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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887), impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez.El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”
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T. S. Eliot se atrevió a calificar como el mayor logro artístico de Shakespeare esta última de sus tragedias romanas, admirada también por Coleridge y Brecht, e inspirada en una historia (legendaria) narrada por Plutarco. Coriolano es un guerrero sobrehumano y un aristócrata radical e inhumano. Su inflexibilidad lo lleva a la tragedia, no sin amenazar la subsistencia de Roma. El conflicto entre patricios y plebeyos ha dado lugar a puestas en escena con muy diversas perspectivas ideológicas.
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Tennessee Williams. Teatre maleït I
Obres que van ser maleïdes mentre l'autor era viu, però que als ulls del lector/espectador del segle xxi adquireixen una nova dimensió i permeten gaudir d'una experiència poc habitual: descubrir un nou vell autor i en tot cas, apreciar de manera global la magnitud i la qualitat variada i polièdrica del dramaturg estatunidenc més prolífic del segle xx.
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Cor dels amants
Una parella jove senfronta a una situació de vida o mort. De manera simultània, cada amant ens presenta versions lleument diferents dels mateixos fets. L'actual director del Festival d'Avinyó, ha reescrit el seu primer text de l'any 2007. En aquesta nova
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Coriolano condensa de un modo extraordinario las características del Shakespeare universal.Coriolano, una de las obras más políticas de William Shakespeare, ha sugerido en el mundo contemporáneo interpretaciones antagónicas. Sin embargo, no es un teatro de ideas, sino de personajes y «caracteres». Es, quizá, la última tragedia de su autor y, como tal, refleja los rasgos más característicos del Shakespeare maduro y universal, al tiempo que manifiesta una singularidad en el plano estético e intelectual que la convierten en su obra más inquietante: T. S. Eliot la consideró, junto a Antonio y Cleopatra, su mejor logro artístico. Frente a la espiritualidad de Hamlet o Macbeth, Coriolano es una obra de acción que insiste en lo material, en lo más elemental de la historia: la lucha por la supervivencia o, incluso, la mera subsistencia. Ángel-Luis Pujante, uno de los mayores conocedores en España de la obra de Shakespeare, consigue mantener en su traducción el estilo austero y el lenguaje lleno de paradojas, antítesis y dilemas de Coriolano, mientras que analiza en la Introducción el carácter de esa singular tragedia.
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Dominique ensaya su papel de Nina en " La gaviota" , de Chéjov, acompañada por su novio Jean, aspirante a escritor. Ambos tienen veinte años. Sobre ellos se ciernen dos figuras asfixiantes: la madre de Jean, actriz venida a menos, y su amante
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Conte d'hivern
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este primer volumen dela serie que recoge su «Teatro completo» incluye susprimeras tres piezas, escritas entre 1918 y 1924, marcadas por la Primera Guerra Mundial y sus secuelas:'' Baal, Tambores en la noche '' , que toma como telón de fondo la revuelta espartaquista de 1919, y '' En la jungla de las ciudades '' , centrada en la pugnasin cuartel de sus dos principales personajes. Traducción de Miguel Sáenz
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Cuando Pessoa contaba 25 años, ideó un proyecto que trataría de reunir siete obras de teatro estático. Deellas, la única que concluyó fue El marinero, que sepublicaría en la revista modernista Orpheu y que editamos ahora en castellano con ilustraciones de IgnacioLobera. El marinero, a pesar de no haber recibido durante muchos años más atención que sus obras poéticas, contiene toda una declaración de intenciones. Aunque con una estructura mínima y un lenguaje preciso, está cargada de pasión y tragedia. Es una obra perturbadora, misteriosa y lúcida que nos introduce en el gran universo pessoano.
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Un turista se suïcida
PREMI DE TEATRE CIUTAT D'ALCOI Un turista japonès que visita Barcelona per allunyar-se de la soledat, unadona embarassada que no estima el pare del seu fill,un publicista trepa, una publicista enganyada, un nen que se sent sol i ignorat... Aquests personatges coincidiran en l'espai i el temps del centre de la ciutat, en un món globalitzat on totes les grans urbs comencen a perdre els trets que les identifiquen. El queno saben és que aquesta trobada canviarà les seves vides per sempre.
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Teatre complet. Lucrècia. Arminda. Rosaura
L'obra de Joan Ramis és la mostra més important de la literatura catalana de segle XVIII, i s'emmarca en el corrent Neoclàssic, que era el vigent a Europa en aquell moment. A diferència de Fontanella (l'altre gran autor teatral de l'època Moderna) les obres de Ramis són fàcilment intel·ligibles per al lector d'avui, tant per la forma com per la llengua, així com perquè l'estil neoclàssic defuig l'obscuritat del primer Barroc. Els temes que toca són universals, l'amor, la justícia, la venjança... i encara avui en dia interpel·len els lectors i els espectadors. Aquesta edició presenta, per primer cop, tot el seu teatre en un sol volum.
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In 1603, James VI of Scotland ascended the English throne, becoming James I of England. London was alive with an interest in all things Scottish, and Shakespeare turned to Scottish history for material. He found a spectacle of violence and stories of traitors advised by witches and wizards, echoing James’s belief in a connection between treason and witchcraft.In depicting a man who murders to become king, Macbeth teases us with huge questions. Is Macbeth tempted by fate, or by his or his wife’s ambition? Why does their success turn to ashes?Like other plays, Macbeth speaks to each generation. Its story was once seen as that of a hero who commits an evil act and pays an enormous price. Recently, it has been applied to nations that overreach themselves and to modern alienation. The line is blurred between Macbeth’s evil and his opponents’ good, and there are new attitudes toward both witchcraft and gender.The edition includes:-Freshly edited text based on the best early printed version of the play-Newly revised explanatory notes conveniently placed on pages facing the text of the play-Scene-by-scene plot summaries-A key to the play’s famous lines and phrases-An introduction to reading Shakespeare’s language
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El teatro de Borja Ortiz de Gondra se caracteriza por su exploración de la memoria, la identidad y los conflictos familiares e históricos a través de una escritura reflexiva y una estructura narrativa compleja. Sus obras rompen la linealidad temporal, alternando tiempos, superponiendo acciones y mezclando realidad con imaginación, lo que refuerza la subjetividad del recuerdo y la tensión entre pasado y presente. En «¿Dos?» el reencuentro inesperado entre Irune y Nerea revive un secreto del pasado que desafiará sus vidas y su amistad, llevándolas a confrontar lo que fueron y lo que son ahora. «Metropolitano» relata cómo Oscar, en el metro de París, se enfrenta a su soledad y frustración, mientras la rutina y la deshumanización urbana lo rodean, con la amenaza de un destino incierto acechando. «Dedos (vodevil negro)» es una comedia desquiciada que aborda temas como el sida, el desempleo y la violencia urbana, mientras retrata las relaciones entre dos parejas atrapadas en un juego de poder y desesperanza. «Mane, thecel, phares» explora el racismo, la multiculturalidad y la violencia en las sociedades europeas, utilizando un lenguaje experimental y una narrativa fragmentada que desafía al espectador a reconstruir el significado. En «Perro del mejor amo», se retrata la tensa relación entre un padre y su hijo, marcada por la incomunicación, la violencia y el sufrimiento emocional, sin posibilidad de redención. «Hacia el olvido» narra el viaje de mujeres que se enfrentan al olvido y la búsqueda de identidad en un contexto de sufrimiento y desplazamiento a lo largo del siglo XX. En «Del otro lado (danzón)», conocemos la historia de dos hermanos divididos por la violencia y el pasado, mientras lidian con sus decisiones, el dolor del terrorismo y las cicatrices emocionales que el conflicto ha dejado en sus vidas. «Herida en la voz» narra la crisis personal y profesional de Adela, una intérprete en una cumbre internacional, mientras se entrelazan las tensiones de la globalización, la protesta política y las relaciones interpersonales.
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La reina dels embulls
Enmig d'una etapa de canvis a casa seva, marcada per la separació dels seus pares, la seva ment es veu envaïda per un cúmul de pensaments que li impedeixen sentir-se feliç. Però el destí li té preparada una sorpresa: coneixerà en Bigotets, un gat misteriós que es convertirà en el seu guia en un viatge inesperat cap al seu món interior.
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En la obra de teatro El Gé, Emma Demar nos abre las puertas de la casa de Paco, junto al que compartiremos una noche en la que el sexo, el deseo y la soledad se entremezclan bajo los efectos de las drogas. Entre las cuatro paredes de un piso de Madrid, convertido en pista de baile, refugio y campo de batalla, nuestro protagonista busca la conexión física y emocional con otros hombres a la vez que se enfrenta —entre presencias, ausencias, palabras y silencios— a sus propios fantasmas, mientras el chemsex se convierte en catalizador de una realidad marcada por los traumas del pasado.El Gé es un texto crudo y emocionante que nos atraviesa como comunidad. Un texto que no juzga, sino que muestra, no explica, sino que expone. Y deja al espectador —y ahora, al lector— sin la opción de mirar hacia otro lado. Sin la posibilidad de apartar la vista del reflejo que ofrece el espejo.En este mismo volumen encontrarás De Chill. Una guía para la reducción de riesgos y daños del chemsex de Iván Zaro, trabajador social, investigador y activista vinculado a temas de salud sexual, VIH y consumo de sustancias. A través de un enfoque riguroso y accesible, profundiza en las motivaciones que hay tras el chemsex, el papel de las apps de contacto, los efectos y peligros de las drogas más usadas, la responsabilidad compartida o la importancia de poner el consentimiento en el centro de las relaciones sexuales. Una obra que, lejos de romantizar el chemsex, nos advierte de sus consecuencias, al tiempo que rompe el silencio en torno a una práctica en la que el estigma convive con la necesidad de información.
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Fuente Ovejuna se cuenta entre las comedias más apasionantes de Lope de Vega. En ella el autor reivindica la fuerza y el sentido de justicia que subyacen a la colectividad, representando a través de las acciones de un pueblo que se rebela contra una autoridad local los valores humanos de la dignidad, el coraje y el apoyo mutuo. Su importancia literaria y social han sido enormes, tanto que incluso han dejado huella en nuestro refranero, como lo prueba el hecho de que la expresión ''Todos a una, como en Fuente Ovejuna'' todavía se utilice para reivindicar la unidad en la lucha contra la injusticia y por el bien común.
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Este cuarto tomo de las Obras completas de Luis Martín-Santos supone una auténtica novedad. Del teatro escrito por Martín-Santos había muy pocas y vagas noticias, por lo demás inexactas. Sin embargo, el autor había escrito para la escena desde muy temprano, y compaginó la escritura teatral con la narrativa durante muchos años. De toda su producción dramática se han conservado seis obras, dos de ellas incompletas, que hasta el día de hoy han permanecido rigurosamente inéditas. Irma, fechada en enero de 1946, es la primera de todas las piezas dramáticas de Martín-Santos. Escrita cuando el autor contaba 21 años, está compuesta al hilo de los acontecimientos históricos coetáneos. Concebida como una tragedia clásica, dramatiza el derrumbe del III Reich personificado en Irma. Claudia y Viaje hasta el límite, esta última fechada en 1953, muestran un avance considerable en la concepción dramática del autor. Se trata de dos dramas con varios puntos en común, localizados en el ambiente de la alta burguesía, un mundo donde triunfa el poder del dinero y donde las asfixiantes relaciones familiares abocan a la ruptura, a la desesperación y a la muerte. Suponen un intento por parte de Martín-Santos de crear un drama existencial de tintes psicoanalíticos. A pesar de retratar el mismo ambiente de la alta burguesía, Olga es, por el contrario, una comedia ligera en la línea de Jardiel o Mihura. El conjunto se completa con dos obras breves, La novia que no se ve, y la incompleta Los churros están fríos, de planteamiento muy realista y unos acerados diálogos que revelan la capacidad de Martín-Santos para retratar todo tipo de ambientes, desde una churrería de barrio a un colegio religioso.
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El caballero de Olmedo, la obra maestra de Lope de Vega, en la cuidada edición de Francisco Rico. Un referente del teatro del Siglo de Oro.Este volumen presenta la que posiblemente sea la obra maestra de Lope de Vega como dramaturgo, y sin duda, la que más ha pulsado nuestra sensibilidad contemporánea: El caballero de Olmedo. Inspirada en una cancioncilla popular, la tragicomedia presenta un enredo sentimental que adquiere desde el principio tintes fatídicos y a la postre sobrenaturales, subrayados por imágenes simbólicas generadoras de una profunda melancolía y pesar. La obra se ofrece en la mítica edición de Francisco Rico, puesta al día por el filólogo y académico en sus últimos años. Esta edición quiere, así, constituirse en el homenaje de la Biblioteca clásica de la RAE al que fuera su fundador y director cuando se cumple un año de su desaparición.
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Esta traducción que presentamos de Otelo es la segunda entrega de la colección «Shakespeare en el Mediterráneo». Coriolano fue la primera, y esperamos ir completando la traducción de las veinte obras restantes que el autor inglés situó en ciudades del Mediterráneo. En el prólogo de Coriolano se exponían las razones de esta iniciativa: el Renacimiento surgía en las ciudades de Italia y se extendía por el Mediterráneo, Inglaterra salía de la Edad Media y volvía los ojos y la pluma a Italia, Francia o España. Decíamos que «el Támesis terminó desembocando en el Mediterráneo».
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«Deja que las velas se apaguen solas (como sucedió en Las higueras necesitan compañía) es poesía de primer grado. En este libro hay intuiciones de esa naturaleza comentada, pero también hay recuerdos, y cosas observadas en viajes, y homenajes a personas queridas, y elegías, y anhelos... Hay algo claramente zen en todo esto, pero esa quietud y esa paciencia y esa observación serena no resuelven el irresistible misterio de la literatura que nos va regalando Rafael Pérez Hernando. Misterio y belleza se alían aquí con la sorpresa». Juan Marqués
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L'amansiment de la fúria
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Ladran los perros: esa es la gran verdad que alumbrala época. Ladran los perros y es tan colosal el ruido, tan apabullante el desconcierto que ya no se distingue el sainete o la tragedia, la gloria o la blasfemia, la misa o la taberna. Y por ese teatrillo de máscaras desfilan dos corazonadas: ''Los brazos contra elcielo'' y ''Solo queda caer''.
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Erich Kästner fue uno de los pocos autores literariosalemanes que vivieron el exilio interior por voluntad propia. Durante doce años se le prohibió escribir ypublicar, no solo en Alemania, sino que los tentáculos del régimen nazi extendieron su prohibición a otros países. En '' La Escuela de los Dictadores '' , un pequeño equipo de personas, comandadas por un ingenioso catedrático con ínfulas, se hace con el poder omnímodo, pretendiendo supervisar y dirigir toda la actividad del pueblo, pero también la de los políticos,de manera que el presidente de esa dictadura imaginaria sea la perfecta marioneta que obedezca a todos losmovimientos previstos por los '' manejantes '' profesionales. Una advertencia para el futuro, ante eseteatro que siempre puede volver a convertirse en un cruel teatro del mundo.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este duodécimo y últimovolumen de la serie que recoge su «Teatro completo»incluye ocho piezas en un acto escritas entre 1919 y1939. Traducción de Miguel Sáenz
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Christopher Marlowe (Cambridge, 1564) falleció a los veintinueve años dejando escritos siete dramas. Suvida fue turbulenta, y con las conjeturas sobre suspuntos oscuros se podrían llenar volúmenes. Fue acusado de blasfemo, ateo y homosexual. Tuvo un fin tráfico.A partir del personaje histórico de Jorge Fausto se crearon diversas leyendas que pasaron a la imprenta en 1587. Inmediatamente traducidas al inglés, sirvieron de inspiración al joven Marlowe, con lo queempezó la serie literaria de lo que había de constituir uno de los mitos de nuestra era: el sueño renacentista del hombre universal.
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El Misántropo es una creación singular para la época. Los personajes principales de la obra pertenecena la aristocracia, pero su comportamiento no sirve, como en las tragedias clásicas inspiradas en las monarquías e imperios, para resaltar las virtudes de la nobleza. '' El Misántropo '' hace funcionar un salónaristocrático en donde se debate el juego de las apariencias o de la hipocresía. Alcestes, el enamorado atrabiliario, es un héroe ambiguo y, como todos los héroes, la invulnerabilidad de sus normas éticas se ve amenazada por el punto vulnerable de sus sentimientosamorosos. Un coro de intrigantes, fatuos, hipócritas,chismosos y vanos cortesanos actúa como contrapuntode Alcestes, y las figuras de Filinto y Elianta constituyen el puente de prudencia y sabiduría, como portavoces del propio Molière.
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Restauración, publicada en 1991, abre el Teatro reunido de Eduardo Mendoza. A la inolvidable Mallenca de Restauración, que vive apartada de la ciudad y que una noche recibe tres inesperadas visitas, se unen en este volumen los pers
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Incitado por su amigo y rival George Bernard Shaw, que lo tenía por un escritor que malgastaba su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir una obra como dramaturgo: Magia, estrenada en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres.La obra tuvo muy buena acogida, representándose hasta 165 noches seguidas, antes de estrenarse en Nueva York con idéntico éxito.En una combinación de comedia y drama, de romance, intriga y paradojas, Chesterton aborda en esta obra singular muchos de los temas que le eran predilectos, especialmente la relación entre realidad y racionalidad, entre lo fantástico y la locura.
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Existe una disciplina terapéutica llamada constelaciones familiares. Entre personas desconocidas se hurga en el inconsciente para sacar la mierda a la luz. Y sale mucha mierda. Ancestros asesinados brutalmente, vidas truncadas porque sí, abusos... Aquí hubo una guerra civil. Una herida infinita que supura dramas como el que la actriz Tefi de Paz rescata en esta obra. La del Circo Anastasini que tuvo la mala suerte de programar una función justo el 18 de julio de 1936 en Lodosa, Navarra. ¿No sabes qué pasó en esa fecha? Puf... Mal día para reír. Mal día para ser un payaso. Mal día para casi todo, menos para matar. Gran parte de esta familia circense fue asesinada y enterrada en un campo perdido a la intemperie. Allí quedaron sus restos hasta que las manos de un hombre rascaron la tierra. Alguien que se negaba a pasar página. Hay algo peor que la muerte, y es el olvido. Por eso el personaje inventado por Tefi se llama así, Olvido Flores. Porque los muertos necesitan que los recuerden para seguir vivos entre los que los amaron. Y que les lleven flores frescas.A eso se dedica esta mujer creadora, a hacer justicia con los olvidados por la historia, a rescatar el arte, el espíritu de las familias que montaban su carpa allá donde les dejaran. «Solo queríamos haceros reír», parece que dicen desde sus tumbas. Olvido Flores es una dama de la guadaña que llega para recordarnos el privilegio de estar vivos desde historias como la de este circo que, al final, también es nuestra historia.
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Podría pensarse que el interés que despierta la obra Coriolano en la época contemporánea se debe a su carácter eminentemente político. Añadiríamos que quizá sea la más inteligente también. La obra enfrenta a dos fuerzas irreconciliables: el general Cayo Marcio Coriolano, con su odio y desprecio al pueblo, y este manipulado por los tribunos populares. La lucha se agudiza y se convierte en un apasionante juego de espejos dentro del marco turbulento de una ciudad dividida por el odio social y político. Coriolano, después de luchar por su país, quiere ser cónsul, pero necesita los votos de los ciudadanos. Un hecho que se aviene mal con su carácter que le llevará al destino trágico del héroe. Felizmente, no podemos hacernos una idea cabal de hacia cuál de los dos bandos se inclina la voluntad del autor. Y esa indefinición permite que la obra interese al público más amplio. La traducción de Eusebio Lázaro refleja certeramente el estilo lacónico cortante ''de piedra y bronce'' del texto más brillantemente razonado de Shakespeare.
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El teatre còmic / El criat de dos amos
El teatre còmic és l'obra en què Goldoni va concentrar les propostes de reforma de la Comèdia de l'Art. En el joc del teatre dins del teatre, Goldoni revisa els preceptes clàssics, advoca per la versemblança i proposa noves regles d'interpretació. I aquestes noves propostes s'exemplifiquen també en El criat de dos amos, una intriga esbojarrada i molt divertida que ordeix un dels personatges més universals que ha donat l'escena: Arlequí.
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«No me queráis tanto, que me vais a matáh» nos dice el dramaturgo, director de escena y performer Alberto Cortés en su nueva pieza, Analphabet. En ella, los fantasmas ocupan el papel protagonista de una historia construida sobre y a partir de la melancolía, la vulnerabilidad y la pena a las que nos llevan en ocasiones las relaciones de pareja. Ambientada en una mezcla de paisajes vascos, playas andaluzas y bosques del romanticismo alemán, Analphabet es (quiere ser) mito y consuelo de nuestras heridas y azote de nuestros abusadores. La palabra se convierte así en sanación del cuerpo maltratado y en altavoz de los abusos tantas veces silenciados que se dan (también) en las relaciones intragénero.Entre los múltiples paisajes y visiones aparecidos en estas páginas, encontramos a otros fantasmas que comparten genealogía: Goethe, Hölderling, Novalis, Bergamín o Anne Carson.Como correlato de esta herida, Siempre vengo de noche se cierra con un cuaderno de notas, o diario de trabajo, en el que el autor crea otra obra donde recoge sus inseguridades, contradicciones e impresiones acerca del hecho escénico y del oficio mismo de escribir.
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«El crisol» puede enmarcarse en la categoría de teatro político, por un lado, y teatro histórico, por otro. Ambientada en las colonias inglesas en el Nuevo Mundo, a finales del siglo XVII, la obra no habría sido escrita de no ser por otro momento histórico: lo que dos siglos y medio después estaba aconteciendo en Estados Unidos y en el resto del mundo, justo en los albores de la conocida como Guerra Fría. Otra «caza de brujas», la que tuvo lugar a principios de los años 50 del pasado siglo, sin duda una de las más conocidas, que el propio Miller sufrió y durante la que escribió «El crisol». Los acontecimientos que se produjeron en Salem, Massachusetts, en 1692, durante los cuales casi doscientas personas fueron acusadas de practicar la brujería, y que terminaron con la ejecución de varios inocentes, son una manifestación perversa del pánico de las autoridades ante la pérdida de poder y su empeño por restaurarlo. Lo que empezó siendo un juego de niñas terminó convirtiéndose en un instrumento para hacer volver a los colonos al redil de la fe y las buenas costumbres, estableciendo una suerte de imperio del terror. El paralelismo entre Salem y los albores de la Guerra Fría figura en el mapa de nuestra conciencia histórica gracias a la obra del genial dramaturgo norteamericano.
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La cisma de Ingalaterra lleva a escena la desventurada historia de los turbios amores de Enrique VIII y Ana Bolena, casada en secreto con el monarca después del repudio del rey de su esposa Catalina, a través de una serie de acontecimientos desastrosos parala corona que terminan con la separación de la Iglesia de Roma y la proclamación de la Iglesia anglicana.Una lección de los peligros de la falta de autodominio y de no medir la responsabilidad de los actos de uno mismo sobre la colectividad.
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La vocación artística más profunda de Max Aub fue, sin duda, la vocación escénica. Vinculado a las vanguardias teatrales de los años veinte y treinta, antes de la guerra de España publicó diversas obras dramáticas. Antifascista leal al gobierno republicano, durante los años de la Guerra Civil escribió ocho obras en un acto que reunió con el título de Teatro de circunstancias. En julio de 1937, cuando residía en París como agregado cultural de la Embajada española, fue nombrado secretario del Consejo Central del Teatro y por tal motivo tuvo que trasladarse en 1938 a Barcelona, por entonces capital de la República. Exiliado en París desde febrero de 1939, padeció durante tres años la experiencia de los campos de concentración franceses y argelinos, aunque en octubre de 1942 inició su exilio en México. Entregado compulsivamente durante aquellos años cuarenta a la escritura de una torrencial literatura dramática y esperanzado con el posible renacer de su vocación escénica -que la dedicatoria de su tragedia San Juan expresaba en 1943 con claridad-, la imposibilidad de estrenar sus obras fue sumiendo al dramaturgo en una frustración amarga que reflejó con airada resignación en sus Diarios. La primera edición de San Juan apareció en México en 1943, aunque el estreno mundial de esta tragedia no tuvo lugar hasta 1998 en Valencia. Las representaciones de San Juan en Valencia, Madrid y Lisboa, un éxito de crítica y público en la España democrática, vinieron a demostrar la actualidad y vigencia de esta excelente tragedia maxaubiana. San Juan es sin duda la mejor obra dramática de Max Aub, cuyo estreno en la España democrática de 1998 fue un rotundo éxito tanto de crítica como de público. Max Aub (París, 1903-México D.F., 1972) llegó a España con once años, exiliado de la Primera Guerra Mundial. De ideales progresistas y republicanos, al final de la guerra de España tuvo que exiliarse en París. Tras un periplo de tres años por campos de concentración en Francia y el norte de África, llegó a México en 1942, donde vivió hasta su muerte. Sólo volvió a España unos meses en 1969 y en 1972. Cultivó todos los géneros: narrativa, teatro, poesía, ensayo, crítica, teoría literaria, diarios... Entre su extensa obra literaria destacan las novelas de El laberinto mágico y los microrrelatos Crímenes ejemplares. En la Biblioteca del Exilio, además, se han publicado sus obras dramáticas Morir por cerrar los ojos, San Juan y De algún tiempo a esta parte, los diarios La gallina ciega. Diario español y Nuevos diarios inéditos, y una antología de sus Escritos sobre el exilio. Manuel Aznar Soler (Valencia, 1951), catedrático emérito de literatura española contemporánea de la Universitat Autònoma de Barcelona, es fundador y director, desde 1993 hasta su jubilación en 2021, del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL). Director literario de la colección Biblioteca del Exilio (Renacimiento), así como de las revistas Laberintos y El Correo de Euclides, entre sus últimos libros mencionemos El Partido Comunista de España y la literatura (1931-1978). Once estudios sobre escritores, intelectuales y política (2021) y La Resistencia silenciada. Historia del Congreso Universitario de Escritores Jóvenes y edición facsímil de su Boletín (Madrid, 1954-1955) (2021). Es co-editor, junto al profesor José-Ramón López García, del Diccionario biobibliográfico de los escritores, editoriales y revistas del exilio republicano de 1939 (Renacimiento, 4 volúmenes, 2016).
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Stefan Zweig escribió esta obra de teatro entre la primavera de 1915 y principios de 1917, en plena Primera Guerra Mundial. Pacifista acérrimo, escogió la figura de Jeremías, el profeta judío que predicaba en vano, para encarnar el trágico papel del «derr
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.