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Llibres d'art
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Sastraka/Maleza beste hainbeste arlotan arituak diren lau lagunen lanaren emaitza da. Honen guztiaren sorreran Pello Lizarraldek José Ignacio Agorreta margolariari bidali zion testu bat dago, oinarri bera hartuta, handik gutxira, Imanol Ubeda musikariak hamabi kanta ondu zituen eta Imanol Rayo zinemagileak argazki bilduma. Sastraka/Malezan bidaia labur bat dago, ezinezko bidaia bat. Heriotzaren kontzientzia, apur bat bada ere, izan orduko, gero eta maizago harrapatzen gaitu iraganera itzultzeko bidea hartzeak. Eta itzuli egin behar jakiteko bidearen buruan itzalak eta dezepzioa besterik ez dagoela eta irtenbideren bat bilatzera behartuta zaudela. Testu honetatik abiatuta sortu den guztia Iruñean, Gasteizen eta Donostian egongo da ikusgai 2022. urte honetan zehar. Eta Bilbon, 2023. urte hasieran. Inaugurazio egunetan Imanol Ubedak eta Don Inorrez-ek kontzertua eskainiko dute egitasmo honetarako egindako kantak aurkezteko. Sastraka/Maleza ez da erakusketa hutsa, ordea, gainera liburu bat baita. Erein argitaletxeak argitaratu du eta egindako lan guztia jasotzen du: testua, margolanak, diskoa, argazkiak eta argazki horiei laguntzeko sartutako soinuak. ------------------------------- Sastraka/Maleza es el resultado del trabajo de cuatro personas que se han ejercitado en otras tantas disciplinas artísticas. En el origen de todo esto está el texto que Pello Lizarralde envió al pintor José Ignacio Agorreta, más tarde, tomando como base el mismo escrito, el músico Imanol Ubeda compuso doce canciones y el cineasta Imanol Rayo realizó una serie de fotografías. Sastraka/Maleza es un breve viaje, un viaje imposible. En cuanto tomamos conciencia, por pequeña que sea, de la muerte, se apodera de nosotros con mayor frecuencia el deseo de tomar el camino que nos lleva de regreso al pasado. Y debemos volver para comprobar que al final de ese camino solo nos esperan las sombras y la decepción, y que estamos obligados a buscar una salida. Todo lo que surgió a partir de este texto se podrá ver en Pamplona, Vitoria y San Sebastián a lo largo de este año 2022. Y en Bilbao a comienzos del año 2023. Los días de cada una de las inauguraciones Imanol Ubeda y Don Inorrez ofrecerán un concierto donde interpretarán las canciones compuestas para este proyecto. Pero Sastraka/Maleza no es únicamente una exposición, sino que es, además, un libro. Publicado por la editorial Erein, recoge todo el trabajo realizado: el texto, las pinturas, el CD con las canciones, las fotografías y un disco que recoge los sonidos que acompañan a estas últimas.
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Desde los 80, el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Varias generaciones de artistas han contribuido a que así fuera, pero eso no es suficiente para explicar su lugar preponderante. En paralelo, un mercado que ya estaba desarro
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Esta edición actualizada contiene 10 entradas nuevas referentes a las obras más importantes realizadas a partir del 2015 (Fecha de publicación del último formato). Obras desde el 28.000 a.c hasta nuestros días.El libro contiene 600 de las mejores obras de arte en cualquier disciplina (pintura, escultura, textil, metal o cerámica), desde obras maestras icónicas a obras menos conocidas. Las obras aparecen en orden cronológico y las parejas nos muestran un mismo punto temporal y un distinto lugar geográfico.Los textos están escritos por 35 comisarios, académicos y arqueólogos de todo el mundo.Contiene un glosario de términos artísticos y una línea temporal ilustrada con las obras que aparecen en el libro.
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Manual de referencia para artistas y diseñadores, esta nueva edición de este clásico sobre combinación cromática revisa todas las bases de la teoría del color y se actualiza con nuevos colores, paletas y herramientas que te permitirán ganar seguridad en tus elecciones cromáticas. Contenidos principales: El círculo cromático Cómo usar el color La carta de colores El proceso Aspectos del color Combinaciones cromáticas ¿Cuál es tu color? Efectos especiales para colores Estados de ánimo y color Psicología del color Tendencias cromáticas Tabla de conversión de cuatricromía Muestras de color
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Desde el principio de la historia de la humanidad, lo único que nos ha definido es nuestro talento para fabricar cosas, desde tecnología básica y objetos cotidianos, como cuencos y hachas de mano, hasta inventos de alta tecnología, como aviones supersónicos, dispositivos inteligentes y vehículos exploradores de Marte. Los objetos dicen mucho de una civilización, nos cuentan cómo vivían nuestros antepasados, en qué creían y qué valoraban. Una momia de bronce de un gato nos muestra hasta qué punto los antiguos egipcios valoraban a sus felinos compañeros, mientras que un tigre mecánico de juguete nos cuenta la historia de las crecientes tensiones entre un sultán indio y los colonizadores europeos. Civilización expone un tesoro escondido de fascinantes artefactos –desde la prehistoria al presente, desde lo ordinario a lo extraordinario– revelando la historia de las civilizaciones del mundo a lo largo de los años.
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Publicada por primera vez en Florencia en 1550, Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos, de Giorgio Vasari, se considera la obra inaugural de la Historia del arte y la fuente escrita indispensable para quien quiera acercarse al arte del Renacimiento italiano y a sus protagonistas. Vasari, él mismo pintor y arquitecto, no sólo nos ofrece en ellas el relato de las biografías de los más célebres artistas del Renacimiento italiano, sino que también analiza con detenimiento las técnicas artísticas y el vocabulario técnico y teórico específico.Se han incluido en esta antología la introducción, los proemios a cada una de las partes de las obra y las vidas de los artistas más conocidos entre el público (Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Piero della Francesca, Sandro Boticelli, Giotto, etc.). Se trata, además, de una edición crítica guiada por la voluntad de facilitar al lector la comprensión de las obras, los términos artísticos y los datos históricos que aparecen en el texto vasariano.
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Man Ray (1890-1976) fue un artista modernista y erudito que cultivó artes tan diversas como la pintura, la escultura, el cine, la confección de grabados y la poesía. Pero fue su obra fotográfica, con sus desnudos, imágenes de moda y retratos, la que escribió un nuevo capítulo en la historia de la fotografía.A través de una extensa colección, tanto de sus obras más famosas como de otras menos conocidas, esta monografía ofrece una vívida perspectiva de la polifacética práctica de Man Ray y su legado fotográfico. Siga la trayectoria de Man Ray desde sus inicios artísticos en Nueva York hasta su papel protagonista en la vanguardia parisiense. Allí participó en la primera exposición surrealista con Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró y Pablo Picasso, y creó obras tan emblemáticas como Noire et blanche (Negra y blanca) y Le Violon d'Ingres (El violín de Ingres). Mediante numerosos ejemplos de naturaleza muerta y retratos, entre otros, observamos cómo Man Ray experimentaba constantemente con nuevas técnicas, convirtiendo la fotografía, más allá de su dominio documental, en una expresión etérea y poética a través de la exposición múltiple, la solarización y su particular marca de fotogramas que bautizó con ingenio como ''rayogramas''.
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¿Es el verde un color querido? Las respuestas a esta pregunta están divididas. En Europa, aproximadamente una de cada seis personas tiene el verde como color favorito, pero a casi la misma cantidad, tanto hombres como mujeres, les disgusta el verde. El verde es un color ambivalente, por no decir ambiguo: símbolo de vida, savia, suerte y esperanza por un lado, y por otro, asociado al veneno, la desgracia, el diablo y sus criaturas. Verde. Historia de un color recorre la larga historia social, artística y simbólica del verde en las sociedades europeas, desde la antigua Grecia hasta nuestros días. Subraya hasta qué punto este color, que durante mucho tiempo ha sido difícil de producir y aún más difícil de fijar, no es sólo el de la vegetación, sino también, y sobre todo, el del destino. Químicamente inestable, el verde se ha asociado simbólicamente a todo lo transitorio: la infancia, el amor, la suerte, el juego, el azar, el dinero. No fue hasta el Romanticismo cuando se convirtió definitivamente en el color de la naturaleza, luego de la salud, la higiene y finalmente de la ecología. Hoy, Occidente le ha confiado la misión imposible de salvar el planeta. La presente edición aporta la representación de distintas tonalidades de verde para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color. «La atractiva historia cultural del color verde de Pastoureau aborda la historia del arte y la teoría del color... Sus anécdotas son perspicaces, las referencias en ocasiones deliciosamente esotéricas y aporta a este sustancial debate una mayor relevancia contemporánea». Publishers Weekly
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El concepto de calidad siempre ha resultado escurridizo. La relatividad de los juicios de valor en estética es algo que desde Aristóteles hasta Kant y Croce ha quedado bien establecido en el pensamiento europeo, lo que suponía un freno a cualquier intento de definir y establecer con claridad conceptual en qué consiste la calidad en el arte. Alejandro Vergara se enfrenta a la difícil tarea de cercar este concepto convencido de la importancia de ese esfuerzo intelectual y para ello primero expondrá el recorrido sinuoso y esquivo de la idea de calidad a lo largo de la historia del pensamiento occidental y posteriormente, basándose en su amplio y reconocido conocimiento de la pintura europea de los siglos XV al XVIII, se adentrará en una exposición práctica, acompañándonos a descubrir, como si se tratara de una indagación detectivesca, qué se entendió en Europa por calidad durante tres largos siglos en los que se produjo gran parte de la mejor pintura europea.
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Peter Halley (Nueva York, 1953) se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del movimiento neoconceptualista. ''Escritos sobrearte'' ofrece al lector la primera traducción al español de una selección de sus ensayos más innovadores,así como una muestra de algunos de sus escritos más personales, como su primer encuentro con Andy Warhol
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Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025.El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo.En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes en el entorno del artista, incluso al pie de su taller de trabajo. Pero otras veces, y como fruto de las expediciones a distintos lugares del mundo, se incorporaban plantas exóticas que provenían de países lejanos y que enriquecían la flora artística, especialmente a partir del siglo XVI. De cualquier manera, las obras de arte dejan constancia de la fascinante capacidad de observación del medio natural de los artistas, que retrataban las plantas con delicadeza, como si fueran un personaje más».
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“Es mi proyecto explicar primero qué cosa sea la Belle za, habiendo de ella tan varias opiniones, y después, qué se entiende por Gusto: pues la mayor parte de los que han escrito sobre él no dan idea del sentido en que se toma esta palabra cuando se habla de Pintura, por lo que he procurado hacer inteligible esta voz, dando de ejemplos sacados de las obras de los más famosos Profesores.”
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Utagawa Hiroshige (1797-1858) fue uno de los últimos grandes artistas de la tradición japonesa del ukiyo-e. La palabra significa literalmente «pinturas del mundo flotante» y designa un género artístico que floreció entre los siglos xvii y xix y simbolizó la imagen de Japón en el mundo occidental. Las escenas del ukiyo-e, que en muchos aspectos eran de tipo hedonista, representaban a menudo la brillante luminosidad y las atracciones de Edo: mujeres hermosas, actores y luchadores de sumo, la vida urbana y panorámicas espectaculares.Pese a abarcar una gran variedad de temas, Hiroshige se hizo famoso sobre todo por sus paisajes. De hecho, su obra maestra fue una serie de grabados conocida como Cien famosas vistas de Edo (1856-1858), que reproduce varias escenas de la ciudad en el curso de las estaciones, desde las animadas calles comerciales hasta las espléndidas huertas de cerezos.Esta reimpresión, encuadernada en tradicional estilo japonés, está compuesta por una de las mejores series de xilografías originales completa perteneciente al Ota Memorial Museum of Art en Tokio. Cada una de las 120 ilustraciones viene acompañada por una descripción que permite a los lectores sumergirse en estas hermosas y vibrantes vistas que se convirtieron en paradigmas del japonismo e inspiraron por igual a artistas impresionistas, postimpresionistas y del art nouveau, desde Vincent van Gogh hasta James McNeill Whistler.
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El artista y profesor Rod Judkins incorpora en esta segunda edición nuevas historias de grandes mentes creativas que no dejan de sorprendernos e inspirarnos. Una empresa de buceo se enfrenta a la quiebra porque los tiburones han infestado el área, ¿la solución? Abrir la primera escuela de buceo extremo del mundo. Conocer cómo Robert de Niro convenció a Martin Scorsese para rodar una nueva película, el desconcierto que causó Salvador Dalí en el programa televisivo 'What's My Line?' o por qué es técnicamente imposible ser tan bueno como Miguel Ángel, entre muchas otras historias increíbles, nos permitirá acceder a las claves de las grandes mentes y convertir la creatividad en nuestra forma de vida.
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From precious early minute repeaters by Louis Brandt & Frère and James Schulz to legendary and super-rare vintage chronometers by Patek Philippe, Rolex, and Vacheron Constantin to state-of-the-art contemporary pieces, this book is a glorious celebration of watchmaking conducted at truly virtuoso levels of time-keeping precision.
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OBSERVA Y DIBUJA EL MUNDO Ideal para exploradores curiosos y futuros artistas, este libro de dibujo enseña a los niños a observar y dibujar sus animales favoritos y la naturaleza con un estilo divertido e interactivo. El popular profesor de dibujo en YouTube Brad Woodard, responsable del programa Brave Kids Art Club, comparte de forma sencilla lecciones, consejos y trucos para salir ahí fuera y dibujar cosas guais. En este cuaderno de dibujo encontrarás: - Exploración guiada: Anima a los más pequeños a descubrir la flora y la fauna, enseñándoles qué observar y dónde buscar. - Libertad creativa: Enseña a los niños a confiar en lo que crean y a ser libres para descubrir su propio estilo dibujando y pintando. - Animales impresionantes: 40 ejercicios para dibujar paso a paso todos tus animales favoritos, así como árboles, flores y plantas. - Diario de exploración: Incluye decenas de páginas en blanco para que cada joven artista guarde sus observaciones y dibujos. ¡¡Esta es una guía esencial para niños de entre 6 y 12 años que quieran explorar la naturaleza y aprender a dibujar! Acerca del ilustrador Brad Woodard es un diseñador, ilustrador y creador de contenidos que dirige una agencia creativa llamada Brave the Woods. También es el administrador del programa online The Brave Kids Art Club, donde no solo enseña técnicas básicas de dibujo, sino también cómo explorar y conocer el fascinante mundo que nos rodea.
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The ultimate gift for gardeners and art-lovers, featuring 300 of the most beautiful and pioneering botanical images ever.Now available in a chic compact format, this visually stunning survey from Phaidon’s Explorer series celebrates the extraordinary beauty and diversity of plants. It combines photographs and cutting-edge micrograph scans with paintings, drawings, and prints, to bring this universally popular and captivating subject vividly to life. Carefully selected by an international panel of experts and arranged in a uniquely structured sequence to highlight thought-provoking contrasts and similarities, this stunning compilation of botanically themed images includes iconic work by celebrated artists, photographers, scientists, and botanical illustrators, as well as rare and previously unpublished images. Winner of the Council on Botanical and Horticultural Libraries 2025 Award of Excellence in Series, this is the perfect gift for every plant lover and gardener.
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Carlos Sadness comparte en primera persona una mirada íntima y tierna sobre la creatividad, el arte y la imaginación. Carlos Sadness firma un relato luminoso sobre la creatividad como forma de vida. A través de recuerdos, confesiones y anécdotas que cruzan el arte, la infancia o la música, construye una declaración de amor a la imaginación. Su historia revela cómo lo cotidiano se vuelve extraordinario cuando se mira con ojos creativos, cómo el arte puede salvarnos del olvido y cómo lo imperfecto, lo subjetivo y lo emocional son el verdadero pulso de lo bello. Como en los versos de su tema Kandinski, «Eres la persona elegida entre un millón para explorar el mundo que hay dentro de mí», este libro es una invitación para los lectores, un canto poético a la memoria y la sensibilidad, escrito desde el corazón de un creador que nunca dejó de soñar. A partir de objetos como unas Ray-Ban heredadas o el sabor del helado de pistacho, el autor transforma lo cotidiano en pasadizos hacia la identidad. Arte, música y emoción se entrelazan en una narrativa que celebra la belleza y reflexiona sobre la creación como un acto vital. Un canto a la sensibilidad para quienes buscan inspiración en lo íntimo y lo inesperado.
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Por primera vez se presenta en lengua española una obra clave en la historiografía artística, que se encuentra en la raíz de algunas de las principales corrientes que han marcado el desarrollo de la disciplina en el último siglo, de la iconología de Panofsky a los modernos Estudios Visuales. Mnemosyne es el gran proyecto al que Aby Warburg dedicó los últimos años de su vida y que debía resumir y coronar toda su obra. Para ello, recopiló unas 2.000 imágenes articuladas en 60 tablas en un magno atlas que quedó sin terminar a su muerte. A pesar del interés que había despertado entre sus contemporáneos y de los intentos llevados a cabo por los colaboradores de la Biblioteca Warburg después de su traslado a Londres, el material no vio la luz hasta la edición de la Akademie Verlag llevada a cabo por Martin Warnke, uno de los más prestigiosos historiadores del arte de las últimas décadas. Dicha edición, que respeta escrupulosamente la obra tal como la dejó Warburg, es la que se recoge en el libro que el lector tiene ahora entre sus manos. Además, la versión española, bajo la supervisión de Fernando Checa Cremades, recoge, junto a nuevos textos escritos para la ocasión por el mencionado autor y por Karin Hellwig, varias conferencias inéditas de Warburg relacionadas directamente con su obra póstuma, que ponen de manifiesto la complejidad y grandeza de un pensamiento que no sólo no ha perdido un ápice de su interés, sino que se muestra más vigente que nunca.
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La artista e ilustradora Anna Tromop te enseña a dibujar y a sombrear con tinta y plumilla a través de 50 preciosos proyectos. A partir de una bonita y fantástica excursión por el bosque, la autora te muestra cómo dibujar pequeños animales, setas, florecillas silvestres, una fogata, un quinqué, una cabaña entre los pinos... Todos ellos acompañados con sencillas instrucciones e ilustraciones paso a paso, consejos para ganar confianza con el dibujo y el sombreado, páginas para practicar y plantillas que te permitirán empezar rápidamente. Deja atrás el miedo a la página en blanco y encuentra la inspiración que necesitas para dar rienda suelta a tu creatividad y lanzarte a dibujar libremente.
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A través de voces diversas—artistas tullides, mediadoras, educadoras y activistas culturales— esta obra aborda los nudos y retos que atraviesan la autorrepresentación y las jerarquías en el campo de las prácticas artísticas vinculadas a la discapacidad, la neurodivergencia, la salud mental o los cuidados, y que han sido profundamente despolitizadas y desautorizadas. Surge de la voluntad compartida de hacerlas visibles desde una relectura crítica del cuidado y la vulnerabilidad, concebidas no como cargas o carencias, sino como potencias políticas desde las que pensar, cuidar, crear y vincularse. Su propósito es compartir experiencias, metodologías, relatos y ficciones críticas que cuestionan las estructuras capacitistas del sistema artístico, concibiendo nuevas formas de relación entre cuerpos, tiempos y saberes, con umbrales diferentes de dependencia, agenciamiento y exposición. Desde esta solidaridad situada, Cosmologías vulnerables traza alianzas que interpelan al museo, la pedagogía crítica y las políticas públicas para articular lo neurodivergente, lo discay lo afectivo como modos legítimos de conocimiento y de acción política.
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El mito del andrógino ha tenido una gran influencia en todas las artes. Péladan, con su gran erudición y originalidad de pensamiento, le sigue el rastro desdeEgipto hasta los clásicos grecolatinos y la figura católica del ángel, para acabar dedicándole un himno, que es también un himno a la Belleza. Para Péladan ''ser bello es pertenecer a un tercer sexo''.
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Bartolomé Esteban Murillo (1618-1662) cautivó la imaginación de los británicos en los siglos XVIII y XIX. Los coleccionistas adinerados competían por sus mejores obras, los artistas imitaban su estilo y adoptaban sus temas, y se vertieron ríos de tinta elogiando su arte. Aunque la popularidad del sevillano declinó en el siglo XX, su legado sigue vivo en las grandes colecciones públicas de los museos británicos e irlandeses, que en este sentido no tienen parangón fuera de España. Este libro estudia a los coleccionistas, entendidos, viajeros y artistas que dieron a conocer a Murillo en las islas británicas. Doce especialistas analizan en profundidad cómo creció y cambió el gusto por Murillo en el transcurso de dos centurias. En sus textos, revisan el papel de destacados coleccionistas –desde Robert Walpole hasta Alfred Beit– y analizan a fondo los primeros escritos de Richard Ford y William Stirling Maxwell sobre Murillo. Las complejas redes de diplomáticos, viajeros y expatriados en Madrid y Sevilla se abordan desde puntos de vista complementarios que subrayan el interés por el arte de Murillo en aquella época. Apoyándose en abundante material de archivo, en gran medida inédito, los autores arrojan nueva luz sobre estos personajes, sus colecciones y su relación con un artista que contribuyó a modelar el gusto de los británicos durante más de un siglo.
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Visit the world’s most comprehensive and compelling museum in a single book – the ultimate gallery in your own home.Housing the finest art collection ever assembled, this classic format of Phaidon’s bestselling The Art Museum offers the ultimate museum experience without the boundaries of space and time. The rooms and galleries that live within this volume display more than 1,600 artworks, expertly selected from the original collection, including paintings, sculpture, textiles, photographs, installations, performances, videos, prints, ceramics, manuscripts, metalwork, and jewelwork.The artworks included were carefully selected by a team of 28 curators, critics, art historians and artists who contributed their expertise to create this revolutionary 'virtual' museum. These experts came from such institutions as: the Metropolitan Museum of Art, New York, The British Museum, London, the Museum of Fine Art, Boston, the J. Paul Getty Museum, Malibu, the University of California, Berkley, LaTrobe University, Melbourne, the School of African and Oriental Studies, University of London, and the Courtauld Institute of Art, London.Works originate from the Palaeolithic era to the present and come from all around the globe and include both iconic and lesser-known pieces. This extraordinary book takes the reader on a tour around the world and through the ages, presenting the finest examples of human creativity within its covers – a dream museum without the boundaries of walls.
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La Petite Mort engages with the attraction of surfaces of De la Mora's works and looks beyond them to the unconscious drives and desires that have been a consistent theme in the artist's practice. His meticulous process of collecting, cataloguing, and assembling fragments redefines the boundaries between drawing, painting, and sculpture.De la Mora has achieved significant international acclaim and is exhibited in leading institutions worldwide, including The Drawing Center (New York), Museo Jumex (Mexico City), and Perrotin (Paris, New York), his work is held in major collections such as MOCA Los Angeles and the MFA Houston.Accompanying the exhibition ''Gabriel de la Mora: La Petite Mort'' this edition includes an in depth reading of the artist's work by the curator, Tobias Ostrander, accompanied by newly commissioned essays by art historian Maria Minera, and the writer and poet Pablo Soler Frost, each reflect on aspects of death, eroticism and transformation in De la Mora's practice. This volume illustrates more than 80 works by the artist produced over the last 25 years. Numerous details show the precision and allure of his compositions which employ materials such as human hair, fragments of eggshells, butterfly wings and obsidian.
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Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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UN RECULL DE TEXTOS RELACIONATS AMB LES ARTS I ELS SEUS CREADORS. Eulàlia Bosch ens ofereix un recull de textos relacionats amb les arts i els seus creadors. L'art pot ser objecte d'admiració i d'estudi, però encara més, segons la seva experiència personal, quan l'art forma part de la vida quotidiana, pot mostrar la bellesa, ensenyar a veure les coses de manera diferent i copsar allò indefinible que batega en el dia a dia. Aquests textos són una invitació estimulant i entusiasta per no desconnectar l'art de la vida. «Les històries que he reunit en aquest llibre han estat escrites al dictat de l'experiència viscuda i juntes volen ser un homenatge a aquesta presència del món de les arts que em permet ampliar els horitzons de la meva vida quotidiana. És quan recordo el Giacometti desesperat per no trobar la manera d'aconseguir l'expressió del rostre que busca des de fa anys, o quan noto com m'interroga Rembrandt des de la paret del museu on viu la seva eternitat, o quan sento què pot passar en esdevenir per un moment un personatge teatral, és quan recordo la mirada de llop de Jorge Oteiza, els versos de Jorge Luis Borges o les pel·lícules de Carlos Saura..., és aleshores quan m'adono que cada dia tot torna a començar de bell nou.»
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Descubre los tesoros del Prado con un precioso libro para toda la familia.¿Te gusta el arte? ¿Te gustaría que te gustara el arte? Sea cual sea la respuesta, este libro es para ti: en un gran formato crossover, este álbum te hará un recorrido por el arte más emblemático del Museo del Prado. Sus páginas están llenas de fotos de una gran selección de obras junto a explicaciones cautivadoras a la vez que profesionales. Sumérgete en el arte del Museo del Prado y descubre el mundo del arte desde una nueva perspectiva.
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El regalo definitivo para jardineros y amantes del arte, con 300 de las imágenes botánicas más bellas y pioneras de la historia.Ahora disponible en un elegante formato compacto, este impactante estudio de la serie Explorer de Phaidon celebra la extraordinaria belleza y diversidad de las plantas. Combina fotografías y microescaneos de vanguardia con pinturas, dibujos y grabados para dar vida a este tema universalmente popular y cautivador.Cuidadosamente seleccionada por un panel internacional de expertos y organizada en una secuencia singularmente estructurada para resaltar contrastes y similitudes que invitan a la reflexión, esta impresionante compilación de imágenes de temática botánica incluye obras icónicas de célebres artistas, fotógrafos, científicos e ilustradores botánicos, así como imágenes raras e inéditas.Ganadora del Premio a la Excelencia en la Serie 2025 del Consejo de Bibliotecas Botánicas y Hortícolas, es el regalo perfecto para cualquier amante de las plantas y jardinero.
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Un impresionante libro de arte que abarca más de 3000 años Una selección de obras de arte para los que desean aprender más: cómo pintaba Miguel Ángel los desnudos, qué es el cubismo o cómo surgió la abstracción. Un libro que apasionará a todos los amantes del arte. Con obras de todo el mundo y de los periodos más importantes. Con explicaciones de los símbolos, los detalles y las técnicas para entender cada obra. Desde los frescos el Antiguo Egipto hasta Joan Miró o Banksy. En este maravilloso libro de arte encontrarás: -Obras de todo el mundo. -Elementos clave como la composición, el color, la técnica y el simbolismo. -Más de 450 artistas de numerosas culturas diferentes. -Abarca todos los periodos y movimientos artísticos importantes. -Sitúa las obras en su contexto histórico. Repleto de información y lleno de inspiración, este libro te muestra las mejores pinturas y esculturas de todos los tiempos. Es el libro de consulta definitivo para todos los amantes del arte.
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Herramientas y técnicas para el artista urbano Crea obras de arte originales y llamativas explorando tu calle y tu entorno con una nueva mirada. El skyline, los puentes, el mobiliario urbano y las aglomeraciones ofrecen mucha inspiración y una perspectiva metropolitana para esta accesible forma de arte. El artista urbano Toby Haseler nos trae su completo curso sobre los principales aspectos del sketching, desde el descubrimiento de nuevos temas a la inspiración para crear imágenes de temática urbana. ¡Empieza hoy mismo y desarrolla ideas para crear tu propio arte urbano!
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El mediterráneo a través de sus ciudades, sus artistas y sus conflictosEste libro se presenta como un estimulante viaje a través de nueve ciudades que dan una visión amplia y plural del mar Mediterráneo, proponiendo una deriva por diferentes países que no impone ninguna lectura cerrada. Cada una de ellas aporta un aspecto específico: la importancia de la memoria (Beirut), la presencia de la violencia (Zagreb), la pujanza de la miseria y el racismo cotidiano (Marsella), la permanencia de la herencia colonial (Argel), el deseo constante de partir (Tánger), el mestizaje cultural (Estambul), la plasmación de la vida en los suburbios (Roma), la ocupación de las calles por los sectores más marginados (Barcelona) o el deseo de libertad política e individual (El Cairo), aspectos estos que se dan de un modo más palpable en unas que en otras, pero que son comunes a todas ellas. Con la suma de estas narraciones conseguimos formar en su conjunto un palimpsesto que nos acerca al carácter multifacético y plural que encontramos en todas y cada una de las ciudades aquí mencionadas.Cada artista y cada escritor (como O. Pamuk, J.C. Izzo, M. Chukri, P. P. Pasolini, J. Genet, N. Hammam, A. Menia, S. Iveković, W. Raad…) a los que se hace mención en estas páginas nos ofrecen collages representacionales que desbordan los límites de los estudios académicos, para darnos a conocer experiencias, impresiones y recuerdos propios en los que no hay lugar para las certitudes. El resultado de todo ello es la construcción de un relato incompleto, repleto de tramas poco conocidas y conformado por citas extrañas, conexiones inciertas y mundos imaginados donde todo puede suceder.
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En colaboración con el Museo Nacional del Prado, estelibro estudia las obras de contenido mitológico másimportantes de nuestra universal pinacoteca. La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado. Las partes en las que se divide el libro (entre lasque sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas deVelázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores. Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realizaciónde estas obras.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.