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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Ciutat de Sorra. Pajarazos
Catálogo de las exposiciones ''Ciutat de Sorra'' y ''Pajarazos'' celebradas en los centros de Arte Fabra i Coast (Barcelona) y Patio Herreriano (Valladorlid), respectivamente.Catálogo de la obra del escultor David Bestué en sus últimas dos exposiciones en Barcelona y Valladolid, donde se hace un repaso de la última obra del artista. Con textos de Marta Sesé, Carles Guerra, el propio David Bestué y una conversación entre María Salgado y el artista.
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La pintura de Frida Kahlo
Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco, soy mi propia musa.''Mi pintura es el fruto del dolor y de la pasión, cada trazo refleja mi lucha y mi resistencia.''''Mis pinturas son pintadas, no con el virtuosismo del artesano, sino como quien de inmediato abre el corazón.''
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Patafísica
¿Qué es entonces el Colegio de ‘Patafísica? El Colegio de ‘Patafísica es una Sociedad de Investigaciones Sabias e Inútiles. La ‘patafísica fue uno de los revulsivos más serenos del siglo xx. Una suerte de medicamento vomitivo que alivia allí donde inflama y cura donde congestiona la zona afectada. El objetivo de los siguientes ensayos es dar a conocer las intenciones y peripecias del Colegio de ‘Patafísica, y entre ellos se incluye la escasamente conocida historia de los miembros de la sucursal argentina, así como las andanzas del Otro Ilustre Colegio de ‘Patafísica de Valencia. * Esta edición incluye textos de Christian Ferrer, Barón Mollet, Ruy Launoir, Regente de Helicología, Luisa Valenzuela, Margarita Martínez, Juan Esteban Fassio, Roger Shattuck, José Manuel Rojo, Asger Jorn y Alfred Jarry.
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Buñuel en el laberinto de las tortugas
El gran momento de Luis Buñuel.Una de las obras maestras del cómic español del siglo XXI.En 1932 Luis Buñuel rodó en Extremadura su tercer trabajo como director, Las Hurdes, tierra sin pan, una de las películas malditas de su filmografía y documental pionero en nuestro país.Fermín Solís retrata, en esta magnífica novela gráfica, un momento decisivo en la vida de Buñuel y quizá de todo gran creador: el dilema entre cultivar el arte por el arte o servirse de él como un medio para transformar la sociedad.Nueva edición a todo color.Incluye extras.
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Atlas Mnemosyne
Por primera vez se presenta en lengua española una obra clave en la historiografía artística, que se encuentra en la raíz de algunas de las principales corrientes que han marcado el desarrollo de la disciplina en el último siglo, de la iconología de Panofsky a los modernos Estudios Visuales. Mnemosyne es el gran proyecto al que Aby Warburg dedicó los últimos años de su vida y que debía resumir y coronar toda su obra. Para ello, recopiló unas 2.000 imágenes articuladas en 60 tablas en un magno atlas que quedó sin terminar a su muerte. A pesar del interés que había despertado entre sus contemporáneos y de los intentos llevados a cabo por los colaboradores de la Biblioteca Warburg después de su traslado a Londres, el material no vio la luz hasta la edición de la Akademie Verlag llevada a cabo por Martin Warnke, uno de los más prestigiosos historiadores del arte de las últimas décadas. Dicha edición, que respeta escrupulosamente la obra tal como la dejó Warburg, es la que se recoge en el libro que el lector tiene ahora entre sus manos. Además, la versión española, bajo la supervisión de Fernando Checa Cremades, recoge, junto a nuevos textos escritos para la ocasión por el mencionado autor y por Karin Hellwig, varias conferencias inéditas de Warburg relacionadas directamente con su obra póstuma, que ponen de manifiesto la complejidad y grandeza de un pensamiento que no sólo no ha perdido un ápice de su interés, sino que se muestra más vigente que nunca.
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Generación 2025
Publicación que recoge el resultado de la convocatoria Generaciones de Fundación Montemadrid. En su 25ª edición, vuelve a ofrecer una plataforma dedicada al arte actual en la que mostrar, a través de la exposición en La Casa Encendida, el trabajo de creadores emergentes y a difundir sus propuestas artísticas entre la crítica especializada y el público general.Los artistas seleccionados este año son: Álvaro Chior (A Coruña, 1992), Noela Covelo Velasco (Pontevedra, 1994), Tana Garrido Ruiz (Tarragona, 1989), Marina González Guerreiro (Pontevedra, 1992), Isabel Merchante (Madrid, 1999), Mar Reykjavik (Valencia, 1995), Elián Stolarsky (Uruguay, 1990) y Javier Velázquez Cabrero (Madrid, 1990) y. Con textos de Ericka Flórez y Bruno Leitão.
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París en ruinas
Un ensayo fascinante sobre cómo ''el año terrible'' de París desembocó en el nacimiento del impresionismo. Entre el verano de 1870 y la primavera de 1871, un periodo que Victor Hugo bautizó como el ''Año Terrible'', París fue sitiada, padeció una hambruna y hubo de rendirse al ejército alemán. A continuación, los republicanos radicales establecieron la Comuna, que fue aplastada tras sangrientas batallas callejeras y el incendio del centro de la ciudad. Como demuestra el prestigioso crítico de arte Sebastian Smee, ganador del Premio Pulitzer, fue durante estos tiempos tumultuosos cuando nació el movimiento impresionista, como respuesta a la violencia, la guerra civil y la intriga política. Smee relata la historia de aquellos días dramáticos a través de los ojos de las grandes figuras del impresionismo. Édouard Manet, Berthe Morisot y Edgar Degas quedaron atrapados en París durante el sitio. Otros, como Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille, se unieron a regimientos fuera de la capital, mientras que Claude Monet y Camille Pissarro huyeron del país justo a tiempo. En el periodo posterior, estos artistas desarrollaron una nueva conciencia sobre la fragilidad de la vida. Esa sensación de transitoriedad -reflejada en el énfasis en la luz fugitiva, las estaciones cambiantes, las escenas callejeras fugaces y la impermanencia de todas las cosas- se convirtió en la gran aportación del movimiento a la historia del arte. En el corazón de todo ello hay una historia de amor: la de Manet, considerado por todos el padre del impresionismo, y Morisot, la única mujer que desempeñó un papel central en el movimiento desde sus inicios. Smee describe con gran sensibilidad su compleja relación, la influencia mutua que ejercieron y su inmenso legado, al tiempo que otorga el merecido reconocimiento a la mujer en el corazón del impresionismo. Penetrante y absorbente, París en ruinas capta las pasiones y políticas cambiantes del mundo del arte y explica el profundo impacto que tuvieron las presiones del sitio y el caos de la Comuna en el arte moderno, y cómo el genio artístico puede surgir de la oscuridad y la catástrofe.La crítica ha dicho: «Smee se basa en una gran cantidad de fuentes históricas y biográficas para examinar el nacimiento del impresionismo durante una época de feroz agitación política y social en Francia... Transmite vívidamente el terror de la época, los tensos enfrentamientos militares y las conspiraciones, y las pasiones inflamadas... Su descripción de las obras de los impresionistas es perspicaz, como lo es su sensibilidad hacia las complicadas relaciones entre los artistas. Historia cultural hábil y vibrante».Kirkus Reviews«Persuasivo y vívido El arte de la rivalidad se enraíza en la teoría de primera mano, pero está dirigido a lectores no especializados, se trata en parte de minibiografías y en parte de una historia del arte más amplia».John Williams, The New York Times (Sobre El arte de la rivalidad)«Con detalles e incisividad propios de una novela y una prosa vívida y ágil El arte de la rivalidad es una delicia pura y cargada de información, escrita con astuta autoridad».Michael Upchurch, The Boston Globe (Sobre El arte de la rivalidad)«La brillante biografía de grupo de Sebastian Smee es única en su género».Ann Hulbert, The Atlantic (Sobre El arte de la rivalidad)«Uno de esos raros libros que consiguen mostrar, de forma convincente, laexcelsa materia del genio emergiendo del bajo caos de la vida».The Economist (Sobre El arte de la rivalidad)
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A lo largo de su vida creativa Leonardo da Vinci reflexionó sobre la figura de san Juan. Tuvo que ver en él resabios o máscaras de mitos antiguos, provenientes de otras culturas, que remarcaban su relación con la naturaleza y lo divino. Seguramente relacionó esa figura con la de Orfeo y la de Dioniso o con la de José, el hijo de Jacob, y, aunque, por su biografía y sus escritos, parecería que Leonardo tuvo poco que ver con preocupaciones de orden religioso o místico, sus cuadros sobre Juan indicarían lo contrario.
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Expresión plástica y visual para educado
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Hellebore: El arte de Missupacey
En este cautivador artbook, la talentosa artista Ashleigh Izienicki -nacida en Colorado y conocida mundialmente bajo su marca, MissUpacey- nos invita a explorar su proceso creativo único, en el que combina hábilmente temas oscuros y macabros con un toque de delicadeza y feminidad. Con más de 603.000 seguidores en Instagram, un exitoso Patreon y una tienda online que ofrece productos de diseño exclusivo, como pines, fundas para teléfonos, calcomanías y artículos de papelería, Ashleigh ha logrado cautivar a una audiencia global con su estilo inconfundible. Actualmente radicada en California, Ashleigh trabaja tanto en medios tradicionales como digitales, y comparte en este libro una serie de tutoriales en ambos formatos, ofreciendo a los amantes del arte y sus seguidores una ventana íntima a su proceso, el diseño de su estudio y sus fuentes de inspiración. Además, abre su corazón sobre los retos y las alegrías de gestionar un negocio artístico, aportando consejos valiosos para los creativos que comienzan su camino. Hellebore: The Art of Missupacey refleja los valores de producción de excelencia que caracterizan a la editorial: papel de alta calidad y una exquisita edición en tapa dura con acabados especiales. Un verdadero tesoro para los seguidores de MissUpacey y para los amantes del arte en general, que disfrutarán de tener esta joya en su estantería por muchos años.
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Andar por andar (Serie ENDEBATE)
En defensa del paseo. «El paseo como una de las bellas artes, pero también como el gesto revolucionario definitivo: gratuito, improductivo y, sin embargo o quizás por todo ello, transformador. Como este libro». Blanca Lacasa «Escrito con una calidez, un cariño y un lenguaje tan bonito que se convierte en un refugio de placidez». Raquel Peláez «Hermoso libro antiagorafobia que demuestra que se pasea antes con la cabeza que con los pies». Santiago Lorenzo «Este libro es un pasito más en el trayecto de la literatura sobre el caminar. Un paso que, como el propio acto de andar, nos ayuda a descubrir y descubrirnos, a conectar con lo que somos». Pedro Bravo Caminar es un desempeño tan sobresaliente que el simple gesto de utilizar las extremidades inferiores para trasladarnos ha inspirado obras de arte y grandes ensayos literarios, ha alumbrado elevadas ideas, ha creado senderos y rutas comerciales y ha gestado fuertes sentimientos religiosos y de pertenencia. En este libro, una firme y cálida defensa del deambular y sus infinitas posibilidades, Adriana Herreros celebra cómo Andar por andar nos ayuda mantener el ánimo, la ilusión y la capacidad de sorpresa en nuestro día a día. -------------- La colección Endebate es el hogar de aquellos textos breves que presentan una opinión, defienden una actitud o cuentan una historia, pero son más un aperitivo que un banquete, estimulan la conversación más que saciarla e inician un festín (que no clausuran). Como los mejores bocados, entran por los ojos y dejan un largo poso en el paladar.
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Secretos del dibujo manga
Con solo papel y lápiz, tú también puedes dibujar al estilo manga siguiendo los consejos de Dalia. Paso a paso, aprenderás a dibujar caras, cuerpos y prendas de vestir, así como personajes de todas las edades y personalidades. Al final de cada capítulo, encontrarás una serie de ejercicio para practicar los temas aprendidos anteriormente. Así conseguirás crear una carpeta con muestras de tus dibujos que te permitirán ver tu progreso artístico. En las páginas de este libro, varios artistas contermporáneos comparten sus secretos del arte manga y muestran sus propios dibujos.
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Nodos germinales
¿Qué sucedió en el País Vasco durante los años noventa para que una red de espacios autogestionados germinara en medio de un panorama sociopolítico convulso y transformador? ¿Cómo crearon los jóvenes artistas sus propios dispositivos de visibilización? ¿Quiénes comenzaron su andadura profesional con una perspectiva que influiría años después en el arte contemporáneo? ¿Cuáles fueron las raíces de la mediación, los procesos participativos o la innovación socioartística?Nodos germinales presenta una exhaustiva investigación sobre estos espacios surgidos en paralelo a la evolución del sistema del arte durante la última década del siglo XX. Un viaje comparativo que traza la cartografía de los proyectos y colectivos que, desde la autogestión y la experimentación, desafiaron los límites de la institucionalidad artística, abriendo así nuevas vías para la creación contemporánea.A través de un enfoque que conjuga el análisis sociocultural, la documentación de archivo y la experiencia personal, la autora propone una profunda revisión del papel de estos nodos como agentes de innovación, resistencia y transformación cultural.Una contribución imprescindible, a través de los márgenes y sus memorias compartidas, para entender la gestión cultural y su expansión en red desde las periferias hacia el núcleo.
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¿Qué es el surrealismo?
En esta conferencia pronunciada en Bruselas en 1934,el ''jefe de obras'' del surrealismo explica el cuando y el porqué nació el movimiento, qué pretende conseguir y cómo.
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Arte. Toda la historia
* Una guía a través de un extraordinario recorrido por las imágenes más icónicas del mundo, las que nos encontramos al visitar una galería u observamos en la portada de una novela. * Ordenado cronológicamente, traza la evolución del desarrollo artístico período a período. * Todos los géneros artísticos, desde la pintura y la escultura hasta el arte conceptual y el arte de performance. No existe ninguna sociedad que no haya producido arte. La representación y la decoración, igual que la oralidad artística o la música, son tan inherentes al ser humano como la construcción de nidos los es a los pájaros. Las formas que ha adoptado el arte han diferido radical, temporal y geográficamente bajo la influencia de diferentes circunstancias sociales y culturales. ¿Cuál era el propósito original de esas obras de arte y cómo podemos entenderlas hoy? ¿Por qué el arte floreció en determinados períodos de la historia y no en otros? ¿Por qué algunas obras de arte son tan importantes? En el libro se analizan con detalle las obras maestras que mejor representan características definitorias de cada período o movimiento, lo que permitirá al lector interpretar como nunca antes el significado de las obras maestras más famosas del mundo. Si le gusta el arte y quisiera aprender a interpretarlo mejor, no tiene más que sumergirse en las trepidantes páginas de esta obra.
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Lexicón para el análisis cultural
¿Qué es para Mieke Bal el análisis cultural? La respuesta pasa por adoptar, en primer lugar, un concepto de cultura amplio para, a partir de él, leer categorías teóricas, obras de arte y prácticas sociales por igual como objetos culturales. Para descubrirlo, este libro, concebido a modo de léxicón, permite seguir letra a letra, concepto a concepto, el proceso de trabajo de la autora. Bajo la ficción de un orden alfabético, estos breves ensayos no sólo representan importantes aportaciones a los debates actuales en torno a lateoría de la cultura, sino que constituyen una aproximación accesible al análisis cultural y el pensamiento interdisciplinar de una de las teóricas más relevantes del panorama internacional.
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Les peripècies d'arqueòlegs intrèpids a la recerca de tresors són temes que la literatura i el cinema han explotat amb èxit com a ficció. Poques vegades, en canvi, els estudiosos de debò expliquen les seves vivències al voltant de recerques i troballes. Albert Velasco relata els millors episodis com a conservador d'un museu i investigador, una feina que no sempre es desenvolupa entre muntanyes de llibres, obres d'art polsoses i magatzems. A partir de diferents històries viscudes en primera persona, l'autor ens presenta un apassionant món de descobertes i experiències en esglésies recòndites, cases de subhasta o, fins i tot, a Instagram, que van des la troballa d'una ampolleta de vidre persa o d'una arqueta per guardar una sandàlia de la Mare de Déu a l'enfrontament amb la policia en un museu i la declaració en un judici, passant per la lectura del testament de la filla d'un rei o la descoberta d'una falsificació sorprenent.
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Mueca:s
En este libro queremos mostrar las maniobras de un tipo de escritura fusiforme y quizá, inesperada. Formado por un conjunto de conversaciones entre docentes, investigadorxs y estudiantes, el resultado es un texto multiforme donde las experiencias singulares y subjetivas, y las propuestas desde lo individual y lo colectivo, se ponen al servicio de la discusión sobre metodologías torcidas en el ámbito de la investigación en estudios culturales y artes visuales desde perspectivas críticas (feministas y cuir/queer/kuir).El libro no pretende ser un vademécum metodológico (¡sería una contradicción!). Al contrario, se expone al debate y busca propiciar otras contra-fabulaciones que cuestionen los dogmas de la academia desde sus entresijos. Su estructura se compone de seis gestos que dan buena cuenta de la heterogeneidad de nuestras muecas. La introducción, presentada como desmarque teórico, transparenta las costuras que sostienen la propuesta. A esta la siguen una conversación tentacular con diez extremidades, un texto escrito a cuatro manos, una tentativa al fracaso atomizada en cinco vivencias, un boomerang que va y viene entre los saltos de sus jugadorxs, y una ficción especulativa a cinco voces.La lectura puede empezar por cualquier lado. También puede terminar en cualquier momento. Esperamos que este modo de exposición logre, como los cuerpos fusiformes, desarrollar su capacidad dinámica, y que nuestra resistencia atraviese, al menos, la pulpa de la celulosa.
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Rembrandt
Rembrandt alcanza una expresión artística del movimiento vital hasta entonces desconocida: una expresión que no puede traducirse en un método o un estilo sinoque depende por entero de su genio. Como demuestran sus retratos, el problema ''pictórico'' de Rembrandt es sencillamente la representación de una totalidad humana viva, justamente en tanto problema pictórico, yno psicológico, metafísico o anecdótico: su pintura plasma la movilidad de la vida interior.
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Sorolla. Visión de España en la Hispanic Society of America
En 1911, Archer Milton Huntington, fundador de The Hispanic Society of America en Nueva York, encargó a Sorolla que pintara la denominada Visión de España, una decoración mural a gran escala. La serie completa instalada en la Hispanic Society en 1926, es uno de los espacios interiores más impresionantes de la ciudad de Nueva York. Las obras de Sorolla combinan con brillantez el vibrante naturalismo plenairista con la fuerte influencia del impresionismo, las referencias al arte antiguo y renacentista disfrazadas de vida cotidiana e incluso elementos más modernos y avanzados como unas líneas del horizonte extremadamente altas, unas pinceladas sumamente expresivas, y unos fondos casi por completo abstractos que impregnan las composiciones de energía visual. Toda esta obra de Sorolla queda plasmada en este magnífico desplegable de ocho metros de longitud, en el que las obras se muestran en el mismo orden en el que se pueden ver en la biblioteca de la Hispanic Society of America en Nueva York.
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Fa més d’un segle, les pintures romàniques de l’absis de l’església de Santa Maria de Mur (Pallars Jussà) van ser arrencades i venudes als Estats Units, d’on no han tornat mai més. Aquest esdeveniment va suposar un punt d’inflexió en la preservació i la protecció de l’art a Catalunya, ja que, per evitar més casos com el de Mur, el Govern de l’època va ordenar arrencar la resta de pintures murals romàniques del Pirineu i d’altres zones del territori i les va dipositar a l’actual Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). ''Mur al descobert'' narra els fets de la redescoberta de les pintures i la seva arrencada i venda posterior. Tot de la mà de deu dels seus protagonistes: quatre excursionistes científics, un d’ells l’arquitecte Lluís Domènech i Montaner, el president de la Mancomunitat, Enric Prat de la Riba, el col·leccionista Lluís Plandiura i Pou, Josep Farràs i Serradell, el mossèn que va vendre les pintures, els Steffanoni, els italians que van fer l’arrencament, Arthur Fairbanks, el llavors director del Museu de Boston, i Joaquim Folch i Torres, que va endegar la campanya de salvament.
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Atrapados Por Saturno
El miedo al futuro, la angustia ante el presente, lacultura de la culpa, la textura ilusoria de la realidad, los laberintos de la identidad, son algunos síntomas atrabiliosos que observamos en el mundo actual. Este ensayo los deshila, a la par que ausculta el latido social a través de un pensamiento crítico salpicado de metáforas artísticas y paseos literarios.La metadel arte, escribía Michel Leiris, es explorar los demonios interiores. ¿Y que hay de los demonios exteriores? Lo cierto es que se engendran unos a otros, lossíntomas individuales y los signos culturales de malestar se entrelazan como una doble hélice en el ADN dela humanidad.
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La odisea de las golondrinas
Original ensayo sobre el mundo de las golondrinas desde la literatura y la historia de la cultura occidental, narrado de una forma exquisita y con una gran erudición. Salvador García nos ofrece una oda a las golondrinas y a su relación con los humanos, y también una mirada crítica al comportamiento egoísta de las sociedades hacia un animal fascinante e independiente. En La odisea de las golondrinas, las investigaciones sobre el corazón, el ojo, la cola, el huevo, la deyección y el genoma de la golondrina resultan en muchos sentidos más asombrosas que todos los versos y los cuentos publicados sobre este pájaro único. Un libro que abarca amplios territorios por los que vuelan las golondrinas de las especies más conocidas en sus migraciones y en nuestro imaginario.
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La exposición celebra la dimensión artística del automóvil, vinculándola con los ámbitos paralelos de la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía y el cine. Con este enfoque integrador, la muestra cuestiona la separación entre las distintas disciplinas y ofrece una exploración de los modos en que estas se relacionan visual y culturalmente. La exposición analiza asimismo las afinidades existentes entre la tecnología y el arte. Se muestra, por ejemplo, cómo el uso del túnel de viento ayudó a dotar al automóvil de una forma aerodinámica, a fin de que pudiera ir más rápido empleando la energía de manera más económica, esta revolución aerodinámica tuvo su eco en las obras del movimiento futurista y de otros artistas de la misma época, y ello también se reflejó, finalmente, en el diseño industrial de todo tipo de productos, desde electrodomésticos hasta locomotoras.
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Naturaleza Y Belleza
“En el arte es feo lo que no tiene carácter, es decirlo que no revela ninguna verdad interior ni exterior. En el arte es feo lo que es falso, lo que es artificial, lo que pretende ser bonito o bello en lugar deser expresivo, lo que es trivial, lo que sonríe sin motivo, lo que se amanera sin razón, todo lo que carece de alma y de veracidad, todo lo que es sólo apariencia de belleza o de gracia, todo lo que miente.”
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La crítica de arte en la actualidad
La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Todos los pretendidos o genuinos críticos de arte, que deberían buscar el debate y el fomento de la reflexión, se ven atados de pies y manos –a veces de manera más que voluntaria– a las exigencias del mercado si quieren mantener, e incluso promocionar, su estatus social y laboral. A la larga, no solo se desprestigia el arte y la propia crítica, sino que resulta imposible el fomento de la producción cultural y la formación o el disfrute del público. En esta coyuntura se presenta el dilema: ¿debería el crítico plegarse a las dinámicas económicas o convertirse en un kamikaze cultural condenado poco a poco al ostracismo?El presente libro hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artística actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.
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¿El arte a la deriva?
Un libro polémico sobre las derivas del arte contemporáneo, con un nuevo prólogo y nuevo capítulo de la autora Edición ampliada y actualizada ¿Ha perdido el arte su aura, su dimensión intelectual o, lo que es peor, su poder de comunicación, dicho en otras palabras, su principal razón de ser? En este libro polémico y escrito a contracorriente de la crítica más conformista, Marie-ClaireUberquoi reflexiona sobre la plástica de las últimas décadas, centrándose en los artistas que han llevado más lejos sus deseos de acoso y derribo de la noción tradicional del arte para plantearse nuevas vías de expresión. Muchos piensan que se ha tocado fondo y hablan de la impostura de la creación actual. Otros apuestan por un arte supuestamente renovador plasmado en trabajos que no tienen nada que ver con el goce estético. El rechazo del objeto artístico, la explotación publicitaria de obras falsamente provocadoras, la deriva hacia el activismo político y el fenómeno de la banalización del arte son algunas de las cuestiones analizadas en este ensayo que propone reivindicar «otro arte contemporáneo» ajeno a la cultura del espectáculo.La crítica ha dicho:«Un gran reportaje bien realizado sobre lo que ha sido el arte de esta generación».Eugenio Trías «Un libro muy inteligente, documentado y valiente».José Corredor Matheos
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Léxico de arte
Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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Cuerpos que aparecen
Este libro analiza las implicaciones estético-políticas de la presencia del cuerpo en las prácticas performáticas de los últimos años de la dictadura franquista. La performance, como estrategia estética, puede convertirse en un espacio de resistencia desde el que torcer la lengua para interrumpir la literalidad del discurso e imaginar visualidades periféricas. El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que lo circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les «da cuerpo». Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unos actos y el relato de quienes los cometieron. Citar implica recuperarlos y repensarlos desde posicionamientos feministas que contribuyan a cuestionar la historiografía del arte contemporáneo en el Estado español.
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Delante de Las meninas
Una descomunal copia de Las meninas a tamaño real se instaló en el salón de un pequeño apartamento madrileño en la plaza de Tirso de Molina. Cada día y durante ocho años, Emilio Cendón, que estudió Bellas Artes pero decidió abandonar toda práctica artística, ha convivido con la infanta Margarita, con Diego Velázquez y con los reyes en el espejo para intentar entender por qué el pintor sevillano dedicó los últimos años de su vida a un cuadro que, aparentemente, no refleja más que una escena menor de la vida en palacio. A través del estudio de sus obras anteriores, del testimonio de la memoria de pinturas que Velázquez redactó explicando las obras de arte que atesoraba la corte española —como los caprichos de Tintoretto y Veronés— y del análisis de piezas de otros artistas, como Leonardo o Van Eyck, el autor recrea una investigación fascinante y obsesiva, casi policíaca, que consigue atar cabos y ofrecernos pistas para entrar en la mente de un genio de enorme influencia en el arte contemporáneo y lograr comprender, por fin, por qué y para quién pintó Las meninas. Este libro, personal y alejado de lo académico, es también una crónica de esos años en compañía de Las meninas, así como de los viajes para encontrar sus claves. Plagado de minuciosas reproducciones a lápiz hechas por el autor, este texto generará en el lector unas irrefrenables ganas de ir a El Escorial, a Milán, a Londres y, sobre todo, de volver a visitar el Museo del Prado para situarse delante de Las meninas… y que todo cambie.
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El futuro de los museos
28 diálogos que reflejan un panorama museístico cambiante, diverso y dinámico, donde se desarrolla una experimentación a nivel mundial, con instituciones de Latinoamérica, Asia, África y Oceanía a menudo a la vanguardia en el desarrollo de nuevos modelos. Un sector que atraviesa un momento de reflexión sobre la desigualdad y la justicia social, presionado para lograr una mayor diversidad en la dotación de personal, la programación, la interpretación y las colecciones. Mientras tanto, la pandemia ha puesto de manifiesto la debilidad subyacente de los modelos de negocio de muchos museos, basados en exposiciones temporales, así como las limitaciones del apoyo público y privado. Los diálogos revelan las diversas maneras en que se busca nuevas fuentes de ingresos, nuevas maneras de conectar con el público y nuevas formas de gestionar las instituciones.
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Mano de mujer
El hiragana es la escritura creada por las mujeres japonesas durante el período Heian para poder expresarse en su propia voz, cuando se les impidió aprender los kanji. Tras un breve repaso a la fascinante historia del antiguo Japón y el arte de la caligrafía, Mª Eugenia Manrique nos sumerge en el origen de esta escritura caligráfica libre y expresiva, entendida como iniciación al shodo «camino de la escritura», un arte que se describe como un medio para cultivar el ser interior, a través del cual se alcanza un estado meditativo de quietud mental y armonía. De manera detallada, el libro muestra las indicaciones necesarias para comenzar el aprendizaje del hiragana incluyendo los modelos de los 46 kana que lo conforman y finalizando con el antiguo poema iroha, reflejo del sentir de la impermanencia, en el cual se contienen sin repetición todas las sílabas del hiragana.
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Lo bello en el arte
Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) fue el primer crítico que propuso una interpretación comprensiva del arte griego, creando una visión tan convincente de ese momento culminante de la historia del arte que sus apreciaciones fueron por mucho tiempo las que mejor sirvieron para expresar una cierta actitud de espíritu hacia el arte helénico. A él se debe también la concepción de que el arte tiene historia, es decir, desarrollo y fases propias que corresponden a los pueblos que lo producen, sin excluir el clima y las condiciones políticas en que viven. El presente libro ofrece una selección de aquellos tex tos que mejor reflejan los aspectos significativos de su pensamiento.
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Cosmologías vulnerables
A través de voces diversas—artistas tullides, mediadoras, educadoras y activistas culturales— esta obra aborda los nudos y retos que atraviesan la autorrepresentación y las jerarquías en el campo de las prácticas artísticas vinculadas a la discapacidad, la neurodivergencia, la salud mental o los cuidados, y que han sido profundamente despolitizadas y desautorizadas. Surge de la voluntad compartida de hacerlas visibles desde una relectura crítica del cuidado y la vulnerabilidad, concebidas no como cargas o carencias, sino como potencias políticas desde las que pensar, cuidar, crear y vincularse. Su propósito es compartir experiencias, metodologías, relatos y ficciones críticas que cuestionan las estructuras capacitistas del sistema artístico, concibiendo nuevas formas de relación entre cuerpos, tiempos y saberes, con umbrales diferentes de dependencia, agenciamiento y exposición. Desde esta solidaridad situada, Cosmologías vulnerables traza alianzas que interpelan al museo, la pedagogía crítica y las políticas públicas para articular lo neurodivergente, lo discay lo afectivo como modos legítimos de conocimiento y de acción política.
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Bob y Leo. Una conversación entre Robert Rauschenberg y Leo Castelli
Bob y Leo recoge la conversación pública mantenida en Madrid en 1985 entre el artista norteamericano Robert Rauschenberg y su marchante, Leo Castelli. Grabada, pero hasta ahora inédita, aquella charla inauguró la primera exposición de Rauschenberg en España, en la Fundación Juan March, y constituye un valioso testimonio del vínculo intelectual y humano que unió a ambos.En estas páginas, ampliamente ilustradas, asistimos a un intercambio cómplice que desborda el anecdotario y recorre más de treinta años de la trayectoria del artista. Las réplicas de ambos, cargadas de humor y sonoros silencios, abordan las evoluciones del arte tras el expresionismo abstracto, el papel que las galerías jugaron para las nuevas estéticas y también los modos —a menudo imprevisibles— a través de los cuales se abre paso la carrera de un artista.Lejos de cualquier mitificación, Bob y Leo. Una conversación entre Robert Rauschenberg y Leo Castelli nos devuelve la reflexión, la duda y la ironía en las voces de dos de los protagonistas de toda una época.
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«Hagi escrit sobre el que hagi escrit, Pla ens ha ensenyat a mirar el nostre país i la seva gent, a mirar-nos a nosaltres mateixos i, des d'aquí, a mirar el món, i per això ens agrada», escriu Teresa Amat, que en aquest llibre aborda un aspecte essencial que genera un gran interès tant de la mirada com de la ploma de Josep Pla: l'art i els artistes, especialment l'art i els artistes catalans. Pla va escriure sobre Gaudí, sobre Dalí, sobre Rusiñol, sobre Maillol, sobre Picasso, sobre Gargallo, sobre Miró i sobre tants d'altres. Però l'estudi sobre la relació de Josep Pla amb l'art i amb els artistes encara s'havia de fer. A El Plaer de l'art trobareu aplegats tot de textos de l'escriptor sobre el seu concepte d'art i sobre els artistes que va conèixer.
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