Encara no hi ha cap producte a la teva cistella
Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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En Seré la Tierra Ana Aupi escribre sobre Guatemala desde Barcelona. Desde los versos que podréis leer, Aupi encuentra un lugar para enunciarse. Fragmentos de una época anterior, de una lucha por dejar un mejor presente para quienes vienen después. Una poesía escrita en la distancia, pero no desde el sofá. La autora nos habla desde sus vivencias y experiencias ''hablo desde escuchar la bala en mi oído, desde sentir el golpe en la espalda, desde el sabor a muerte en mi boca, desde la boca abierta de mi amigo''. Escribe para no olvidar. Seré la Tierra es el deseo de querer abrazar fue arrancado y pudo ser llorado. Una afirmación sólida de ser la marginalidad de la izquierda, la disidencia en la disidencia, como pronunciamiento, y como enunciación. Es resistir al olvido y velar lxs muertxs. Seré la tierra es el ir asumiendo lo menudo e inmenso, que es nuestro paso por acá.
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Arvis Viguls (Letonia, 1987) nos sorprende con un libro donde las emociones y la poesía aparecen en los actos más cotidianos, en las situaciones que todos hemos vivido y podemos identificar como propias.
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La poesía de Hölderlin, cuya etapa tardía algunos tildaron de evidente muestra de perturbación mental, hoy se considera uno de los casos más singulares de genialidad poética y filosófica. Enigmáticos, a veces incompletos o incluso incongruentes, sus poemas son al mismo tiempo un deslumbrante testimonio de un moderno e infinito‘work in progress’, de un eterno palimpsesto de un único‘poema’de tono profético que trata de expresar la tragedia de la humanidad que ha perdido la comunicación con la belleza y lo divino. Este volumen reúne lo esencial de Hölderlin siguiendo dos principios: representar todos los temas relevantes de la poética de Hölderlin y componer una edición de lectura que, mediante el comentario a cada poema, haga accesible en lengua española la voz alemana más original y afín a la sensibilidad contemporánea.
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La voz de Derek Walcott representa como ninguna otra el sincretismo de los pueblos del Caribe. En Walcott la lengua inglesa se vuelve estrepitosamente mágica al mantener la gran tradición clásica incorporando el espectáculo de la vida en el Caribe. Es posible que desde García Lorca no haya existido un poeta como Derek Walcott.
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Este mundo de fuerza y violencia no es, no puede ser un mundo añorado o ensalzado en los versos de Julio Martínez Mesanza, que pasan por belicistas. Si nos detenemos un poco ante ellos, veremos, junto al desprecio de la especulación racionalista (que es, sobre todo, el desprecio por la soberbia humana, sus utopías, su orgullo y sus torres), veremos, digo, la terrible verdad de que esa ley de la fuerza y la materia no es la del vitalista que invoca la acción o la de un quijote caballeresco: esa ley preside estos versos no porque sea la suya, la de ellos, sino porque es la nuestra. Nuestro mundo tiene, de nuevo, la idea de la historia que corresponde a la muerte irremisible del individuo personal y al progreso de la especie: en suma, al triunfo de la materia. Y ese mundo de guerra al alma, en el que el alma se debate por obedecer sin que la maten -por ello- los desobedientes, ese mundo es el nuestro, el de hoy, nuestro dialogante y relativo mundo, con su cultura y todo. E. A. R.
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W es la letra con la que Javier Pérez Walias concilia su álbum familiar, enfrenta distintas formas del dolor humano y pretende saldar algunas cuentas con los ausentes. Para lo cual, urde un discurso descarnado que va desde la elegía a la crónica, desde lo íntimo a la mesurada celebración de lo vívido. Acerado todo por un vertiginoso ritmo y una imaginería que desemboca en hallazgos deslumbrantes: «Gime la rabia en mis ojos porque otrora gimió como un cordero en los ojos de mi madre+. El pasado y el presente, la memoria y los recuerdos, el olvido y la vida se entrecruzan creando mundos que trascienden para volver a otorgar presencia a lo que ya no está. Julio Cesar Galán
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LUIS BAGUÉ QUÍLEZ (Palafrugell, 1978) trabaja como investigador “Ramón y Cajal” en la Universidad de Murcia. Sus últimos libros de poemas son Página en construcción (2011, Premio “Unicaja”) y Paseo de la identidad (2014, Premio “Emilio Alarcos”). Recientemente ha publicado el ensayo La Menina ante el espejo (2016) y el libro de relatos 5 capitales (2017, Premio “Cortes de Cádiz”). Clima mediterráneo ha obtenido el Premio “Tiflos” por unanimidad. “El Mare Nóstrum, que fue cuna de sueños de la vieja Europa cuando no era vieja, hoy es fosa común donde naufragan las pesadillas de la Europa de dos velocidades. De la cuna a la sepultura, Clima mediterráneo convoca los mitos clásicos confundidos con —o degradados en— pecios de la cacharrería posmoderna: la figura de don Quijote, el toro de Osborne, el retrato cortesano, la dieta mediterránea. Son, todos ellos, emblemas que alumbran la identidad colectiva y también acotan la identidad privada, en un tiempo en que las relaciones humanas se retransmiten por streaming en las redes sociales. Irónicos y fragmentarios, comprimidos en lápidas aforísticas o desvanecidos en volutas de escepticismo expansivo, estos versos constituyen un caleidoscopio cultural cuyas estampas salen a un mundo que ha suplantado la verdad por la interpretación para no caer postrado ante lo insoportable”. ÁNGEL L. PRIETO DE PAUA
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El Cantar de los Cantares fue incorporado a la Biblia como el más bello poema de amor vivido por el rey Salomón y la hija del Faraón. A mediados del siglo XVI fray Luis de León tradujo el original hebreo, palabra a palabra, atendiendo solo a la «corteza de la letra», convencido de que cuanto más penetramos en la experiencia humana del amor, mejor comprendemos el sentido alegórico espiritual que se oculta en los versos. Es lo que fray Luis explica en la Exposición, en un castellano considerado el más hermoso de la literatura espiritual del Siglo de Oro. Censurado y prohibido por la Inquisición, no fue publicado hasta 1798. Aquí se cuenta la apasionada historia y se desentraña la belleza de lo que Jorge Guillén calificó como «adorable, prodigioso cántico».
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Veinte poemas de amor y una canción desesperada es uno de los poemarios en lengua española más leídos de todos los tiempos. El poeta chileno Pablo Neruda (pseudónimo de Neftalí Reyes Basoalto) lo publicó en 1924 con tan solo 19 años, y con él ingresó en la cumbre de la literatura universal, lo que se confirmaría más tarde con la obtención del Premio Nobel. Muy influido por el modernismo, este clásico conserva intacta su magia secreta, contagiosa y peligrosa.
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Sin fronteras cuestiona políticas culturales que definen la identidad en términos estrictos y, por lo tanto, acortan horizontes. La antología reúne a trece poetas que comparten un lugar de nacimiento -Galicia- y una lengua literaria, el español, y cuya identidad poética no se puede definir por un solo factor, ya sea el lugar de nacimiento, la lengua en la que escriben, el estilo o la ideología. Al fin y al cabo, la calidad literaria no emana de ninguna de esas características. La antología aboga por dejar de lado categorías reductoras -políticas y literarias- y cruza las fronteras más comunes que se imponen sobre la poesía. No está organizada por generaciones o tendencias, y la idea de traspasar fronteras -en todas sus encarnaciones- es una imagen recurrente en los poetas seleccionados. La muestra incluye nombres esenciales de la poesía contemporánea, como Blanca Andreu, Miguel d'Ors o César Antonio Molina, poetas que merecen ser más conocidos, como Oroza, y un manojo de voces jóvenes. Por el criterio del que parte, la antología capta un mundo cultural que no se percibe con claridad por las restricciones que se imponen sobre él. Ana Eire nació y creció en Orense. Es doctora en Literatura Hispánica por la Universidad de Vanderbilt y catedrática de la Universidad Stetson de Florida. Sus ensayos sobre poesía española contemporánea han aparecido en diversas revistas académicas. En Renacimiento ya publicó Conversaciones con poetas españoles contemporáneos (2005) y la antología de la poesía de Miguel d'Ors, El misterio de la felicidad (2009). Los poetas antologados son: Carlos Oroza, María Elvira Lacaci, Arcadio López-Casanova, Miguel d'Ors, César Antonio Molina, José Cereijo, Blanca Andreu, Beatriz Hernanz, Luisa Castro, Agustín Fernández Mallo, Pablo Fidalgo, David Fernández Rivera, Raquel Vázquez
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Joan Salvat-Papasseit (1894-1924) es uno de los más importantes poetas de la literatura catalana. De extracción humilde y formación mayoritariamente autodidacta, comienza su aprendizaje literario y vital en la Barcelona irrepetible de principios de siglo, una ciudad creativa, emprendedora y luminosa donde tanto la burguesía como el proletariado, aun siendo clases enfrentadas, contribuían a la modernización de su entorno social. Autor revolucionario en lo ideológico y en lo poético y lector privilegiado de, entre otros, Apollinaire, Cocteau, Tzara y Marinetti, pero también de Whitman y de Poe, dejó para la posteridad una obra insólita, arriesgada y llena de matices, en la que lo sencillo se hace excepcional.
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Amb Memòria de la mar l'autor regressa a la fèrtil memòria de la cultura grecoromana, l'humus del seu quefer rutinari que ja s'inicià amb el poemari La mar i els blaus (2013) amb la presència dels herois i les deesses de la mitologia mediterrània, aleshores assumida en la vida quotidiana del poeta. Amb el present recull ens trobem amb un petit grup de poemes quotidians i un munt d'escrits en projecció esdevenidora i articulats des de la memòria de futur del poeta adolescent, aquí el jo poemàtic serà coprotagonista amb els personatges de la cultura grega, viurà i conviurà amb ells, navegant al vaixell dels argonautes, contemplarà el comiat d'Hèctor i d'Andròmaca, o assistirà als esdeveniments dramàtics d'Antígona i del mateix Sòcrates o el fracàs dels herois de l'Anàbasi...
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«Auden és el primer poeta de llengua anglesa que es va sentir com a casa al segle XX», com bé va dir el seu marmessor, Edward Mendelson, en el pròleg dels Selected Poems: «Va acollir en la seva poesia totes les circumstàncies convulses del seu temps, tota la varietat de llenguatges i esdeveniments». Mentre els seus predecessors, cadascun a la seva manera, apel·laven nostàlgicament a una forma o altra de paradís perdut i de grand style, Auden es va deixar absorbir per les agitacions polítiques, socials, morals, psicològiques i religioses de la seva època i va anar-les reflectint des de diversos punts de vista a mesura que passava el temps fins a configurar una autèntica visió del món, cosa a l'abast de molt pocs poetes. En aquest sentit, poques obres poètiques deuen haver estat tan representatives d'un segle com la d'Auden, que n'encarna els principals nòduls de tensions i contradiccions que el travessen de cap a cap. Però no ens enganyem: la història és històrica, i la poesia aspira justament a no ser-ho. La força i l'originalitat de l'obra poètica d'Auden es troben en la seva simultània capacitat d'absorció, meditació i regurgitació de la història -pública i privada- que li va tocar de viure, de la qual no sols no es va desempallegar, sinó que la va voler entendre, reflectir i en certa manera transcendir o resoldre, encara que només fos en un pla espiritual o estètic. Del pròleg d'Àlex Susanna Nascut a York el 1907, Wystan Hugh Auden és considerat per molts el poeta anglès més important del segle XX. Es graduà a Oxford, on es va fer amic de Cecil Day-Lewis, Stephen Spender i Louis MacNeice. Fou també crític, autor de teatre, assagista, traductor i professor, tant a Anglaterra com als Estats Units, on residí molts anys. Dotat d'un extraordinari intel·lecte i un agut esperit, va exercir una enorme influència sobre la poesia del seu temps. L'any 1948 guanyà el premi Pulitzer amb The Age of Anxiety. A la seva poesia es troba la preocupació pels reptes morals i s'hi mostra la influència d'un context ple de qüestions polítiques, religioses, socials i psicològiques. Se l'ha considerat un antiromàntic per la seva claredat analítica, però és a la vegada versàtil, inventiu, prolífic i capaç de conrear tant les formes clàssiques com d'inventar-ne de noves. Entre els seus llibres destaquen Another Time, For the Time Being, The Sea and the Mirror i Nones. Va morir a Viena el 1973.
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La tragedia romántica más señalada de la literatura en inglés.Escrita originalmente en 1892, esta obra de William Butler Yeats retoma una vieja leyenda franco-inglesa -que a su vez remite a la del sacrifico de Alcestis de la mitología griega- para abordar, con tintes propios de la cultura popular irlandesa, la cuestión de la adversidad y la redención.
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El cielo de abajo ofrece un mapa alternativo de la poesía femenina hispanoamericana en el empeño de repensar la noción de cuerpo-objeto que le ha sido tradicionalmente asignada, situando la fisicidad como un lugar determinante para la producción de sentido. María Alcantarilla recorre un itinerario singularísimo compuesto por trece autoras que, en su práctica totalidad, habían permanecido hasta ahora en una suerte de limbo con respecto al canon establecido, y cuya fortuna editorial dificultaba sensiblemente el acceso general a sus obras. Tal es el caso de la venezolana Hanni Ossott, la uruguaya Tatiana Oroño, la boliviana Blanca Wiethüchter, la panameña Diana Morán, la ecuatoriana Ileana Espinel o la mexicana Esther Seligson, entre otras, cuyas voces, desde la individualidad estética y expresiva que las caracteriza, se enhebran a lo largo de estas páginas a través de un mismo hilo de urdimbre que contrapone el discurso lógico de la razón al canto orgánico de la intuición poética. La selección, complementada por las fotografías de la antóloga, pretende así recuperar el papel de las mujeres como legítimas interlocutoras poéticas y sobreponerse a esa misoginia ancestral que durante siglos ha silenciado su imaginario, restaurando el espejo poliédrico de la poesía hispanoamericana contemporánea escrita desde y a través del cuerpo.
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La poesía toda de Jaime Ferrán es un recorrido, un vademécum de vida. Un paseo por el mundo que ilumina y el tiempo que da sombra, al calor del deseo amistoso o amoroso y de la cultura, que nunca es un adorno, sino la raíz honda y más humana del hombre, que nos muestra partes y sujetos de la Historia. Dada su trayectoria vital, plena de viajes físicos y en la mente de ideas y palabras, no puede sorprender que Ferrán falleciera en Georgia, EEUU, en 2016. El olvido se había ido haciendo ya con él, inmerecidamente. Fue un hombre ávido de cultura y vida, como demostraría su antología de poesía colombiana nueva -años 60- Generación sin nombre, editada en 1970. Un hombre que buscaba en los libros y en el sentimiento y un poeta, un genuino poeta, que se sitúa en muchos poemas en la vanguardia lírica de su tiempo. Alguien dijo que un hombre no debe ser juzgado por todo lo que ha hecho, sino por lo mejor que ha hecho. Y así, no hay duda, Jaime Ferrán, noble y buen poeta, está salvado. Un alto poeta del 50. (Del prólogo de Luis Antonio de Villena)
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En el imaginario popular, Mariana Pineda fue condenada y ejecutada en el garrote vil durante la década ominosa por bordar una bandera como símbolo del alzamiento.En la ''narración de su vida, de la causa criminal en la que fue condenada al último suplicio y descripción de su ajusticiamiento'', escrita por el padre de la tercera hija de la granadina, en la que fue su primera biografía, se desmontan los argumentos de la acusación, pues ella, entre otras muchas cosas, no sabía bordar y no pudo por tanto coser la bandera como símbolo frente al absolutismo del rey. ¿Cómo fue tendida la trampa, quiénes participaron en la misma y bajo qué amenazas? ¿Qué procedimientos utilizó Ramón Pedrosa, el alcalde del crimen, para anular la defensa de Mariana? ¿Qué sucedió con el cadáver de la ajusticiada?
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Hereticum es una creación alternativa donde la simbología del bien y del mal se confunde entre plegarias, mitos y ecos de un lenguaje que se hace cuerpo. Estos versos hilvanan la esencia creadora del lenguaje, la violencia social, la desigualdad de género y el desastre ecológico, no sin dar una puntada de humor que invita al lector a convertirse en el sacerdote de una diosa olvidada.
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Cuando encuentras tu lugar en el mundo sabes que va a ser muy difícil marcharte de él. Al fin y al Cabo es un viaje interno por las luces y las sombras que habitan dentro de nosotros en algún momento de nuestra vida. Es el lugar al que vas cuando quieres sentirte en casa después de una dura mudanza. Este poemario de verso libre habla de lo mucho que duelen las rupturas temporales y de esa sensación de plenitud que te acompaña cuando encuentras tu hogar.
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Paul Valéry (Sète, 1871 - París, 1945) es el prototipo de la llamada «poesía pura» y uno de los poetas más influyentes y considerados del siglo XX. Su obra está basada en el escepticismo y la tolerancia, despreciando las ideas irracionales y dudando de la inspiración poética, exaltando el trabajo, la conciencia y la razón como las bases de la creación poética.«Su espíritu, sin abandonar su rigor, supo conservar todo su valor poético e introducir, incluso, en su obra creadora ese rigor que en general puede considerarse como antagónico al arte y que, al contrario, transforma el arte de Valéry en un milagro de perfección». André Gide.
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En la fosa común de Pernafeites, en Miravet (Tarragona), yacen un centenar de soldados republicanos. Sobre sus cadáveres brotaron débiles los cerezos, como si —pese a todo— la vida y la belleza quisieran pasar página, pero el payés que trabajaba la tierra decidió, con su gesto —los versos nos lo cuentan—, que ganase la memoria. Esta voluntad la comparte Mario Obrero, una de las voces más rotundas de la nueva poesía española, escribiendo que «los ojos desnudos quieren plantar cerezas sobre la muerte». Cerezas sobre la muerte recoge un poema de memoria histórica y un poema de lenguas—euskera, asturianu, castellano, català y galego—, construido desde las imágenes que se escriben y desde las imágenes —acuarelas y collages— que se pintan. Lo decíamos: muerte y vida, belleza y reparación, versos para el futuro sobre el compromiso del lenguaje y las posibilidades de la poesía para mirar —y pensar— la realidad y el origen.
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OBERTURA Como en el cuerpo de Caín, tus marcas de nacimiento prueban que existe un orden para nosotros escrito en la legislación, o incluso en los cielos. Por el lunar en la mejilla sabemos que no tendrás hijos ni serás dichoso. Quizá sea esa la razón por la que nos encontramos. Por esta mancha que se extiende en tu hombro izquierdo naciste para que yo te pusiera protección solar bajos los árboles de la piscina. CARLOS CATENA CÓZAR (1995) nació en Torres de Albanchez y pasó la adolescencia en Jaén. Estudió Traducción e Interpretación en la Universidad de Granada, oficio con el que se gana la vida. Su primer libro de poemas, Los días hábiles (Hiperión, 2019), mereció el Premio Hiperión de Poesía y tuvo una gran acogida entre el público lector y la crítica. Sus poemas han aparecido publicados en numerosas revistas y antologías, y se han traducido al inglés, polaco, rumano, árabe e italiano. Entre 2020 y 2022 fue beneficiario de una beca de creación literaria en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Estar con otro es su segundo poemario.
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Síria sense flors és un doble viatge al cor de la bellesa i de la barbàrie. És una travessia en què la viatgera, igual que Ulisses, cerca la seva Ítaca particular fent del temps un sol temps, el de l'horror i el de la subtilesa, el de l'amor i el mai més, entrellaçant-se en uns poemes amb tota la força lírica i reivindicativa de la poesia en majúscules escrita sense concessions. Amb aquest poemari Àlvarez Roig ha escrit un llibre definitiu, fundacional i redemptor d'una realitat tan propera com ignorada pels ulls d'Occident, que prefereix obviar l'existència de tots els pobles desheretats de la terra. L'obra fa de pont entre cultures, entre passat i futur i entre el jo i l'altre. Síria sense flors fa reviure els morts, sacseja els vius i suposa una nova fita dins d'una trajectòria poètica coherent, sòlida i madura.
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Ismael J. Sempere ha guanyat el Premi València de poesia amb un poemari àgil i molt proper a la tradició oral que explora la relació de la poesia amb la memòria, la natura i el temps.
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Se llama Ternura y está cansada de definir las esquinas de su consentimiento. Lo sabemos por las cartas sin destinatario que escribe desde la soledad de su cama, y que ha decidido recitar en voz alta, ante un auditorio que unas veces la insulta y otras la abraza. Cercada, cada vez más oprimida, Ternura se pregunta por la importancia de la cura a través de la palabra, y por la erótica de quien -aun sabiéndose derrotada- opta por el camino de la reparación. ¿Nos hace libres narrar el dolor propio? ¿Es lícito sentir deseo ante la humillación? Ternura y derrota es el primer acercamiento a la dramaturgia de Luna Miguel, estrenado a finales de 2021 dentro de la programación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, e interpretado por ella. Escrito como una respuesta al dibujo de la feminidad en la Numancia de Miguel de Cervantes, aunque valiéndose de las enseñanzas amorosas y bélicas de Sarah Kane, Pier Paolo Pasolini o Simone Weil, este monólogo puede leerse como una ficción egoísta sobre el poder, como una epístola florida al deseo, como un ensayito atormentado o como un largo poema -así lo comprendemos, así lo recibimos- en la búsqueda incesante del amor.
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Demasiado tiempo se le ha negado al lector la poesía de Julio Fuertes (Valencia, 1989), novelista, músico y traductor. Este volumen reúne una serie de seis poemas escritos entre 2006 y 2011: «Hacerse una foto en el espejo del baño», que da título al conjunto, «Un día te vi tan guapa y pensé en decirte algo», «Skinhead», «Burladero en sepia», «Extendida una sábana Almería» y «Bonus track for Europe (copla)». Todos juntos retratan la emoción de una etapa de juventud, enérgica y maximalista, puntuada por la devoción y la muerte, entreveradas mediante una voz espontánea que sitúa a Julio Fuertes en la lista de los poetas singulares. Sus momentos de elegía tocan, con los nudillos de la mano izquierda, a la puerta recia del Lorca del «Llanto por Ignacio Sánchez Mejías» o el Diego Jesús Jiménez de «Noche de Navidad», mientras los momentos de rabia llaman, con la mano derecha, a un presente en continua negociación.
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Coincidiendo con el 120 aniversario de la publicación de ''Drácula'' y con los 170 años del nacimiento de su autor, Es Pop publica la primera biografía de Bram Stoker disponible en castellano. Aunque destinado a ser recordado por su legendario conde transilvano, Stoker fue un prolífico escritor, periodista y crítico teatral, pupilo de Lady Jane Wilde y rival romántico de su hijo Oscar, mano derecha del actor más importante del siglo XIX, Henry Irving, y agente y amigo íntimo del novelista más popular de su época, Hall Caine. En este incisivo retrato psicológico y cultural, David j. Skal nos descubre toda una vida dedicada a abordar las grandes cuestiones de su tiempo: una era marcada por las enfermedades, actitudes enfrentadas hacia el sexo y el papel de los géneros, innovaciones científicas sin precedentes, temores atávicos y revoluciones filosóficas. La pugna literaria de Stoker con estas y otras cuestiones quedó destilada en un moderno cuento de hadas que 120 años más tarde continúa aterrando y fascinando por igual.
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La cuerda, de Ana Vega, es un poderoso poemario que explora la dualidad del bien y el mal, ofreciendo un homenaje a las víctimas de la violencia y un rayo de esperanza.Este poemario es un homenaje a las víctimas de abusos, violencia y opresión, y una voz potente que rompe el silencio de aquellos que han sufrido en la oscuridad. A través de versos intensos Ana Vega no solo denuncia la injusticia y el dolor, sino que también ofrece un rayo de esperanza y la posibilidad de sanación.Este libro no es solo una colección de poemas, sino un manifiesto de resistencia y un llamado a la empatía y la acción. Cada página es un testimonio de la capacidad del ser humano para sobrevivir, sanar y transformar el trauma en un motor de cambio.La cuerda, es esencial para quienes buscan comprender y combatir las sombras de la sociedad, ofreciendo una guía para aquellos que desean encontrar luz en la oscuridad.
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Un poemario conmovedor que nace de una sentida pérdida.«Hay en la literatura de Isabel Bono mucho veneno, veneno del bueno.» Fernando Aramburu «Escribe con una valentía que es inusual.» Iñaki Ezkerra, El Correo Este libro nació de la firme intención de escribir esos poemas que el poeta Antonio Muñoz Quintana, amigo íntimo de la autora, se había dejado en el tintero antes de su prematura muerte, el 24 de octubre de 2014. Al principio, Isabel Bono solo consiguió escribir uno, el que da título al libro, y necesitó algún tiempo más para dar forma a los demás, que llegaron a través del hallazgo y la intuición. No estamos ante un libro triste -tampoco celebratorio-: Bono nos entrega unos versos escritos desde la serenidad, desde esa humildad que nos permite admitir con sosiego que somos mortales, desde ese devenir de los días vacíos. Nacer es una oportunidad, morir un deber. Hay que dejar espacio a otros por mucho que nos duela. A veces el dolor acompaña, dice Bono. Y se diría que en esta vida apresurada nadie nos ha enseñado a poner el freno a tiempo. No hay prisa para vivir, no hay prisa para morir, no hay prisa para publicar. Desde 2014, estos poemas han estado reposando, esperando su momento. Y ahora parece que diez años ya son suficientes.
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El continuo ser y no ser ese cuerpo, ver cómo se convierte poco a poco en otra persona, la alegría, la sorpresa y también la sensación de vacío de ese nuevo nacimiento, Giovanna Cristina Vivinetto nos las cuentacon el ritmo vertiginoso y encantador de su dolientelengua poética. La madre hija que nace de un padre sublimado y borrado, que recorre las etapas de esta transformación dolorosa y heroica, no tiene arrepentimientos ni miedos, pero tiene la urgencia de contar lo que ha ocurrido. No para encontrar justificaciones, sino para entregarnos a esta hija inesperada en toda sulegitimidad. (Dacia Maraini)
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En esta cuidada selección se recogen los relatos capitales de una de las autoras más relevantes del panorama literario chino contemporáneo, cuyo nombre se menciona siempre en relación a genios como Kafka o Borges, y como una de las candidatas favoritas al Premio Nobel de Literatura. Can Xue invita a entrar a los lectores en un paisaje envolvente, profundamente orgánico y lleno de secretos, en el que lo físico y lo espiritual se mezclan. Un lugar que sondea el espacio entre la memoria y el silencio, que nos es familiar y a la vez un terreno fértil para la imaginación, con elementos deliciosamente excéntricos y surrealistas. En sus relatos hombres y mujeres viven al límite de la paranoia, por sus cielos sobrevuelan pájaros de nieve y toman la palabra el viento y los sauces, urracas y azaleas, hombres sombra y bichos del subsuelo, entes naturales que arrojan luz sobre las fuerzas que dan forma a lo que conocemos como realidad.
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Poemario del autor Ítalo SciaraffiaPodría leerse en Corazón caníbal de Ítalo Sciaraffia un retorno al camino de los románticos para reivindicar, desde el presente, la emotividad sincera y palpitante como fundamento poético. ¿Cómo se hace de ello una vía de entrada a nuestro tiempo? ¿Por qué poesía amorosa hoy, aquí? ¿Por qué este antiguo vínculo, lejos de disolverse, prolifera y sigue proliferando en la poesía y en la música? Un poeta es el que contesta a su presente -y a los horrores de su presente- con la marca de la ternura y del amor. Necesitamos ese dolor y su verdad. Nos anuncia la apertura del poemario: ''La poesía es un corazón caníbal, porque es un corazón que come corazones''. Dice Roland Barthes en Fragmentos de un discurso amoroso que en nuestro tiempo -su tiempo- la verdadera obscenidad no es la exposición descarnada de lo sexual o genital, a la que ya estamos habituados, sino la declaración abierta del sentimiento amoroso: ahí radica el goce secreto, ruborizante y lingüísticamente complicado. El verbo, para no amar, se enreda, tropieza, se vuelve cínico y se parodia a sí mismo: no vayas a decirlo en serio. Tan difícil es hablar de amor. La posibilidad que queda es -y reordeno lo anterior- la complicación gozosa de un lenguaje secreto. Este poemario se convierte entonces en una atrevida aventura: la de nombrar el amor. Dice Zurita: ''Todo amor es urgente porque nos vamos a morir'' ¿Para qué poesía amorosa entonces? Responde en este libro Ítalo Sciaraffia: para comer(nos) los corazones, que es lo que más queremos, lo que más necesitamos.RODRIGO GONZÁLEZ
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Els homes i madones de Paratge de Llleida lliuren aquest llibre a tots els amants de la poesia, esperant que en el pròxim, edició 2025, hi constin com poetes amb els seus versos.
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En el 30.º aniversario de su muerte, llega a la colección de Cuentos completos Julio Ramón Ribeyro, uno de los maestros del siglo XX en español, en una edición con prólogo de Juan Gabriel Vásquez «No haynada más cinematográfico que el retrato humano y en eso los cuentos de Ribeyro son únicos».Fernando León de Aranoa Compuesta a lo largo de más de cuatro décadas, la narrativa breve de Julio Ramón Ribeyro, a la que el propio autor tituló La palabra del mudo, despliega una variedad de registros que abarcan el ámbito de lo fantástico, lo social, lo filosófico, así como la memoria introspectiva que evoca su juventud europea y su infancia en el Miraflores de su Lima natal. Aunque muchos de sus personajes son víctimas de la desilusión o el fracaso, una de las marcas de su imaginario, lo cierto es que sus cuentos trascienden el tópico de la derrota y recrean el complejo caudal de la experiencia humana. Este volumen reúne la mayor parte de su producción cuentística. Noventa y cinco relatos que revelan a un artista dotado para realzar el minúsculo resplandor de unas vidas confinadas a la imposibilidad. Fiel a la poética del fragmento y la periferia, que lo mantuvo al margen del Boom, el autor peruano supo narrar con compasiva ironía el destino de los seres tocados por la frustración, la decadencia y el misterio, y extraer de ese material sensible una forma de inigualable belleza. Con los años, la obra de Julio Ramón Ribeyro no ha hecho sino crecer en lectores y admiración. Estas páginas confirman el lugar privilegiado que ocupa su nombre entre los maestros de la prosa breve de todos los tiempos.La crítica ha dicho:«Sus noventa y cinco cuentos conforman una de las empresas más valiosas de la literatura latinoamericana. Todos merecen nuestra atención y nuestra entrega, y las retribuyen con creces».Juan Gabriel Vásquez «Un magnífico cuentista, uno de los mejores de América Latina y, probablemente, de la lengua española».Mario Vargas Llosa«Ribeyro es uno de los grandes del siglo XX».Juan José Millás «Uno de los mejores escritores de Perú».Página 12 «Ribeyro, tímido y genial al mismo tiempo».Enrique Vila-Matas «El escritor de los mudos, de los marginados, de la pequeña grandeza cotidiana: un escritor poliédrico, contradictorio y misterioso, de voz templada y susurrante».Sara Mesa «Un narrador excepcional que, a lo largo de cuatro décadas, se ha entregado a la literatura sin aspavientos, alejado de modas y todo tipo de experimentalismo».Alfredo Bryce Echenique «Hay el mito de queRibeyro era un escritor de culto, pero en Lima todo el mundo le había leído, era nuestro Stephen King».Santiago Roncagliolo
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A las palabras de Calderón «la vida es sueño» se contrapone la afirmación'el sueño es vida», y de ahí surge el germen de estos poemas. Escritos como mensajes de amor a un amado desconocido y pero fruto de la mente de quien escribe, no solo le hacen cobrar vida sino que, como un astro, lo envuelven en la rotación del mundo que él mismo genera, a la vez personal y universal. Al ser objeto de deseo un ser irreal, igualmente se torna irreal quien le ha dado vida. Tan fuerte es este nexo que no hay posibilidad de separación. Clara Janés (Barcelona, 1940) es licenciada en Filosofía y Letras, Maitre és lettres, por la universidad de la Sorbona, y desde 2015, miembro de la Real Academia Española. Cultiva la poesía, la novela y el ensayo y se distingue como traductora, particularmente de la lengua checa. Ha vertido también al español, entre otros, a autores franceses, ingleses, alemanes, turcos y persas. En 1992 se le concede el Premio Tutav, de Turquía, en 1997 el Nacional de Traducción, en 2000 la Medalla del Mérito de la República checa, en 2004 la de Bellas Artes de España, en 2007 el Premio Teresa de Ávila, en 2011 el Francisco Pino de Poesía experimental. Su creación poética consta de más de cuarenta libros entre los que destacan Vivir, Kampa, Rosas de fuego, La indetenible quietud (en colaboración con Eduardo Chillida), El libro de los pájaros, Los secretos del bosque, Fractales, Río hacia la nada, Orbes del sueño, La noche de la pantera y Kráter. En prosa destacan sus novelas Los caballos del sueño y El hombre de Adén, y los libros María Zambrano. Desde la sombra llameante, La voz de Ofelia, Kamasutra para dormir a un espectro y La vida callada de Federico Mompou.
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«Nadie muere tan pobre que no deje algo tras de sí», dice Pascal. Benjamin comenta: «Lo que vale también para los recuerdos ‒, aunque estos no siempre encuentren un heredero». Cualquiera puede preguntarse alguna vez: ¿encontrarán mis cosas y mis recuerdos un heredero? Para Héctor y Berna, al final de sus vidas, esa es una pregunta urgente y esencial. ¿Qué va a ser de su colección, a la que lo han sacrificado todo y que conciben como un grito contra este tiempo, como un arca que, en un diluvio de ruido, contenga lo que ha sido la humanidad y lo que podría haber sido? Esta noche, Berna y Héctor han convocado a la joven Susana para examinarla e instruirla. Los acompaña un cuarto personaje, Carlos, quizá examinador, acaso examinado, tal vez parte de la colección. La colección es un cuento sobre el amor, la muerte y la memoria.
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