Un libro que reflexiona sobre la memoria, la historia, los propios límites del lenguaje y la literatura misma. Una poesía documental que se lee como una novela, pero sin perder su capacidad evocativa para tensar la palabra.
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La obra de Ana Pérez Cañamares interpela al lector con el propósito de reconocerse, por encima de imposiciones y obediencias varias, con la capacidad de empezar a construir una existencia plena. Bartleby Editores publica la antología con la que se homenajea su obra y trayectoria en la edición 2022 de Vallecas Calle del Libro, la gran cita libresca vallecana en torno al Día del Libro. Prólogo de Alberto García-Teresa.
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Canciones de Alejandría fue la obra que hizo célebre a Mijaíl Kuzmín (1872-1936) en el panorama lírico ruso de la Edad de Plata. Aunque no estuvo exenta de polémicas, tanto por el contenido homoerótico como por las reminiscencias formales, que enseguida lanzaron a la crítica a establecer paralelismos con otras obras europeas similares, se puede decir que la opinión fue clara y unánime: el ciclo alejandrino de Kuzmín inauguraba algo insólito en la lírica rusa. Estas particularidades, tomadas del decadentismo francés y del gusto imperante por el orientalismo, convierten sus versos en una rareza literaria, un canto a la libertad con total ausencia de complejos y de culpas. Kuzmín describe el paraíso tal y como él se lo imagina, desde el anacronismo de mitos y culturas dispares, desde la valentía que exige lo prohibido y la sonoridad y el ritmo que la predominancia del verso libre, usado en la poesía rusa anterior en contadas ocasiones, da a la obra. Versos que celebran la belleza y la alegría desde la claridad y la fuerza de lo frágil.
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La historia de Jasón constituye una de las leyendas más fascinantes de la mitología griega. Este héroe emprende un viaje en barco hacia la lejana Cólquide, acompañado de sus fieles compañeros, los argonautas, llamados así por la nave que los lleva, Argo. Durante la travesía, se enfrentarán a asombrosos peligros para llegar a su verdadero destino: el vellocino de oro. Si en la versión clásica del mito la astucia y la resistencia se revelan claves para demostrar que sin lucha no hay recompensa, en esta divertida adaptación se suma otro elemento clave: el sentido del humor y una irónica mirada actual sobre la historia.
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El llibre condensa la manera d'entendre la poesia de Quim Vilar: tot el món és poesia i la feina del poeta és donar forma als versos que ''veu'' quan passeja per camps i boscos.L’instant als ulls és una antologia de poemes que l'autor ha escrit en els darrers quinze anys ordenats cronològicament però sense cap marca de temps que el poeta ha triat i que ha decidit publicar gràcies a la insistència tenaç d’uns quants amics. «L’instant és l’embolcall d’aquest poema», diu un vers de l'autor. També podria ser l’embolcall d’aquest llibre, un regal que el poeta fa als seus lectors.
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¿Qué hace de Homero, Platón o Safo autores inmortales? ¿No consistía su arte en la capacidad de despertar en el lector los sentimientos más elevados? Éstas son algunas de las preguntas que plantea De lo sublime, una obra capital de la preceptiva publicada ena en la primera mitad del siglo I.
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Juan Marsé es, sin lugar a dudas, uno de los mejores narradores enlengua española de la segunda mitad del siglo XX. Asociado a la rica ylongeva tradición novelística del realismo desde una posiciónheterodoxa, personalísima y libre, y plenamente moderna, algunas de susobras son ya clásicos de nuestro tiempo, como por ejemplo Últimas tardescon Teresa, Si te dicen que caí, Un día volveré, El embrujo de Shanghaio Rabos de lagartija. Asimismo, algunos de sus personajes forman partede la imaginación literaria de miles de lectores es el caso delPijoaparte, Jan Julivert Mon o el capitán Blay.A pesar de todo ello, también Marsé ha sido «víctima» hasta hoy delendémico déficit de biografías literarias del que infortunadamenteadolece la cultura hispánica. Con este libro, Josep Maria Cuenca(Barcelona, 1966) ha intentado paliar, en parte al menos, dichasituación. Resultado de más de un lustro de investigaciones, Mientrasllega la felicidad es la biografía del autor de Ronda del Guinardó cuyosfieles lectores estaban esperando desde hacía mucho tiempo.
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La sociedad española, heredera del prejuicio que no admite disidencia o heterodoxia alguna en autores consagrados, sigue percibiendo a escritores como Josep Pla, Joan Oliver, Gaziel, José Ferrater Mora, Josep Maria Castellet, los hermanos Ferrater, Joan Margarit o Pere Gimferrer como si de veras hubiesen sido siempre canónicos: personas dóciles y obedientes, atadas a sus intereses egoístas o adaptados siempre al mejor postor o al interés más rentable. Para Jordi Gracia, en cambio, las mejores páginas de todos ellos contienen una rebeldía intraburguesa estimulante y transgresora al margen de su ubicación política a derecha o izquierda. Han sido burgueses, sí, exigentes con su clase, más irónicos que dogmáticos, más ecuánimes que sectarios, y por tanto «burgueses imperfectos».
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