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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Artizar
ANUARIO ARTIZAR 2022Libro anuario de la Galería Artizar que reúne todas las exposiciones y proyectos de la galería durante 2022, incluyendo su participación en ferias internacionales. Perteneciente a la colección de anuarios de la galería iniciada en el 2017.
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La educación del des-artista
La educación del des-artista es un hoy un texto más vigente que nunca, un inusitado manual para creadores donde el Arte y su Historia son desactivados por una mirada crítica, una conciencia estética y una práctica artística al servicio de la vida.
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Tres horas en el Museo del Prado
Libro clásico de crítica del arte que, en esta novedosa edición ilustrada, se constituye además como guía imprescindible para la visita a un museo que cuenta con una de las colecciones pictóricas más importantes del mundo. Esta nueva edición incorpora dos textos inéditos elaborados por el autor en los años 1943 y 1952, con ocasión de la conmemoración de los aniversarios de la primera publicación de esta obra que, sin duda alguna, contribuirán a enriquecer una obra ya considerada como un clásico dentro de su campo. Para amenizar el recorrido del visitante por el museo el libro se complementa con noventa reproducciones a color de las pinturas más relevantes objeto de análisis, que además facilitan el estudio de las mismas. Goya, Zurbarán, Durero, el Greco, los denominados venecianos o Van Dyck son, entre otros, objeto de un análisis pormenorizado que su autor lleva a cabo con una autoridad fuera de toda duda, y que acercará a todo el que se sumerja en su lectura a los grandes de la pintura.
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Esa belleza
Esa belleza propone el presente continuo como registro temporal propio de la contemplación artística. John Berger es el espectador que contempla el acercamiento de la cámara de Marc Trivier a las esculturas de Giacometti. Pero el escritor también se enfrenta a solas con su propia reacción al relatar lo que ocurre cuando mira. Sólo lo que es capaz de narrar puede hacernos comprender. Berger piensa en voz alta mientras mira y recuerda. Ha mostrado a lo largo de su obra una visión del ar- te inscrita en el orden social, revolucionando la forma de mirar el arte al rastrear su médula en la excepcionalidad del detalle. Una mirada en continuo intercambio entre nosotros y lo contemplado. JAIME PRIEDE.
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Otros ejemplos recientes
Otros ejemplos recientes no es técnicamente ni un libro de artista, ni un catálogo, ni un libro de ensayo, ni un ejercicio de traducción, y sin embargo es todo eso a la vez. Editado en ocasión de las exhibiciones de Alejandro Cesarco en Artium Museoa (Vitoria) y Lumiar Cité (Lisboa), esta publicación reúne, por un lado, obra que aborda las diferentes funciones, usos y formas de la pedagogía y, por otro, trabajos que reflexionan sobre las relaciones entre la lengua materna, el bilingüismo y el peculiar ecosistema que sustenta esa interrelación. Otros ejemplos recientes incluye, además, un ensayo de Mirene Arsanios, cartelas de obras expandidas y una serie de epígrafes que funcionan como prólogo y delatan la influencia de Macedonio Fernández en la concepción de la publicación
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Introducción al arte contemporáneo
Sorpresa, admiración, desconcierto, rechazo, incluso risa. Los efectos que las exposiciones de arte contemporáneo tienen sobre el público son completamente distintos a aquellos que las expresiones artísticas generaron hasta la modernidad.
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Loving the Alien
Loving the Alien es una invitación a reconsiderar los límites de nuestros cuerpos e identidades, a reflexionar sobre la alteridad, y a imaginar posibles metamorfosis a través de las posiciones de cuatro artistas: Sandra Mujinga, Anne Duk Hee Jordan, Mari Katayama y Ovartaci. La palabra alien en inglés engloba significados como extraterrestre, forastero, desconocido y marginal, todos ellos aludiendo diversas facetas de lo ajeno o distinto. Inspirándose en la polisemia del término, esta exposición examina varias formas de alteridad para cuestionar los marcos que definen el límite entre uno mismo y el otro, entre lo propio y lo foráneo. Siguiendo diferentes estrategias, estas cuatro artistas crean cosmologías alternativas que integran, ensalzan, y celebran la otredad. Sus posiciones están en consonancia con la exhortación de la filósofa Donna Haraway a contar historias nuevas que expliquen el mundo para abrirnos a posibilidades extrañas e híbridas que nos ayuden a enfrentar las crisis sociales, psicológicas, y ecológicas en las que estamos inmersos.
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Noemi Iglesias. Enamorada del amor
La técnica de producción floral cerámica es un oficio industrial que fue desempeñado íntegramente por mujeres a lo largo de los siglos XIX y XX en las fábricas de cerámica europeas. En mi trabajo, recupero esta técnica tradicional para representar la actual mercantilización del enamoramiento y cómo los patrones emocionales son asumidos socialmente como iconos de consumo en la producción de una utopía romántica, donde las experiencias sentimentales se presentan a través de productos fabricados por industrias específicas.
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La imaginación y el arte en la infancia
Es uno de los primeros trabajos del gran psicólogo soviético L. S. Vigoskii (1896-1934). En forma de divulgación científica se examina en él uno de los más complejos problemas: el carácter y el desarrollo de la imaginación artística en el niño. Escrita a partir delos conocimientos científicos de su tiempo y editada en 1930, esta obra puede seguir sirviendo de ejemplo de literatura científico-psicológica dirigida a amplios círculos de lectores. Los pedagogos y los padres encontrarán en ella abundante y valiosa información teórica y práctica.
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Reivindicar la resiliencia
Reivindicar la resiliencia / Reclaiming Resilience es el proyecto curatorial del colectivo Pakui Hardware (Neringa Cerniauskaite & Ugnius Gelguda) donde, a través de las obras de cuatro artistas (Dominique White, Monia Ben Hamouda, Naomi Rincón Gallardo y Bianca Bondi), aspiran a recuperar y profundizar en la resiliencia como forma de curación, resistencia y aguante. El libro explora de forma crítica el término resiliencia a través de los autores: Mark Neocleous, Serene J, Khader, Alexis Pauline Gumbs, Lisa Parola, Sara Garzon y Rose Vidal.
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Estética relacional
En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, Bourriaud construye herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.Nicolas Bourriaud, el ex director del Palais de Tokyo parisino, define el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.Las teorizaciones que recorren «Estética relacional» surgen del conocimiento profundo de la obra de los más importantes artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro responde, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de «Estética relacional» es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.
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Medio siglo de arte
A través de ocho ensayos, ilustrados con más de cuarenta fotografías, esta obra ofrece una síntesis histórica de lo acaecido en el arte durante el último medio siglo, en el cual las artes han experimentado más cambios de los sufridos en el resto de su la
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El idiota. Ensayo sobre cualquiera y, a ratos, sobre arte
El idiota lo estropea todo. Su sola presencia da cuenta de una existencia hereje. El idiota, siendo un cualquiera impersonal, se conserva ajeno a aquellas formas simbólicas que pretendían acotar el modo de ser en el mundo. El idiota, entregado a su estar-ahí, es ante todo un cuerpo, capaz por igual de acomodarse de manera muda o, por el contrario, jugueteando con el mundo para crear toda suerte de idioteces. Una vida inmanente, en contigüidad con lo real absuelto de cualquier sentido establecido, que solo ocurre junto al propio ocurrir del mundo. Una vida sin engaño en tanto es indiferente al instinto de verdad, arrojada al descubierto, en una intemperie vigorosa en la que está permitido ser perro o ser piedra.
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El sentido social del gusto
En los textos que componen este libro, Pierre Bourdieu analiza minuciosamente las reglas que configuran, en cada campo de producción cultural, qué se considera valioso y qué no, y cuáles son los procesos y los agentes que conducen a la consagración de un artista o una obra, o a su olvido. Así, se ocupa de describir el sistema de jerarquías y de luchas por la distinción que opera en el ámbito de las editoriales, el teatro, las galerías de arte y los museos. A través de nociones como ''campo'', ''capital simbólico'', ''habitus'', ''illusio'', Bourdieu demuestra que las disposiciones y los actos considerados más individuales y más libres -por ejemplo, los gustos literarios y musicales- están atravesados por la lógica social que determina la legitimidad de ciertas formas artísticas y el carácter herético de otras.
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La ola en la mente
Virginia Woolf afirma que «una escena, una emoción, produce una ola en la mente, mucho antes de que las palabras aparezcan para interpretarla, y al escribirlas […] uno debe retomar todo eso y trabajarlo, y entonces, cuando la ola rompe y se asienta en la mente, hace que las palabras empiecen a encajar». Con esta imagen de una ola que avanza, ante cuyo ritmo y cadencia solo cabe adecuarse, cuando lo que se busca es relatar lo acontecido, Isabel de Naverán convoca a varias autoras para reflexionar juntas en torno a la escritura como práctica material. La ola en la mente recoge la observación de Woolf (aparecida en una carta enviada en marzo de 1926 a la escritora, y su amante, Vita Sackeville-West) para establecer correspondencias con Lorea Alfaro, Marie Bardet, María García Ruiz, Raquel G. Ibáñez y Andrea Soto Calderón. Este libro reúne una polifonía de textos que navegan entre el ensayo y el relato literario. Propone pensar la escritura como lugar de cruce entre distintas voces para poner de relieve otras preguntas acerca de cómo aquello que nos afecta —una escena, una emoción, siguiendo a Woolf— tensa las relaciones entre el trabajo y la vida y de qué manera algunos gestos toman una nueva forma en su encuentro directo con el límite del lenguaje.
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Futuros multiespecie
Prácticas artísticas contemporáneas con enfoque en América Latina reflexionan sobre relaciones multiespecie de cara a los inciertos futuros climáticos.Las prácticas visuales, especulativas, curatoriales, activistas, poéticas, teóricas en este libro analizan formas de archivamiento, prácticas sonoras, geografías espectrales, y experimenta con el pensamiento nómade como método y la crítica cultural, instalando lo multiespecie como dimensión crucial para pensar estéticas y políticas de con-vivencia y super-vivencia presente y futura. Combinando ideas de las humanidades ambientales, la geografía más-que-humana, los estudios animales, los posthumanismos, filosofía indígena, teoría curatorial y estudios culturales, Futuros Multispecie ofrece perspectivas sobre formas de habitar, cuidar, resistir, hacer memoria en un planeta dañado por las lógicas extractivas, racistas y neocoloniales del Capitaloceno. Los diversos ensayos abordan cómo los materiales del arte y la teoría pueden entramar vínculos entre diversas formas de vida y epistemologías para pensar nuevas formas de colectividad y comunidad más allá de la división entre naturaleza de cultura en el paradigma de la Modernidad occidental.
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Luchino Visconti, el don de la belleza
Un libro que profundiza en el cine del gran director desde su primera incursión en el séptimo arte, hasta su testamento cinematográfico, El inocente.Pedro García Cueto va detallando los argumentos de sus películas, donde sobresale un gusto esencial por la estética, por el mundo clásico, por una aristocracia a la que perteneció.El libro está divido en varias partes y dedica una atención especial a una obra cumbre del director, que adaptó varias novelas importantes: Muerte en Venecia, basada en la novela de Thomas Mann, La muerte en Venecia. Pedro García Cueto se detiene en muchos detalles tanto de la novela como de la película en un afán comparativo, para señalar semejanzas y diferencias en dos obras maestras, tanto de la literatura como del cine.
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Darse la mano. Escultura y color en el siglo de oro
Catálogo publicado con motivo de la exposición Darse la mano. Escultura y color en el Siglo de Oro, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 19 de noviembre de 2024 y el 2 de marzo de 2025.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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La forja de un Túnica Negra nº 01/04 Raistlin El aprendiz de mago
Nueva entrega del universo literario de Dungeons and Dragons.Ésta es la historia de cómo Raistlin Majere llegó a ser el poderoso mago llamado a jugar un papel decisivo en la Guerra de la Lanza. Raistlin es el elegido por la Torre de la Hechicería para hacer frente a las fuerzas del Mal en el sombrío futuro que amenaza a Krynn. Y aunque él puede ser la salvación de un mundo, está por ver si su alma no se perderá irremediablemente en la tremenda lucha que se avecina.
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Marta Pujades. Press here
Press Here retoma las cuestiones que orientan la práctica artística de Marta Pujades como el análisis de la construcción de las imágenes y de la representación de los sujetos, así como las relaciones que se establecen en torno a la materialidad de la fotografía en cuanto cuerpo y la intangibilidad del cuerpo en cuanto imagen fotográfica.
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Generación 2024
Publicación que recoge el resultado de la convocatoria Generaciones de Fundación Montemadrid. En su 24ª edición, vuelve a ofrecer una plataforma dedicada al arte actual en la que mostrar, a través de la exposición en La Casa Encendida, el trabajo de creadores emergentes y difundir sus propuestas artísticas entre la crítica especializada y el público general, Los artistas seleccionados este año son Daniel de la Barra Gómez (Lima, Perú, 1992), Weixin Quek Chong (Singapore, 1988), Agnes Essonti Luque (Barcelona, 1996), An Wei (Madrid, 1990), Salem Amar (Barcelona, 1999), Milena Rossignoli (Quito, 1990), Raúl Silva C, (Lima, 1991) e Irati Inoriza (Balmaseda, Bizkaia, 1992). Con textos de João Mourão y Luis Silva,
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This delightful little book pays homage to the cat through artfully curated Japanese poetry and prints.No one captures the graces and idiosyncrasies of cats quite like the painters, printmakers, and haiku masters of Japan. From the Edo to the Showa period, many artists turned their gaze toward an unlikely their small feline companions. Closely observed portraits in words ad ink elevate the everyday adventures of taking a nap on a Buddha statue's lap, daintily eating a rice ball, courting the neighbor's cat. This curated collection of poems, prints, and paintings will leave you inspired to cultivate the serenity and wonder embodied by these creators—and by the cats themselves. Presented as a sweet, jacketed paperback with thoughtful design touches, this volume includes each poem in both English and Japanese.THE ORIGINAL CAT Centuries before the emergence of cat memes and cat cafes, Japanese artists and writers perfected the practice of feline reverence. Cats played pivotal roles in folklore, they were the protectors of scriptures and symbols of good luck and wealth. They also proved to be a wonderful source of creative inspiration. This little compendium showcases Japan's rich cultural heritage.UNIQUE Surprise your cat-loving friends and family with this unusual twist on the cat-themed gift.PERFECT FOR POETRY Whether they came to poetry through the works of Instagram poets, or have been reading the classics for decades, any lover of verse will enjoy this thoughtfully curated collection. The writers featured include Bashō, Chiyo-ni, Issa, Shiki, and more—all icons of the haiku form.ENCHANTING Hokusai, Hiroshige, Yoshitoshi, and These artists masterfully captured the personalities of cats and their humans. These images, with their delicate lines and soothing colors, have endured through time to bring us quiet joy.
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El simbolismo de los colores
Es una obra del mayor interés e incluso indispensable para todo aquel que se interese por el tema del simbolismo de los colores, pues no hay libro alguno que pueda sustituirlo. Escrito en el siglo XIX, la obra de Portal surge como un islote de ortodoxia
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En movimiento. Vehículos y carruajes de Patrimonio Nacional
En movimiento es el título de la primera exposición temporal de la Galería de las Colecciones Reales. Pero es además, o sobre todo, una metáfora de la propia Galería y de la transformación que este proyecto está impulsando en Patrimonio Nacional. Esta muestra exhibe una cuidada selección de los ejemplos más relevantes de la colección de vehículos y carruajes de Patrimonio Nacional en su contexto histórico. Adentrarse en la museografía es hacer un viaje a lo largo del tiempo, asomarse a través de esas ventanas que se evocan en el montaje y conocer la evolución de unas piezas que aunaron utilidad práctica, comodidad, tecnología y belleza. Se trata de una de las mejores colecciones de Europa en su género y los carruajes que la componen tuvieron, además, un excepcional protagonismo en la vida cotidiana de la corte. Sabido es que, durante siglos, la corte española fue itinerante y que este fue uno de sus aspectos diferenciales respecto a otras cortes europeas. Hoy en día, muchos de esos vehículos se han musealizado, mientras que otros aún sirven para las ceremonias oficiales.
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La tradición que nos atraviesa
El Centro de artes Santa Mònica presentó en febrero de 2022 La tradición que nos atraviesa, una exposición sobre diversas lecturas críticas de las tradiciones que nos han configurado y que todavía nos configuran. De esa experiencia tentacular, de sus derivaciones y sus fugas parte este libro. Es el rastro escrito de los procesos que se desarrollaron a lo largo de todo el proceso de creación.
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Breve historia del arte oriental
ISLAM, INDIA, SUDESTE ASIÁTICO Y EXTREMO ORIENTEConozca las grandes civilizaciones de Oriente: el Islam y su expansión por al-Ándalus, la península del Indostán, el Sudeste Asiático, la isla de Java y el Extremo Oriente. Un contenido imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal. Con Breve historia del arte Oriental el lector tiene la oportunidad de conocer las grandes civilizaciones asiáticas, desde Oriente Medio hasta el Asia Central. Recorrerá el enigmático subcontinente hindú y la maravillosa isla de Sri Lanka, pasando por el impresionante Sudeste Asiático y su conjunto de antiguas civilizaciones semi escondidas en la maraña de la selva (Tailandia, Myanmar, Camboya, Laos, Vietnam), hasta el Lejano Oriente, con las milenarias civilizaciones china y japonesa, además de la poética cultura coreana. Un contenido tan amplio como apasionante, imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal, que ejercen una innegable fascinación entre las gentes de Occidente por la grandiosidad de sus realizaciones arquitectónicas y su estética de permanente barroquismo y fantasía decorativa en constante horror vacui.
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El arte de Simz
En este hermoso libro de tapa dura con una misteriosa cubierta oculta, descubrirás el hechizante mundo de Simone 'Simz' Ferriero, un artista italiano que crea imágenes cautivadoras en las que lo cotidiano se mezcla con la fantasía mágica del mundo de las brujas. Descubre las lecciones y los obstáculos a los que Simz se ha enfrentado en su carrera, conoce las herramientas y técnicas que utiliza y descubre cómo encontrar tu propio estilo creativo con sus expertos consejos. No se ha escatimado en detalles de auténtico lujo como incluir páginas con transparencias para entender el proceso artístico o láminas a todo color impresas con la mejor tecnología. El libro comienza con una mirada en profundidad al viaje creativo del artista, desde sus primeros años y su educación hasta sus logros profesionales, y un repaso a los retos de crear arte para ganarse la vida. Hay dos grandes galerías, una con bocetos entre bastidores y otra centrada en las contemporáneas brujas de Simone y sus fantasmagóricos compañeros felinos. Los capítulos sobre su proceso creativo nos muestran sus herramientas, su espacio de trabajo y consejos para encontrar un estilo original, y un tutorial inédito ofrece a los lectores la oportunidad de seguirlo y mejorar sus propias habilidades artísticas. Este libro es un obsequio ineludible que Simone regala a sus fans, y una hermosa introducción al artista para los recién llegados a su obra.
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Cerca de las plazas de soberanía
Las plazas de soberanía —término histórico con el que se denomina a los enclaves españoles repartidos por la costa norte de Marruecos— son lugares de acceso prohibido, sus alrededores permanecen monitorizados militarmente, su historia se mantiene oculta.Representan una singular excepcionalidad territorial que confirma un modelo de extensión colonial que sigue operando, aún hoy, de manera efectiva. Cerca de las plazas de soberanía propone una suerte de contracartografía de estos enclaves: Perejil, Alhucemas, las islas Chafarinas y el peñón de Vélez de la Gomera. A partir de cinco conceptos clave —dispositivo, tocar, amistad, display y soberanía—, y utilizando la práctica curatorial como método, Leire Vergara proyecta una mirada crítica sobre estos territorios con la que examina simultáneamente, como si de un juego de espejos se tratara, el objeto observado y la herramienta de visión.Esta investigación curatorial —que convoca pensamiento y práctica artística— nace del deseo de (re)leer y (re)pensar las formas que gobiernan todo lo que nos rodea (realidades, sujetos, objetos, vidas e imaginarios) y se desarrolla a partir de los viajes de la autora a las inmediaciones de las cuatro plazas de soberanía españolas, acompañada en cada uno de ellos por cuatro artistas que interpretan, desde sus trabajos, el acercamiento a estos lugares inaccesibles.
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Diseño de exposiciones
En la década de los años ochenta se produjo un incremento muy significativo en el nacimiento de nuevos museos y desde entonces las exposiciones se han convertido en un fenómeno sociocultural insustituible entre las actividades habituales de los museos. De ahí que se haya potenciado el protagonismo del comisario o curator, o el diseñador de exposiciones a quienes cada vez se les exige una profesionalización más rigurosa. Este texto cubrirá una laguna importante en la bibliografía en español, puesto que se plantea y se ofrece como un manual sencillo, completo y práctico que contribuirá a formar profesionales en el campo del diseño y montaje de exposiciones.
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Antonio Martínez Mengual. La pintura como lugar de acogida
Martínez Mengual ha construido un universo estético y conceptual plenamente actual que, sin embargo, no se ha subordinado a ninguna de las grandes corrientes que protagonizaron el ''retorno de la pintura'' durante la segunda mitad de la década de 1970 y la totalidad de la de 1980. La producción de Martínez Mengual se distingue por un inusual espíritu celebratorio y poético que no encuentra un fácil encaje en los diferentes contextos críticos delimitados por las nuevas formas de la pintura. La exaltación de la sensualidad mediterránea y, como fundamento de ella, del universo cultural de la Grecia antigua definen un nicho de interés muy particular y aislado dentro del debate artístico imperante desde los años 80.El presente ensayo plantea diferentes vías de aproximación a su vasto y complejo corpus pictórico, con la intención de subsanar el vacío hermenéutico que desgraciadamente lo ha privado, hasta el presente, de una mejor y más justa valoración.Independientemente del análisis de la obra de Mengual, este libro supone un fascinante estudio sobre los lenguajes de la abstracción.
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Pan y circo
En la actualidad, todo lo que rodea a la experiencia cotidiana de la alimentación se ha convertido en un campo de fuerzas en el que la industria ha hecho prevalecer sus intereses. Así, lo que desde tiempo inmemorial era un acto social a través del cual se creaban los vínculos de la comunidad -ya fuera familiar o tribal- es hoy un espectáculo global en el que los principales actores compiten por la atención de los consumidores sin escatimar esfuerzos. La exposición Pan y circo, realizada en la Sala Amós Salvador de Logroño, se adentra en esta problemática de la mano de un grupo de artistas que han reflexionado y plasmado su experiencia a través de diferentes enfoques -desde la conciencia distópica a la cuestión de género, desde la urgente visión ecologista a la de la recuperación de los cuidados, desde los espectáculos alrededor de la comida al nuevo papel de los cocineros como estrellas mediáticas- ofreciendo un amplio abanico de propuestas críticas. El presente libro recoge además varios ensayos que contextualizan la situación actual del hecho alimenticio.
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David Gómez. Ni blanco ni negro.
Es difícil concretar con palabras la práctica artística, más aún si se siente la pintura como una forma de pensar abstracta, ligada a la intuición o lo sensorial. Quizás sea eso lo que me tiene tan ôenganchadoö y lo que me hace preguntarme día a día sobre lo que hago y lo que me permite disfrutar de distintas maneras y a niveles diferentes. Mi trabajo reflexiona sobre la historia del arte, por extensión, la propia historia de la humanidad. Considero que, de esta forma, se pueden encontrar problemáticas actuales como meta-artísticas, sociales, políticas o incluso existencialistas o autobiográficas.
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