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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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L’exposició Els mons d’Alícia. Somiar el país de les meravelles integra les múltiples visions del personatge en els àmbits de la literatura, el cinema, les arts escèniques i les arts plàstiques, i el situa en un segle XXI que ha esborrat les fronteres entre la realitat i el món imaginari. Alícia hi apareix com una figura precursora: una nena amb una gran curiositat per totes les coses, que desafia la lògica de les idees immutables i troba el seu camí en un mon absurd.
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Estilo escandinavo
Estilo Escandinavo es un homenaje a la arquitectura y el diseño interior escandinavos, en constante diálogo con la naturaleza. A través de una selección curada de hogares y espacios, el libro revela cómo el espíritu nórdico transforma paisajes escarpados, climasdramáticos y luz fugaz en fuentes de inspiración duraderas. Desde cabañas en el bosque hasta refugios costeros contemporáneos, cada proyecto encarna un espíritu de simplicidad, funcionalidad y profunda conexión con el aire libre. Los materiales naturales, las líneas limpias y las paletas de colores suaves evocan una sensación de calma y autenticidad. Creado para los admiradores del estilo nórdico y la vida consciente, este libro ofrece un viaje visual sereno pero poderoso a través de una de las culturas de diseño más veneradas del mundo, donde la arquitectura fluye con latierra y la luz se convierte en parte de la estructura.
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La experiencia estética: Ensayos sobre la filosofía del arte y la cultura
Cada uno de los trabajos de este libro ofrece temas de filosofía del arte en los que se expone una teoría del autor acerca del juicio estético, aborda desde su propio campo de estudio -literatura, artes visuales, música, arquitectura y cultura en general- algunos de los problemas centrales de la estética.
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Breve historia del arte prehistórico y del Creciente Fértil
Con Breve historia del arte prehistórico y del Creciente Fértil (Mesopotamia y Antiguo Egipto) el lector tiene la oportunidad de conocer las tres grandes etapas iniciales de la historia del arte universal: las primeras creaciones del Homo Sapiens durante el Paleolítico superior a las que siguieron el arte neolítico y la edad de los metales, el arte mesopotámico en el Próximo Oriente y el arte del Egipto milenario, desde la protohistoria y el mítico faraón Narmer, pasando por las pirámides de Gizeh, la escultura en el Reino Antiguo y las creaciones del Reino Medio, hasta las colosales obras aéreas y subterráneas del Imperio Nuevo, adornadas en sus muros de espléndidas pinturas al fresco: los templos de Karnak y Luxor, las tumbas del Valle de los Reyes, de las Reinas y de los Nobles en Deir el Bahari, la escuela de Tell el-Amarna en torno al hereje Akhenatón, el speos de Abú Simbel presidido por las cuatro estatuas colosales de Ramsés II, el renacimiento saíta y la época ptolemaica hasta la caída del país del Nilo en poder de Roma. Un contenido tan amplio como apasionante, imprescindible para adentrarse en el conocimiento de las primeras e importantísimas etapas que le iniciarán en el aprendizaje de la historia del arte universal.
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Pasiones creativas
El primer libro de los populares divulgadores de Arte compacto, un pódcast sobre arte con una perspectiva distinta, abordará algunos de los salseos amorosos más interesantes y curiosos del arte.¿Qué pensó este o aquel artista cuando creaba su obra de arte? Es lo que nos preguntamos muy a menudo cuando paseamos por un museo o una exposición. Pues bien, a veces, estos artistas pensaban en... otros artistas. Y de eso va este libro, de líos, amoríos y otros affaires que han surgido entre grandes artistas y que los han hecho musos y musas los unos de los otros: Picasso y Dora Maar, Francis Bacon y sus muchos amantes, Edward Hopper y Josephine Nivinson, Robert Mapplethorpe y Patti Smith y otros muchos salseos que han dado lugar a las grandes obras que todos conocemos.
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¿Inversión o pasión?
Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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Elvated
High Line, la famosa línea ferroviaria elevada convertida en vía verde de la ciudad de Nueva York, recibe millones de visitantes anualmente y brinda un espacio único para encontrarse con el arte y el espectáculo. Elevated examina las ofertas ricas y multifacéticas de su programa de arte público, High Line Art, presentando obras y proyectos de la última década de artistas clave de todo el mundo.El libro presenta una variedad de proyectos de talla mundial de artistas como Simone Leigh, Paola Pivi, Sam Durant, Jordan Casteel, Cecilia Vicuña, Sheila Hicks, El Anatsui, Phyllida Barlow, Faith Ringgold, Barbara Kruger, Zoe Leonard y muchos otros. Documenta la evolución creativa y la vibrante programación cultural de High Line Art, que ofrece un lienzo a escala de ciudad para que artistas e intérpretes interactúen.A través de s fotografías y conversaciones únicas con los artistas participantes, así como ensayos de críticos clave como Julia Bryan-Wilson y Aruna D'Souza, este libro examina las docenas de instalaciones al aire libre, vallas publicitarias, murales, proyectos de video y participaciones y eventos.
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Arte en la escuela infantil
¿Cómo hacer que nuestra mirada sea de respeto, valoración y admiración ante las creaciones de cada niño? Sencillamente permitiendo que los niños prueben por elgusto de mirar, de tocar y de imprimir sus señales.Considerando el trabajo de un niño como su firma, suhuella, como una muestra de su identidad, como una parte de si mismo, y por ello respetando, valorando, cuidando y disfrutando con sus creaciones. «Me gustaríaser capaz de transmitir, a través de estos escritossobre el trabajo artístico en la escuela infantil, aqué me refiero cuando hablo de una escuela en la quese desee estar, en la que se pueda sentir, pensar, crear y vivir con los otros, placenteramente. Lo que aquí propongo es vivir la cotidianidad en la escuela amarrando con un mismo hilo lo del pensar y lo del sentir, lo de aprender y lo de estar juntos, lo de ser inteligentes con lo de ser gente.» Mari Carmen Díez
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Drawing the body
Drawing the Body, el tercer título del exitoso autor Robert Osti, es un libro muy accesible que presenta una forma atractiva y sistematizada de dibujar la figura humana, desde representaciones estáticas, estructurales y anatómicas hasta formas realistas y expresivas.Con un texto mínimo y esencial, el libro está organizado como un cuaderno de bocetos con abundantes imágenes y ejercicios prácticos. Se incluyen demostraciones paso a paso que incluyen ilustraciones originales del autor, fotografías de figuras humanas y referencias históricas del arte de viejos maestros.Esta hermosa y utilitaria guía es indispensable y atraerá a artistas, estudiantes de arte y cualquier persona interesada en la representación artística y científica de la figura y la anatomía humanas.
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Inventar en el desierto
En Piedrabuena (Ciudad Real), hace ciento y pico añospasaban cosas muy raras: un tal Sánchez se fue a Estados Unidos y al volver montó en el pueblo una fábrica revolucionaria (porque fabricaba un aparato para ver a la gente por dentro y porque pagaba sueldos justos, una de estas dos cosas es revolucionaria todavía hoy). Por esos años cundió también la monomanía de diseñar y fabricar el submarino perfecto: con periscopioo sin él, a hélice o a brazo, para recuperar el imperio o para mariscar. La cosa, en el caso de Peral, Monturiol y otros, acabó en naufragio, aunque tuvierana Julio Verne de su parte. No nos olvidamos tampoco de un sabio llamado Cervera que, hasta donde sabemos,es posible que inventara la radio. Y ya puestos a innovar, nada como lo de aquel señor cura de Segorbe (Castellón) que hacía música electrónica y diseñaba sintetizadores mientras Franco andaba por ahí bajo palio.Ni santos, ni visionarios, ni locos: genios españoles. En medio de la nada, o en un país que los saludó como a reyes y los olvidó como a mendigos. Con una historia que merece ser contada y leída… por aquello deconocer el pasado y repetirlo un poco menos.
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Introducción al método de Leonardo da Vi
Leonardo es el maestro de los rostros, de las anatomías, de las máquinas. Sabe con qué se hace una sonrisa puede ponerla en la fachada de una casa, en los repliegues de un jardín desmelena y ondula los filamentos de las aguas, las lenguas del fuego...ö
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Olvido de la pintura
Cuadernos de arte Cátedra
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La pericia caligráfica en obras de arte
Entras en un museo y te sumerges en siglos de historia. Las cartelas identifican obra, autor, técnica y cronología, sin embargo, una mezcla de intuición y curiosidad te asalta. Te detienes ante una obra firmada... y una pregunta te atraviesa: ¿Y si la firma fuera falsa? La genuidad de una obra de arte se presupone, pero a veces se tambalea, y en ese cuestionamiento o proceso de expertización intervienen expertos, técnicos y peritos que desnudan la pieza, sus colores, su estilo, su procedencia, su composición y también el gesto gráfico que encierra la identidad del artista. Este libro, precisamente, revela las claves para descifrar ese lenguaje silencioso que se esconde en una firma. Con un enfoque que une la grafonomía, la técnica pericial y el conocimiento de la historia del arte, la autora guía al lector por los métodos, retos y trampas que acechan al experto cuando se enfrenta a la obra de un gran maestro. Desde las falsificaciones burdas hasta las más sofisticadas, pasando por los errores más comunes y las estrategias de los falsarios, aquí se desvela un mundo donde la observación y la paciencia son tan valiosas como la experiencia. Un manual imprescindible para peritos, coleccionistas, restauradores y amantes del arte que quieran adentrarse en la investigación más minuciosa de todas: aquella que persigue la verdad de un trazo. Mireia Hernández Esteban. Licenciada en Filología Clásica y Consejera Superior en Ciencias Forenses, ejerce como perito judicial en el ámbito de la documentoscopia y la pericia caligráfica. Desde 1998, se ha especializado en el análisis de firmas en obras de arte, aportando su experiencia en casos de autentificación y detección de falsificaciones. Ha publicado tres libros de referencia en el campo de la lingüística y la pericia forense: Lingüística Forense Básica. Metodología para la atribución de autoría (2016), Plagio y Lingüística Forense (2022) y Violencia y lenguaje escrito (2024).
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El culto moderno a los monumentos
El culto moderno a los monumentos fue publicada originalmente en 1903 y en ella Riegl, a la sazón presidente de la Comisión de Monumentos Históricos, analiza la problemática del monumento en el horizonte de dos cuestiones fundamentales para el formalismo y la escuela vienesa de historia del arte: el culto a los monumentos es un culto moderno, y la consideración de la modernidad alienta a lo largo de todo el texto, es manifestación de una determinada voluntad de forma, Kunstwollen, concepto que está en la base de toda su argumentación y que adquiere en esta obra matices importantes. El proceso que conduce desde el valor monumental intencionado hasta el valor de antigüedad, pasando por el histórico, no es sino una manifestación de la emancipación del individuo, que ha realizado un fuerte avance, sobre todo desde finales del siglo XVIII y a lo largo del XIX, y que se dispone a sustituir paulatinamente los fundamentos clásicos tradicionales de la cultura por otros completamente distintos
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El monasterio de Guadalupe
Edificio religioso sin par, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1993, la construcción del Monasterio de Guadalupe se desarrolló a lo largo de los siglos XIII al XVIII y constituye toda una eclosión de estilos artísticos. En este libro coral, escrita con un lenguaje llano y cercano, coordinado por Ángel Fuentes Ortiz, uno de los máximos conocedores del Monasterio, diferentes historiadores nos adentran en el universo propio que supone cada una de sus fases, espacios, maestros y obras de arte. Sin lugar a dudas, el libro que tienes en tus manos es la mayor actualización hasta la fecha de los estudios en torno al Monasterio de Guadalupe. Todo un esfuerzo por acercar al lector su belleza sin dejar de lado la profundización y el rigor de su estudio.
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Womanhaus
Una escuela que tuvo que hacer frente a la cruda realidad y a la oposición de una sociedad que, aunque muy abierta en teoría, cerró filas al ver aquellas ideas llevadas a la práctica. Si alguien sufrió en mayor medida el menosprecio de sus congéneres y los perjuicios del fracaso, fueron las mujeres artistas que llenaron con su vitalidad y talento la escuela. Como en todas las historias, hay partes que han llegado a nuestros días y otras que se han ocultado. En este libro hemos intentado dar cuenta de todas ellas y arrojar luz sobre aquellas protagonistas que habían quedado relegadas a un anonimato forzoso. Womanhaus es nuestro homenaje a ellas.
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Señales Sensibles
Dos filósofos conversan sobre la situación del arte en la actualidad: lo que quiere decir de hoy en adelante, lo que, lejos de ser una palabra anticuada, nos permite reflexionar de nuevo. El elaborado pensamientode Jean-Luc Nancy sobre este tema es retomado y también continuado en el curso de una discusión en la queLèbre se interroga con él sobre la mejor manera de aprehender el compromiso del cuerpo sensible en la actividad artística y la aproximación a las obras, la relación del arte con la técnica, la historia, su modulación en las artes tradicionales y nuevas, su posición actual frente a la religión, la política y la literatura. Este texto, un diálogo en el más pleno sentido filosófico del término, constituye en sí una introducción al pensamiento de Nancy en torno al hecho artístico: qué es el arte, su significación y finalidad en nuestro tiempo, su polimorfismo, la responsabilidadque tiene para con el mundo, su interacción con él…
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El libro de las biblias. 40th Ed.
En el principio era el Verbo y en la Edad Media fueron los reyes, los príncipes y los personajes religiosos de alto rango quienes produjeron biblias ilustradas con un extraordinario trabajo artesanal mediante su riqueza e influencia. Esta edición recopila 50 de los mejores manuscritos medievales de la Biblia depositados en la Biblioteca Nacional Austriaca. Con ejemplos de todas las épocas de la Edad Media, esta colección estudia representaciones de la Biblia en diversos contextos teológicos e históricos. Con una calidad de reproducción impecable, estas increíbles imágenes destacan por ser tanto tesoros artísticos históricos como importantes objetos religiosos. Los textos de Andreas Fingernagel, Stephan Füssel, Christian Gastgeber y un equipo de 15 autores científicos describen al detalle cada manuscrito: estudian tanto la evolución de la Biblia como la interpretación medieval de la historia. Además, se incluye un glosario de términos fundamentales para que los lectores no versados en la historia bíblica puedan disfrutar también de los textos.
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Punto y línea sobre el plano
Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.
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Los tipos iconográficos de la tradición cristiana / 10
Continúa la travesía por el desierto, cuyos principales hitos y prodigios obrados por Yahvé en favor de Israel ya tuvieron lugar en el libro del Éxodo. En el presente volumen, se estudian aquellos tipos iconográficos derivados del Levítico, los Números, el Deuteronomio y Josué. El conjunto de estos cuatro libros conforma una unidad, cuyo sentido es la historia del pueblo de Israel de camino aún por el desierto en dirección hacia la Tierra prometida y la conquista de esta una vez alcanzada. El contenido de cada uno de estos libros es muy diferente y absolutamente singular, algo que para los estudios iconográficos es secundario, ya que, como fuente visual, los libros bíblicos interesan tanto en cuanto poseen contenido narrativo y, en consecuencia, sean susceptibles de ser trasladados a la imagen, dando así lugar a los tipos iconográficos que conforman el objeto de estudio. En este sentido, presentamos una sucesión de capítulos integrados como un todo progresivo en la historia, donde cobra relevancia el final de Moisés y Aarón, seguido del protagonismo que adquiere Josué como líder en la conquista de Canaán.
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Animales y artistas
Aquí encontraremos a artistas como Picasso, Frida Kahlo, Georgia O Keeffe, Andy Warhol, David Hockney o Leonora Carrington, todos ellos referentes del mundo del arte, quienes ligaron su vida y obra a la de sus mascotas. Pero también a otros creadores, nombres propios de la pintura, la ilustración o la fotografía, que aunque resulten menos conocidos para el gran público, son de vital importancia para la historia del arte.
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Caricaturizar
La pregunta: ¿Existen nuevas formas de abrir la caricatura a cualquier persona a la que le guste dibujar? La respuesta: ¡Por supuesto! En este libro encontrarás métodos testados y demostrados capaces de simplificar los procesos y enseñar a cualquiera, con independencia de su edad, el arte de la caricatura. ¡Incluye sencillas instrucciones paso a paso y más de 3.000 ilustraciones! Un estudio exhaustivo de emociones y expresiones · Cómo dibujar la caricatura de deportes Caricaturas para publicidad · La caricatura explicada · Desglose completo de personajes caricaturizados Animación para TV · Técnicas de dibujo para caricatura política y de prensa Cientos de estilos nuevos y variados de caricatura · Más de 500 manos caricaturizadas Bocetado de caricaturas · Dibujar multitudes con facilidad · Cómo caricaturizar chicas Montones de preciosas cabezas caricaturizadas · Caricaturas libres e informales · Cientos de rasgos faciales que, combinados, dan lugar a más rostros divertidos que personas hay en el mundo · Cómo crear personajes para chistes y tiras cómicas · Disfraces e indumentaria para caricaturas · Cientos de problemas de cabezas y figuras resueltos
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Rascacielos que se derriten: Salvador Dalí y su arte
“Nueva York, tus maniquíes descabezados están ya dormidos, vertiendo toda su ‘perpetua sangre’, que fluye como las ‘fuentes quirúrgicas de la publicidad’.'' Dalí (1942)Este libro reúne artículos publicados en Estados Unidos durante los años treinta y cuarenta que nos descubren las claves del innegable protagonismo de Salvador Dalí y de su versión del surrealismo en la cultura popular de ese país.
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Dalí Descodificado
El libro que tiene en sus manos quizá le rompa los esquemas, le haga dudar de sus creencias más profundas, peaje obligado para transmitir el increíble mensaje de esperanza, con evidencias y pruebas que conducen a la inmortalidad, reencarnación, inexistencia del tiempo y de la materia, la custodia de la memoria y consciencia fuera de nuestro cerebro, así como la existencia de Dios a través de las matemáticas y de la proporción áurea. Todos estos conceptos los plasmó Salvador Dalí en sus obras. Valiéndonos de ellos, trataremos de descodificar al «divino»: maestro, místico, alquimista, esotérico, matemático, geómetra sacro, mitológico, físico cuántico, praxiteliano, hiperespectral y visionario. que incluso llegó a predecir la fecha exacta de su muerte en una de sus pinturas. Comprobará que las obras de Dalí afectan a las ondas cerebrales, que el conocido cuadro La persistencia de la memoria (relojes blandos) goza de una inspiración bíblica, mitológica, cuántica y transcendental. También conocerá cuál fue realmente su última pintura y firma estampada en vida. Descubrirá el extraordinario misterio que esconde La cesta de pan y por qué Dalí quiso ser enterrado en el museo de Figueras, renunciando al descanso eterno junto a su esposa Gala. Revelamos también el cálculo de la fórmula matemática plasmada en el estudio de Leda atómica y la geometría sagrada oculta en La Última Cena. Confiamos en que disfrute de las numerosas anécdotas dalinianas, históricas, religiosas, artísticas, científicas, astronómicas y musicales que aderezan este apasionado trabajo de investigación. «Comienza un viaje fascinante en un mar de curiosidades que a buen seguro le sorprenderán y, en ocasiones, incluso le desconcertarán». M. ARIÑO Editora de la revista Muy Interesante
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Flora Industrialis
'Flora Industrialis incide en los límites que plantea la relación entre la ciencia y el arte, y en cómo lo interpreta el espectador. Y lo vincula por un lado a conceptos como veracidad, realidad, definición o exactitud, y por otro con la percepción y la memoria personal del artista, con ideas de belleza, artificialidad, perfección o muerte. Ante las fotografías que en esta flora industrial nos presenta el artista, podemos explorar las sensaciones ambiguas que nos producen. Descubrir las claves que nos permiten identificar ante qué tipo de fenómeno nos encontramos y al mismo tiempo decidir si nos entregamos a una experiencia de los sentidos sin importar si las flores que nos presenta son industriales o naturales.''
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La mezquita de Córdoba
Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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Mujeres artistas
Mujeres artistas. Ensayos de Linda Nochlin reúne treinta ensayos esenciales de la historiadora contemporánea más sagaz y provocadora publicados a lo largo de su carrera, entre los que se cuentan dos realizados específicamente para esta colección y una entrevista en la que repasa su trayectoria académica y reflexiona acerca del papel de la mujeres en el arte actual. Se trata pues de la antología definitiva de Linda Nochlin sobre teoría feminista y arte creado por mujeres.Entre los escritos seleccionados por Maura Reilly destacan un hito de la teoría feminista: «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», de 1971, junto a otros ensayos seminales: «Mujeres artistas después de la Revolución francesa» o «Partiendo de cero. Los comienzos de la historia del arte feminista». Para completar el enfoque teórico, el volumen contiene diversos estudios consagrados a importantes artistas modernas, como Artemisia Gentileschi, Berthe Morisot o Mary Cassatt, y contemporáneas, como Jenny Saville, Kiki Smith o Sophie Calle, entre muchas otras.
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Color en el arte y el diseño
* Un manual contemporáneo para navegar por el fascinante mundo del color, que es una de nuestras señales visuales más poderosas, pero es mucho más que simplemente lo que vemos. * Artistas y diseñadores saben que una utilización adecuada del color puede realzar la sensación o el mensaje que intentan transmitir. * Con reseñas de cien colores -los icónicos, los inusuales y los innovadores- le cambiará para siempre la forma en que ve, piensa y utiliza el color. Descompone los conceptos fundamentales de la teoría, la psicología y la tecnología del color en pequeños apartados, con historias resumidas que revelan la importancia histórica y contemporánea de cada color. Introduce ejemplos inspiradores del arte y el diseño de distintas épocas e incluye consejos para elegir colores de forma inteligente y sostenible para cualquier aplicación.
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La mirada inquieta
Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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Arte y sociedades secretas
Surge entonces un movimiento artístico vinculado conlas sociedades secretas. Joséphin Péladan, fundadorde la Orden de la Rosa Cruz del Temple y del Grial, auspiciará la celebración de una serie de exposicionesanuales de jóvenes artistas afines a su credo esotérico a las que llamó los “Salones de la Rosa+Cruzö.
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Los demonios creativos y como acabar con ellos
Si alguna vez te has embarcado en un proceso creativo, muy probablemente te hayas topado con dudas, miedo ante la página en blanco, sensación de fracaso, el peso de las convenciones… Se trata de factores tremendamente bloqueantes, forjados y anclados en nuestra mente, que no hacen más que entorpecer nuestro fluir creativo.A través de distintas anécdotas y experiencias del mundo del arte, la filosofía, la naturaleza y la neurociencia, el experto en creatividad Richard Holman nos ayuda a detectar y entender cada uno de nuestros demonios creativos y a construir una armadura mental para hacerles frente. Leonardo da Vinci, Marina Abramović, J. K. Rowling, el Dr. Seuss o Herbie Hancock nos acompañan en este camino, un proceso de aprendizaje y autoconocimiento que tiene un solo objetivo: decir adiós a tus demonios.
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C'est une grande date dans l'histoire de l'art que celle où la peinture cesse d'avoir un rôle cérémonial ou décoratif, mais commence, sans parti pris, à braquer sur la réalité un objectif intelligent. En ce sens, l'artiste hollandais n'est plus une volonté qui exécute un plan préconçu et qui lui subordonne les moyens et les mouvements, c'est un œil qui choisit et qui saisit, c'est un miroir qui peint, tout ce qu'il fait est le résultat d'une réflexion.
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Escritos sobre el arte
Como muchos grandes pintores del siglo xix, Ingres escribía sobre el arte. Lo hacía en cuadernos desordenados, en borradores de cartas de negocios, en cuentas de gastos, en papelotes dispersos en medio de otros papeles, pero que juntos conforman una de las obras sobre estética más significativas de la modernidad. Fue su alumno Henri Delaborde quien recogió, en 1870, los pensamientos dejados por el maestro, de los que esta edición destila su quintaesencia. Procedentes, pues, de fuentes diversas, y sin embargo singularmente coherentes, en ellos nace una reflexión sobre el arte que tiene en igual medida el sentido de la eternidad y el sentimiento de la vida, el eco del lenguaje confidencial y la vocación de lo absoluto. No estamos frente a un tratado o a una obra sistemática, sino frente a una suerte de aforismos que capturan una intuición, ante reflexiones sobre la pintura desarrolladas en medio de los alumnos, mientras se mueve entre los caballetes, da explicaciones delante del modelo y corrige los trabajos. Sin embargo, pocas páginas están recorridas como éstas por tal tensión metafísica, con un Ingres al margen de los clichés, que hace un elogio de la pureza de la línea, pero también de la emoción en pintura, una mística de lo Bello, que nos habla no del arte de su tiempo, sino del arte atemporal y sin etiquetas, del arte que es «eterno y único», como única y eterna es la belleza de la naturaleza.
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El cine en vivo y sus técnicas
El posible futuro del cine según Francis Ford Coppola, uno de los cineastas más grandes del siglo XX. Un ensayo trufado de experiencias personales que seducirá a los cinéfilos «Una lúcida reflexión. [...] Este hombre lo sabe todo y además tiene corazón, dispuesto por fin a dejarnos entrever un sueño quizá absurdo, probablemente genial».Federico Marín Bellón, ABC En este libro, uno de los más aclamados cineastas modernos da un repaso exhaustivo a un nuevo medio audiovisual. El Live Cinema es una forma de arte en vivo y en formato digital que puede aportar calidad a la creación e innovar en su difusión por salas de cine de cualquier rincón del mundo. Su visión de este nuevo medio está trufada de observaciones e intuiciones magistrales, dada su larguísima experiencia en el séptimo arte: notas sobre las primeras décadas del cine, recuerdos sobre su fascinación con la televisión en directo de la década de los cincuenta, reflexiones sobre la dirección de actores, comentarios sobre la tecnología audiovisual más puntera... Por ello, este volumen funciona también como una suerte de autobiografía, ya que Coppola repasa sus triunfos y fracasos con una honestidad inusitada.La crítica ha dicho: «Una lúcida reflexión. [...] Este hombre lo sabe todo y además tiene corazón, dispuesto por fin a dejarnos entrever un sueño quizá absurdo, probablemente genial».Federico Marín Bellón, ABC «Las reflexiones de Coppola, trufadas de sabiduría e inteligencia, recuerdos y anécdotas, son un verdadero gozo para el lector».La Voz de Galicia«El libro condesa esa dimensión sobre la percepción del bien y del mal de la concepción del cine como algo más que una industria y lo hace además, con enorme inteligencia y una profunda capacidad para sostener un discurso complicado».Hipertextual «Su visión de este nuevo medio está trufada de observaciones e intuiciones magistrales. [...] Coppola repasa sus triunfos y fracasos con una honestidad inusitada».Industrias del cine«Parece que una de las grandes obsesiones de la obra de Coppola -el hombre/Dios que se vuelve una pieza del propio engranaje que este ha gestado- ha encontrado un avatar en su propia figura. En El cine en vivo y sus técnicas, Francis Ford Coppola se vuelve un personaje Coppola».A sala llena «Coppola darienda suelta a su última pasión y, por qué no, su extravagancia final tras una larga y fructífera carrera».Gregorio Belinchón, El País «Las reflexiones de Coppola, trufadas de sabiduría e inteligencia, recuerdos y anécdotas, son un verdadero gozo para el lector».La Voz de Galicia «Las virtudes de Coppola como narrador, sea cual sea el medio de transmisión, son más que evidentes en este libro. [...] El entusiasmo por el cine de este creador genial es contagioso».Publishers Weekly «Un relato curioso y divertido sobre cómo un maestro se pelea con una nuevamanera de comunicar el arte. [...] Igual que en sus películas, Coppola sabe contar una historia interesante».Michael Ruzicka, Booklist «Una verdadera mina de libro, intensamente personal, a la par que un viaje astral hacia el futuro potencial del cine/teatro/televisión. Es una obra íntima y confesional y a la vez un pasaporte mágico al almacén de sabiduría del cineasta».Walter Murch«Un libro novedoso y sorprendente a caballo entre unas memorias, unos diarios y una guía. Coppola se entusiasma (y entusiasma al lector) en su búsqueda de una nueva forma de contar historias».William Friedkin
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Galerías de arte
Las galerías de arte son elementales para comprender la contemporaneidad y el desarrollo de sus tendencias plásticas más innovadoras. Son las precursoras de lo que, más adelante, aparecerá legitimado en museos e instituciones y son creadoras de contenido cultural. Sin embargo, la mayoría de los textos que reflexionan sobre ellas lo hacen desde el punto de vista del mercado del arte. ¿Qué es una galería de arte? ¿Cómo funcionan? ¿Por qué son importantes? ¿Cómo son los espacios galerísticos? ¿Cuál ha sido su evolución histórica? ¿En qué momento se encuentran? ¿Cuál será su futuro? El presente libro aborda estas preguntas recorriendo la historia de las galerías de arte, desde cuestiones conceptuales y prácticas hasta reflexiones sobre las expectativas y retos de futuro, pasando por definir el momento y los condicionantes en los que surgieron y su apasionante evolución.
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Dentro
¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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