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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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El Parnaso español 2 volúmenes
Hasta bien entrado el siglo XIX, las ediciones dela poesφa de Quevedo se organizaron seg·n el modelo de la que en 1648 prepar≤, en complicidad con el autor, JosΘ Gonzßlez de Salas, un humanista de la Θpoca. La recuperaci≤n de El Parnaso espa±ol supone una contribuci≤n de primer orden al conocimiento de uncorpus poΘtico considerado un clßsico ya en vida de Quevedo. La monumental edici≤n de Ignacio Arellano, acreditado especialista en su obra, facilita un acercamiento crφtico a un material que su anotaci≤n permitecomprender y disfrutar en toda su complejidad.
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Sin El Dolor No Habríamos Amado
JOAN MARGARIT (Sanaüja, Lleida, 1938) ha merecido numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de laCrítica (1984, 2008), el Premio Nacional de Poesía (2008), el Premio Poetas del Mundo Latino (México, 2013), el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo
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Poesías completas
Cesare. Pavese, nacido en el pueblo piamontés de Santo Stefano Belbo en. 1908, se suicidó en 1950, y desde entonces la dimensión de. su obra poética no ha dejado de incrementarse.. En este volumen, . al cuidado de otro escritor excepcion
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Mucho ruido y pocas nueces
Lanzada de nuevo a la popularidad por la versión cinematográfica que de la obra hiciera en 1993 el actor y director Kenneth Branagh, «Mucho ruido y pocas nueces», compuesta en 1598, fue ya en su día una de las comedias más celebradas de William Shakespeare (1574-1616). Situada en su mayor parte en un amable marco de jardines, aposentos y fiestas cortesanas, la obra gira principalmente en torno a dos fuertes personajes enfrentados, Benedicto de Padua y Beatriz, adversarios irreconciliables y ambos tan ingeniosos, mordaces y sarcásticos como desdeñosos del amor. A lomos de una trama animada por los equívocos, las traiciones y los imprevistos, los enemigos jurados acaban sin embargo, para su propia sorpresa, en aquel lugar a donde se prometieron nunca ir a parar y, lo que es más, en la compañía para ellos más insospechada.
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Selección natural
Cuando cae en tus manos un libro como éste, tienes la sensación de haber encontrado ''la aguja en el pajar''. Esta Selección natural de la poeta Amaia Villa, es para mí esa aguja preciosa, afilada y precisa, brillante y certera.
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Una crònica de la Barcelona contemporània cosida amb molta agudesa i esquitxada d'humor.«Punyent i divertidíssim». New York Times Book Review «Arribarà un dia que no caldrà repetir al jove Nopca que el seu humor corrosiu i talent europeu han dinamitat i dinamitzat la literatura del seu país: ho entendrà a la primera». Enrique Vila-Matas «Entre l'humor i la tendresa, els contes de Jordi Nopca es llegeixen com una crònica dels dubtes existencials i amorosos dels joves que avui dia sobreviuen a la Barcel... Llegiu-los i ja està». Jordi Puntí Perruquers canins que fan el que poden per superar el glop amarg d'una ruptura, traductors que han d'enfrontar-se a autors malcarats i torracollons, relacions que s'asfixien sota la runa de la precarietat laboral, amics universitaris que no troben la manera de confessar-se que s'agraden i veïnes insidioses que fan més por que un ocell de mal averany. Per mitjà d'un estil límpid i una expressió depurada, les històries de Puja a casa són un testimoni d'excepció d'una generació que ha hagut de trampejar els estralls d'una crisi econòmica de llarga ressonància. Emmarcat en la Barcelona dels últims temps i esquitxat d'un humor al que no renuncia en cap moment, aquest recull, que va obtenir el Premi Documenta 2014, constitueix igualment un observatori esplèndid dels codis amorosos contemporanis.
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Derecho a cita
La escritora, artista y poeta Roberta Marrero regresa en este segundo poemario, Derecho a cita, a un imaginario propio que nos habla sobre todo del deseo. Un deseo a veces consumado, otras veces frustrado, y que acompaña en esta ocasión de innumerables citas extraídas del vasto universo bibliográfico que conforma el universo creativo de la autora. ¿Te imaginas una habitación con Pizarnik, Lemebel, Santa Teresa de Jesús, Marrero, Crisp, Sexton.? Todas en sofás de terciopelo escuchando a Lana del Rey. Nunca dijiste que la fiesta fuera siempre divertida, tu cadáver, digo, poemario, es más bien la resaca más larga tras la breve fiesta del deseo. Será tal vez la fiesta más triste del universo, pero Nan Goldin sacará las fotos, y entonces habrá valido la pena. Y de eso, creo, va este poemario.
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Nombre muerto
En este libro Benjamín Santiago presenta su experiencia como hombre trans en forma de versos lúcidos y conmovedores. El ''nombre muerto'' del título narra el renacer del joven autor, capaz de desafiar tabúes culturales con una fuerza poética luminosa y delicada. ''El libro de poemas de Benjamín ha tenido que esperar a que le salga a él la barba y le cambie la voz para salir al mundo. [...] Este libro empieza con una trenza dentro de una caja y termina dando un volantazo. Este libro es una pancarta gigante activista. Este libro es un manifiesto. Una terapia de grupo. Un manual. Un libro de instrucciones. Un diario. Pero también es un baño público, un agente de tráfico haciéndote una señal que no sabes si significa que quiere avances o te detengas. Este libro es un probador. Un bildungsroman, un poemario de aprendizaje''. [Del prólogo de Violeta Niebla]
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Los hilos de la infamia
Sorprende la fuerza y ambición de este libro original y potente tanto en el manejo de las formas poéticas como en su mensaje: la infamia es mucha y sus hilos finos como los de una tela de araña. El juego intertextual que sustenta este peculiar tapiz de palabras impone una revisión: deshacer y desenmascarar el mito de Aracne y Atenea para llevarnos desde la tradicional y naturalizada rivalidad entre mujeres a la amistad, a la sororidad cómplice. Con la misma lucidez reflexiona sobre un mundo fragmentado y roto como el nuestro. Así lo vemos, por ejemplo, en la sección «Capulina» con el impresionante poema titulado «Europa», valiente denuncia de un mundo en ruinas: guerras sin fin, explotación laboral incluso de niños, inmigración, violencia de género, ataques a la democracia o al medioambiente, extrema pobreza y riqueza extrema. Al igual que Eliot en La tierra baldía denunciaba las graves fracturas de su tiempo en los años 20 del siglo pasado, Gerardo Rodríguez Salas quiere poner, un siglo más tarde, el dedo en la llaga para denunciar las nuestras, la ruina material y moral de nuestro tiempo. Pero también, sin duda, para no perder la esperanza en que aprendamos a hilar de otra manera, para mantener el sueño de una sociedad que sea capaz de oponer la empatía, la sororidad y la igualdad al caos que hoy nos domina y nos espanta. ÁNGELES MORA
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Incisiones
Epígrafes que tienen que ver con el tiempo, la noche, el amor, la muerte y la creación poética, agotando el muestrario temático que la lírica ofrece a sus cultivadores.''Son CLI las incisiones, numeradas con guarismos romanos, todas breves, algunas brevísimas, de que consta el libro, que se reparte en cinco zonas desde donde incidir en la existencia, y también en la esencia, del poeta. [...]. López Lara circula silenciosamente por ese amplísimo territorio con sabiduría, discreción y delicadeza. Y consigue al final que el resultado de sus incisiones sea un libro capaz de respirar, pese a la apnea circundante, y de pulsar los más íntimos resortes del espíritu''. Luis Alberto de Cuenca
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Cuenta hasta nueve, ¿te atreves?
En este libro, encontrarás los versos más locos de Gloria Fuertes para aprenderse los números del 1 al 9, las vocales y los colores más bonitos.
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Canción de cuna
El estreno de canción de cuna «fue para sus autores la aventura más emocionante de su carrera de dramaturgos», recordaba María Lejárraga en sus memorias. Idéntica emoción embargó al público que asistió a aquel estreno el 21 de febrero de 1911 en el madrileño teatro Lara y a los millones de espectadores que, durante décadas, la aplaudieron en los escenarios de todo el mundo, convirtiéndola en una de las comedias españolas más representadas del siglo XX. Tras los triunfos resonantes en el Civic Repertory Theatre de Broadway (Nueva York) y en el Studio des Champs-Élysées (París), fue presentada en 1936 en la Comédie Française como una de las escasas obras extranjeras contemporáneas que figuraban en su selecto repertorio. Mereció también cinco adaptaciones cinematográficas entre 1933 y 1993, y varias versiones televisivas. Hoy permanece alejada de los teatros, pero no ha perdido su encanto ni su fuerza de atracción. Una lectura moderna de la obra nos descubre nuevos valores en una comedia que sigue cautivándonos por su poesía, por el perfecto engranaje de sus escenas, por su belleza formal y por la sutil representación de un mundo complejo más allá de su apariencia sencilla, amable y optimista. «Canción de cuna fue un oasis. Allí, debajo de la fábula, había algo superior a la fábula misma». Emilia Pardo Bazán La obra maestra de María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra. María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874-Buenos Aires, 1974) y Gregorio Martínez Sierra (Madrid, 1881-1947) compartieron su producción literaria con la única firma del marido, incluso desde antes de casarse en 1900. Tras la muerte de Gregorio en 1947, ella adoptó el nombre literario de María Martínez Sierra, que ocasionalmente había utilizado anteriormente. Fueron dos protagonistas esenciales de la historia del Modernismo en España, creadores de revistas literarias (Helios, Renacimiento), novelas (La humilde verdad, Tú eres la paz, El amor catedrático), teatro (Teatro de ensueño, Canción de cuna, El reino de Dios, Triángulo), libretos de zarzuela (Las golondrinas), ópera (Margot, Jardín de Oriente) y ballet (El amor brujo, El sombrero de tres picos), y ensayos, con especial dedicación a la difusión del feminismo (Cartas a las mujeres de España, Feminismo, feminidad, Nuevas cartas a las mujeres). Gregorio Martínez Sierra fue, además, un destacado editor, empresario teatral de éxito y uno de los mejores directores de escena de su época, además de pionero de la industria cinematográfica en Hollywood. María Lejárraga, que comenzó su carrera siendo maestra, desarrolló una importantísima labor como traductora y, al margen de su prolífica dedicación a la literatura, fue feminista militante, fundadora de asociaciones de mujeres (Lyceum Club, Unión de las Mujeres de España, Asociación Femenina de Educación Cívica), diputada a Cortes durante la Segunda República y una de las plumas imprescindibles de la literatura del exilio de 1939. Juan Aguilera Sastre e Isabel Lizarraga Vizcarra son investigadores y estudiosos de la literatura española de la Edad de Plata. Han publicado conjuntamente varios trabajos, entre los que destacan De Madrid a Ginebra. El feminismo español y el VIII Congreso de la Alianza Internacional para el Sufragio de la Mujer (2010) y tres volúmenes sobre la labor periodística de Clara Campoamor: La forja de una feminista (2019), Del Foro al Parlamento (2021) y Clara Campoamor de viva voz (2021). Han dedicado numerosos estudios a la vida y obra de María Lejárraga, desde la pedagogía y la dramaturgia hasta el feminismo, la política o el exilio. Han editado los volúmenes Homenaje del Ateneo Riojano a María de la O Lejárraga (1995), María Martínez Sierra y la República: Ilusión y compromiso (2002), María Lejárraga, pedagoga: Cuentos breves y otros textos (2004), Ante la República: Conferencias y entrevistas (1931-1932) (2006), María Martínez Sierra: Feminismo y música (2008), Cómo sueñan los hombres a las mujeres (2009) y, en esta misma editorial, Tragedia de la perra vida y otras diversiones. Teatro del exilio [1939-1974] (2009), Viajes de una gota de agua (2018), Una mujer por caminos de España (2019), Epistolario del exilio. Cartas familiares [1939-1969] (2021), Cartas a las mujeres de España (2022), Gregorio y yo (2023) y Feminismo, feminidad (2023). Como novelista, Isabel Lizarraga ha convertido a la feminista riojana en protagonista de sus novelas Luz ajena (2020) y Cándida (2022).
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Sobre la herida
Sobre la Herida es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico. Cada poema en Sobre la Herida expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal.La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío. A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales. La crítica ha celebrado Sobre la Herida por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.
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Bendita sea la hija criada por una voz en su cabeza
En su primer libro extenso de poemas, Bendita sea la hija criada por una voz en su cabeza, Warsan Shire nos presenta a una niña que, al carecer de una guía en su educación y crianza, recorre a tropezones su propio camino hacia la feminidad. Partiendo de su propia vida y de las de sus seres queridos, así como de la cultura pop y titulares de noticias, Warsan Shire nos muestra detalles verídicos, expresivos y únicos de las experiencias de refugiados e inmigrantes, madres e hijas, mujeres negras y adolescentes. Son vidas estrepitosas, llenas de música, llanto y oraciones. Son vidas fragantes, llenas de sangre y olor a jazmín. Son vidas repletas de tonalidades, llenas de luz de luna, cúrcuma y kohl. Es la historia de una joven de color que nos muestra las dicultades de encontrar un hogar en el mundo, de habitar un cuerpo de mujer, de reconciliar la fe con la familia, todo ello en poemas ferozmente tiernos, en poemas sobre la migración, la feminidad, el trauma, la resiliencia... Es la voz de esta galardonada y famosa poeta británico–somalí, Warsan Shire, que colaboró con Beyoncé en trabajos como Lemonade o Black Is King.
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La suma de los días
La suma de los días, d'Isabel Allende (9788466360753) és una obra emotiva i escrita en el to irònic i apassionat que caracteritza a l'autora, i en la que ens entrega la suma dels seus dies com a dona i alhora com a escriptora.En La suma de los días, Isabel Allende narra con franqueza la historia de su vida y la de su peculiar familia en California, en una casa abierta, llena de gente y de personajes literarios, y protegida por un espíritu, hijas perdidas, nietos y libros que nacen, éxitos y dolores, un viaje al mundo de las adicciones y otros a lugares remotos del mundo en busca de inspiración, junto a divorcios, encuentros, amores, separaciones, crisis de pareja y reconciliaciones.También es una historia de amor entre un hombre y una mujer maduros, que han salvado muchos escollos sin perder ni la pasión ni el humor, y de una familia moderna, desgarrada por conflictos y unida, a pesar de todo, por el cariño y la decisión de salir adelante.Reseña:«Con una vida familiar como la suya, es fácil entender por qué el último libro de Isabel Allende es autobiográfico: hay suficientes personajes fantásticos e intensidad dramática como para abastecer de trama a varias novelas.»The Times
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El gran teatro del mundo
La obra más emblemática de Pedro Calderón de la Barca. Edición de Enrique Rull, profesor de literatura española de la Universidad Nacional de Educación a Distancia El gran teatro del mundo demuestra la pericia de Pedro Calderón de la Barca en géneros dramáticos tan diferentes como el auto sacramental, la comedia filosófica y el drama de honor. Representado y traducido innumerables veces, en todo tiempo y lugar, este auto sacramental ha superado los condicionamientos estéticos de la época en que fue escrito para extender con fuerza un mensaje conocido desde los clásicos latinos: la vida no es más que una representación en la que nuestro papel está determinado y en la que lo importante es «obrar bien». Esta edición al cuidado de Enrique Rull, profesor de literatura española de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, incluye una introducción que contextualiza la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como propuestas para fomentar el debate en torno a la lectura.
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La Venganza de Don Mendo
Pedro Muñoz Seca (1881-1936) recogió los últimos restos del género chico para crear el astracán , género teatral con un fuerte acento sobre el componente humorístico. La venganza de Don Mendo , estrenada en el Teatro de la Comedia en 1918, es su obra más famosa, y une a una divertidísima trama un recorrido por casi todos los metros y formas estróficas de la poesía castellana. Completan esta edición las páginas conservadas de El pendón de Don Fruela , obra inédita que parodia también un drama histórico.
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Poesía completa
Toda la poesía de José Saramago recogida en un solo tomo. Cerremos esta puerta. Lentas, despacio, que nuestras ropas caigan Como de sí mismos se desnudarían dioses. Y nosotros lo somos, aunque humanos.JOSÉ SARAMAGO
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Trilogía
Un poema maravillosamente fluido. Un camino sin baches hacia lo sublime. «H.D. es sinónimo de deseo, de imaginación y de clarividencia. Tal vez una de las poetas más increíbles -aunque incomprendida y secreta- de la primera mitad del siglo xx. [...] En Trilogía podemos ver parte de toda su magia en expansión.»Luna Miguel Los tres largos poemas que conforman Trilogía constituyen una de las obras maestras de la poesía del siglo XX, comparable a los Cuatro cuartetos de T.S. Eliot, a Brigflatts de Basil Bunting o a Notas hacia una ficción suprema de Wallace Stevens. Escrita bajo el impacto de la Segunda Guerra Mundial, H.D. indaga a lo largo de esta obra en el amor, la muerte o la posibilidad de redención, llevando su propia poesía -despojada ahora de las tiranías del imaginismo que había ayudado a fundar- a terrenos nunca antes explorados, configurando así uno de los experimentos literarios más arriesgados y fructíferos de nuestro tiempo. Reseñas:«Madura de edad y genio, H. D. ha crecido, años hace que el imaginismo se le quedó pequeño, pero sus versos son aún rápidos como saetas. De su oracular Trilogía se desprende el enésimo sentido, el exclusivo de nuestra especie y, probablemente, el único fiable: el sentido poético. Señores físicos, teóricos ustedes, la búsqueda ha terminado: he aquí la ley que gobierna todos los universos. Poesía del fiat lux para nuestras almas oscuras.»Ainhoa Sáenz de Zaitegui, El Cultural «En Trilogía, H.D. se enfrentó a los temas de la guerra, la locura nacionalista, la destrucción de las grandes ciudades, no como un lamento por el desmoronamiento de la civilización occidental, sino volviendo la mirada atrás para buscar inspiración en la prehistoria, en una tradición ginocéntrica. H.D. insistió en que la poeta-como-mujer tenía que dejar de derramar sus energías sobre un terreno que los tiranos y los adoradores de la muerte habían dejado estéril. [...] A partir de su visión, H.D. procedió a crear sus grandes y largos poemas tardíos en los que celebra el mundo matriarcal y la búsqueda de heroínas.»Adrienne Rich «La obra cumbre de la ecléctica poeta estadounidense.»Zenda «En la tradición de los poemas de Yeats, Eliot y Pound, las secuencias de versos de H. D. son ficciones supremas de lo más visionarias.»Sandra M. Gilbert, The New York Times Book Review «Hilda Doolittle es la única que me hace creer que existe algo más allá. [...] Es una autora compleja que no sé si entiendo del todo la mayoría de las veces que la leo, sin embargo, cuando me aproximo a ella, siempre siento que voy a descubrir algo.»Luna Miguel «Este éxtasis, éxtasis en el lenguaje, en un lenguaje bello, es lo que me lleva a través de toda la Trilogía, no solo satisfecho con su trampa, no solo satisfecho con estas ficciones arbitrarias, sino hechizado con la totalidad de su poema, por no decir embelesado.»Hayden Carruth, The Hudson Review «Recordad: H. D. era más sacerdotisa que otra cosa: más sacerdotisa que amante, más sacerdotisa que pensadora, más sacerdotisa que mujer, que estadounidense o (a decir verdad) artista. La Trilogía es tan buena en parte porque directamente convirtió su vocación de sacerdotisa en el tema principal.»Anthony Madrid, The Paris Review
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Palabra sobre palabra
''Nací en Oviedo en 1925. El escenario y el tiempo que corresponden a mi vida me hicieron testigo -antes que actor- de innumerables acontecimientos violentos: revolución, guerra civil, dictaduras. Sin salir de la infancia, en muy pocos años, me convertí, de súbdito de un rey, en ciudadano de una república y, finalmente, en objeto de una tiranía. Regreso, casi viejo, a los orígenes, súbdito de nuevo de la misma Corona. Zarandeado así por el destino, que urdió su trama sin contar nunca con mi voluntad, me resigné a estudiar la carrera de Leyes, que no me interesaba en absoluto, pero que tampoco contradecía la costumbre, casi norma de obligado cumplimiento (''todo español es licenciado en Derecho mientras no se demuestre lo contrario''), a la que se sometían en su mayor parte los jóvenes de mi edad y de mi clase social -clase media, transformada en mi caso, como consecuencia de la guerra civil, en muy mediocre. Larga y prematuramente adiestrado en el ejercicio de la paciencia y en la cuidadosa restauración de ilusiones sistemáticamente pisoteadas, me acostumbré muy pronto a quejarme en voz baja, a maldecir para mis adentros, y a hablar ambiguamente, poco y siempre de otras cosas, es decir, al uso de la ironía, de la metáfora, de la metonimia y de la reticencia. Si acabé escribiendo poesía fue, antes que por otras razones, para aprovechar las modestas habilidades adquiridas por el mero acto de vivir. Pero yo hubiese preferido ser músico -cantautor de boleros sentimentales- o tal vez pintor. Fui, en cambio, funcionario público. En 1970 vine por vez primera a América -México y EE. UU.-, y empecé a quedarme por ese continente a partir de 1972 (profesor visitante en las universidades de New Mexico, Utah, Maryland y Texas).'' ÁNGEL GONZÁLEZ.
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ANE SLVT03 Caja de música
Toda aventura supone una búsqueda, un aprendizaje, un riesgo a adentrarse en lo desconocido. En «La caja de música», diversos y variopintos personajes desfilan por la escena para mostrar lo que hay de auténtico o de absurdo en la vida humana. Obra de teatro con doble utilidad de tratamiento: 1) Lectura colectiva dramatizada 2) Representación escénica
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Cuatro historias de amor con gatos y lunas
Estas cuatro historias nos enseñan cómo nos rodea lo maravilloso y las cosas que sólo los enamorados pueden ver.En estas cuatro historias hay muchas lunas y muchos gatos, también hay pájaros y libros, e incluso hay un gallo. ¿De qué tratan?, ¿qué nos cuentan?Nos enseñan cómo nos rodea lo maravilloso y las cosas que sólo los enamorados pueden ver.
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Cuentos rusos
Estos Cuentos rusos son un homenaje a cinco de los más grandes autores de la literatura rusa y universal: Tolstói, Chéjov, Gógol, Pushkin y Dostoievski. Esta pequeña selección servirá a algunos lectores de introducción a estos autores, o les permitirá acceder a textos poco conocidos de estos maestros.Las tres preguntas, de León Tolstói, es un relato deslumbrante en su intensidad y su sencillez, una parábola que parece extraída de la Biblia, aunque podría muy bien ser un texto budista. Nos habla de cómo vivir la vida con la intensidad que merece, del verdadero valor de cada momento. Sobre Karma, cuento popular hindú versionado por Tolstói, este escribió: «He leído el cuento a los chicos y les ha gustado… Entre los mayores han surgido recurrentes conversaciones sobre las más importantes cuestiones de la vida. Creo que es una muy buena recomendación». De Chéjov, encontramos Kashtanka e Historia de una anguila. Dos muestras del humor, la sensibilidad y la agudeza crítica del autor. El protagonista de La Nariz, de Nikolái Gógol, descubre un día con gran preocupación que ha perdido su nariz, hasta que la encuentra casualmente por la calle, dotada de vida propia. Encontramos el humor disparatado y un tanto surrealista, y la capacidad satírica de Gógol, en su mejor expresión. El cuento del gallo de oro y El zar saltán, de Alexander Pushkin, tienen su origen en leyendas populares rusas, y no nos dejaránindiferentes. El cocodrilo, de Dostoievski, es un genial relato humorístico, muy divertido y lleno de ironía. La pequeña codorniz, de Turguéniev, es un cuento conmovedor sobre el amor a los animales, lleno de sensibilidad.
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Memorias del estanque
Antonio Colinas da en Memorias del estanque un nuevo salto creativo para desvelarnos los momentos que han sido esenciales en su vida: los que cooperaron, sobre todo, a su crecimiento interior, pero también a una flexible comunicación con otras culturas, a semblanzas inusuales de algunos de los escritores más notables del pasado siglo, a experiencias como las de sus años en Italia o en la isla de Ibiza, a sus lecturas y a una honda y poética visión de la realidad. No se nos ofrecen aquí unas memorias al uso, sino lo esencial de una vida, expresado por medio de una fusión de géneros que facilita la lectura y, a la vez, proporcionan al texto un fulgor y una intensidad especiales. Testimonio, en definitiva, este libro de una vida dedicada plenamente a una vocación siempre independiente y alejada de la literatura imperante.
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Miguel de Cervantes: los años de Argel
Este texto híbrido, innovador y fascinante, nos acerca a uno de los episodios más desconocidos de la vida de Miguel de Cervantes: sus cinco años en las cárceles de Argel, durante los cuales lideró cuatro intentos de fuga. El lector encontrará las explicaciones de testigos directos de aquella etapa que avalaron su comportamiento y valentía y lo hicieron merecedor del rescate. Un documento deslumbrante compuesto por veinticinco preguntas y sus respuestas, que Isabel Soler reordena y funde, intercalando las diferentes voces de las que se compone. Todo ello permite asistir en vilo a la narración biográfica de la peripecia del gran escritor, cuando todavía no lo era.
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Alpha
Un libro sensible y descarnado sobre el primer hombre de nuestra vida: nuestro padre.alpha es una exploración de las raíces de ese amor que nunca tuviste, del primer amor de nuestras vidas, y de cómo a veces nos pasamos la vida entera tratando de repetirlo (buscando un padre entre los hombres con los que nos cruzamos). alpha trata de relaciones familiares, sobre todo cuando no eres lo que esperan que seas. O no quieren, no pueden o no saben entenderte. Verte. Es un libro sobre la sensibilidad masculina, femenina, el poder de la verdad en el inicio y el final de la vida. Esencialmente, alpha es un poemario sobre una infancia violenta. De muchas formas distintas. Es una mirada retrospectiva al primer hombre de nuestras vidas: nuestro padre.
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En mi cuerpo mando yo
José Luis Ortiz Nuevo (Archidona, Málaga, 1948). Escritor y periodista especializado en el género flamenco, siendo así mismo historiador, activista y cómico en la materia. Autor de una veintena de libros sobre el particular. Entre ellos Coplas flamencas del siglo xx (2001), 77 seguiriyas de muerte (1988) y El impulso del riesgo, en torno de la obra de Enrique Morente (2023). Creador de la Bienal de Flamenco de Sevilla, 1980. Premio Nacional de investigación de la Cátedra de Flamencología de Jerez, 2023. «José Luis Ortiz Nuevo compone estas letras desde un conocimiento amplísimo de la factura de los cantes y sus estructuras de composición. Desde el octosílabo rotundo que da título a la colección, En mi cuerpo mando yo, al recorrido por los distintos estilos, pasando por el uso de gitanismos y giros característicos de la oralidad del Mediodía que convierten la gramática en milagro musical. Ordenado así, el material toma las texturas propias de cada cante, de modo que, desde una seguiriya a una alboreá, el libro realiza un recorrido experiencial y expresivo que abarca de la pena al gozo, del realismo al lirismo, de las cadenas a la libertad, de la rebelión a la apertura al amor». Del Prólogo de Carmen Camacho
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Infancia es una fruta
Poemario ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto 2024.Infancia es una fruta, el primer poemario de Edurne Batanero y ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto, nos invita a explorar las etapas de la vida a través de versos que combinan dulzura y acidez. Con una mirada íntima y crítica, la autora aborda temas como la amistad, el paso del tiempo, la familia y la vejez. A través de un lenguaje preciso y expresivo, Batanero nos sumerge en recuerdos de la infancia, el descubrimiento del mundo y la conexión entre generaciones. Un poemario que destaca por su cohesión, ritmo y capacidad para plasmar lo cotidiano con una fuerza única.
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El Monstruo / El monstre
A través de un ambicioso juego formal de planos de realidad, la obra transita por la oscuridad individual y de una comunidad y por su necesidad de construir monstruos.Una madrugada, aparentemente como tantas otras, Santi y Berta, incapaces de conciliar el sueño, se desvelan y mantienen una larga conversación. Alguna cosa les inquieta. Hace días. Semanas. Quizá mucho más tiempo. Un tiempo largo. Tiene que ver con el pasado, con quienes son hoy y con el pequeño pueblo que habitan. También con la reaparición en sus vidas de alguien que el pueblo bautizó como “el Monstruo” después de su desaparición hace casi dos décadas y de uno de los capítulos más oscuros y turbios ocurridos en ese lugar.
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Del imposible adiós
A las palabras de Calderón «la vida es sueño» se contrapone la afirmación'el sueño es vida», y de ahí surge el germen de estos poemas. Escritos como mensajes de amor a un amado desconocido y pero fruto de la mente de quien escribe, no solo le hacen cobrar vida sino que, como un astro, lo envuelven en la rotación del mundo que él mismo genera, a la vez personal y universal. Al ser objeto de deseo un ser irreal, igualmente se torna irreal quien le ha dado vida. Tan fuerte es este nexo que no hay posibilidad de separación. Clara Janés (Barcelona, 1940) es licenciada en Filosofía y Letras, Maitre és lettres, por la universidad de la Sorbona, y desde 2015, miembro de la Real Academia Española. Cultiva la poesía, la novela y el ensayo y se distingue como traductora, particularmente de la lengua checa. Ha vertido también al español, entre otros, a autores franceses, ingleses, alemanes, turcos y persas. En 1992 se le concede el Premio Tutav, de Turquía, en 1997 el Nacional de Traducción, en 2000 la Medalla del Mérito de la República checa, en 2004 la de Bellas Artes de España, en 2007 el Premio Teresa de Ávila, en 2011 el Francisco Pino de Poesía experimental. Su creación poética consta de más de cuarenta libros entre los que destacan Vivir, Kampa, Rosas de fuego, La indetenible quietud (en colaboración con Eduardo Chillida), El libro de los pájaros, Los secretos del bosque, Fractales, Río hacia la nada, Orbes del sueño, La noche de la pantera y Kráter. En prosa destacan sus novelas Los caballos del sueño y El hombre de Adén, y los libros María Zambrano. Desde la sombra llameante, La voz de Ofelia, Kamasutra para dormir a un espectro y La vida callada de Federico Mompou.
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En el jardín del poema
En estos introspectivos poemas, Juan Antonio Masoliver Ródenas se adentra en los recuerdos de su infancia en El Masnou, que se proyecta luminosa en el presente, transformada por sus versos en un espacio mítico ajeno al tiempo. El poema, suerte de idílico jardín sosegado y protegido, invita a la evocación o el reencuentro con deseos, temores, visiones antiguas o recientes, un espacio que ofrece la renovada oportunidad de asomarse a un ayer tornadizo y con vierte al poeta en peregrino incansable de un paisaje que ampara el último poema.
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Sombras de porcelana brava
En esta antología hay mucho de porcelana, en la belleza de lasdistintas poéticas, y de bravura, en el arrojo con que estas mujeresse lanzan al ruedo concurridísimo de la poesía. Porcelana bravaviene siendo un oxímoron, lo que en tiempo de pleonasmos noresulta malaopción. Mejor aún, en tiempos de aflicción para losque la poesía valiente puede ser lenitivo, cuando no ariete.Maria Quintans . Ana Luísa Amaral . Rosa Oliveira . Maria doRosário Pedreira . Maria Joao Cantinho .Ana Marques Gastao .Ana Paula Inácio . Renata Correia Botelho . Rita TabordaDuarte . Ines Fonseca Santos. Filipa Leal . Claudia R. Sampaio .Catarina Nunes deAlmeida . Andreia C. Faria . Beatriz HierroLopes ò Tatiana Faia ò Sara F. Costa.
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Veinte poemas de amor y una canción dese
Publicado por primera vez en 1924, Veinte poemas de amor y una canción desesperada es quizá el libro de Neruda que ha obtenido una más vasta popularidad y a la vez significó la plena consolidación del prestigio literario de su autor en el área hispánica.Obra de gran envergadura literaria, el remanente de la herencia modernista fue aliado en ella por Neruda de modo admirable a los hallazgos expresivos de la nueva vanguardia en una serie de piezas de conmovida intensidad lírica, cuyo acento de plenitud vital, exaltación genésica y erotismo panteísta cede el paso, en la hora de los duelos y las separaciones, a un tono demelancolía que le hermana a la herencia romántica. Intocables en su definitiva rotundidad de pieza maestra, estos Veinte poemas de amor y una canción desesperada constituyen sin duda una de las mayores cimas de la poesía amorosa en lengua castellana.
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Pessoa y España
La imagen que tenemos hoy día de Fernando Pessoa se parece poco o nada a la que tuvieron los escritores de su momento. Si en la actualidad Pessoa es el máximo exponente de la literatura portuguesa en España (y el mundo), no podemos decir que la situación fuese la misma en la primera mitad del siglo XX, cuando era entre nosotros una sombra que sólo conocían unos cuantos iniciados. Sin embargo, la vida de Pessoa estuvo salpicada de encuentros y desencuentros con España y sus escritores. Trazó algunas relaciones con sus “camaradas” vanguardistas (Adriano del Valle, Rogelio Buendía, Isaac del Vando-Villar, Iván de Nogales) y su archivo revela numerosos testimonios de interés por España, en el contexto de su pensamiento sobre Iberia, y por algunos de sus autores, con Miguel de Unamuno a la cabeza. Ochenta años después de la muerte del portugués, ha llegado el momento de descifrar quién fue Fernando Pessoa entre los escritores españoles de su época y qué significado tuvo España y su cultura en la obra del autor del Libro del desasosiego. Antonio Sáez Delgado es profesor de literatura en la Universidad de Évora y miembro del Centro de Estudos Comparatistas (FLUL). Investigador, traductor y crítico, es especialista en las relaciones literarias entre Portugal y España a principios del siglo XX, tema al que ha dedicado libros como Órficos y Ultraístas (2000), Adriano del Valle y Fernando Pessoa (apuntes de una amistad) (2002), Espíritus contemporáneos (2008) o Nuevos espíritus contemporáneos (2012). Ha traducido al español obras de Fernando Pessoa, António Lobo Antunes, Fialho de Almeida, Teixeira de Pascoaes, Almeida Faria, Manuel António Pina y otros muchos autores portugueses modernos y contemporáneos. Comisario de las exposiciones Suroeste. Relaciones literarias y artísticas entre Portugal y España (1890-1936) (MEIAC, 2010) y Fernando Pessoa en España (Biblioteca Nacional de Portugal, 2013, Biblioteca Nacional de España, 2014), es colaborador habitual de Babelia y dirige Suroeste. Revista de Literaturas Ibéricas.
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Veinte poemas de amor y una canción desesperada
Pocos libros, y menos aún tratándose de poesía, han alcanzado la difusión de Veinte poemas de amor y una canción desesperada. Expresión de sentimientos universales y siempre vivos, de una diversidad de manifestaciones amorosas, esta obra de Pablo Neruda, pese a haberse convertido con el paso del tiempo en una obra clásica, conserva intacta, como afirma certeramente Jorge Edwards en el prólogo que la antecede, «su magia secreta, contagiosa y peligrosa».
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Antología poética
Si existe un poeta del siglo XX en el que vida y obra se hermanan sin impostura, éste es Miguel Hernández. Su afición a la lectura, su gusto por los clásicos y la poesía transformaron su contacto con la naturaleza en una fuente inagotable de inspiración, que alimentó sus versos. La evolución de su obra se divide en cuatro etapas: tras sus primeras composiciones gongorianas y puristas (Perito en lunas), avanza hacia la poesía impura de Neruda y los poetas del 27, para dar expresión al amor y a la crisis vital que lo acompaña (El rayo que no cesa). A comienzos de la guerra civil, su esperanza en la lucha desplaza su poesía hacia el lenguaje llano de la canción popular y la lírica tradicional (Viento del pueblo y El hombre acecha). Pero sus anhelos fracasan y el cansancio asoma en versos que alcanzan su expresión más madura e íntima, espantado por el espectáculo bélico, herido por la muerte de su hijo y la forzada lejanía de la amada (Cancionero y romancero de ausencias). El poeta y novelista José Luis Ferris ha preparado esta antología, de la que afirma: «Pocas obras presentan una coherencia tan sólida, tan rica de pasión y de talento, tan unida a un origen y a un destino.»
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