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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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Tiembla, querido. Tiembla hasta petar. Por primera vez, las obscenas reflexiones sobre el porno (gay) del único y verdadero Hereje de la Disidencia Maricona. Bruce LaBruce, ese director de culto y ''pornógrafo a regañadientes'', no es solo una pieza del engranaje del Nuevo Cine Queer, es su maldita columna vertebral. Emergió como un virus en los bajos fondos de Toronto a finales de los 80 con fanzines punk queer y películas en Super 8 que hacían sangrar los ojos de la moral establecida, para luego infectar la escena internacional del cine independiente. Mientras tanto, LaBruce derramaba su tinta corrosiva y disparaba su cámara para revistas como ''Honcho'', ''Inches'', ''Exclaim!'', ''Vice'' y otros reductos de la contracultura que se atrevían a publicarlo. Esta colección vomita sus artículos más viscerales, políticos, incendiarios y despiadadamente ingeniosos sobre la pornografía. El volumen incluye un enfrentamiento verbal entre LaBruce y la bestia sagrada del porno gay Peter Berlin, ensayos políticamente incorrectos, artículos que no piden permiso y tres diarios de rodaje brutalmente honestos para SKIN GANG, THE RASPBERRY REICH y L.A. ZOMBIE. Todo ello acompañado por fotografías que pulverizan los límites, obras de arte y retratos que no podrás borrar de tu retina, entre ellos imágenes de Richard Kern, Raul Hidalgo, Ricardo Gomes, Terry Richardson y otros conspiradores visuales.
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Esta es la historia de cómo un chaval de un pueblo muy pequeño de Valladolid llamado Casasola de Arión, hijo de agricultores en un mundo lleno de durezas y con dos hijos consiguió vivir de contar chistes y llegó a ser El Francotirarock.Todos los monólogos incluidos en esta obra parten de un chiste, una idea o una situación que es cierta y personal de Álex. No es un libro solo de monólogos cómicos. Entre monólogo y monólogo te va a contar su vida con tono humorístico, a veces dramático y la mayoría nostálgico e irónico sobre los capítulos que por suerte le ha tocado vivir. Son reflexiones e historias que le han sucedido arriba y abajo de los escenarios. Delante y detrás de un micro. Y que espera que por momentos te emocione, que te haga reír en bastantes episodios y que te haga soltar alguna carcajada.
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¡Kineuropa proviene de Kino, cine en alemán, la lengua de Fausto y del expresionismo temprano, Kineuropa como kívnoiç, la palabra para movimiento y danza, del griego como el clasicismo mediterráneo que dio forma y orden a nuestro mundo. Kineuropa como cine y Europa, una crasis y unión de una idea y el espíritu que la generó. Nueve autores de diferentes orígenes, de perspectivas heterogéneas, pero con una visión común, procedentes de seis naciones diferentes, exploran en esta colección un mismo tema: cómo el Séptimo Arte no sólo nació por casualidad en una determinada coordenada geográfica y luego se extendió como un reguero de pólvora por los cinco continentes, sino que representa una expresión característica de un Volksgeist preciso y, al mismo tiempo, un medio privilegiado para que el hombre europeo se defina y comprenda a sí mismo, sus problemas, las preguntas que le son más urgentes, su historia, su ethos. Desde Goethe hasta Richard Wagner y su arte total, verdadera fuente de la que surge la aventura cinematográfica, desde Spengler y Nietzsche hasta la tragedia, y de nuevo desde Refn y Von Trier hasta Melville y la Nouvelle Vague, Fritz Lang, y más allá, hasta el corazón de la fantasmagoría de Méliès, el cine como rayo de la identidad europea brilla aquí en toda su luz y su encanto atemporal, acompañando al lector en un redescubrimiento, incluso antes del de una forma artística, de la Europa eterna, madre bella, patria inmortal.
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El mundo mágico de Pandora regresa a las pantallas de cine en diciembre de 2025 y esa magia se muestra ampliamente en este diccionario visual bellamente ilustrado. Con gran cantidad de nuevos personajes, de flora y fauna, de información importante sobre la forma de vida, las pertenencias y el entorno, este es un libro totalmente imprescindible tanto para los incondicionales como para los nuevos fans.
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El filósofo Slavoj Zizec reflexiona sobre el cine contemporáneo, lasnuevas formas de expresión artística, el ciberespacio, el universo deMatrix y sus dimensiones. Un ensayo que muestra los caminos del cine ylas nuevas tendencias. Slavoj Zizec es un pensador muy respetado por susideas y por lo variado y novedoso de su forma de escribir, compararrealidades y reflexionar sobre el mundo moderno. En esta obra aborda unode los fenómenos de comunicación de masas más importantes del siglo XX:el cine contemporáneo. Zizec, gran conocedor del «séptimo arte» y de losmedios de comunicación y su influencia en la sociedad, estudia losgrandes maestros del cine y sus motivaciones: Alfred Hitchcock,Tarkovsky, David Lynch, Krzystof Kieslowski, el fenómeno Matrix o lasdos caras de la «perversión espacial» con la idea de ciberespacio comosuspensión de la realidad. El libro se cierra con un sorprendentecapítulo final sobre la posibilidad (remota) de viajar en el espacio dela mano de los personajes de la serie Matrix.
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Desde las profundidades del banco Gringotts o el Callejón Diagon hasta los pasillos del castillo Hogwarts o el Ministerio de Magia, el Mundo Mágico de Harry Potter esconde infinidad de secretos, algunos de ellos ocultos a plena vista hasta para los seguidores más fieles de la mitología. ¿Alguna vez te has preguntado cómo funciona realmente el universo mágico, más allá de las novelas y el cine? Adéntrate en las páginas de este volumen para descubrir todos los detalles del universo de ficción más mágico de la historia, desde los artilugios de poder hasta la magia en el Mundo Muggle, pasando por las interioridades de la política o el deporte de la comunidad mágica. Un libro único que hará las delicias de todos los aficionados al mundo de Harry Potter.
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Las sabias e inspiradoras reflexiones de un icono del cine, ilustradas con elegancia por Megan Hess.Marilyn Monroe iluminó las pantallas de la Edad de Oro de Hollywood. A lo largo de su vida, breve pero inolvidable, exhibió una creatividad extraordinaria y un estilo inconfundible. Este libro, de la prestigiosa ilustradora de moda Megan Hess, es un tesoro repleto de sabias reflexiones que nos servirán de inspiración. «Marilyn Monroe inspiró a numerosos artistas, desde Andy Warhol hasta Madonna. Todo tipo de personas han hablado largo y tendido sobre ella, sin embargo, sus propias reflexiones también están cargadas de sabiduría. A lo largo de su breve vida, Marilyn aprendió mucho sobre las relaciones, la creatividad, la fama y, por supuesto, el estilo. Fue un auténtico icono del glamur, cuyo estilo nunca ha sido igualado. Sus palabras han sido una fuente de inspiración para mí y confío en que también lo sean para todos los lectores.»Megan Hess
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Sortilegio. La palabra fusionada con la acción es unsortilegio. Revivir a Stanislavsky y a Shakespeare para atacar las tradiciones de la palabra es un sortilegio. Este libro trata de la palabra no dicha y del cuerpo que se atreve a decirla. Este libro trata de losespacios en blanco entre las palabras y no de los significados que tienen en una mesa de análisis. Este libro trata de que un actor y un director comprendan que para entender, primero hay que hacer. No entenderpara poder hacer. Este libro trata del tamaño de lamesa de análisis del texto. Su medida es la del lugardonde se ensaya. Por un extraño sortilegio de tiempos y formas, Stanislavsky y Shakespeare coinciden conel autor. Han vuelto a descubrir el valor del conocimiento cuando lo aporta el actor y no queda enclaustrada entre la prisión de un lenguaje que debe atreversea dar un paso al costado. El libro de la técnica interpretativa que evita que un actor diga: Eso nunca loharía mi personaje. El libro de la técnica interpretativa que comprende la tarea de imaginar como un desafío del cual se ocupa el cuerpo. La Astucia del Cuerpo. Dejemos que hable.
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El cuerpo sonoro estudia el baile flamenco contemporáneo a partir del concepto que le da título: la capacidad del cuerpo danzante de producir sonido de manera autónoma, funcionando simultáneamente como instrumento musical y espacio de resonancia. Corinne Frayssinet Savy centra su investigación en tres bailaores y coreógrafos —Israel Galván, Rocío Molina y Andrés Marín— a quienes sigue mediante entrevistas y observación a lo largo de más de una década. La autora construye una genealogía del concepto que arranca en el etnomusicólogo André Schaeffner y en los experimentos escénicos de Vicente Escudero en los años veinte y treinta del siglo XX, mostrando que las propuestas actuales se inscriben en una historia larga del flamenco en diálogo con las vanguardias europeas. El marco teórico articula fenomenología, organología, musicología y teoría de la danza, y emplea las nociones de corporalidad y corporeidad para dar cuenta de las dimensiones biológica y existencial del cuerpo en movimiento. Cada uno de los tres bailaores recibe un tratamiento específico: en Galván se analizan las percusiones corporales y la deconstrucción del compás, en Molina, la improvisación y la escucha autoafectiva, en Marín, la poética del dúo y las texturas sonoras. El libro concluye con un examen del «baile sonoro» —suelo, objetos, calzado, pie descalzo— y propone, mediante la noción de heterotopía, el espacio sonoro como un lugar alternativo dentro de las artes escénicas contemporáneas.
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El dolor puede enfriar la voz, coagularla hasta helarla en un témpano de tiempo. La voz queda entrecortada en el trauma -que volverá sobre el cuerpo como un flash, como un rayo, como un zarpazo- pero será el retorno del deseo incierto el que, rodando y rodando, podrá ir deshelando la voz. La creación es una aventura del cuerpo y de los signos que permite trasponer el afecto en ritmos. Así, la voz pasará de la amargura al calor, del silencio a la articulación, al sabor de los signos, tozudos contrapesos del sinsentido. La nueva generación de directoras parece entender el cine como un dispositivo que retrata la soledad más fundamental. Acompaña allí donde no puede acompañarnos nadie, para que eso que se presenta indecible del amor, del sexo y de la muerte pueda poner en forma su imposible traducción. Las imágenes de las cineastas son deletreadas en este libro por Aarón Rodríguez Serrano, Tecla González Hortigüela, Lledó Morales Roig, Edurne Larumbe Villarreal, Núria Molines Galarza, Endika Rey, Anna Tarragó, Enma Calvo Olloqui, Mari Carmen Blanco Peris, Manuel Canga Sosa, Marta Martín Núñez, Carolina Morales Morales, Itxaso del Castillo Aira, Jordi Revert Gomis, Clara Heras Martínez, Mariana Freijomil Seoane, Ludovico Longhi, Jessica Izquierdo Castillo y Shaila García Catalán.
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Con este libro, los autores, Javier Ramos y Ángel Caldito, nos muestran el importante papel que tuvo Madrid en el desarrollo del subgénero cinematográfico conocido como spaghetti-western. Asociado generalmente aAlmería, poca gente sabe que más de 200 westerns se rodaron, total o parcialmente, en la Comunidad de Madrid. De hecho, Madrid puede considerarse el lugar donde se desató el boom de este popular género cinematográfico gracias al rodaje, en Hoyo de Manzanares, del filme Por un puñado de dólares (Sergio Leone, 1964). La Pedriza, Colmenar Viejo, Hoyo de Manzanares, Ciempozuelos, Titulcia, Algete... fueron escenarios habituales por donde cabalgaron vaqueros, indios, soldados obandidos mexicanos. En Madrid, existieron tres grandes poblados del Oeste, varios poblados temporales, cuatro fuertes y decenas de ranchos y cabañas. Hoy en día, apenas quedan restos de estos lugares y casi nadie se acuerda de que existieron. El objetivo del libroes recordar estos lugares y que los aficionados al género puedan visitarlos. También se rinde un pequeñohomenaje a todos los madrileños, artistas, técnicos yempresas cuyos nombres aparecen en los títulos de crédito de muchos spaghetti-western. El libro incluye cerca de 400 fotografías a color y un prólogo de JoséLuis Galicia, decorador cinematográfico y uno de losconstructores del poblado del Oeste de Hoyo de Manzanares.
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Versión original Notorius
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Para la autora de este libro, un cineasta es un cazador de mariposas que intenta dar con la mariposa justa, justo la que estaba buscando, la que le intrigó, le robó el corazón, le hizo sentir… Es esa imagen que encuentra toda su belleza, como la mariposa, en el vuelo, siendo volátil, inatrapable, inexplicable, un misterio imposible de fijar.En busca de esa ‘imagen - mariposa’, la autora nos dice que escribir cine es trabajar en tres capas que se pertenecen y dialogan entre sí: la de lo concreto (la superficie que vemos, la tierra que pisamos, la materia con la que trabajamos), la de lo general (no siempre se ve, pero sabemos que está) y la de lo universal (al fondo, en la profundidad, sosteniéndolo todo).De estas tres capas nacen la escritura creativa (la que alumbra la obra) y la escritura social (la que nos permite comunicarla y hacernos entender ). Este libro se adentra en sus secretos y recovecos para arrojar luz sobre ambos procesos y proponer vías provechosas que nos ayudan a recorrerlos.
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La imagen cinematográfica se halla en el quicio de la dialéctica entre vida e historia. Ella es como una membrana entre la vida quese agota o desvanece y el sepulcro donde la historia se acumula. Imagen liminar, también de resistencia ?su resistencia rad
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“El pensar de manera “dramatúrgica” es una forma de conocimiento con los mismos derechos que el pensar filosófico o el político”.En este libro, Dürrenmatt ofrece una serie de reflexiones sobre el arte del teatro. Cuestiona el sentido del teatro argumentando que en nuestra época la única forma posible es la comedia y no la tragedia, a la que ya no tenemos derecho.Tampoco el escenario es un campo de batalla para fines teóricos, ideológicos o didácticos. “Describo seres humanos”, nos señala, “no marionetas, una trama no es una alegoría, fabrico un mundo, no una moraleja”. Señala además que el teatro contemporáneo tiene dos caras: por un lado, es un museo, por otro, un laboratorio.Si es verdad, como Dürrenmatt cree, que el mundo en el que vivimos ya no es uno solo, que únicamente se pueden insinuar y poner en escena fragmentos de él, entonces habrá que admitir que ya no existe un estilo, sino diversos estilos, y que el teatro contemporáneo solo puede ser experimentación.El lenguaje de la libertad es el de la ironía, y esto lleva a Dürrenmatt a ensalzar lo burlesco, “una de las grandes posibilidades de la concreción”, y la sátira, “un arte que es preciso esencialmente porque exagera”.“Escribo conociendo lo absurdo de este mundo pero sin desesperar”, dijo refiriéndose a sus comedias satíricas y poco moralistas en las que, a menudo, se mezcla lo cruel con lo grotesco.
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«Todo procede de algún lugar, aunque este no sea sinónimo o promesa de ningún origen ni de ningún sello de autenticidad.» Como bailarina, coreógrafa y antropóloga del cuerpo, Núria Guiu ha iniciado un nuevo paradigma en la creación coreográfica local. Su obra, fruto de la investigación-creación desde el campo de la antropología, pone el foco en el movimiento, la imagen, el poder y la performatividad en un contexto de mundo globalizado, impactado por las redes sociales y la digitalización de la vida. ''POV'' es una rica, profunda y sólida exposición de los fundamentos conceptuales, reflexiones, experiencias, metodologías y procesos de trabajo de esta creadora de referencia, que recibió el Premio Nacional de Cultura en 2022 en la modalidad de Danza. Escrito íntegramente en primera persona en un lenguaje directo y desgarrador, el texto nos permite captar el mundo interior y los referentes conceptuales y críticos que articulan el discurso artístico de esta creadora.
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Los tres días del cóndor, ''Todos los hombres del presidente'', ''Network''... Cincuenta años después del estreno de estas películas, el mundo ha cambiado bastante. Y lo ha hecho, en buena medida, tal como estas obras profetizaron. El poder en las sombras, ese que permanece inalterable más allá de mandatarios y directores ejecutivos, es hoy más peligroso que nunca, gracias a convertir en cómplice silencioso a parte de la ciudadanía con su apatía sumisa.En los días de los vídeos generados por IA, el auge de las ultraderechas, las ''fake news'' o el negacionismo científico, este libro viene a rescatar una docena de películas que denunciaron el temor de la población frente a los abusos del poder, la impunidad corporativa y la manipulación mediática. Una frustración generacional que les llevó a gritar aquello de “¡Estoy más que harto y no pienso seguir soportándolo!”.“Uno de los méritos de este excelente libro de Márquez Sánchez es iluminar nuestro presente con un pasado no tan distante. Y, lamentablemente, cabe decir que nuestro presente no queda demasiado bien parado”, Ignacio PeyróJavier Márquez Sánchez (Sevilla, 1978) es periodista y escritor. Ha sido subdirector de las revistas Cambio16, Esquire, Forbes y actualmente de Tapas, y es colaborador habitual de medios como Efe Eme, Historia y Vida, La aventura de la Historia o Cadena SER.
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Manual de cineEl pequeño manual del guionista es una guía esencial para todo aspirante a escritor de cine. Con un enfoque claro y práctico, Louveau desentraña los secretos del arte de escribir guiones, combinando teoría y ejercicios que permiten aplicar de inmediato lo aprendido. El libro acompaña al lector en cada etapa del proceso creativo: desde la construcción de personajes profundos y complejos que impulsan la trama, hasta la organización de la historia mediante herramientas estructurales que aseguran un flujo coherente y emocionante. Ofrece además técnicas avanzadas para perfeccionar diálogos, crear giros narrativos impactantes y desarrollar historias que conecten con la audiencia. Con un estilo accesible y motivador, este manual invita a comprender que la escritura es un arte que se perfecciona con la práctica y la perseverancia.Una obra indispensable para quienes desean transformar sus ideas en guiones sólidos y emocionalmente resonantes, un compañero confiable en el camino hacia la creación cinematográfica.
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Este volumen ofrece un panorama de las estrechas y a veces difíciles relaciones que se han establecido entre la creación cinematográfica y la teoría psicoanalítica, desde el surgimiento de ambas a finales del siglo XIX.En la primera parte, se describe la evolución experimentada por dichas relaciones a partir de Freud, hasta las modernas propuestas de Guattari o Žižek, al tiempo que se revisan tanto la “teoría del aparato” como las diversas objeciones planteadas a la misma desde enfoques tan diversos como la teoría gay, lesbiana o queer, los estudios culturales o cognitivos, y la actual teoría digital.La segunda parte expone las aportaciones que pueden derivarse de las teorías formuladas por algunos clásicos posfreudianos como Rank, Adler, Reich, Fromm, Marcuse o Jung en lo que se refiere a la interpretación de numerosas producciones cinematográficas.Finalmente, el libro aborda de forma puntual aspectos más concretos de la relación cine-psicoanálisis, desde el tratamiento de la figura del psicoanalista en las pantallas hasta las relaciones entre el cine y la cura psicoanalítica, y concluye con un apéndice sobre las relaciones entre psicoanálisis y filosofía en el cine de Woody Allen.
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De la introducción: «Aunque siempre lo seguí muy de cerca, jamás llegué a imaginar que el Certamen de Teatro “Dramaturgo José Moreno Arenas” pudiera proporcionarme tantas satisfacciones como lo ha hecho. Lo he repetido una y otra vez, y hasta la saciedad: desde fuera se veía distinto, no sé, quizás fuese por la ausencia de responsabilidades directas. Me lo he preguntado de continuo. Pero una vez dentro –hace ya cuatro años–, la complicidad me ha llevado tan lejos que hoy veo el teatro como algo muy cercano. Lo recuerdo, en sus orígenes, vagamente, como algo distante, como una actividad cultural más de tantas como se celebraban en el Centro Sociocultural Fernando de los Ríos. De hecho, era una actividad más. Pero no nos engañemos: ¡Qué actividad! ¡Una actividad que ha disparado el “Albolote Cultural” hasta cotas impensables!: ¡Albolote, marca teatral en Andalucía, en España, en América! ¡Albolote, por fin, marca teatral en el mundo!».
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Una mirada exclusiva, detrás de las cámaras, al proceso creativo de Avatar: El sentido del agua, de James Cameron.Repleto de cientos de impresionantes imágenes y escrito en colaboración con los propios cineastas, descubre la increíble maestría creativa y técnica que se ha utilizado en Avatar: el sentido del agua.Con un arte conceptual impresionante, diseños complejos de personajes, criaturas y disfraces, descubre los detalles de Pandora con sorprendente detalle.Avatar: El sentido del agua se produce en colaboración con la productora de James Cameron, Lightstorm Entertainment, y 20th Century Studios.Con prólogo del cineasta Robert Rodríguez.
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¿Cómo se filma un unicornio? Documentales que quizás nunca verán la luz. Un director que se enfrenta a la traición. Un narrador que miente, que reconstruye su memoria a través de las imágenes, intentando atrapar lo que ya no existe. Cómo se filma un unicornio es la historia de un hombre obsesionado con filmar la belleza, mientras su vida se deshace en un equilibrio frágil y su obra queda atrapada entre lo que recuerda, lo que imagina y lo que nunca llegó a ser. Desde la Almería de su infancia hasta el París donde todo se desmorona, pasando por la selva amazónica, Jerez de la Frontera, una isla en Bangladesh, las huellas de Auschwitz y las cicatrices de Guinea, el narrador persigue imágenes que se desvanecen mientras lucha por sostener su vida y su obra. En ese recorrido de veinticinco años se cruzan personajes reales y ficticios: un padre que se derrumba, una compañera que se aleja, un amigo que desaparece, supervivientes del holocausto, marineros de ríos infinitos, inmigrantes, bailaoras, atrapados entre la memoria y la resistencia. Pero también es el testimonio de una batalla: la lucha contra una industria que asfixia el cine de autor, contra una producción cinematográfica marcada por la precariedad y la alienación de la televisión. En el centro de ese combate, la pregunta que lo atraviesa todo: ¿cómo se filma lo que es invisible? Con una prosa que oscila entre el lirismo y la crudeza, entre el impulso narrativo y la mirada crítica, la novela explora la tensión entre lo real y lo verdadero. Es también el retrato íntimo de un hombre aferrado a la belleza para comprender el mundo. Con una estructura que se aproxima al montaje de un documental, Cómo se filma un unicornio es una inmersión en el cine documental como herramienta para representar la realidad. ¿Qué significa encuadrar el mundo? ¿Cómo se construye la memoria? Una novela sobre la dificultad de construir la verdad y la necesidad de seguir intentándolo, aun cuando la memoria se transforme en ficción. Emilio Belmonte es cineasta documental y escritor. Nacido en Almería y afincado en París, ha desarrollado su carrera explorando los límites entre la realidad, el cine y la memoria. Sus documentales abordan tanto cuestiones sociales como culturales y han sido exhibidos en televisión, festivales y cines internacionales. Desde 2015 dirige una trilogía cinematográfica para salas de cine, La Piedra y el Centro, dedicada a las fronteras del flamenco. Es licenciado por la Escuela Nacional de Cine FEMIS y compagina su labor creativa con la enseñanza de cine documental. En Cómo se filma un unicornio, su primera novela, lleva su exploración del cine y la memoria a la literatura
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Las esperadas memorias de uno de los más importantes críticos e historiadores del cine clásico y contemporáneo.Esteve Riambau ha ejercido a lo largo de su vida casi todas las labores relacionadas con el séptimo arte: ha sido crítico e historiador del cine, cronista de los más importantes festivales, jurado en diversos certámenes, profesor universitario y también guionista y director. Esta riquísima trayectoria profesional le ha brindado la oportunidad de conocer y entrevistar a grandes realizadores, así como a actores y actrices internacionales, que en estas páginas aparecen con toda su humanidad y sus flaquezas, retratados siempre con ironía, ternura e ingentes dosis de humor. Estas deliciosas memorias comienzan cuando Esteve Riambau organizaba cineclubes de arte y ensayo en los años setenta y culminan con su efectiva gestión al frente de la Filmoteca de Catalunya. Entre ambos periodos, el lector de esta obra disfrutará con este deslumbrante homenaje a grandes protagonistas de la gran pantalla, desde los creadores de la Escuela de Barcelona hasta el glamur de Hollywood pasando por maestros del mejor cine europeo retratados, en algunos casos, desde una entrañable amistad.
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Miguel Ángel encarnado por Charlton Heston, Kirk Douglas con las facciones atormentadas de Van Gogh, José Ferrer como Toulouse-Lautrec... Este libro recoge casi novecientos filmes o series de televisión y más de mil personajes relacionados con la imagen del artista en el medio audiovisual. Aborda el encuentro entre el cine y las artes plásticas desde diferentes ángulos: el artista como creador (desde quienes pintan o esculpen hasta los que falsifican), sus orígenes, a menudo precoces, y la consagración como genio en edad madura o anciana, su compleja personalidad (maldito, rebelde, bohemio, transgresor, marginado, triunfador...), su entorno (la familia, sus modelos, los mecenas), la sociedad (el público y la crítica). Y concluye con una extensa filmografía donde concurren no solo biopics, sino también filmes de ficción que desde la comedia, el drama, la ciencia ficción o el thriller han brindado al espectador una extensa galería de personajes memorables. Hasta la fecha y en castellano, si bien existían trabajos dispersos sobre arquitectos o pintores, no se había publicado una obra que analizase de forma íntegra la figura del artista, abarcando distintas épocas y enfoques (personajes biográficos y personajes de ficción) y todo tipo de creadores (pintores, escultores, dibujantes o arquitectos, incluso copistas y restauradores). José Manuel Estrada aporta así un título de enorme interés para un lector especializado (expertos en arte o en cine) pero también para un público general y masivo.
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Rodando' es el compañero perfecto para los cineastasdudosos tras las cámaras. A lo largo de sus páginas,Steven D. Katz aborda la planificación de secuenciasdesde todos los puntos de vista y las circunstanciasde la producción, siempre de una forma amena y eminentemente práctica.Anticipa todos y cada uno delos problemas con los que se encontrará el director al llegar al rodaje: la coreografía de actores y cámara, la elección del material, la forma de economizar tiempo y recursos, los aspectos relativos al diseño dedecorados y elección de localizaciones.Además, las entrevistas a algunos de los profesionales queayudaron a la creación de películas como 'Terminator', 'Los pájaros', 'El graduado', 'E.T. el extraterrestre' o 'Taxi Driver' completan este volumen.
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![Qué [no] es el cine](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwf67e26f1/images/large/1567561.66.jpg?sh=240 "Qué [no] es el cine")
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¿Por qué vemos [tanto] cine? Lo cierto es que ya no podemos pensar en esa bulimia audiovisual con la residual y anacrónica metodología de la crítica cinematográfica, ni con la grandilocuencia de muchas de las Grandes Teorías, interesantes pero obsoletas, ni con los prejuicios inculcados por un Sistema Universitario desprovisto de sentido crítico.Para aprender algo de nosotros mismos a través del cine, para mejorar nuestra forma de imaginarnos, deberemos antes orillar la autocomplacencia y proponer discursos y metodologías que también puedan atraer a las nuevas generaciones.
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En 1935-1936, García Lorca está profundamente involucrado en la vida teatral: elige con sumo cuidado a las actrices con quienes planea trabajar, colabora en el montaje de varias piezas que ha terminado, y se propone escribir, concluir o estrenar muchas más. Durante ese periodo se halla en plena ebullición: quiere llevar al teatro «dramas de tipo humano y social», «temas horribles», «problemas que la gente tiene miedo de abordar» e «incluso comedia corriente de los tiempos actuales». Este libro rastrea los múltiples proyectos teatrales que baraja entonces Lorca y explora su relación con siete actrices que influyen significativamente en la concepción de los textos y en su puesta en escena: Margarita Xirgu, Carmen Díaz, Catalina Bárcena, Helena Cortesina, María Fernanda Ladrón de Guevara, Celia Gámez y Encarnación López Júlvez. El libro incluye una singular entrevista de 1949 a Margarita Xirgu —la más extensa de las concedidas en su vida y de muy difícil acceso hasta ahora—, que abarca toda su carrera profesional y permite entender por qué su nombre está tan estrechamente vinculado al de Lorca.
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Si te planteas escribir el guion de un largo, seguro que te surgen dudas. ¿De dónde salen las ideas? ¿Hay métodos para superar los bloqueos creativos? ¿Se puede vencer el síndrome del impostor? ¿Cómo se construyen los personajes? ¿Y qué es eso de salvar un gato? ¿Es posible estructurar de forma sencilla sin recurrir a los típicos paradigmas? ¿Cómo escriben los guionistas profesionales? ¿Se puede crear una primera versión sin ni siquiera teclear? ¿En qué se diferencian el suspense y la sorpresa? ¿Qué es la escopeta de Chéjov y cómo se usa? ¿Y de verdad existe algo que se llama ''Bocadillo de Caca''?En este manual ilustrado y visual encontrarás todos los pasos para escribir un guion de cine, desde la página en blanco hasta su venta, a través de los dibujos de Luis Miguez y de la experiencia como guionista de Jordi Farga. Además, se recopilan enseñanzas y declaraciones de grandes profesores, de famosos gurús y de los mejores guionistas.Con un tono ameno y desenfadado aprenderás herramientas creativas y técnicas de escritura cinematográfica, hasta que encuentres tu propio método y logres terminar tu guion. No pierdas más el tiempo y ponte con ello: ¡escribe tu peli!
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José Luis Garci propone a cien expertos en cine que elijan sus 100 mejores películas de la Historia atendiendo a varios apartados: 15 películas mudas, 30 películas clásicas, 15 películas modernas, 15 películas contemporáneas, 15 películas españolas y 10 documentales.
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Biografía del circo es en sí mismo todo un espectáculo: un apasionante recorrido por la historia del circo de la mano de Jaime de Armiñán, quien paso a paso, y de manera rigurosa y muy personal a la vez, va desgranando los entresijos del mundo del circo a la par que sus orígenes. Este, su primer libro, publicado por primera vez en el año 1958, es todo un clásico, una referencia imprescindible sobre el universo circense. Un volumen casi inencontrable —hasta ahora— que ha sido considerado por algunos críticos como una obra maestra en su género. Esta edición cuenta además con un nuevo prólogo de Jaime y con ilustraciones de Juan Ignacio Cárdenas, la Vainica Doble Carmen Santonja, Ramiro Tapia, José R. Alonso Castrillo, Eduardo Santonja, José E. Paredes Jardiel, José Luis Pradera, Chus Lampreave, Elena Santonja, Leo Anchoriz y Arcadio Blasco.
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En el centenario del film La quimera del oro, de Charles Chaplin, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su concepción, preproducción y rodaje, los actores y sus personajes, la música, las diferentes versiones ... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Una pequeña joya de la literatura dramática actual, (casi) un monólogo en el que no es difícil reconocer rasgos y gestos de los poderosos de nuestro tiempo. La Política ensaya para el retrato oficial que será el símbolo de su mandato. Aunque ha sido elegida democráticamente, preferiría ser una monarca con poder absoluto otorgado directamente por la mano de Dios. Sueña con la impunidad de sus acciones y con ser venerada incondicionalmente. Pero el pueblo se agolpa ante las puertas de su casa. Le piden explicaciones sobre la guerra, sobre los muertos de la costa, sobre la economía. Ella no está dispuesta a rendir cuentas, no cree que deba hacerlo, pero debe contener a la masa que amenaza su poder. La Política de Patricia Benedicto es un texto teatral que se lee como una novela, un relato que desvela las contradicciones de los líderes y que revela cómo el sueño del poder produce monstruos.
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¿Alguna vez te has parado a pensar en cómo se representa a las mujeres en el cine? Si los cuentos y los mitos nos enseñan cómo entender el mundo... ¿qué nos dicen las películas y las series sobre nosotras mismas? Vírgenes, femmes fatales, villanas, damiselas en apuros. ¿Las mujeres no podemos ser nada más? El cine y la televisión, históricamente dominados por hombres, se han basado en la mirada masculina que trata a la mujer como un objeto, con la única función de ser observada, servir a la narrativa del héroe o ser su premio final. Las mujeres racializadas, con cuerpos no normativos o que pertenecen a la comunidad LGBTQ+ parecen no existir en el cine y las series con las que crecimos, donde, además, hay poquísima presencia femenina detrás de cámara. Sandra Miret, divulgadora especialista en cine y género, analiza el imaginario con el que crecimos y cómo estos han dado forma a nuestra visión del mundo. Con un enfoque fresco y feminista y una mirada incisiva, nos invita a preguntarnos: ¿es la pantalla nuestro reflejo, o somos nosotros reflejo de lo que vemos en pantalla? ¿Qué encontrarás en este libro? Cuatro partes que analizan y desmontan la representación de las mujeres en películas y series, delante y detrás de la cámara. Con un enfoque fresco, una crítica feminista sobre la importancia que tiene el modo en que nos vemos representadas y cómo influye en nuestra percepción de nosotras mismas. Un texto divulgativo, profundo y plagado de contenido sobre las películas y series más relevantes de las últimas décadas: ideal para aprender y reflexionar sobre lo que vemos en la pantalla de forma amena y sencilla.
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We take the floor with Life magazine to showcase the very best in dance photography from around the world. From the rumba to the twist, the jitterbug to the waltz, the Lindy Hop to flamenco, from belly dancing to ballet, from West Side Story to Oklahoma, and featuring legends of the art form such as the Rockettes, Fred Astaire, and Rudolf Nureyev.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.