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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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En el 30 aniversario del film Pulp Fiction, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el universo del director. el rodaje, los actores y sus personajes, la música, los antecedentes, las influencias... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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En el 50 aniversario del film La matanza de Texas, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: Los hechos reales, la novela original. los actores y sus personajes, el rodaje... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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https://pamiela.com/media/Joseba_Sarrionandiaren_zinema_paperak_(1977-1980)_fitxa.pdf
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Con este libro, los autores, Javier Ramos y Ángel Caldito, nos muestran el importante papel que tuvo Madrid en el desarrollo del subgénero cinematográfico conocido como spaghetti-western. Asociado generalmente aAlmería, poca gente sabe que más de 200 westerns se rodaron, total o parcialmente, en la Comunidad de Madrid. De hecho, Madrid puede considerarse el lugar donde se desató el boom de este popular género cinematográfico gracias al rodaje, en Hoyo de Manzanares, del filme Por un puñado de dólares (Sergio Leone, 1964). La Pedriza, Colmenar Viejo, Hoyo de Manzanares, Ciempozuelos, Titulcia, Algete... fueron escenarios habituales por donde cabalgaron vaqueros, indios, soldados obandidos mexicanos. En Madrid, existieron tres grandes poblados del Oeste, varios poblados temporales, cuatro fuertes y decenas de ranchos y cabañas. Hoy en día, apenas quedan restos de estos lugares y casi nadie se acuerda de que existieron. El objetivo del libroes recordar estos lugares y que los aficionados al género puedan visitarlos. También se rinde un pequeñohomenaje a todos los madrileños, artistas, técnicos yempresas cuyos nombres aparecen en los títulos de crédito de muchos spaghetti-western. El libro incluye cerca de 400 fotografías a color y un prólogo de JoséLuis Galicia, decorador cinematográfico y uno de losconstructores del poblado del Oeste de Hoyo de Manzanares.
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Grandes firmas analizan uno de los géneros cinematográficos más populares: la comedia clásica. Howard Hawks, Frank Capra, Preston Sturges, Gregory La Cava, Mitchell Leisenà todos los grandes de la screwball comedy son homenajeados en ese libro. Cary Grant
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EL UNDÉCIMO VOLUMEN DE LA NUEVA COLECCIÓN DE LIBROS ILUSTRADOS SOBRE LAS PELÍCULAS DE HARRY POTTERDescúbrelo todo al respecto de los fascinantes profesores y trabajadores del Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. Este libro recopila increíbles il
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Aprender a construir historias mediante imágenes noes intuitivo. Se necesita planificación, algunos conceptos cinematográficos y saber hacerse algunas preguntas que solo se pueden responder en pantalla.'Plano aplano' es un manual de dirección cinematográfica conel que recorrer todo el camino del director: de la idea inicial a las visualizaciones previas, los distintos planos, movimientos de cámara y la práctica en elrodaje.Esta edición actualizada por su veinticinco aniversario incluye todos los principios del cine digital, cuenta con más de 800 ejemplos ilustrados y múltiples recursos para los amateurs cinematográficos y futuros profesionales.
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LA CRÓNICA VISUAL DEFINITIVA DEL RODAJE DE LAS PELÍCULAS DE HARRY POTTER Harry Potter: De la página a la pantalla abre las puertas del castillo de Hogwarts y el mundo mágico para mostrarnos los secretos, técnicas y espectacular arte
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Los apuntes que aquí encontrará el lector son ideas generales sobre elcine. Conceptos aplicados y reflexiones personales sobre el oficio dedirector de cine y sobre la creación artística en general. Son elresultado de mi experiencia como cineasta, es decir, como director decine y como cinéfilo. Siempre he pensado que visionar las películas delos demás es un acto tan creativo como hacer las mías propias. Elaprendizaje del cine no se diferencia del aprendizaje de la vida. Lavida es algo que se hace y que se aprende. El único tema de unapelículaes la vida, lo que viene a ser lo mismo que decir que el único tema deuna película es el cine.
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¿Te sientes culpable cuando te gusta una película de masas? ¿Te autoflagelas viendo cine de autor? No te preocupes, Pedro Vallín quiere curarte y ha escrito un ensayo herético que ni los superhéroes yanquis defienden la propiedad privada ni el cine de autor europeo transmite valores progresistas. Y que puestos a generalizar ocurre lo contrario.
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Después de publicar el exitoso libro Los lugares del terror, Enrique Agudo vuelve de nuevo su mirada al cine, a loscómics y a los videojuegos para adentrarse en los tenebrosos pantanos en los que la muerte acecha. Si en aquel primerlibro sus referentes eran la ciudad y la periferia, en esta ocasión el terror nos espera en castillos y bosques tenebrosos, encampamentos de verano sangrientos o en apacibles casas junto a un lago en el que no puede verse el fondo.Este libro está repleto de miedos que la cultura popular ha ido cosechando a lo largo del tiempo, terrores que esperanen el fondo de un pozo en Japón, en la granja de los Sawyer en Texas o en una estación polar en la Antártida. Atrévetea entrar en la alcantarilla donde se alimenta It, acompaña a los chicos de Stranger Things al mundo del revés, o intentamantenerte lejos de la Wonder Woman zombi de DCsos. Elige tu muerte favorita, antes de que ella te elija a ti.
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Una superproducción teológico-pornográfica en la que trabajó durante casi una década, Porno-Teo-Kolossal hubiera sido la película con la que pondría fin a su brillante y controversial carrera cinematográfica antes de dedicarse íntegramente a la escritura. Sin embargo, su brutal asesinato en 1975 dejó inconclusa esta oscura alegoría cargada de sadismo e irreverencia. Epifanio, un rey mago napolitano, emprende su camino seguido de un fiel servidor, Nunzio, en la búsqueda de la estrella que señala el lugar donde deberá rendir homenaje al Mesías recién nacido. Como un símbolo de esperanza, los caprichos del cometa lo conducirán por ciudades utópicas y salvajes, tan fantásticas como reconocibles. Estos alter egos satíricos de las grandes metrópolis del norte de Italia y Francia en las que reina la violencia y la degradación sirven a Pasolini para construir una crítica descarnada de la sociedad de consumo y la decadencia cultural de Europa.a de crear una sociedad no jerárquica y de liberar la mente de las influencias controladoras que nos rodean.
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Las grandes divas del cine clásico de Hollywood vistas a través de los impresionantes dibujos del ilustrador Alejandro Mogollo.Alejandro Mogollo sabe captar los gestos, las miradas y las expresiones de las grandes actrices del Hollywood clásico con gran precisión y preciosismo.Este libro presenta una selección de sus mejores dibujos, con una estética y colorido tan fascinantes que representan en sí mismos la esencia del glamour hollywoodiense.
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Hace treinta años se estrenó Instinto básico de Paul Verhoeven, película que levantó una fuerte polémica entre la comunidad LGTBIQ+ por la vinculación entre psicopatía y sexualidades no normativas. Catherine Tramell, el personaje que lanzó al estrellato a Sharon Stone, es una de las protagonistas de Ausencia y exceso. Lesbianas y bisexuales asesinas en el cine de Hollywood, un ensayo en el que Francina Ribes Pericàs aborda la paradoja entre la invisibilidad de la homosexualidad femenina en el cine mainstream y la espectacular presencia de escenas lésbicas en el cine comercial contemporáneo.Las protagonistas de títulos tan populares como Mujer blanca soltera busca…, Lazos ardientes, Juegos salvajes, Criaturas celestiales o Monster son, por lo general, mujeres fuertes que exhiben una sexualidad ambigua a la vez que ejercen la violencia y el asesinato. Se impone así el arquetipo de la lesbiana o bisexual asesina, que cristaliza durante el auge del neo-noir en el Hollywood de los ochenta y noventa y que es encarnado por feminidades excesivas, herederas de la femme fatale clásica y cercanas a la figura de la vampira lesbiana.En su libro, la autora indaga en la semilla de este arquetipo desde los orígenes del cine y analiza también cómo ha trascendido el género en el que se definió para adquirir nuevas connotaciones, preguntándose cuál es el significado de este personaje recurrente que nace marcado por la misoginia y la homofobia, pero que esconde un inequívoco potencial subversivo.
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Si estas memorias resultan singulares es porque las escritas por directores de cine escasean en todo el mundo. Pero también son peculiares porque Alfonso Ungría lo es dentro de su oficio. Un autor cuya obra muchos celebran como ''coherente'', quizá porque ha conservado siempre la libertad artística frente a las habituales normas comerciales. Son además un claro testimonio, que el autor relata como protagonista y como testigo, de dos etapas significativas: el franquismo y la larga Transición, mostrando las sucesivas transformaciones del cine español, su financiación, el papel de sus productores y de las ''majors'' USA, las leyes ministeriales, los festivales, TVE, etc. Unos cambios vividos a través de una filmografía construida tras muchas batallas y fracasos. Y es que, a menudo, las peripecias para conseguir hacer un film o salvarlo de recortes o censura son el relato de una aventura, repleta de suspense e incidentes, que nos fascina a todos (seamos cineastas o espectadores).
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El monstruo del monóculo es un homenaje al cine negro y sus protagonistas (Fritz Lang, Ida Lupino, Gene Tierney, Lana Turner, Humphrey Bogart, Otto Preminger, Dashiell Hammett, Vera Caspary...), y también a las mujeres que, en esos años, experimentaron un enorme cambio social que resultaría ser, en realidad, un gran engaño. El monstruo del monóculo, inspirado en una serie de objetos que el destino puso en manos de su autora, viaja entre el ensayo, la ficción y el guion cinematográfico.
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El libro de la serie Reina Roja, el fenómeno audiovisual del año. Con epílogo de Juan Gómez-Jurado y en colaboración con Prime Video. Descubre el proceso de creación de la adaptación audiovisual del best seller de Juan Gómez-Jurado. Con un epílogo del propio autor, estas páginas recopilan material exclusivo del making off de la serie: desde fotografías inéditas del rodaje, storyboards, fotogramas y declaraciones de los creadores y los actores hasta curiosidades sobre los efectos especiales o el desglose de las escenas más icónicas. «Nuestra serie -porque ahora también es tuya- es un desafío a lo que otros dicen que es posible, una oda a la inteligencia, una carcajada en el rostro de la muerte, un aplauso al amor incondicional. Porque así son Antonia y Jon. Y nunca los verás mejor ni más fielmente plasmados que habitando la piel de Hovik y Vicky. Ni mejor contados que por Koldo Serra. Estas páginas son testimonio de cinco años de trabajo narrando el amor». JUAN GÓMEZ-JURADO
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Uno de los profesores de cine con más prestigio en Estados Unidos ofrece el curso definitivo de la A a la Z sobre las complejidades del cine. A petición de sus alumnos, el autor condensa en pocas líneas y de modo gráfico sus mejores clases, que han inspirado a numerosas generaciones de grandes cineastas y escritores de Hollywood. Examina los patrones que convierten las películas en populares y memorables, y logra un libro útil tanto para quienes hacen películas como para los que solo pretenden entenderlas mejor. Es ya un clásico en la literatura sobre cine.
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Desde hace décadas los guionistas han examinado la estructura de sus guiones pensando en las cosas que pueden sucederle al protagonista, olvidando que lo que realmente debe preocupar a un narrador es lo que le sucede al espectador. La obsesión por destripar estructuras y actos, rastrear motivos y significados o mirar solo en el mundo audiovisual, ha logrado que la escritura de guión se haya convertido en un proceso aburrido, fatigoso y previsible, más propio de analistas y críticos que de creadores. Daniel Tubau, de acuerdo con los aires de renovación propiciados por los creadores o showrunners de las nuevas series de televisión, propone airear el cuarto mal ventilado de la escritura de guión y dejar que entre el aire fresco del gran arte narrativo. Frente a los trucos fáciles, las estructuras férreas y las fórmulas al uso, con una mezcla equilibrada de humor, ingenio y rigor, Tubau recuerda la riqueza de recursos que tiene a su disposición cualquier guionista. El espectador es el protagonista es a la vez un manual y un antimanual. Su autor no se limita a examinar los errores difundidos por los gurús del guión, sino que también ofrece herramientas, como el método empático, para hacer frente a los desafíos narrativos. Un libro perspicaz en el diagnóstico, innovador en el aspecto teórico y muy estimulante en lo práctico que hará recuperar el placer de escribir no solo al guionista profesional sino a cualquier narrador inteligente. Daniel Tubau es también autor de Las paradojas del guionista y El guión del siglo 21, ambos publicados por Alba Editorial entre otros muchos libros de ensayo y ficción.
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En esta tierra de cine que es Aragón, la provincia de Huesca reúne, seguramente, el más completo muestrario de escenarios naturales para el rodaje de producciones de ficción, documentales o publicitarias. Aquí se han rodado más de un centenar de largometrajes de ficción y muchos documentales, cortometrajes y anuncios. La capital oscense es, además, sede del Festival Internacional de Cine de Huesca, especializado en el cortometraje, con un consolidado prestigio internacional. Seguir las huellas de todas estas realizaciones es adentrarse en un inmenso y sorprendente plató.
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El presente libro describe un método de trabajo que los autores hemos ido creando, desde hace casi veinte años, a través de la experiencia con cientos de grupos psicoeducativos y psicoterapéuticos con niños, niñas, adolescentes y familias. La característica innovadora del enfoque nos lleva a hacer especial hincapié en su validación científica.
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Aventuras de un crítico sin apuros es un libro de experiencias. Aúna episodios que pudieron haber sido vividos o no como reflexiones surgidas a partir de treinta años de dedicación a la crítica literaria y de artes escénicas. La trayectoria del autor por su participación en jurados, congresos, publicaciones, colaboraciones de prensa, presentaciones y sobre todo la escritura a partir de la escritura de los creadores, lo cual le convierte a su vez en otro creador, ha derivado en distintos episodios que permiten reflexionar sobre la labor del crítico. Es un libro testimonial donde se nos habla desde la frontera con la literatura y las artes escénicas. Sin ánimo de generar polémica ni entrar en perspectivas académicas es una reflexión sobre un oficio que en unos tiempos sentaba cátedra y hoy en día se encuentra en decadencia y denostado. ¿Será porque cualquier creador de un hecho cultural necesita o desea una crítica de su trabajo?
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El cinema de Pere Portabella és indissociable de l'art i de la política. Són disciplines que es conjuguen i retroalimenten des d'una actitud comuna: impugnar les normes, les socials però també les estètiques. Aquest és justament el títol d'un volum que reuneix desenes de textos escrits per l'autor durant seixanta anys, des dels seus inicis com a productor fins a l'actualitat. Inclouen articles en diaris i revistes, presentacions dels seus films, pròlegs de llibres i catàlegs d'exposicions, conferències, així com algunes de les seves intervencions com a senador o diputat durant les primeres legislatures de la democràcia. Igual que el cineasta s'ha preocupat per preservar la seva obra per garantir-ne la difusión pública, ara és l'hora dels seus escrits. En l'edició prologada i anotada per Esteve Riambau, els textos s'articulen en tres grans blocs: l'oposició al franquisme, els primers anys de la democràcia i el retorn al cinema a partir de Pont de Varsòvia, sense oblidar una especial atenció vers el paper de la cultura a Europa. Sense mai separar l'art i la política del cinema, sorgeixen sinergies i confrontacions que ofereixen un retrat molt fidedigne del pensament de Portabella, a la vegada sustentat sobre interaccions amb personatges tan il·lustres com Luis Buñuel, Josep Tarradellas, Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Miró o Carles Santos.
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¡El cantor de jazz, Ámame esta noche, Magnolia, Una cabaña en el cielo, Los tres caballeros, El pirata, Los cuentos de Hoffmann, Una cara con ángel, Noches en la ciudad,El fantasma del paraíso y decenas de musicales más en un libro inolvidable! Más
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Como las buenas secuelas, Más Superhéroes en Hollywood continúa justo donde lo dejamos en el primer volumen. Han sido un par de años complicados en los que el cine se ha visto muy afectado por la pandemia, pero en los que también se han probado nuevos formatos de estreno y en los que las plataformas digitales de streaming se han convertido en una pieza clave en esta industria. Y en este contexto, en Más Superhéroes en Hollywood vamos a repasar todos los estrenos de cine de superhéroes desde 2020 y los primeros meses de 2022, llegando incluso hasta The Batman. Pero también habrá espacio para incluir las series de Disney Plus del universo de Marvel Studios, y para echar un vistazo al futuro que se nos viene durante los próximos años. Todo esto y mucho más en estas páginas, así que, bienvenidos a Más Superhéroes en Hollywood.
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Entre tus manos sostienes una colección de artefactos que representan momentos de la historia de la Orden Jedi tal como la conocemos, desde los días de la Alta República, hasta la oscuridad de la guerra entre la Primera Orden y la Resistencia. Los Caballeros Jedi han jurado proteger la luz, accediendo a la Fuerza, con el fin de defender a los inocentes y castigar la maldad en la galaxia. La Fuerza fluye a través de estos artefactos. Pero también fluye a través de ti. Como verás, algunos de estos objetos te ayudarán a recorrer la senda de los Jedi. Encontrarás sensatas frases de los legendarios Jedi e información sobre el combate con sables de luz. Además, aprenderás sobre un caza estelar de la Alta República, e incluso podrás diseñar tu propio sable de luz.Muchos de los otros artefactos que encontrarás aquí son objetos y obras de arte que conmemoran el legado de los más grandes Jedi, como Obi-Wan Kenobi, Ahsoka Tano, Luke Skywalker y Rey. Este volumen da testimonio de la Orden Jedi. Que protejas bien estos artefactos, y que sirvan como un recordatorio de que la Fuerza está contigo, siempre.
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El gest i la paraula
Les reflexions sobre el món del teatre, la poesia i la traducció d'una de les veus més reconegudes de la cultura catalana.Aquest volum comprèn diferents textos de Feliu Formosa (reconegut poeta, traductor, dramaturg, assagista, actor i director escènic català) escrits entre el 1969 i el 2001, que giren al voltant dels tres grans camps en els quals ha basat la seva tasca intel·lectual i professional: el teatre, la poesia i la traducció. Hi podem trobar pròlegs, presentacions de llibres, ponències per a simposis i jornades diverses, comentaris per a espectacles teatrals, etc. I també s'hi inclouen textos sobre dos temes als quals l'autor ha dedicat molts anys de la seva carrera: la literatura alemanya i Bertolt Brecht, de qui Formosa ha traduït molta obra i ha coordinat la publicació del seu teatre complet. La seva llarga experiència en el camp de la traducció, la seva tasca poètica que se'n deriva i la seva relació directa amb la pràctica escènica poden conferir un gran interès a aquests textos assagístics sobre la llarguíssima experiència d'aquest autor català dins el món de la cultura catalana, que va ser premiada amb la concessió del Premi d'Honor de les Lletres Catalanes l'any 2005. L'autor treballa en un segon volum que comprendrà textos del 2001 fins a l'actualitat.
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Go Rogue!Libro ilustrado repleto de espectaculares imágenes de los trabajos de arte (decorados, borradores conceptuales, storyboards...), es un recopilatorio visual para los fans de Star Wars y los futuros cineastas. El Arte de Star Wars: Rogue One es la expresión definitiva de cómo este spin off ha sido concebido. Nueva oportunidad de introducirse en el departamento de arte de Lucasfilm, encargado de crear mundos fantásticos, personajes inolvidables y criaturas inimaginables. Desde el inicial fichaje de artistas y diseñadores de producción en la sede central de Lucas pasando por los ajetreados Pinewood Studios hasta la fase de post-production en Industrial Light & Magic. SW The Art of Rogue One
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El cine español contra sí mismo traza las continuidades y discontinuidades fílmicas subterráneas del legado del surrealismo y del compromiso político dentro del Estado español desde los años treinta hasta la actualidad, desde la obra pionera de Carlos Velo, José Val del Omar, Luis Buñuel y Salvador Dalí hasta el cine militante actual forjado en la estela del 15-M. Sin embargo, por mucho que esté radicado en la historia, este no es un libro histórico, sino una contrahistoria, una impugnación de la temporalidad en sus diferentes formas.Enmarcado por la teoría de cine y el pensamiento filosófico, este libro sigue las huellas de estos antecedentes para analizar la obra de una serie de cineastas poco estudiados y no canónicos con el propósito de llevar el debate sobre el cine hacia unos horizontes críticos alternativos más cosmopolitas y complejos. En la época de lo posnacional y lo poscinemático, este volumen plantea un reto al discurso historiográfico tradicional y pone en tela de juicio el concepto de «cine nacional» y cuestiones formales de la práctica fílmica.
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«Ya se ha estrenado El séptimo sello y estoy ocupado
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Casi las mismas décadas de insumisión y rebeldía que ha protagonizado Godard con su vida y obra lleva Paulino Viota estudiando ambas, desde el apasionamiento cinéfilo y la devoción inteligente que siente por ''el cineasta con mayor riqueza estructural de la historial del cine''. Dividido en dos grandes bloques, este ensayo magistral --y ya definitivo tras la reciente desaparición del cineasta-- pone en perspectiva todas las etapas de su mítica carrera, que arranca con la irreverente modernidad de los años 60, atraviesa la militancia política y el utópico deseo de fusión en lo colectivo, y desemboca, rayando el nuevo milenio y como colofón a una duradera y profunda reflexión sobre la mediación tecnológica, en ese estilo inimitable donde lo poético acontece como posibilidad de una simultaneidad inédita entre imágenes y sonidos, materiales ya convertidos en ''formas que piensan'' la historia del cine y la del siglo XX, como ejemplifica a la perfección una de sus cimas, ''Histoire(s) du cinéma''. Sin obviar los títulos más emblemáticos del cineasta francés, Viota ha decidido aquí desentrañar especialmente el ''milagro laico'' del último Godard, el de algunas de las películas (Notre musique, Film socialisme, Adieu au langage y Le Livre d'image, es decir, las que apenas se estrenaban y comentaban entre nosotros) que más han cuestionado el rutinario estatuto del espectador audiovisual, atendiendo a cómo lo en principio ininteligible no se encuentra reñido con la reflexión y la emoción, sino que, más bien, el desmantelamiento crítico y la puesta en cuestión de los lugares comunes de la representación pueden añadir un potencial suplementario de afecto y misterio a las realizaciones del arte. El libro se cierra (para en cierta medida volverse a abrir) con un antológico artículo largo, «Godard infiel», sobre la trascendencia que la sexualidad -a partir de sus relaciones con Karina, Wiazemsky, Miéville, Roussel...- ha podido tener en su filmografía, un sugerente colofón que no es sino otra manera de repasar vida y obra -inmediatez y artificio, continuidad y variación-, factores inextricablemente relacionados en uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo.
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Rodando' es el compañero perfecto para los cineastasdudosos tras las cámaras. A lo largo de sus páginas,Steven D. Katz aborda la planificación de secuenciasdesde todos los puntos de vista y las circunstanciasde la producción, siempre de una forma amena y eminentemente práctica.Anticipa todos y cada uno delos problemas con los que se encontrará el director al llegar al rodaje: la coreografía de actores y cámara, la elección del material, la forma de economizar tiempo y recursos, los aspectos relativos al diseño dedecorados y elección de localizaciones.Además, las entrevistas a algunos de los profesionales queayudaron a la creación de películas como 'Terminator', 'Los pájaros', 'El graduado', 'E.T. el extraterrestre' o 'Taxi Driver' completan este volumen.
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Durante los años setenta, ochenta y noventa del siglo XX, e incluso en la primera década del xxi, el escritor, realizador y productor Augusto M. Torres dialoga con destacados cineastas mundiales. En ''21 cineastas españoles (entrevistas)'' reúne una variada selección con directores, guionistas, productores, actores y técnicos para construir un peculiar, original y coherente dibujo del cine español de la segunda mitad del siglo XX. Desde el olvidado de la más dura posguerra y el interesante de los años de la Transición hasta el nacido de la política cinematográfica de los socialistas. Una visión alejada de lo tradicional, lo habitual, lo siempre considerado políticamente correcto, que suele aparecer reflejado en las historias del cine. Un conjunto de entrevistas donde diversos profesionales hablan de su vida, sus películas y su relación con un medio tan específico como el cinematográfico. Realizadas en momentos especiales de las respectivas carreras, están prologadas por originales retratos y trayectorias de cada uno, además de una sucesión de consideraciones sobre las relaciones del entrevistador con el entrevistado y de estos con un cine tan específico como es el español durante esas décadas.
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El miedo es un medio de transporte hacia la madurez. Por eso hemos fusionado dos universos: el cine y la literatura infantil. Esta antología no sólo es la novelización de algunos clásicos del género, es una lente para verlos desde un ángulo nuevo. Nos muestra que dentro de cada película hay una lección valiosa detrás de sus momentos más espeluznantes.
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En esta obra se encierran años de investigación y práctica dedicados a la formación y dirección del actor, pero ello no le daría un valor especial si no fuera el resultado de una forma de ''vivir'' el teatro. Éste ha sido siempre el objetivo y -la gran lección- de WILLIAM LAYTON: desarrollar una técnica que se toma a sí misma como punto de partida y no como dogma de fe, una enseñanza que tiene lugar en un proceso de crecimiento orgánico y que ''sólo aspira a indicar un buen camino''.Lo que el lector encontrará es un cuidadoso resumen de su proceso didáctico, una técnica que encuentra en su sencillez y claridad sus mayores virtudes, pero también su gran dificultad y desafío. Porque si este ''trampolín'', instrumento tan fácil de entender como difícil de dominar, se quiere usar con virtuosismo, es decir, ''volar'' con él (''vivir'' el teatro), requiere, como dice su autor, ''meses de trabajo... años de práctica para hacerlo propio'', y así estar preparado para ''aprender del mejor maestro: el Público''.
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En la constelación de estrellas que figuran en este libro están algunos de los actores más populares de nuestro cine. Manuel Gutiérrez Aragón los retrata a la vez que se retrata a él mismo a lo largo de unas reflexiones sobre qué es la representación y la vida de cine. Desde la realidad hasta la imaginación y la fantasía, el director de algunas de las películas de las que se habla en este libro convoca a sus personajes para construir un magnífico relato. Relato no exento de crítica, pero, en cualquier caso, lleno de pasión por los actores, «esos seres imprevisibles e imprescindibles». «El primer conocimiento de una película es un acontecimiento carnal, la cara y el cuerpo del actor o la actriz, vistos ya en otras películas, en otras historias, convertidos poco a poco en amigos. A veces con amistad más íntima que los de la vida real.» Esta carnalidad se reivindica en el libro frente a la mera consideración del cine como lenguaje, según se puede apreciar en las reflexiones sobre el desnudo en el arte, especialmente «el desnudo femenino, tantas veces retratado y tantas veces bajo sospecha». «No hay desnudo inocente, porque no hay filmación inocente.» Ángela Molina, Clara Lago, Fernando Fernán Gómez, José Coronado, Ana Belén, Óscar Jaenada, Eduardo Noriega, Alfredo Landa... Éstos son algunos de los intérpretes que pasan por las páginas de A los actores, libro destinado a servir de referencia sobre la belleza y el mito del cine, que publicamos el mismo año en que Manuel Gutiérrez Aragón ha sido elegido miembro de la Real Academia Española.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.