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Yoai, la conocida artista de Instagram, ha vuelto para enseñarte no uno, sino dos populares estilos de dibujo japonés. Un recurso habitual en el anime y el manga es convertir a los personajes en su versión chibi como contrapunto cómico, especialmente cuando expresan emociones. En Dibuja anime y chibis, Yoai te enseña a crear sus característicos y simpáticos personajes de anime y sus versiones chibi, tanto las nociones básicas para dibujar el cuerpo, la pose y los rasgos faciales como técnicas para diseñar la ropa y el pelo.Con los 20 tutoriales de nivel básico, intermedio y avanzado, aprenderás a dibujar paso a paso del modo tradicional —utilizando lápiz y pluma y coloreando con rotuladores y lápices de colores— y digitalmente, con programas de dibujo estándar.E incluso podrás ir un paso más allá y combinar ambos medios. Gracias a los abundantes consejos y técnicas de dibujo, así como a la inspiradora galería y las páginas para colorear, pronto estarás llenando tus cuadernos, artículos de papelería e ilustraciones con tu propio universo de personajes anime y chibi.Dibuja anime y chibis: ¡el curso que estabas esperando!
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Este catálogo contiene imágenes de la serie The European Desktop, una reflexión sobre el falso optimismo que reinó en Europa tras la II Guerra Mundial. Se exhibió en IvorEl trabajo se compone de una serie de esculturas, un protector de escritorio destrozado, una pluma, un tintero, un secante y balanzas para cartas, los cuales parecen haber caído del cielo, pero que ahora languidecen, como víctimas olvidadas de una época anterior. The European Desktop es una obra magistral de escaramuzas históricas por las fronteras nacionales y el desplazamiento de las culturas europeas. Oldenburg y Van Bruggen parecen declarar que el tiempo nunca es pasivo y alcanza el éxito cuando transforma los recuerdos en reliquias. Lo político o, si no, el drama, ya ha sido desembalado y poco a poco va desapareciendo, solo queda un páramo desolado de objetos abandonados.
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“I used to lash out with my fists, now I am making an impact with my photos.”— Stacii SamidinRaw honesty, radicalism and unfamiliar territories are the foundation of the work of photographer Stacii Samidin (b. 1987). At the core is the essence of seeing, hearing and accepting a human being without prejudice and judgement. Documenting the lives of minorities, the oppressed and those with unorthodox lifestyles all around the world in his life’s work Societies, he challenges our perception and raises the voices of the unheard or silenced through photography.With a text contribution by Tracy Metz and an introduction by Koos Breukel and Hedy van Erp.Publication accompanying the exhibition at Galerie Weisbard, Rotterdam, from 26 April until 17 May 2025.
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Incòlume. Natures mortes del Segle d'Or
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Matar al dragón. Curar una enfermedad. Derrocar a losopresores. Conseguir el botín…Decidid una misión, reunid a un grupo de personajes y enfrentaos a los desafíos que se interpondrán en vuestro camino hacia el objetivo final. ¿Podréis manteneros unidos para obtener el éxito en la misión o vuestras diferencias haránque fracaséis?Si ya juegas a rol aquí encontrarás unanueva experiencia de juego con infinitas posibilidades. Si tienes curiosidad por saber qué es eso del roleste es, probablemente, el mejor juego para descubrir esta poderosa afición. Sentirás que estás viviendouna película.Reunid de 3 a 5 jugadores, elegid una delas 18 misiones, cread vuestros personajes y la ambientación. ¿Jugaréis en un mundo fantástico, en un futuro distópico, en un mundo plagado de horrores o en un momento histórico concreto? Follow es uno de los juegos con mayor rejugabilidad y posibilidades que puedas encontrar, quizá infinitas, tantas como las que vuestra imaginación quiera crear. Ben Robbins es también autor de Microscope y Kingdom y uno de los más reconocidos creadores de juegos de narración compartida.Aquí te ofrece herramientas para que la trama de tu historia funcione, sea fluida y disfrutes de una apasionante sesión de juego.
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Malgrat el plantejament aparentment provocador de Magritte, la seva obra no té res de previsible o maquinal. Les seves obres inquieten, fascinen i suggereixen, i no han perdut la seva capacitat de suggestió des que van ser creades, algunes d’elles fa gairebé 100 anys. El catàleg d’aquesta exposició examina l’obra de Magritte des del punt de vista de la seva bellesa inquietant i de les seves idees creatives, de la seva filosofia de la composició. Més de 70 pintures junt amb una selecció de fotografies i pel·lícules familiars procedents de més de cinquanta museus i col·leccions.
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Fruit de la catorzena edició de l'Aula Xcèntric, F(r)iccions etnogràfiques revisa el concepte de cinema etnogràfic experimental tot analitzant l'obra de cineastes que aposten per la imaginació i la crítica i que qüestionen les convencions de la tradició documentalista cineastes que defensen un cinema antropològic menys objectivista, que s'atreveix a experimentar formal i metodològicament amb la càmera per generar noves maneres de relacionar-se amb els altres i mostrar les diferents formes de viure i de concebre el món.
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'Flora Industrialis incide en los límites que plantea la relación entre la ciencia y el arte, y en cómo lo interpreta el espectador. Y lo vincula por un lado a conceptos como veracidad, realidad, definición o exactitud, y por otro con la percepción y la memoria personal del artista, con ideas de belleza, artificialidad, perfección o muerte. Ante las fotografías que en esta flora industrial nos presenta el artista, podemos explorar las sensaciones ambiguas que nos producen. Descubrir las claves que nos permiten identificar ante qué tipo de fenómeno nos encontramos y al mismo tiempo decidir si nos entregamos a una experiencia de los sentidos sin importar si las flores que nos presenta son industriales o naturales.''
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Todos los museos europeos que denominamos museos antropológicos han formado sus colecciones a partir de la colonización de otros territorios y culturas. En ellos se acumulan miles y miles de objetos de los que se desconoce su autoría real, simplemente atribuidos a distintas etnias o áreas geográficas. Revisitados desde siglo XXI, ese tipo de museos necesita comenzar de nuevo, replantearse la forma en que muestra, colecciona y conserva las piezas, también cómo se usan los edificios y su infraestructura, cómo se transmite el conocimiento, cuál es su función educativa.El museo metabólico, escrito a partir de la experiencia de Clémentine Deliss como directora del Weltkulturen Museum de Fráncfort, entrecruza lo autobiográfico con personales y afiladas tesis sobre arte contemporáneo y antropología, en definitiva, sobre las culturas hegemónicas a través de las cuales comprendemos el mundo.El libro, de notable repercusión internacional, recoge los esfuerzos de la autora por cambiar un museo desde el diálogo con distintos y heterodoxos agentes (políticos, personal, pensadores, artistas , incluso cocineros) con cuya intervención intenta convertirlo en un centro adaptado a modelos multidisciplinares, performativos, decoloniales, contemporáneos y democráticos de investigación, práctica artística y educación.
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The hidden history of Amsterdam, beautifully designed by Irma Boom.Beneath Amsterdam lies a hidden world. discarded, forgotten, and concealed. The city archaeologists have already uncovered many of these secrets for everyone to see. after all, the city continues to build upon what our predecessors, the 'Amsterdammers' of old, once left behind. The results of seventy years of archaeological digging and exploration have been carefully conserved and are stored in the archaeological depot.Irma Boom has crafted a surprising collection from thousands of finds, arranging them in her own sequence of form, color, and texture. These are everyday objects that were commonplace to the city dwellers of the past, yet often mysterious or still recognizable to us today.With the collection assembled by Irma Boom, she presents Amsterdam's archaeology in a new, aesthetic light. In doing so, she casts a personal glow on the objects that reflect the city’s history, while giving each object space to tell its own unique story.
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En este lúcido ensayo, el erudito ensayista francés analiza la obra de Élisabeth Louise Vigée Le Brun, una de las pintoras más brillantes e ignoradas de las últimas décadas prerrevolucionarias en Francia. Retratista magistral «capaz de conjugar el parecido fiel con la idealización impalpable», Vigée Le Brun fue la aliada a la que escogió María Antonieta para ofrecer una imagen humana y digna de ese mundus muliebris que ella representaba y que, supuestamente, corrompía el prestigio y la autoridad de los monarcas a fuerza de afeminarlos. Un relato fascinante que recrea con magnífica precisión el virulento despertar de una misoginia política, moral y social que hizo de la reina María Antonieta y su retratista oficial sus chivos expiatorios.
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Es difícil concretar con palabras la práctica artística, más aún si se siente la pintura como una forma de pensar abstracta, ligada a la intuición o lo sensorial. Quizás sea eso lo que me tiene tan ôenganchadoö y lo que me hace preguntarme día a día sobre lo que hago y lo que me permite disfrutar de distintas maneras y a niveles diferentes. Mi trabajo reflexiona sobre la historia del arte, por extensión, la propia historia de la humanidad. Considero que, de esta forma, se pueden encontrar problemáticas actuales como meta-artísticas, sociales, políticas o incluso existencialistas o autobiográficas.
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The Red Skein is the latest monograph by Swoon, covering more than a decade of her work. In 224 pages, featuring over 200 vibrant images, this book explores the artistic journey of Caledonia Curry, also known as Swoon, one of the world’s most celebrated female street artists.The in-depth book explores Swoon’s creations both on the streets and in the studio, encompassing animation projects, collaborations, museum installations, and community-based initiatives. The Red Skein stands as the most comprehensive and valuable collection of her artistic endeavours. An especially captivating addition is the intimate and poignant text titled ''Persephone, Medea, Hecate: Constructing a crossroads for art and psychedelic-assisted therapy”, in which Caledonia shares her personal background and articulates the profound significance of art in her life.The book also features an introduction by Dr. Gabor Mate, a bestselling author and Hungarian physician renowned for his expertise in various fields, including addiction, stress, and childhood development. Further enriching the content are essays by New York-based curator RJ Rushmore, one of the world’s youngest and most respected critics of street and graffiti art, Melena Ryzik, a New York Times reporter who was part of a Pulitzer Prize-winning team in 2018 for their reporting on workplace sexual harassment, Jerry Saltz, an American art critic serving as senior art critic for The Village Voice and a columnist for New York magazine, and Pedro Alonzo, a Boston-based independent curator and Adjunct Curator at Dallas Contemporary), Jeffrey Deitch (art dealer and curator, director of the Museum of Contemporary Art LA 2010-2013) and Judy Chicago (feminist artist, art educator, and writer.)
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El narcisismo parece ser la patología que define el siglo XXI. Sin embargo, ¿y si lo que realmente nos define no es solo la obsesión por nosotros mismos, sino también una apremiante necesidad de autotransformación? En su obra, Matt Colquhoun relata la fascinante historia del autorretrato, abarcando desde pintores renacentistas como Durero, Rembrandt y Caravaggio hasta celebridades contemporáneas como Paris Hilton o Kim Kardashian. Además, realiza un profundo análisis estilístico de reconocidos fotógrafos como Lee Friedlander y Hervé Guibert. Al observar cómo los artistas han abordado su propia imagen, resulta difícil no considerar la era del selfie como un periodo de profunda transformación. Este libro explora el relato original de Narciso y la flor que lleva su nombre, ofreciendo una perspectiva alternativa y diferenciada del narcisismo en contraposición a los moralizantes subgéneros de libros que predicen que nuestra obsesión por nosotros mismos será nuestra ruina.
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L'estendard de l'Orfeó Feliuà és una obra única, de singular bellesa, que fou creada a principis del segle XX com a insígnia d'un dels cors de la població de Sant Feliu de Codines. Si en l'àmbit de les arts decoratives establir l'autoria dels objectes acostuma a ser difícil, la vida atzarosa d'aquest artefacte ho feu del tot impossible durant dècades, perquè quedà arraconat i no s'arribà a utilitzar mai. La plaqueta metàl·lica del revers de l'ensenya, amb la marca de la casa Hoyos, Esteva i Cia., ha estat clau a l'hora de determinar que es tractava d'una peça original d'Antoni Gaudí, autor que hi deixà la seva empremta artística dotant-la d'un ric llenguatge simbòlic, unes formes de base orgànica, una gran diversitat de materials i una dimensió corpòria sorprenent, amb volums capriciosos. Aquest llibre recompon el procés creatiu de l'obra -des de la concepció i el disseny de l'arquitecte, fins a l'execució formal al taller del seu col·laborador habitual, Claudi Hoyos-, desxifra el significat dels símbols gaudinians i, amb la col·laboració de Francesc Garriga, explica el complex itinerari històric de l'únic dels quatre estendards dissenyats per Antoni Gaudí que ha perdurat en el temps.
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Edición a cargo de David García Cueto, comisario de la exposición y conservador de Pintura Italiana y Francesa hasta 1800 del Museo del Prado. Inglés. Rústica. 24 x 30 cm. 448 páginas.Publicado con motivo de la exposición Guido Reni, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 28 de marzo y el 9 de julio de 2023.Guido Reni (1575-1642) fue uno de los artistas más destacados en la Europa de su tiempo, llegando su fama al nivel de la que alcanzaron Rubens, Caravaggio o Bernini. Desde su Bolonia natal, su obra se difundió no solo por buena parte de Italia, sino que también alcanzó algunas de las principales capitales del continente, como París, Londres o Madrid. En efecto, España no permaneció ajena al interés por las creaciones del maestro boloñés, coleccionadas tanto por la corona como por algunos de los más destacados miembros de la aristocracia y que, en varios casos, acabaron en los fondos del Museo Nacional del Prado. Además, a la vista de sus obras, ciertos artistas hispanos decidieron enriquecer su propio lenguaje con la evocación de las propuestas de Reni, entre ellos varios pintores de especial relevancia, como Bartolomé Esteban Murillo.Este catálogo pone de manifiesto la actualidad del legado de Guido Reni. Cuenta con nueve ensayos, a cargo de otros tantos autores internacionales, y se centra en su obra y su técnica, así como en el contexto en el que destacó en la Bolonia y Roma de su época y en particular en su relación con España durante el siglo de Oro. Además, analiza y reproduce casi cien obras de Reni y otros artistas entre pinturas, dibujos y esculturas.
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El texto plantea diversas estrategias para desarrollar propuestas curriculares más efectivas a través del arte. Propone explorar un enfoque basado en proyectos para la formación de docentes en educación artística. El objetivo principal es estimular una reflexión sobre la educación artística y la cultura visual, proponiendo prácticas que se enfoquen en los métodos de enseñanza y aprendizaje, así como en la generación de nuevas formas de pensamiento, acción, sentimiento y percepción desde la experiencia personal de los individuos.
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Los aclamados diseñadores Sagmeister y Walsh exploran la esencia de la belleza y el poder transformador del diseño bello.En este libro innovador y muy visual, los diseñadores de renombre mundial Stefan Sagmeister y Jessica Walsh emprenden una misión: averiguar qué es la belleza y las muchas formas en que influye en nuestras vidas. Recurren a la filosofía, la historia y la ciencia para entender por qué nos atrae la belleza y cómo influye en nuestra forma de sentir y comportarnos. Decididos a poner en práctica sus descubrimientos, Sagmeister y Walsh nos muestran cómo la belleza puede mejorar el mundo.
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Lluís Domènech i Montaner, un dels grans referents del moviment modernista i del catalanisme polític al tombant del segle XX, va desenvolupar una intensa tasca de recerca del patrimoni artístic. A fi de documentar-se sobre les arrels de l'arquitectura catalana, des del 1900 fins al 1906 va fer nombroses expedicions científiques pels racons més amagats del país, que havien de culminar amb la redacció de la primera història de l'art romànic a Catalunya. Malauradament, per raons polítiques, professionals i personals, l'obra va quedar inconclusa. Aquest quadern revisita, a tall de pelegrinatge artístic, alguns dels indrets més emblemàtics que l'arquitecte va recórrer en les seves campanyes pel Pirineu i recull també la transcripció d'una part de la seva introducció històrica sobre el romànic, un text -fragmentari i inacabat, però també programàtic- que, juntament amb centenars de fitxes, dibuixos, plànols i fotografies dels monuments estudiats, ha perviscut com un vestigi del llibre que no va arribar a escriure.
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* El mundo del arte contemporáneo puede resultar desconcertante hasta el extremo: enormes sumas de dinero y una nómina mundial de artistas que abordan una gama ilimitada de enfoques. ¿Por dónde empezar a desentrañar este panorama? * La comisaria y escritora Natalie Rudd se abre paso a través de la jerga artística para explicar diversos aspectos del arte contemporáneo (incluida la variedad de enfoques, disciplinas y temas) y cuestiones como la personalidad del artista, la ética de la creación y el potencial del arte para mejorar el mundo y provocar cambios políticos. * Una perspectiva internacional y multinarrativa que comienza por resumir y contextualizar el importante legado artístico del siglo XX que conforma la práctica reciente. En cada capítulo se aborda una cuestión central con el apoyo del análisis de obras relevantes y visualmente atractivas. En la sección de referencia se ofrece una serie de recursos de valor incalculable, entre ellos consejos sobre cómo interpretar el arte contemporáneo, dónde encontrarlo y cómo relacionarse con la escena artística de su entorno. Explicaciones sucintas, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Hogares calidos
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La técnica de producción floral cerámica es un oficio industrial que fue desempeñado íntegramente por mujeres a lo largo de los siglos XIX y XX en las fábricas de cerámica europeas. En mi trabajo, recupero esta técnica tradicional para representar la actual mercantilización del enamoramiento y cómo los patrones emocionales son asumidos socialmente como iconos de consumo en la producción de una utopía romántica, donde las experiencias sentimentales se presentan a través de productos fabricados por industrias específicas.
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La innovación es un proceso. También es una actitud. Es igualmente un desafío. Y se ha ido consolidando, década a década, como una de las asignaturas pendientes de nuestras sociedades. La universidad se sumergió hace tiempo en el desafío de ser permanentemente innovadora. El ''I Congreso Innovacom: Nuevos y viejos desafíos del periodismo'', iniciativa del Departamento de Periodismo y Ciencias de la Comunicación de la Universidad Autónoma de Barcelona, inaugura un espacio para la reflexión que busca renovar procesos, temáticas y enfoques. Este libro recoge una selección de las contribuciones de diferentes profesores, investigadores y profesionales iberoamericanos que compartieron ideas y propuestas alrededor de cuatro grandes bloques temáticos: docencia, investigación, profesión e innovación. Los trabajos ofrecen ideas y caminos para los que buscan aprender, investigar o crear en el terreno de la comunicación y el periodismo. Sus aportes son muy valiosos. Desde diferentes enfoques y perspectivas, suman miradas y voces a la acción de innovar.En un contexto impactado por la pandemia planetaria del coronavirus, el congreso ha tratado de generar espacios de intercambio de ideas ante los grandes desafíos informativos y formativos que introduce la nueva coyuntura marcada por el rol protagónico de las plataformas, los medios y los contenidos. Así, en una sociedad que ha pasado de ser ''informativa'' a ''infoxicada'', la universidad ha de ser capaz de erigirse como un punto de encuentro y debate multidisciplinar que aborde ?desde la criticidad y la ética? los desafíos que emergen, cada vez, de forma más acelerada en nuestras sociedades. En este entorno, la conexión entre la academia, la industria y la sociedad se torna insoslayable y, a la vez, urgente. Es necesario que la institución educativa responda a los problemas que existen en el mercado y en el conjunto de escenarios que edifica la cotidianeidad. Pero es igualmente provechoso e importante que se anticipe a ellos. Esto es: la universidad ha de asumir el reto de buscar, describir, explicar, comparar, analizar, identificar?, pero también el estimulante desafío de predecir, anticipar y proponer. Este libro reúne una colección de textos que reflexionan sobre la importancia de la innovación y algunos posibles caminos para alcanzarla.
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CALDODECULTIVO es un colectivo cuya práctica artística busca fortalecer las luchas que oponen resistencia a la dominación capitalista, colonialista y patriarcal. En sus proyectos despliegan dispositivos de contrapropaganda y agitación popular con los que ejercitar, cual deporte de combate, la imaginación política radical.Este libro es una narración, a muchas voces, de la experiencia del colectivo a partir de un recorrido por sus proyectos más significativos de la década 2013-2023. En él, además de CALDODECULTIVO, diversxs investigadorxs y activistas reflexionan sobre una práctica artística que es, como se comprobará, necesariamente conflictual.Aquí se levantan las imágenes de unos proyectos que todavía hoy son afectos y resistencias en movimiento. Si estas páginas logran agitar a quien las lea, con parte de la fuerza con que agitó a quienes vivieron los proyectos, su labor estará hecha.
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La gestión pública del Patrimonio Cultural viene destacando la relevancia del mismo como recurso histórico que debe protegerse jurídicamente para proceder posteriormente a su restauración y conservación artística que permita una valorización social y económica por parte de los agentes públicos, sociales y empresariales circundantes.Este cambio de paradigma y procedimiento sobre la gestión de uno de los principales activos de las economías globales, el Patrimonio Cultural de las naciones, como enseña del desarrollo antropológico de la sociedad donde se encuentra presente y que genera la principal motivación de atracción turística, representa una adecuación de las sociedades a la modernidad, sin embargo, también genera retos gubernamentales y empresariales sobre los que hay que reflexionar y considerar.Los puntos de vista desde los que se aborda la cuestión en el libro son complejos y diversos, conscientes de que el Patrimonio Cultural se integra en las sociedades que lo albergan, que siempre son plurales, relacionándose trasversalmente con múltiples ámbitos de la gestión pública y privada.Retos de la gestión público-privada del Patrimonio Cultural en el siglo XXI, se plantea como un trabajo internacional poliédrico en el que distintos académicos y especialistas del Patrimonio Cultural, han expuesto sus puntos de vista en torno a una temática variada y extensa que sin duda hace de éste un compendio de colaboración institucional sumamente atractivo.
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Transformando píxeles mediante los ceros y unos del código binario en deslumbrantes exhibiciones de luz, el artista mexicano-estadounidense Leo Villareal crea instalaciones abstractas que son iconos del arte público.Empleando código creado por el propio artista y software personalizado, su innovadora práctica explora el azar, las reglas y la estructura subyacente de los sistemas. Leo Villareal: Coding Light presenta más de 30 obras de diversas escalas, desde exposiciones y encargos arquitectónicos inmersivos como Cosmos en la Universidad de Cornell, hasta obras de arte a escala urbana como su obra seminal, Illuminated River, que une nueve puentes del centro de Londres para iluminar el Támesis con sutiles patrones de luz cambiantes a lo largo del río. La exposición incluye obras de más de dos décadas de trayectoria artística.Incluye una entrevista con la artista norteamericana Sarah Sze
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En su obra, Dumas evoca los gestos pictóricos del expresionismo, combinando la distancia crítica del arte conceptual con el placer del erotismo. A través de sus delicadas representaciones de la figura femenina en óleo sobre lienzo o en tinta y acuarela, así como retratos de niños y escenas eróticas, reflexiona sobre el panorama pictórico actual. ¿Qué significa ser mujer y trabajar dentro del género predominantemente masculino de la pintura expresionista?La artista suele representar a mujeres: sus expresiones, sus cuerpos y tipologías faciales, su autoimagen, sus ideales. Las relaciones entre el arte y la belleza femenina —o entre los modelos de la historia del arte y las supermodelos del siglo XX— son temas recurrentes en su obra. Dumas no pinta del natural, sino que selecciona deliberadamente imágenes de archivo de diversas fuentes, desde recortes de revistas hasta postales y pinturas de maestros antiguos, reinterpretándolas desde su perspectiva contemporánea.El crítico de arte neerlandés Dominic van den Boogerd analiza los temas presentes en la obra de Dumas en relación con diversos legados conceptuales en la representación de la figura humana. La artista neoyorquina Barbara Bloom entrevista a Dumas sobre las preguntas que se plantean a las artistas contemporáneas, desde cuestiones del proceso intelectual hasta la representación del yo. La periodista de arte y exdirectora de Vogue Italia, Mariuccia Casadio, se centra en la pintura de Dumas, Josephine (1997), reflexionando sobre el legado icónico de Josephine Baker. Para su sección «Elección del Artista», Dumas ha seleccionado a dos autores: Oscar Wilde, cuyo relato «El pescador y su alma» inspiró su primera serie de obras sobre el tema de las sirenas, y Jean Genet, de cuya autobiografía, «Diario del ladrón» (1949, trad. «Diario del ladrón», 1964), se incluye un fragmento aquí.Marlene Dumas ha sido a menudo la portavoz de su obra, la sección «Escritos del Artista» presenta numerosos textos fundamentales sobre su propio arte, así como reflexiones sobre el amor, la religión, la política y un análisis del cuadro de Goya «Las Parcas». En la sección «Actualización», el crítico de arte Jan Avgikos analiza la obra de Dumas desde 1999 hasta la actualidad.
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Historia del arte I 2ª Edición
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En este hermoso libro de tapa dura con una misteriosa cubierta oculta, descubrirás el hechizante mundo de Simone 'Simz' Ferriero, un artista italiano que crea imágenes cautivadoras en las que lo cotidiano se mezcla con la fantasía mágica del mundo de las brujas. Descubre las lecciones y los obstáculos a los que Simz se ha enfrentado en su carrera, conoce las herramientas y técnicas que utiliza y descubre cómo encontrar tu propio estilo creativo con sus expertos consejos. No se ha escatimado en detalles de auténtico lujo como incluir páginas con transparencias para entender el proceso artístico o láminas a todo color impresas con la mejor tecnología. El libro comienza con una mirada en profundidad al viaje creativo del artista, desde sus primeros años y su educación hasta sus logros profesionales, y un repaso a los retos de crear arte para ganarse la vida. Hay dos grandes galerías, una con bocetos entre bastidores y otra centrada en las contemporáneas brujas de Simone y sus fantasmagóricos compañeros felinos. Los capítulos sobre su proceso creativo nos muestran sus herramientas, su espacio de trabajo y consejos para encontrar un estilo original, y un tutorial inédito ofrece a los lectores la oportunidad de seguirlo y mejorar sus propias habilidades artísticas. Este libro es un obsequio ineludible que Simone regala a sus fans, y una hermosa introducción al artista para los recién llegados a su obra.
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Todos sabemos qué es el huevo de Fabergé, pero... ¿quién conoce la increíble historia del huevo de Kutchinsky? Un deslumbrante relato sobre el oscuro mundo de la alta joyería. «Una extraordinaria historia familiar y un retrato tan fascinante como conmovedor de la obsesión.» Sophie Elmhirst, autora de Un matrimonio en alta mar Una noche de 1990, ante millones de espectadores, el joyero londinense Paul Kutchinsky presenta en televisión un objeto imposible: un huevo de oro de sesenta centímetros, cubierto por miles de diamantes y valorado en decenas de millones de libras. La obra definitiva de su vida. Pero lo que parecía la consagración de un sueño pronto empezará a desvelar un trasfondo mucho más inquietante. Décadas después, su hija emprende una búsqueda obsesiva para averiguar qué ocurrió realmente con aquel objeto extraordinario que marcó el destino de su familia. A medida que tira del hilo, reconstruye la historia de los Kutchinsky: una dinastía de joyeros nacida entre inmigrantes del East End londinense que alcanzó la élite internacional del lujo a base de talento, ambición y riesgo. El huevo emerge entonces como algo más que una pieza única: es el epicentro de una historia de ruina, silencios y fracturas. Negocios hundidos, relaciones rotas y secretos enterrados salen a la luz en un recorrido que abarca más de un siglo, desde Europa Oriental hasta los círculos más exclusivos del mundo contemporáneo. Y, tras años de investigación, la autora logra seguir su rastro y descubrir que la pieza ha sobrevivido durante décadas en manos privadas en Japón, fuera de la mirada pública. A través de una investigación íntima y rigurosa, Serena Kutchinsky entrelaza memoria personal, historia empresarial y crónica social en una exploración poderosa de los vínculos familiares y de cómo el éxito puede convertirse en obsesión.La crítica ha dicho: «Una extraordinaria historia familiar y un retrato tan fascinante como conmovedor de la obsesión.» Sophie Elmhirst, autora de Un matrimonio en alta mar «Un debut hipnótico. [...] La autora desvela esta historia con la tenacidad de una periodista y el pulso narrativo de una novelista, enfrentándose con valentía a los misterios de su infancia. Absolutamente absorbente.» Publishers Weekly «Un vívido cruce de memoria e historia sobre una dinastía joyera. [...] Una narración deslumbrante que lo tiene todo: robos, detectives, batallas legales y secretos familiares.» The Sunday Times «Una historia absorbente de amor, pérdida y ambición: el relato de un objeto fabuloso cuya creación desató disputas, traiciones y una profunda devastación.» Kirkus Reviews «Un libro que seduce desde la primera página. Serena Kutchinsky transforma una familia llena de personajes inolvidables en un relato magnético.» Laura Miller, Slate «Una historia generacional y global llena de giros, traiciones y acontecimientos sorprendentes. [...] Una mirada deslumbrante y desde dentro a una obsesión absorbente.» BookPage«Una saga turbulenta de disputas, traiciones y negocios poco claros. [...] Poderosa y cautivadora.» The Wall Street Journal
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Un recull d'escrits nascut d'una passejada atenta, amb l'ull posat en la presència de la Mare de Déu de les Neus arreu del país. Un llibre impregnat de l'esperit de descoberta que guia els autors i que convida el lector a redescobrir, una vegada més, la riquesa natural, cultural i tradicional del nostre territori a cada pas. Moguts per motius íntims —diversos però profundament significatius—, els autors s'endinsen en aquesta devoció a través d'una recerca rigorosa i acurada, sense voluntat d'exhaustivitat, que recorre el conjunt de les terres catalanes del nord: Catalunya, Andorra, la Catalunya del Nord i la Franja de Ponent. El resultat és un itinerari fascinant a través d'una cinquantena de referències, de les quals n'han seleccionat quaranta-vuit, triades pel seu interès i valor, que donen forma a aquest recull.
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En 1968 el periódico The Sunday Times de Londres, propuso organizar una regata en solitario y sin escalas alrededor del mundo a un grupo de navegantes entre los que se encontraba Bernard Moitessier. Nunca se había hecho nada parecido. Aquí se inició la insólita historia que se narra en este libro: 37.000 millas marinas para llegar... al corazón de un hombre. Esta nueva edición incluye un inestimable prólogo de Julio Villar, quien compartió escala (y muchas cosas más) con Moitessier en este largo viaje. El largo viaje es el relato de diez meses navegando en solitario. El periplo significó una vuelta y media al mundo a través del mar, que, «según el viento, según el cielo, según que el ocaso fuera rojo o gris, ruge, murmura o gime bajo el casco». En este libro descubrimos la audacia, calculada y prudente, de un marino fuera de serie que decidió llegar hasta el límite de la resistencia humana y de la de su barco, sobre un mar a veces en calma, y a veces rugiente como una fiera. Se trata de la travesía más larga en solitario: 37.455 millas sin tocar tierra. Además de ser el relato de una pericia que pocos hombres han asumido en la historia, este libro contiene múltiples consejos, trucos y apreciaciones para aquellos apasionados de la navegación a vela más tradicional, con un apéndice de más de 100 páginas con pautas para la preparación de una navegación sin escalas de este tipo. Esta reedición revisada, contiene además materiales inéditos como múltiples fotos que realizó el autor durante su travesía y diseños realizados por el mismo. Un testimonio de la navegación de altura sin igual.
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Genio del Renacimiento, pintor, ingeniero, hombre de inquietudes innumerables, Leonardo da Vinci (1452-1519) recogió en su manuscrito titulado tradicionalmente «Tratado de Pintura» las notas, ideas y conocimientos que su mente inquisitiva y privilegiada fue acumulando respecto al ejercicio pictórico en el transcurso de la continua experimentación y observación de la naturaleza que constituyó su vida. Este texto único, del cual -en palabras del reconocido historiador del arte Sir Kenneth Clark- «no es exagerado afirmar que es el documento más precioso de toda la historia del arte», nos revela a un artista de curiosidad universal. La presente edición es la primera en español que se realiza directamente de los manuscritos originales en italiano y resulta una fuente inapreciable para el conocimiento y el estudio de Leonardo.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.