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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Las imágenes que conforman el trabajo Bravo nos sumergen en el complejo paisaje del norte de México, un lugar donde la geografía y la política se entrelazan, con el río Bravo como barrera tanto física como simbólica entre México y Estados Unidos. A través de este ensayo fotográfico se captura el tiempo suspendido, los objetos, las arquitecturas y los cuerpos de quienes habitan en ese espacio liminal. Con sus fotografías, Felipe Romero documenta este estado de espera y contemplación en torno al río, que funciona como frontera natural y lugar en transición.
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A timely exploration of artists’ enduring preoccupation with what it means to be human in the face of sweeping technological change.New Humans traces a diagonal history of the twentieth and twenty-first centuries through the work of more than 150 artists, writers, scientists, architects, and filmmakers, highlighting key moments when dramatic technological and social changes spurred new conceptions of humanity and new visions for its possible futures.The book – and its accompanying exhibition that will inaugurate the New Museum’s expanded building designed by OMA/Rem Koolhaas and Shohei Shigematsu – connects the age of automatons to the burgeoning era of generative AI and brings together a cavalcade of humans becoming machines and machines becoming human.
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L'année du centenaire de la mort de Lluís Domènech i Montaner, Triangle Books a réuni dans un seul livre les meilleurs spécialistes de Domènech en général et de ses bâtiments en particulier pour comprendre la personnalité aux multiples facettes et interpréter le travail d'un architecte clé dans l'histoire de l'art européen. L'ouvrage débute par quelques articles introductifs qui présentent l'architecte dans le contexte de l'Art Nouveau européen et expliquent ses différentes facettes: civique, politique, académique... et se poursuit par les monographies de ses bâtiments, de la maison d'édition Montaner i Simon (1979- 1881 ) à la Casa Fuster (1908- 1911) en passant, bien sûr, par le Palau de la Música ou l'Hôpital de Sant Pau, tous les deux classés au patrimoine mondial.
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Nacido en Milán en 1931, Alessandro Mendini creó una obra vívida, excéntrica y transgresora que se ubica en un universo estético propio. Estuvo en el corazón del movimiento de diseño radical de Italia en las décadas de 1960 y 1970 y, más tarde, del posmodernismo, defendiendo un enfoque sensible e intelectual del diseño, editó la revista Domus a principios de los años 1980, y colaboró con marcas que van desde Alessi, Swarovski y Hermès hasta Supreme. Junto con sus contemporáneos Ettore Sottsass y Gaetano Pesce, Mendini ayudó a redefinir el concepto de diseño y arquitectura italianos.Presenta una gran cantidad de documentos e imágenes inéditos. Escrito por el crítico Stefano Casciani, quien trabajó con Mendini durante muchos años, el libro ofrece un relato personal único ilustrado por fotografías, material efímero y muchos de los bocetos idiosincrásicos y divertidos de Mendini.Presentado en un paquete dinámico inspirado en la estética distintiva de Mendini, el libro es un objeto de diseño por derecho propio, con una cubierta de tela rosa que presenta una de las portadas de revistas icónicas de Mendini en el frente, un boceto de su famosa silla Proost en la parte posterior y abridores de capítulos laminados troquelados con bordes ondulados.
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![Gaudí [vs] disseny](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwa4633297/images/large/1435913.41.jpg?sh=240 "Gaudí [vs] disseny")
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Una visió renovadora d'Antoni Gaudí i de la seva manera de concebre i executar el procés de creacióJuan José Lahuerta, professor d'història de l'art a l'Escola Tècnica Superior d'Arquitectura de Barcelona, ens proposa en aquest assaig una visió renovadora d'Antoni Gaudí. Amb aguda i documentada perspicàcia, Lahuerta enfila el seu discurs des del taller de l'artista -allà on tot comença- per desentrellar i explicar-nos el mètode creatiu de l'arquitecte català i la seva singular manera d'executar els projectes. Tot analitzant els més emblemàtics -els primers treballs, els grans encàrrecs d'Eusebi Güell, les cases burgeses de l'Eixample i la Sagrada Família- i amb constants al·lusions a la història de l'art -de Bellini a Duchamp- l'autor identifica els referents inspiradors de l'arquitecte català i enumera els seus recursos creatius més característics: l'acoblament, el collage, la juxtaposició...
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Andy Warhol (1928-1987) pintó el glamour de las estrellas de Hollywood, los productos de la sociedad de consumo, como sopas enlatadas y Coca-Cola, y los héroes del cómic y la televisión, pero también pintó el horror de la pena de muerte, la bomba atómica y la violencia, dejándonos un importante documento que nosenfrenta a la realidad. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia
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El notable cuerpo de trabajo de Wangechi Mutu toca temas como la sexualidad, la ecología, la política y los ritmos y el caos que gobiernan el mundo. Sus pinturas, esculturas y collages, a menudo enriquecidos con materiales culturalmente cargados, como té, cabello sintético, tierra de Kenia, plumas y arena, entrelazan la realidad con la ficción, generando una forma única de creación de mitos que la diferencia de la historia clásica o cultura popular. Este es el primer libro que documenta su evolución y explora su impacto.Adrienne Edwards es curadora de Performance en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York.Courtney J. Martin es directora del Centro de Arte Británico de Yale en New Haven.Kellie Jones es Profesora Hans Hofmann de Arte Moderno en los Departamentos de Historia del Arte y Arqueología, y Estudios Afroamericanos y de la Diáspora Africana en la Universidad de Columbia.Chika Okeke-Agulu es Directora de Estudios Africanos en la Universidad de Princeton, Nueva Jersey.
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La pintura de Balthus es una revolución incontestable dirigida contra el surrealismo, pero también contra el academicismo en todas sus formas. Por encima de la revolución surrealista, por encima de las formas del academicismo clásico, la pintura revoluc
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Orfebre, escultor y grabador, artífice de obras como el magnífico Perseo que puede contemplarse en la plaza de la Signoria de Florencia o el célebre y primoroso «salero de Francisco I» hoy en Viena, Benvenuto Cellini (1500-1571) fue una figura destacada en una época de titanes: aquel Renacimiento italiano tan espléndido y suntuoso como primario y feroz, que poblaron personalidades como Miguel Ángel y Rafael, papas soberbios y familias legendarias como los Médicis. Hombre de carácter decidido y aventurero, pendenciero e irascible, dejó en su apasionante «Vida» un insuperable y vivo retrato de primera mano de un temperamento excepcional en una época excepcional, el Cinquecento, en la que el pleno Renacimiento fue dando paso a una Europa que se adentraba en el Barroco y la Contrarreforma. Episodios memorables como el de los espíritus del Coliseo o la narración del saco de Roma, sus prisiones en el castillo de Sant'Angelo, las peripecias por Francia bajo la protección de Francisco I o la desesperada fundición del «Perseo», hacen de esta autobiografía un libro inolvidable y un inmejorable compañero de viaje para todo aquel que quiera evocar siglos más tarde sus andanzas a caballo entre Roma y Florencia.
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Tras la confusión voluntariamente practicada por los prerrafaelitas de lo antiguo con lo actual, del estilo refinado con el estilo popular, de lo excepcional con lo cotidiano, estaba la invitación a no considerar irreconciliables las categorías de lo mode
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Ya sea para honrar a los dioses o a los muertos, destacar el prestigio, celebrar un nacimiento, una unión, seducir, dibujar, pintar o escribir, el color siempre acude a la cita. Para conseguir los tonos con los que soñaban, los hombres han sabido descubrir pigmentos y tintes a menudo escondidos en vegetales, minerales, moluscos, hongos o insectos, y han llegado a imaginar técnicas complicadas o peligrosas para acceder a rojos intensos, amarillos luminosos, o a los más bellos azules. Este libro cuenta la historia de los colores, desde el descubrimiento de los pigmentos y tintes hasta su modo de aplicación, pero también las costumbres y los gestos que, desde los papúes a los inuit, de la China de Confucio a la Europa medieval, acompañan a esos materiales en rituales y ceremonias. Los múltiples caminos trazados por los hombres y las mujeres en su búsqueda del color ofrecen numerosas sorpresas y, a menudo, nos dejan maravillados.
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¡Crece como artista, aprende y experimenta nuevas técnicas y que tu arte mejore constantemente! Dibuja lo que amas pretende, sencillamente, animar a la gente a dibujar. El momento perfecto no existe, lo único que hace falta es tener el deseo de crear, la motivación para lanzarse a ello de cabeza y, claro está, no decaer y seguir mejorando y avanzando. Para adquirir destreza en el dibujo, lo que hay que hacer es, básicamente, dibujar mucho. En esta obra, la autora profundiza en los procesos y comparte conocimientos, técnicas exclusivas y secretos comerciales aprendidos durante su carrera, mediante divertidos proyectos desglosados y tutoriales guiados, aprovechando así la oportunidad de crecer a la par que las personas a las que enseña.
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Eddie Armer, experto en dibujo del natural, presenta una completa guía para aprender a representar manos y pies. Acompaña al lector en cada etapa, desde la selección del material de dibujo y de los modelos ideales hasta la representación de la proporción y la perspectiva. Eddie ofrece orientación para dibujar con precisión manos en determinados gestos o sujetando objetos, y pies descalzos o con diferentes tipos de zapatos. También explica la importancia de la perspectiva a la hora de dibujar adornos, sea un brazalete o arte corporal.
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Más allá del dibujo académico, existe un manera de dibujar más espontánea e intuitiva. Este manual es una invitación a perder el miedo a manchar el papel, explorar y crear libremente. A partir de tres movimientos, tres manchas de acuarela superpuestas, aprenderemos a dar vida a 15 animales y nos adentraremos en las infinitas posibilidades de la mancha y el trazo. ''Cada uno de los animales de este libro es un reto, una oportunidad para aprender a explicarlo reduciéndolo a mancha y trazo, un proceso de desaprendizaje y de deconstrucción.''
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La obra de este arquitecto, ingeniero y artista plástico valenciano ha traspasado fronteras desde los inicios de su carrera. En España le lanzó a la fama la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia y desde entonces ha estado a la cabeza de grandes obras, como complejos urbanísticos, puentes, torres o arte cinético, por todo el mundo.
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En el presente ensayo de investigación, Joana Masó y Eric Fassin reivindican el legado de la artista y poeta alemana Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927) cuya figura los historiadores de las vanguardias olvidaron y no se la reconoció dentro del movimiento esencialmente masculino que fue dadá. Podría decirse que la baronesa von Freytag-Loringhoven dio cuerpo a la vanguardia neoyorquina de principios del siglo XX: creó piezas con objetos encontrados· fue modelo lejos de la figura de una musa y performer en acciones de denuncia contra los postulados artísticos de sus contemporáneos. Llevó a cuestas un momento de la vanguardia que no llegó a hacer historia y del que también participó Marcel Duchamp de manera fugaz: ambos desafiaron la fascinación por la autoría y el mercado del arte.
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¿Cuál es el significado de los Reyes Magos y cómo los artistas lo expresaron en la Edad Media? ¿Sabes diferenciar un «Cristo en Majestad» de un Pantocrátor? ¿Por qué en la fachada de la catedral de Santiago de Compostela aparece una mujer sujetando una calavera? ¿Cuál es la razón de la presencia de temas impúdicos adornando los templos sagrados? «Una imagen vale más que mil palabras» es un dicho que adquiere mayor relevancia en el periodo medieval, cuando la inmensa mayoría de la población era iletrada. Desde la creación del universo hasta el juicio final, pasando por todos los pasajes y personajes relevantes de los textos sagrados, la iconografía románica sirvió para dar al pueblo llano una visión del mundo, ya que Dios era, de forma unánime, el alfa y el omega. Sin embargo, desde el punto de vista del ciudadano del siglo XXI, puede asombrar que este arte expusiera también una vertiente profana e impúdica, que escapaba de la estricta moral cristiana de la época, en la que tampoco se deben pasar por alto otras expresiones como las representaciones geométricas, vegetales y de bestias tanto reales como fantásticas. Carlos Taranilla nos muestra, a través de este libro ilustrado, un viaje histórico por catedrales, iglesias, monasterios y museos de diferentes puntos de España y del resto del continente europeo para acercar al público la iconografía románica con una mirada amplia y divulgativa, basándose constantemente en numerosos ejemplos que nos siguen fascinando hoy en día. «Este libro, respetable lector, está concebido como un manual o guía para introducirte en el conocimiento de la iconografía románica, para lo cual, estamos seguros, te resultará de mucha utilidad el esquema general que hemos confeccionado, algo que no encontrarás en otros libros, y que constituye una brújula imprescindible para adentrarse en este apasionante estilo artístico, que tuvo su desarrollo histórico durante la Plena Edad Media, pasado el año mil y el terror al fin del mundo, inferido de algunos mensajes bíblicos apocalípticos tomados en sentido literal».
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En este libro se ofrecen los conocimientos básicos necesarios para abordar la representación gráfica de las aves desde el punto de vista de su anatomía y sus costumbres.Queremos destacar que todo el trabajo de documentación y de ilustración lo ha llevad
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Descubre los pasos, trucos y consejos necesarios para dominar las distintas técnicas pictóricas y los principios sobre los que éstas se fundamentan, y aprende las nociones básicas que te orientarán y ayudarán en tu camino de creación.
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Bartolomé Esteban Murillo fue uno de los más sobresalientes pintores del siglo XVII en España, creador de temas y aglutinador de estilos e influencias. Admirado en su tiempo, olvidado después, su figura ha vuelto a recobrar el puesto que le corresponde dentro del panorama pictórico del barroco español.
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Una mirada nunca antes vista a los sorprendentes paralelos temáticos entre KAWS y Andy Warhol, dos de los artistas más emblemáticos de nuestro tiempo.Como artistas célebres que se basan en la cultura popular, KAWS y Andy Warhol son conocidos por crear arte accesible más allá de los límites del mundo del arte tradicional. Si bien a primera vista, las obras de ambos artistas a menudo parecen festivas y alegres, comparten una serie de oscuros hilos comunes debajo de la superficie: la tragedia como espectáculo y las meditaciones sobre la muerte y el morir. Cuando se yuxtaponen estos dos audaces trabajos, esa conexión se vuelve explícita y poderosa.Este libro destaca la intersección artística de KAWS y Warhol, presentando sus interpretaciones de la muerte y el desastre, la publicidad, la nostalgia, la abstracción, las calaveras y el autorretrato.La publicación coincide con una importante exposición en el Museo Andy Warhol que viajará internacionalmente y que presenta algunas de las obras más destacadas y análogas de dos de los artistas más populares de todos los tiempos.
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¡EL MANUAL IDÓNEO PARA TODOS AQUELLOS ARTISTAS QUE AMAN EL MANGA! Conviértete en todo un experto del dibujo manga con esta nueva colección de títulos que presentamos. Aprende de la mano de auténticos profesionales las mejores técnicas y consejos infalibles que te ayudarán a asentar en muy poco tiempo unas bases de dibujo sólidas que audarán a adentrarte en el mundo profesional o ayudarte a crear tus propios personajes manga.
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Con penetrante lucidez y una aguda capacidad de observación y exégesis, Strand viaja al origen del hipnótico misterio que late en las telas del pintor. Pocos pintores hay en la historia del arte del siglo tan icónicos, reconocibles y comentados como Edward Hopper. Su obra refleja la extrañeza de nuestro entorno cotidiano y urbano. A pesar de que sus pinturas constituyen ya un tópico visual, hay en su callada belleza mucho silencio que pugna por ser verbalizado. Y ahí es donde Mark Strand ensaya sus variaciones en torno a la obra del maestro norteamericano. Strand, uno de los grandes poetas de nuestro tiempo, nos invita a mirar con él esas escenas desoladas, esos relatos esbozados, esos interiores despojados de nuestra humanidad. Sus comentarios -organizados en torno a una amplia selección de pinturas- se convierten en verdaderas traducciones del universo plástico de Hopper. Si bien no estamos ante un libro de poemas, es indudable que el trabajo de Strand debe mucho a la poesía y a la forma de mirar que nutre el ejercicio poético. Y a esa labor se le añade en esta edición -ilustrada con las pinturas que originan los textos- la espléndida traducción de Juan Antonio Montiel, capaz de preservar en castellano la minuciosa riqueza de matices y acentos del original inglés.Críticas:«De las muchas obras escritas sobre Hopper ninguna es más serena y misteriosamente cercana que el brillante librito de Mark Strand.»John Updike
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Este catálogo ilustra la exposición URBES, realizada en el MEAM de Barcelona, que explora cómo los artistas actuales representan la realidad de su entorno urbano, estableciendo un diálogo entre la construcción y la destrucción, entre el individuo y la colectividad. Las obras nos invitan a reflexionar sobre los cambios constantes de la vida urbana, impulsados por el progreso y por los constantes desafíos ambientales, políticos y culturales. Esta muestra, fusiona lo artístico y lo existencial. Una misma ciudad es tantas ciudades como ciudadanos tiene, pues cada uno la siente y percibe de un modo único. Las proyecciones subjetivas de los artistas cobran vida sobre el lienzo y nos transportan a las múltiples facetas de la vida urbana. Los espacios están connotados, nos explican historias. Calles, plazas y edificios son los escenarios en los que se desarrollan nuestras vidas.
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La exposición recorre el conjunto de la trayectoria de Jawlensky, desde sus orígenes en Rusia a sus distintos periodos en Suiza y Alemania donde, en contacto con artistas también presentes en la muestra (WassilyKandinsky, Gabrielle Münter, Marianne Werefkin), se convierte en uno de los más audaces forjadores de loscaminos de la autonomía de la pintura, esos que dirigen el arte del siglo XX hacia la abstracción. Su trabajo seriado, forjado en repeticiones y regresos casiobsesivos, como las Variaciones, muestran vínculos con el ámbito musical, modelo de lenguaje no figurativoclave para esta generación pionera. Mientras que las Cabezas abstractas y Cabezas místicas insertan a Jawlensky en el linaje de artistas modernos que indaganen formas alternativas de espiritualidad y trascendencia. Su interés por la imagen serial, de extraordinaria influencia en la segunda mitad del siglo XX, se radicaliza en sus Meditaciones, donde un único y enigmático rostro de ojos cerrados, tras el que se transparentan los rasgos del icono, parece llamar a la introspección. Esa tenacidad de Jawlensky en la plasmaciónde la cara humana nos devuelve un elemento clave en la actualidad: el de la contemplación del rostro ajenoprecisamente en un momento, como el actual, en que este se nos presenta velado.
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Durante el periodo Edo (1603-1868), grandes maestros de la estampa como Hokusai, Yoshitoshi y Kuniyoshi realizaron multitud de coloridos grabados en los que inmortalizaron a los guerreros más célebres de la historia, la leyenda y el teatro kabuki.Presentamos las ilustraciones más vibrantes e icónicas de los hombres de armas que construyeron la historia de Japón: los Taira y los Minamoto, enfrentados incluso desde el Más Allá, Yoshitsune, el héroe trágico, Miyamoto Musashi, el samurái por antonomasia, los 47 ronin y su célebre hazaña de venganza… pero también a otros valientes no tan conocidos como el pirata Kezori Kuemon, el ladrón Ishikawa Goemon o el bandido Hakamadare.Un libro para los amantes del arte japonés, los apasionados de la historia de Japón y los entusiastas de la cultura samurái.
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La historia del arte de la Antigüedad que me he propuesto no es una mera narración de los periodos y las transformaciones que aquél experimentó, puesto que tomo la palabra historia en el sentido, más amplio, que ésta tiene en la lengua griega, y mi intención no es otra que ofrecer el ensayo de una construcción teórica.' Con estas palabras inicia Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) la que puede considerarse como obra fundacional de la Historia del arte como disciplina académica, cuya primera edición vio la luz en 1764. En sus páginas aborda el arte de egipcios, griegos y romanos, describe piezas, corrige dataciones y atribuciones, pero no se limita a la simple acumulación erudita de datos, sino que, por encima de todo, busca establecer un sistema que permita una explicación coherente del conjunto, y para ello somete a crítica las fuentes, considera que es fundamental experimentar las obras en primera persona, une la producción artística a las circunstancias históricas, en suma, trata de mostrar «la esencia y la interioridad del arte», lo que, a pesar del tiempo transcurrido desde su publicación, sigue estando plenamente vigente. Un texto de obligada lectura para toda persona que aspire a ser historiador del arte.
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Históricamente el Mediterráneo ha sido un espacio de entendimiento y confrontación donde Occidente y Oriente han participado en proyectos comunes y se han enfrentado política y militarmente. Sin embargo, desde el siglo XVIII las potencias occidentales han conseguido una hegemonía económica, política y cultural que les ha permitido tener un trato de dominio colonial sobre el conjunto de países árabes o musulmanes.Escapar del punto de vista mayoritario, romper con las creencias hegemónicas e intentar construir un discurso propio que dote de personalidad e identidad a un país o a una cultura es una tarea ardua y costosa. Los países árabes han visto secuestrada su voz y su manera de ver el mundo por una concepción generalista e igualatoria que tiende a negar las diferencias, olvidar la pluralidad de voces o sentimientos, y llevarnos a una historia única e indiscutible, a la sombra de Occidente.Este libro tiene un doble objetivo: por un lado, entender cómo se ha ido construyendo un discurso cultural e ideológico colonial en el que ha primado el desinterés y el menosprecio por aquello que no se conoce o se teme, por otro, dar a conocer el conjunto de proyectos, experiencias y discursos poscoloniales que muy diferentes creadores (desde las dos orillas) van elaborando y que nos dan una visión mucho más amplia y compleja de un área geográfica tan importante como es el Mediterráneo.
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Aprende a dominar el mejor lenguaje para conectar contigo mismo: el dibujo.Cómo dibujar un cocodrilo es el libro perfecto para descubrir que el arte del dibujo se puede practicar a lo largo de toda la vida. En el fondo, nadie nace sabiendo dibujar, pero solo los que se dedican a ello conocen esta verdad. Con este práctico método, David Peña Toribio (alias Puño) nos devuelve la ilusión por una de las primeras formas de expresión que aprendemos cuando somos pequeños (como escribir, tocar un instrumento o hablar), pero que, por diversas razones, en seguida olvidamos. A lo largo de estas páginas, no solo nos pondremos manos a la obra con lápiz y papel, sino que también vamos a adquirir las herramientas necesarias para pensar, observar y crear. Aunando teoría y ejercicios muy entretenidos, este libro será útil para lectores de todas las edades. Eso sí, con un objetivo en común: dejar los prejuicios sobre nuestras capacidades creativas atrás y disfrutar de nuestras ideas sobre el papel.
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Con esta completa introducción a la pintura al óleo, aprenderá todo lo que necesita saber para ponerse manos a la obra. La artista profesional Estelle Day explica todas las técnicas principales con detalle, desde la mezcla de colores hasta el método del glaseado. Se incluyen dibujos para calcar de los 9 proyectos de bodegones clásicos a escala reducida, de manera que pueda empezar a pintar de inmediato. Cada uno se trabaja en un lienzo de 10 cm, perfecto para perfeccionar sus habilidades. Déjese seducir por el luminoso y vibrante mundo de la pintura al óleo.
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En Pintura al aire libre para artistas, la premiada artista y prestigiosa profesora de pintura Aimee Erickson le da las claves para aprender a capturar una gran variedad de efectos de iluminación y le ayuda a perfeccionar sus técnicas de pintura al aire libre con ejercicios prácticos. El libro se divide en los siguientes apartados: Materiales y equipo. Obtenga una visión general de todo lo que tiene a su disposición para no poner límites a su creatividad. Composición y valor. Explore los efectos de la proporción, el color, el valor, las líneas, los contornos, la forma y la textura. Color. Analice cómo los conocimientos y la intención, la paleta de colores y lo que ve (su perspectiva) se turnan para llevar las riendas del juego cromático, inventarse reglas y encontrar soluciones. Efectos de iluminación. Aprenda cómo las condiciones ambientales (cuánta luz hay y si esta es tenue, difusa, dorada, intensa, pálida o mortecina) influyen en todo lo que vemos y en nuestra forma de pintarlo. Diseño e idea visual. Descubra estrategias para desarrollar una idea visual, desde crear una serie de estudios hasta trabajar con la cámara de fotos o improvisar.
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Personajes listos para dibujar y técnicas de ilustración paso a paso! Una guía práctica para aspirantes a ilustradores de fantasía que ofrece un gran repertorio de ideas y técnicas para crear personajes extraordinarios. Descubra todos los secretos del vestuario y las armas, y aprenda a dibujar poses de acción dinámicas, semblantes realistas, gestos y un lenguaje corporal lleno de expresividad. La ilustración definitiva de los personajes va acompañada de bocetos conceptuales y dibujos del proceso de construcción para que le resulte más fácil copiarlos o usarlos como punto de partida para crear sus propias figuras fantásticas.Tanto si trabaja con medios tradicionales como digitales, o si combina ambos métodos, este libro se convertirá en su obra de referencia básica. Los principiantes encontrarán instrucciones prácticas y muchas ideas valiosas. Matt Dixon es ilustrador profesional. Ha trabajado en distintos proyectos para la industria de los videojuegos, ha diseñado personajes y títulos originales para grandes sagas cinematográficas y ha ilustrado libros, revistas y novelas gráficas.
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La compleja relación entre Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat ha cautivado al mundo del arte de ayer yde hoy. Warhol ya era famoso en todo el mundo y Basquiat, una suerte de embajador extraoficial del Nueva York más cool, era un talento del downtown que emergíarápidamente de la escena grafitera. Juntos forjaronuna asociación personal y profesional electrizante.Warhol, un prolífico documentalista de su propiomundo, fotografió y escribió con profusión sobre suamistad con Basquiat con el Nueva York de la década de 1980 como trasfondo, revelando no solo la profundidad emocional de su relación sino también sus ambigüedades, diferencias y complejidades.Producido encolaboración con la Fundación Andy Warhol y los herederos de Jean-Michel Basquiat, este libro narra la amistad de la pareja en cientos de fotografías inéditasde Basquiat con un nutrido grupo de personajes que van de Madonna a Grace Jones y de Keith Haring a FelaKuti. Las imágenes vienen acompañadas de entradas delos legendarios Diarios de Andy Warhol, una selecciónde obras artísticas que Warhol y Basquiat realizaronjuntos y numerosos recuerdos. Conmovedor, íntimo y aveces incluso sarcástico, Warhol on Basquiat es unamirada voyerista a las vidas de dos de las estrellasmás brillantes del arte moderno.
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Dibujar puede ser tan sencillo como coger un lápiz y un papel. Pero existen infinidad de trucos y técnicas que pueden multiplicar exponencialmente el potencial creativo. El collage digital, las capas combinadas, los acabados contrastados, las líneas superpuestas, los juegos con la escala, el papel recortado... Helen Birch ha recopilado en este libro más de 80 técnicas de dibujo exponiéndolas a través de brillantes ilustraciones de algunos de los artistas más importantes del momento. Un magnífico compendio gráfico que funciona no solo como guía práctica para comprender y jugar con los fundamentos del dibujo ùlínea, color, tonalidad, etc.ù sino también como desafiante estímulo para descubrir sus posibilidades retóricas y comunicativas.
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José Pérez Ocaña (1947-1983) es uno de los creadores plásticos españolesmás conocidos y, paradójicamente, más ignorados del último cuarto delsiglo XX: la película Ocaña, retrat intermitent, de Ventura Pons,estrenada en 1978, favoreció que fuera una figura ciertamente insólita ypopular en la España de la Transición, pero su temprana muerte propicióque su producción no haya gozado de aproximaciones atentas hasta fechasrecientes. Este volumen pretende arrojar nuevas luces y plantear nuevosinterrogantes sobre su obra, su personalidad y sobre esta circunstancia,de la mano de investigadores especializados en la esfera de las artes,las letras o los estudios culturales y de género: Juan Vicente Aliaga,Estrella Díaz, Dieter Ingenschay, Fernando López Rodríguez, AlfredoMartínez Expósito, Rafael M. Mérida, Alberto Mira, Víctor Mora Gaspar,Jorge Luis Peralta y José Antonio Ramos Arteaga, a los que se añade unepílogo de Onliyú. Una interdisciplinariedad tal se antoja indispensablepara un acecho que desee abarcar estas y muchas otras cuestiones.También para comprender la obra plástica y las performances, la personay el personaje desde una órbita queer, anti-patriarcal y anti-heteronormativa. Ocaña ha podido considerarse icono de la Barcelonacontracultural. Su vitalidad y proyección favorecieron una paulatinaentidad metafórica, en vida, y su estatuto simbólico posterior. Ambas sevieron multiplicadas por la heterodoxia sexual y por la suma de unosorígenes y de una trayectoria ubicada en una muy concreta geografíafísica y humana, que reencarnó gracias a sus identidades múltiples.Ocaña es sinónimo de disidencias, tanto contra la jerarquía artísticacomo contra el puritanismo político —de las derechas, del centro y delas izquierdas— que dominaron la España de los setenta.
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“El verdadero arte es expresivo y simbólico, hace quetoda forma, sonido, color o gesto sea un signo de alguna esencia imaginativa imposible de analizar. El verdadero arte es la llama del último día, que comienzapara cada hombre cuando por primera vez lo emocionala belleza. Debemos entonces ser artistas en todas las cosas y que nuestra imaginación desee siempre la belleza, única máscara a través de la cual pueden verselos ojos sin velo de la eternidad.”
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