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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Como explica el profesor Iliá Kalinin en la introducción a esta edición de los escritos teóricos de Shklovski: “El formalismo ruso, que apareció en primer lugar con la intención de ofrecer una explicación teóricade las prácticas artísticas coetáneas del futurismo,no prolonga la herencia de la estética clásica sinoque más bien la destruye. [...]. En el caso del formalismo no tenemos ante nosotros una nueva variante dela antigua teoría del arte como representación sino un movimiento en la dirección de aquello que más tarde, en los trabajos de Barthes o de la misma Kristeva,se denominará como ‘texto’. Es decir, en una descripción de los procesos de producción de significado queexcluye en primer lugar el enclave de las intencionesconscientes del autor y descubre un nivel más fundamental, inmanente a la propia factura textual [...]”.
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Amb un to despreocupat i una mica irreverent, aquest llibre està pensat per apropar l'art als infants, que aprendran que pot ser molt i molt divertit i esbojarrat. Sota la guia del gat Roc, descobriran que en l'art tot s'hi val, només calen ganes de passar-s'ho bomba. El text es complementa amb una magnífica combinació d'il·lustració i fotografia.
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En la Sacristía Mayor de la catedral de Sevilla se conserva una obra tan extraordinaria como desconocida.Su arco de ingreso, ejecutado entre 1533 y 1535, contiene sesenta y ocho platos con alimentos cuidadosamente esculpidos en piedra, reflejo de la realidad gastronómica del momento y de un rico universo simbólico.El libro que tienen en sus manos se plantea como unaexploración que, partiendo de esta gran urbe del Renacimiento, nos permite emprender un largo viaje a través del arte y la ciencia, la alimentación y la cocina, la cultura y la espiritualidad de toda una época.
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Es imposible abstraerse del tiempo que vivimos, de esta época compleja donde no hay más interpretaciones aceptadas que la evidenciadel colapso ecológico, de esta asfixia en la que andamos sumidos. Esta obra es unbreve ensayo que trata de ahondar en la c
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Las alumnas de la Bauhaus. Artes, oficios y revolución: Las mujeres que marcaron la diferencia supone un interesante estudio centrado en todos los talleres y la realidad completa de la escuela de arte más apasionante del siglo XX: la Bauhaus (1919-1933)
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Al marido de Asa le han ofrecido un trabajo en una zona remota de Japón, junto al hogar en que nació. Durante un verano excepcionalmente cálido, la pareja se instala junto a la casa de los suegros, entre el ensordecedor e invasivo rugido de las cigarras. Hasta queun día Asa se topa con una extraña criatura, que no se parece a nada. La sigue hasta el terraplén de un río y cae en un agujero que parece haber sido creado para ella, y en el que queda atrapada para siempre. Casas asoladas por plagas de comadrejas. Niños fantasma.Pasillos que nos transportan «al otro lado», como siAlicia reviviera en el Japón de la tecnología punta.Oyamada firma un tríptico narrativo literariamente puro sobre la idea de que el entorno que nos rodea puede anticipar nuestras emociones y hasta nuestro destino.
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El marco geográfico de la actual provincia de Cádiz, primitivo territorio del Reino de Sevilla, fue testigo histórico de la convivencia entre dos sistemas sociales y económicos: el agrícola y nobiliario, que se miraba al espejo hispalense, y el comercial y burgués, que se abría a los dos grandes mares. Ambas realidades generaron entre sí amplias relaciones culturales y artísticas, aportando a la zona recíprocas transferencias de forma y estilo, y también de artistas que trabajaron a caballo entre las dos realidades, o cuya obra sirvió de cruzada referencia estética. En este contexto artístico, la ciudad quedaría constituida en el verdadero marco de recepción y valoración de la cultura material. De todo ello se ocupan los nueve autores de este libro que, con prólogo de Alfredo J. Morales, aporta, mediante enfoques metodológicos renovados, una visión inédita del arte de Cádiz y su entorno en la Edad Moderna.
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La práctica escultórica de June Crespo se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, `pares móviles` como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial. El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto Vascular, su exposición en el Museo Guggenheim Bilbao, que este libro cataloga, planteando, además, su propio despliegue de materiales. Destaca entre ellos el conjunto de anotaciones del `Diario Vascular` de la artista, un documento inédito en el que da cuenta de su metodología y del recorrido (personal y artístico) de los dos últimos años en los que ha concebido y producido la muestra. Las notas de la artista se unen a un ciclo poético escrito por Miren Agur Meabe, premio Nacional de Poesía 2021, así como los ensayos críticos de Jara Rocha y Manuel Cirauqui, comisario de la exposición.
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Este libro es un intento coral de aproximarse al arte de la época de las vanguardias desde una perspectiva invisibilizada en la historiografía tradicional: la de la lucha por la emancipación de sus mujeres y la de la importancia que en ello tuvo el contacto con el mundo indio, con la difusión de su pensamiento, la formulación de su imaginario y con su proceso descolonizador.
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Este libro es el segundo volumen dedicado a las mujeres artistas del siglo XX y abarca desde la Segunda Guerra Mundial hasta finales de siglo. Al tratarse de artistas en su mayoría vivas, la autora ha completado su trabajo, que realizó para la edición de 2006, hasta hoy y ha reseñado sus principales exposiciones individuales. Asimismo, se han incluido nombres nuevos que en la primera edición no tuvieron cabida. Con un lenguaje claro y didáctico, Victoria Combalía analiza sus creaciones, sus condiciones de trabajo y su fortuna comercial y crítica, por regla general menos afortunada que la de sus colegas varones, debido a la desigualdad de oportunidades que aún impera en el mundo artístico.
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Son numerosos los estudios que abordan los usos y costumbres establecidos en Sevilla sobre la época barroca. Este estudio viene a complementar visualmente dichos trabajos gracias al análisis de un amplio repertorio de imágenes que reproducen bodegones sevillanos. Su examen nos permite advertir con perfección los detalles de la vida cotidiana vinculados a la subsistencia alimenticia. Estas escenas tienen lugar en cocinas y comedores donde apreciamos las distintas labores que conlleva la gastronomía de aquel tiempo. También un segundo aspecto, reflejado a través de la pintura de floreros, nos permite conocer la sensibilidad y el buen gusto que imperaba en las clases sociales medias y superiores, que decoraban sus mansiones con lienzos en los que aparecen bellos repertorios florales. La gratitud visual de estas obras emana primero de la sensibilidad del pintor que las interpretó, pero también del buen gusto y el refinamiento de aquellos que encargaban este tipo de obras. Este recorrido, que dura un siglo y medio por la historia de los floreros y bodegones sevillanos, se inicia a principios del siglo XVII, momento en el que lentamente se fue implantando un claro sentido de la realidad. En principio estas novedades se ciñeron a formas escuetas y severas pero a partir de 1650 se incorporó el vitalismo y la teatralidad que caracterizaba al espíritu del arte barroco. Analiza este trabajo, a través de los bodegones y floreros pintados en Sevilla durante el periodo barroco, el sentido del gusto (gastronomía y estética) que en esta época tuvo la sociedad hispalense, imbuido siempre de una nítida inclinación hacia el equilibrio y la mesura. Enrique Valdivieso es catedrático Emérito de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla ha ejercido la docencia en la misma durante 40 años desde 1976 a 2016. Al mismo tiempo se ha dedicado a la investigación con especial predilección por el ámbito de la pintura, realizando numerosos trabajos en los que ha estudiado los conjuntos pictóricos de la Catedral de Sevilla (1978), Palacio Arzobispal (1978), Hospital de la Santa Caridad (1980), Universidad (1980) y Museo de Bellas Artes (1993). Y aparte ha realizado también varios libros sobre la historia de la pintura sevillana (1986) y de la pintura barroca (2003). Ha publicado sucesivas monografías dedicadas a los principales pintores de la ciudad, como Pedro de Campaña (2008), Francisco Pacheco (1990), Francisco de Zurbarán (1988), Bartolomé Murillo (2010), Juan de Valdés Leal (1988), Francisco de Herrera el Mozo (2015) y Sebastián de Llanos Valdés (2021). Ha realizado también numerosas exposiciones dedicadas a Murillo (1982), Juan de Roelas (2008), Francisco de Zurbarán (1998) y Juan de Valdés Leal (1991).
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Durante más de 6 décadas el empresario y financiero estadunidense Don Marron coleccionó más de 300 obras maestras de arte contemporáneo y moderno. Este impresionante ejemplar rinde tributo a Marron como uno de los coleccionistas más abiertos e innovadores del sigloXX y XXI, así como uno de los primeros en lanzarse alas colecciones corporativas.
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El presente libro reúne los textos más recientes sobre estética de los media, cultura visual y simbolismo artístico de uno de los autores que ayudó a lanzar y fundamentar los Estudios Visuales.
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Unión Radio fue el primer gran proyecto radiofónico español, nacido en 1924 y respaldado por las principales compañías internacionales, de la británica Marconi a las americanas General Electric y RCA, la Tudorfrancesa o la AFA alemana. Su objetivo, que cumplióen sus 14 años de existencia, fue crear una cadena deemisoras locales en torno a una cabecera potente, suemisora principal, la madrileña Unión Radio, que comenzó a emitir en junio de 1925.Desde su nacimiento, Unión Radio, instalada en la Gran Vía, fue la voz y elreflejo de una época apasionante, de gran efervescencia creativa, de cambios políticos y sociales. En susestudios coincidieron Gómez de la Serna, Benavente,Jardiel Poncela, García Lorca, Alberti, Joaquín Turina, Igor Stravinsky, Miguel Fleta, los Halffter, Victoria Kent, Clara Campoamor, La Argentinita y muchos otros, pero también personajes ahora olvidados que concibieron muchos de los géneros de la radio de hoy. Sumicrófono recogió en directo la llegada de la SegundaRepública, y ni un solo día faltó a la cita con losoyentes, cada vez más numerosos, durante los tres años de la Guerra Civil. Este libro cuenta la peripeciade Unión Radio, reconstruye su programación, los momentos trascendentales que narró y las anécdotas cotidianas. En suma, recupera su memoria y su nombre para la historia de la radio española.
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Tras recibir importantes exposiciones individualesen Japón y Corea, Fundación MAPFRE presentará la primera exposición en Europa con la obra de Tomoko Yoneda.Tomoko Yoneda realiza obras complejas con referencias a la historia contemporánea y al conflictohumano. Busca hechos pasados con un enfoque casi antropológico, hechos que no presenció y utiliza la fotografía para traerlos al presente. Sus imágenes de paisajes e interiores pueden parecer a primera vista lugares hermosos sin ningún significado. Sin embargo, después de leer las leyendas, estas fotografías se vuelven algo más complejas y preocupantes: son sitios de catástrofes humanas. Yoneda ha optado por representarlugares asociados con la guerra y, en particular, sitios vinculados con la Primera y Segunda Guerra Mundial, la Segunda Guerra Sino-Japonesa y la Guerra Fría.Nacida en Akashi en la prefectura de Hyogo, Japón en 1965, Tomoko Yoneda estudió fotografía en la Universidad de Illinois en Chicago (1989) y más tarde en el Royal College of Art de Londres (1991). Actualmente vive en Londres y Helsinki.
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Disfrutar de vidrios y cristales en las ventanas, contraventanas, balcones y puertas fue un lujo que pocos hogares pudieron saborear, si bien con el devenir de la centuria mejoró progresivamente. La implantaciónde vidrieras, compuestas por múltiples piezas, no alcanzó a las categorías más paupérrimas y modestas –enuna especie de “pobreza vítrea”–, salvo excepcionesmuy puntuales. Únicamente los hogares más acomodados,sobre todo de la aristocracia y del clero más encumbrado, pudieron aislarse de las frialdades y de los ruidos del exterior con la colocación de vidrieras, dediferentes calidades y cantidades según el propietario, en función de sus niveles de renta y de fortuna. La disponibilidad de vidrios y cristales es un aspectosingular de la cultura material y del proceso de comercialización de productos y pertrechos a finales delAntiguo Régimen.
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El arte moderno es atrevido, experimental y no entiende de reglas. En otras palabras, es perfecto para los niños a quienes les guste crear libremente. Este libro acerca a los pequeños artistas mayores de seis años a la historia del arte moderno a través de 18 obras que sirven de inspiración para estos apasionantes proyectos creativos. No hace falta tener conocimientos previos sobre arte, basta con las ganas de aprender, crear y experimentar.
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* Un manual contemporáneo para navegar por el fascinante mundo del color, que es una de nuestras señales visuales más poderosas, pero es mucho más que simplemente lo que vemos. * Artistas y diseñadores saben que una utilización adecuada del color puede realzar la sensación o el mensaje que intentan transmitir. * Con reseñas de cien colores -los icónicos, los inusuales y los innovadores- le cambiará para siempre la forma en que ve, piensa y utiliza el color. Descompone los conceptos fundamentales de la teoría, la psicología y la tecnología del color en pequeños apartados, con historias resumidas que revelan la importancia histórica y contemporánea de cada color. Introduce ejemplos inspiradores del arte y el diseño de distintas épocas e incluye consejos para elegir colores de forma inteligente y sostenible para cualquier aplicación.
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Testimonio de una función periclitada, la ruina es también un renacimiento de la forma en medio de un bautizo de caos. Carente de limitaciones o proporción, ladestrucción expresa en la ruina una catarsis definitiva que, por encima del tiempo y del poder de los seres humanos, hace florecer la materia en cuanto formaestética y evocación poética.
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Un libro que profundiza en el cine del gran director desde su primera incursión en el séptimo arte, hasta su testamento cinematográfico, El inocente.Pedro García Cueto va detallando los argumentos de sus películas, donde sobresale un gusto esencial por la estética, por el mundo clásico, por una aristocracia a la que perteneció.El libro está divido en varias partes y dedica una atención especial a una obra cumbre del director, que adaptó varias novelas importantes: Muerte en Venecia, basada en la novela de Thomas Mann, La muerte en Venecia. Pedro García Cueto se detiene en muchos detalles tanto de la novela como de la película en un afán comparativo, para señalar semejanzas y diferencias en dos obras maestras, tanto de la literatura como del cine.
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Un gran viaje histórico artístico desde el quattrocento de la Florencia de los Medici y la época dorada del cinquecento, con los grandes genios Leonardo, Miguel Ángel o Rafael hasta la propagación del Renacimiento por toda Europa y su florecimiento en España en el siglo XVI con la poesía mística, la picaresca, el Quijote o El Greco. Conozca una de las épocas más interesantes de la historia, el inicio de la Edad Moderna y el desarrollo de la cultura humanista, que desde Italia se extiende por toda Europa occidental llegando hasta América a través del descubrimiento y la conquista del Nuevo Mundo. Una época de cambios, con el desarrollo de la ciencia y la astronomía, así como la Reforma protestante iniciada por Lutero, que produjo una división en la Iglesia que perdura hasta hoy. Breve historia del Renacimiento le acercará al genio de los grandes artistas del quat-trocento y el cinquecento, en el que brillaron grandes mentes como Leonardo da Vinci, Rafael o Miguel Ángel, así como su influencia en Flandes, los Países Bajos, Francia y España en los tiempos en los que en el Imperio español «nunca se ponía el Sol». Una época en la que desarrollaron su obra grandes creadores como el Greco -,que superó el manierismo para alcanzar la modernidad-, y hubo un auge de la literatura manifestado tanto en la poesía mística como en el teatro, la novela pastoril, la picaresca, así como la aparición de la obra más importante de la literatura española, el Quijote. Su autor, Carlos J. Taranilla de la Varga, experto en el tema, le presentará con un estilo ágil, ameno y riguroso, una información completa sobre esta época tan importante de la historia, que sentó las bases del desarrollo científico del mundo actual.
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En este libro se muestra que el fundamento de la actitud crítica en filosofía -tanto en el criticismo kantiano, como en la crítica marxista, así como la llamada ''teoría crítica de la Escuela de Frankfurt''- procede en realidad de la crítica artística y literaria,y no al revés. Por ello también, este libro se afanaen buscarle un fundamento de legitimidad a la crítica, así como en establecer su alcance y sus límites.
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Le grand dandy parle de mode et de vêtements.Texte inédit en français '' Être bien habillé est convenable et nécessaire, avoir un but dans la vie, non.'' '' La mode est une forme de laideur si intolérable qu'il faut en changer tous les six mois.''
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