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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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El primer llibre global sobre aquesta interpretació musical que és Patrimoni Immaterial de la Humanitat des del 2010.
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y la celebración de la belleza». Preocupado desde siempre por las relaciones entre el hombre y la indagación artística en cualquiera de sus disciplinas como una vía hacia el conocimiento, nos propone esta vez un viaje a través de veintidós estaciones, en las que nos encontraremos, entre otros personajes y lugares, a Miguel Ángel, Honoré de Balzac, Goethe, Lucrecio, Dante, Thomas Mann, Víctor Hugo, Montaigne, Shakespeare, Durero, Picasso, Nietzsche, Rilke, Dostoievski, Mantegna, la Cappella Sansevero, la nave Soyuz, la piedra del escultor, lo espectral, las montañas o el silencio. Un libro lleno de ecos convocados con sabiduría por uno de nuestros escritores más brillantes.
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En el mundo contemporáneo, la parodia ha acompañado con frecuencia a la recepción del arte, históricamente asociado con la seriedad.Este libro analiza el fenómeno como recurso humorístico, durante un periodo en el que estuvo omnipresente en la vida cultural y política española a través de la prensa. El objetivo es reconocer cómo, por qué, para qué, cuándo y con qué consecuencias el imaginario artístico llamó la atención de los humoristas gráficos y suscitó tanta atención entre los lectores de periódicos. El humor aparece siempre ligado a la dualidad y al relativismo de nuestra posición ante un mundo inestable. Si todo aquello sobre lo que se bromea encierra un tabú, la utilización del mundo del arte como objeto de risa pone de manifiesto los temores de su incomprensión y, al propio tiempo, la fascinación que suscita. Esa dualidad es uno más de los desdoblamientos y de los constantes cambios de posición del ser humano, ligados a una inseguridad por la pérdida de un canon: el que ríe es objeto de risa, el observador es observado, el poder se convierte en contrapoder, lo serio se transforma en cómico.En definitiva, la risa es ambigua. Quién sabe si lo que nos hace reír hoy nos hará llorar mañana.
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Un viatge per l'evolució de la pintura, l'escultura i les altres arts plàstiques a les terres de llengua catalana. Partint de l'art antic, el pes principal del llibre recau en l'art romànic, el gòtic, el renaixentista, el barroc, el neoclàssic, el modernista i les diverses tendències del segle XX. Si bé el Renaixement i el Neoclàssic tingueren aquí una presència essencialment importada, els altres estils -compartits amb la resta d'Europa- hi fructificaren amb personalitat pròpia. En època medieval, era molt freqüent la presència d'artistes dels diferents regnes de la confederació catalano-aragonesa fora del territori originari, pràctica que continuarà però amb menys intensitat. En canvi, la influència de l'art català a l'estranger, bé que també existí abans, no es fa patent amb contundència fins l'edat contemporània. Un fenomen abassegador com la colonització cultural castellana, a nivell lingüístic, és, però, molt menys intens a nivell plàstic.
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Vicios o virtudes: el alcohol y el tabaco proporcionaron a los publicistas productos con los que darse grandes festines visuales. En este espectacular compendio de anuncios exploramos cómo la representación de estos productos se movía entre la elegancia y la excentricidad, y descubrimos cómo los fabricantes sedujeron a sus clientes durante todo el siglo XX para que bebieran y fumaran.Las tendencias del mundo de las bebidas alcohólicas y el tabaco de cada época se reflejan de manera exuberante página tras página con imágenes de marca integradas en la cultura popular estadounidense con tal efectividad que cualquiera podría identificar iconos como el Hombre Marlboro o Spuds MacKenzie, figuras tan familiares que podrían aparecer en anuncios sin el propio producto. Otros publicistas adoptaron enfoques ingeniosos y subliminales para vender sus productos, cuya efectividad confirmó la exitosa campaña de Absolut. Incluso los médicos contribuyeron a una propaganda perversa, asegurando que fumar podía calmar los nervios y aliviar el dolor de garganta y que el licor era un elixir capaz de proporcionar el éxito social.Tanto si saborea estas delicias visuales como si disfruta a caladas o sorbos de estos placeres prohibidos, le encantará esta exploración de un capítulo de la historia de la publicidad indudablemente vibrante y, en ocasiones, controvertido.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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L'excellence théorique, la perfection technique des lignes qu'il a appliquées suffiraient pour défendre Eiffel contre toute la tradition antérieure, mais il est plus juste de le déclarer d'accord avec le sens profond de cette tradition meme. Il est un classique. vre chaise... Dés le lendemain, la comédienne écrira le récit de cette extraordinaire aventure aérienne.vamos, todo lo que hacemos deja un rastro, un mensaje que espera pacientemente durante meses, años, a veces siglos, hasta que un antropólogo forense es llamado a descifrarlo. Parte de esta información es fácil de entender, otra mantiene sus secretos a rajatabla y necesita el engatusamiento científico para ser liberada. Pero al reunir cuidadosamente las pruebas, se pueden reconstruir los hechos de una vida. Miembro a miembro, caso a caso -algunos criminales, otros históricos, otros inexplicablemente extraños- Sue Black reconstruye con íntima sensibilidad y compasión las historias ocultas en lo que dejamos atrás.portunidad. Y todos esos acordes que siempre, a pesar de todo, los iban a unir.
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David Roberts (1796-1864) y Genaro Pérez Villaamil (1807-1854) fueron dos de los grandes paisajistas del Romanticismo europeo. A través de sus vistas de monumentos, ciudades y paisajes, animadas a menudo con escenas costumbristas, contribuyeron a forjar una imagen romántica de España que puede rastrearse hasta nuestros días. El presente catálogo, que acompaña a la exposición del mismo nombre celebrada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ofrece nuevas perspectivas sobre el diálogo entre la obra de uno y otro en el contexto del descubrimiento cultural de España, el Norte de África y Oriente Medio por los viajeros artistas del siglo XIX. Empleando un enfoque comparativo, once especialistas encabezados por Claudia Hopkins, comisaria de la muestra y directora del volumen, abordan en los seis textos y las más de 120 fichas que lo integran las trayectorias de ambos pintores desde su primer encuentro en Sevilla en 1833.
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El libro constituye un estudio monográfico y general sobre la estética altomedieval (período románico, s. XII) y sus valores simbólicos, en la pintura, arquitectura, escultura, literatura y pensamiento (fundamentalmente religioso) de la época. Una obra esencial para entender y penetrar verdaderamente en los significados artísticos e históricos del período, así como en la huella que han dejado en nuestra civilización y nuestra cultura.
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Se focaliza el discurso histórico-artístico en la representación visual de mujeres, cuyos comportamientos han sido codificados comomodelos de moral cristiana, desde unamirada androcéntrica.
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A través de más de setenta obras, procedentes del Musée d Ixelles de Bruselas, esta exposición ofrece un completo y singular panorama que permite indagar en las principales tendencias plásticas desarrolladas en Bélgica desde el finde- siècle hasta los años cuarenta del siglo XX. En este período de intensa búsqueda de modernidad, el arte belga presenta influencias internacionales y características específicamente locales, y se significa sobre todo por sus propuestas avanzadas, el atrevimiento creativo y la tensión entre el profundo apego a la realidad y la propensión a la imaginación desbordante.
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Las imágenes construyen formas de vida: nuestras formas de vida. Sin que seamos conscientes de ello, en el origen de muchos de nuestros estados de ánimo, expectativas y renuncias se encuentran los mensajes que estas nos transmiten. Las imágenes son, por lo tanto, dispositivos de poder, herramientas que generan mecanismos de autoridad, fundamentalmente en nosotras mismas. Haciéndonos cargo de este poder, hemos partido del concepto de soberanía alimentaria para llevarlo hacia el consumo de imágenes: si la soberanía alimentaria consiste en el derecho a decidir cómo nos alimentamos, la soberanía visual consiste en el derecho a decidir nuestro propio sistema de consumo de productos visuales. A partir de los conceptos de consciencia, autogestión y autocuidado visual, así como lo que hemos denominado «semiótica interseccional», atendiendo de manera explícita a los ejes de género, raza y clase, este libro constituye una guía para aprender a autogestionar las imágenes que consumimos, en definitiva, para que seamos nosotras las que decidamos sobre las imágenes y que no sean ellas las que decidan por nosotras.
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Un llibre per descobrir l'originalitat i la diversitat de la pintura catalana d'avantguarda sota el franquisme.Entre el 1940 i el 1975, a Catalunya, l'art i les posicions estètiques modernes esdevenen un acte de resistència caracteritzat per l'originalitat, la llibertat i l'experimentació. La figuració expressionista o primitiva, les diferents formulacions de l'art abstracte, l'impacte de la cultura pop o l'expansió de la pintura cap a nous materials, són les principals declinacions d'una etapa que va ser testimoni de la maduresa dels grans noms -Miró, Dalí i Tàpies- però també de l'empenta d'un estol de fins a vuitanta artistes -Guinovart, Mari Chordà, Hernández Pijuan, Esther Boix, Brotat...- que un ampli equip d'especialistes, dirigits per Àlex Mitrani, mostren i analitzen en aquest llibre.
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La guerra ha terminado. El bando de Batman ha ganado, y ahora Superman ocupa una celda de la isla de Stryker que lo mantiene sometido a una luz solar roja de forma permanente. Sin embargo, al Hombre de Acero aún le quedan aliados. Y mientras el conflicto parece reavivarse poco a poco, Amanda Waller ha decidido reclutar a Harley Quinn para un equipo llamado Escuadrón Suicida en el que también está interesado un actor misterioso que está a punto de hacer acto de presencia. Y nos va a resultar muy familiar. Injustice: Zona cero concluye en este volumen para dar paso de inmediato a Injustice 2, la serie que supuso el regreso del guionista Tom Taylor a la saga en compañía de Bruno Redondo y Daniel Sampere, entre otros autores.
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Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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La otra cara de la historia del arte. Un relato de modelos y artistas«Una curaduría feminista contra el arte de la invisibilidad».Paula Jiménez España, Página/12 Reinas, amantes, lolitas, prostitutas, bailarinas... Hasta no hace mucho, en la historia del arte las mujeres solo podían ser modelos: profesionales como Kiki de Montparnasse en las fotografías de Man Ray o musas por azar como Victorine Meurent, la Olympia de Manet. Iconos de las vanguardias como la alocada Henrietta Moraes, que inspiró a Bacon y Lucian Freud, o la surrealista Claude Cahun, quien en 1930 proclamó: «Neutro es el único género que me viene bien». De la sonrisa de la Gioconda al color de la piel de Cleopatra, la cabellera de la Venus de Botticelli o el vello púbico que pintó Courbet y fascinó a Lacan, el misterio de sus identidades obsesionó a ladrones, moralistas y académicos. Sus rostros y sus cuerpos pautan aún hoy un ideal de belleza. Modelo durante décadas, Teresa Arijón revisita la historia del arte en este libro excepcional que es a la vez novela, ensayo y crónica, y también un registro sensible y sensual del paso del tiempo en el que los roles se invierten y es la modelo la que retrata al artista. La crítica ha dicho:« Un relato de modelos y artistas. De musas que no siempre quisieron serlo. El otro lado del espejo de la Historia del Arte».Ángeles Caso «Detiene su mirada de escritora y de experimentada modelo para artistas sobre aspectos de la pintura que ni imaginábamos. [...] Nos abre puertas para pensar, comprender y, sobre todo, para querer saber más sobre las relaciones entre pintores y modelos. ¿No es eso lo que le pedimos a un buen libro?».Mercedes Cebrián «Un texto poético y una mirada original».Daniela Pasik, Clarín «Desde una escritura que entrelaza la autobiografía y la crónica, Teresa Arijón funde su experiencia como modelo de artistas durante veinte años para indagar en cuerpos femeninos adorados y sancionados a lo largo de la historia del arte, una exploración que atraviesa centurias y desarma conceptos».Marina Sepúlveda, Télam «Una historia que se narró a sí misma con el sesgo del retratista y no del retratadx encuentra a lo largo de este exquisito libro su revancha [...]. Podría decirse que lo que Arijón hace a lo largo de sus páginas es una curaduría feminista contra el arte de la invisibilidad».Paula Jiménez España, Página/12 «Pone voz a aquellas que pusieron el cuerpo y se hicieron eternas, como a la vez, va cosiendo esos relatos con sus propias experiencias».Juan Batalla, Infobae «Un regocijante acto de justicia artística revisitando la historia del arte en una serie de retratos, ensayos y crónicas que corren el velo sobre las vidas extraordinarias de muchas de esas mujeres».Matilde Sánchez, Revista Lengua
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Los dos márgenes de la ría de Bilbao ofrecen escenas dignas de las más perturbadoras distopías y evocadoras de un periodo ya concluido. Si bien se aportan datos este es un libro concebido no desde la razón, dado el desconocimiento de la realidad del trabajo en la fundición, la mina o el astillero, sino desde la emoción, alentado por el cariño a un paisaje que perdura en parte. Sirva como reconocimiento a las personas que dedicaron su vida a ello.
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En la actualidad, todo lo que rodea a la experiencia cotidiana de la alimentación se ha convertido en un campo de fuerzas en el que la industria ha hecho prevalecer sus intereses. Así, lo que desde tiempo inmemorial era un acto social a través del cual se creaban los vínculos de la comunidad -ya fuera familiar o tribal- es hoy un espectáculo global en el que los principales actores compiten por la atención de los consumidores sin escatimar esfuerzos. La exposición Pan y circo, realizada en la Sala Amós Salvador de Logroño, se adentra en esta problemática de la mano de un grupo de artistas que han reflexionado y plasmado su experiencia a través de diferentes enfoques -desde la conciencia distópica a la cuestión de género, desde la urgente visión ecologista a la de la recuperación de los cuidados, desde los espectáculos alrededor de la comida al nuevo papel de los cocineros como estrellas mediáticas- ofreciendo un amplio abanico de propuestas críticas. El presente libro recoge además varios ensayos que contextualizan la situación actual del hecho alimenticio.
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Publicado con motivo de la exposición Otro Renacimiento. Artistas españoles en Nápoles a comienzos del Cinquecento, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 18 de octubre de 2022 y el 29 de enero de 2023, en colaboración con el Museo e Real Bosco di Capodimonte en Nápoles. La vinculación entre España y Nápoles va mucho más allá de una relación de proximidad mediterránea. El virreinato instituido en 1503 tras la conquista del territorio por el Gran Capitán inaugura una larga secuencia de historia compartida y el primer tercio del siglo XVI sería una etapa crucial en el intercambio cultural y las manifestaciones artísticas. Estas circunstancias propiciaron que los artistas hispanos formados en el norte de Italia, en Roma o Florencia, viajaran a Nápoles llevando un nuevo lenguaje, antes de regresar a su patria. En este catálogo, que acompaña una exposición del mismo nombre, se aborda de manera novedosa ese particular momento, que no ha ocupado un lugar preeminente en los estudios sobre el Renacimiento europeo, para desvelar los mecanismos que rigen la circulación de influencias mutuas. La investigación minuciosa sobre las excepcionales piezas que integran la exposición y los apurados ensayos introductorios permiten analizar esa fecunda interrelación, la «españolización» de Italia y, al mismo tiempo, un similar y enriquecedor proceso inverso. Las transformaciones que se producían en ese mundo cambiante en lo político, pero también en la literatura, la pintura o la escultura, se estudian en unos textos elaborados bajo la doble y exhaustiva mirada de especialistas de ambos países: Manuel Arias, Carlos Hernando, Riccardo Naldi, Encarnación Sánchez, Carlo Vecce y Andrea Zezza.
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Edificio religioso sin par, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1993, la construcción del Monasterio de Guadalupe se desarrolló a lo largo de los siglos XIII al XVIII y constituye toda una eclosión de estilos artísticos. En este libro coral, escrita con un lenguaje llano y cercano, coordinado por Ángel Fuentes Ortiz, uno de los máximos conocedores del Monasterio, diferentes historiadores nos adentran en el universo propio que supone cada una de sus fases, espacios, maestros y obras de arte. Sin lugar a dudas, el libro que tienes en tus manos es la mayor actualización hasta la fecha de los estudios en torno al Monasterio de Guadalupe. Todo un esfuerzo por acercar al lector su belleza sin dejar de lado la profundización y el rigor de su estudio.
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Un ensayo gráfico sobre los artistas del hambre, el nexo de unión entre los antiguos ascetas y los contemporáneos artistas de la performance y el happening. Con un formato novedoso que aúna ensayo divulgativo y el cómic, González Viñas nos muestra a los artistas del hambre que inspiraron, entre otros, a Franz Kafka o Karl Kraus. El libro incluye una historia documental de estos modernos ayunadores y una novela gráfica a todo color sobre estos peculiares pioneros del happening artístico.Aunque la historia del ayuno voluntario puede remontarse a nuestros orígenes culturales más ancestrales, los artistas del hambre aparecieron hace relativamente poco tiempo, entre los siglos XIX y XX. Encerrados voluntariamente en los espacios elegidos y con las condiciones establecidas, los Hungerkünstler trajeron consigo una pregunta que los diferenció: ¿se puede hacer arte del hambre? ¿Y de otras experiencias extremas? Quizás fueron el eslabón perfecto entre los antiguos ascetas ayunadores y los contemporáneos artistas performativos. Eso sí, antiguos y modernos, mediante la acción radical realizada con sus propios cuerpos, provocaron siempre una mirada colectiva que, ya escrutadora, de asombro, de desprecio o de risa, sin duda, define la mentalidad de cada época. La sociedad que encumbró hace más de un siglo a los artistas del hambre puede que no sea tan diferente de la actual.Compuesto de dos partes, un ensayo y una novela gráfica, este libro cuenta y reflexiona sobre la historia de los artistas del hambre. Su compleja y liviana trayectoria, entre lo vodevilesco y lo trascendental, exigía hacer un planteamiento documental previo y una plasmación gráfica que intenta dar respuestas, imaginando la voz interior de un artista del hambre, a sus motivaciones, su pasado, su presente ayunador, su futuro fuera de la celda de cristal, reintegrado –o no– al colectivo. El ficticio Adrian es solo un esbozo. Sus antecedentes se han romanceado en aleluyas. De ahí que se haya optado por cambios de estilo y técnica, por letra escrita a mano, por la realización artesanal y la nula ayuda digital.
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Un inclasificable elogio al acto creativo que aborda cuestiones tan heterogéneas como inconciliables: de las metopas del Partenón al toreo de Curro Romero. ¿Para qué ojos fueron creadas las enormes siluetas de Nazca? ¿Por qué los grandes creadores se empeñan en resolver aspectos de sus obras que ningún ser humano puede llegar a valorar? Con una mirada irónica, polémica y apasionada, el autor analiza este misterioso fenómeno a través de las obras maestras de la arquitectura, la pintura, el cine, la jardinería, los toros y el teatro y deduce que sus autores actuaron como si sus trabajos pudiesen ser observados por un ser superior. Y concluye: en vista del sopor que el agnosticismo contemporáneo es capaz de producir, ¿no sería mejor hacer «como si» Dios existiese y pudiera juzgar nuestras obras?
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El gran innovador de la escultura del siglo XX.Proyectar y dibujar en el espacio con ayuda de nuevos medios, aprovechar este espacio y construir con él como si se tratara de un material recobrado, en esto consiste mi búsqueda. Si la escultura tradicional tenía horror de los huecos y los vacíos, la nueva escultura de Julio González (1876-1942) los utilizará, convirtiéndolos en materiales indispensables.
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Una obra crucial y revolucionaria para comprender, desde nuevas perspectivas, la corporalidad, el género y la sexualidad en la Edad Media.Mientras que el estudio de la corporalidad en época contemporánea goza de gran predicamento, la mirada hacia los cuerpos del pasado parece quedar en una extraña nebulosa que nadie sabe cómo encarar. Frente a ello, la prestigiosa medievalista Caroline Walker Bynum se propone el ambicioso objetivo de sentar las bases de su análisis sobre el cuerpo en la Edad Media. Sin embargo, al igual que ocurre en nuestro mundo presente, no existía un único concepto de cuerpo medieval, sino que más bien opera una cacofonía de discursos que, lejos de distanciarnos de su estudio, lo hace aún más atractivo. El reto reside, por tanto, en huir de los relatos dominantes e incorporar todas aquellas voces que hasta el momento habían quedado silenciadas. Sólo así, interrogándolas desde las problemáticas de nuestro presente, lograremos ahondar en uno de los aspectos más esquivos del pasado y comprender, finalmente, por qué tanto alboroto por el cuerpo.
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Un llibre que ens convida a (re)descobrir l'obra d'un dels artistes més importants de la nostra història. «Cesc, fill del gran dibuixant del Noucentisme D'ivori, va fer un pas endavant i va deixar de banda els tics repolits d'aquesta herència per endinsar-se en una realitat històrica i social pròpia dels seus temps, com era lluitar contra una dictadura, sempre amb contenció per no alertar la censura. Cesc va saber crear un codi propi gairebé sempre basat en la figura humana en totes les seves etapes, sovint mostrant la convivència de generacions. Aquest nou llibre sobre Cesc era necessari perquè cobreix vessants fins ara no recollides, com ara treballs fungibles, publicitat, felicitacions de Nadal, promoció de la lectura i de la recuperació de la llengua catalana, etc. I en tots els camps Cesc és imaginatiu més enllà dels tòpics. [...] Però la seva essència és el ninot, seguint l'estela dels ninotaires catalans. El dibuix a ploma, fluid, sempre amb gestualitat expressiva, convida a la reflexió empàtica. És el gran sociòleg de la Catalunya del franquisme. Parli d'anar a escola o de marxar de vacances, el seu compromís polític, és a dir amb la polis, és sempre present.» Daniel Giralt-MiracleCesc va ser un dels grans cronistes del seu temps, d'un humor no càustic, que representava totes les classes socials sense malícia.
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