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Llibres d'art
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Reivindicar la resiliencia / Reclaiming Resilience es el proyecto curatorial del colectivo Pakui Hardware (Neringa Cerniauskaite & Ugnius Gelguda) donde, a través de las obras de cuatro artistas (Dominique White, Monia Ben Hamouda, Naomi Rincón Gallardo y Bianca Bondi), aspiran a recuperar y profundizar en la resiliencia como forma de curación, resistencia y aguante. El libro explora de forma crítica el término resiliencia a través de los autores: Mark Neocleous, Serene J, Khader, Alexis Pauline Gumbs, Lisa Parola, Sara Garzon y Rose Vidal.
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El centre d'arts Santa Mònica va presentar el febrer del 2022 La tradició que ens travessa, una exposició sobre diverses lectures crítiques de les tradicions que ens han configurat i que encara segueixen fent-ho. D'aquesta experiència tentacular, de les seves derivacions i les seves fugues, parteix aquest llibre. És el rastre escrit dels processos que es van anar desenvolupant al llarg de tot el procés de creació, i que van continuar generant formes de coneixement mentre l'exposició va estar oberta al públic.
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¿Qué tienen en común la visita guiada de una exposición de arte contemporáneo, un taller de iniciación musical y un cine club? El mediador cultural. ¿Cuál es su papel? La vinculación. ¿Cuál es su razón de ser? Permitir a la mayor cantidad de gente posible familiarizarse con las artes y favorecer la circulación de públicos.La mediación cultural implica un conjunto de acciones que permiten cruzar modos de ver y pensar el mundo. Propicia diálogos y encuentros entre sectores sociales y ámbitos culturales que antes se percibían separados. Durante mucho tiempo se sostuvo de manera informal pero hoy se ha profesionalizado.Esta obra nos brinda la posibilidad de enmarcar, organizar y sistematizar esta práctica en un campo del trabajo cultural en el que el mediador se vuelve un actor central que articula el ámbito de la producción cultural y el de la producción de conocimientos.Bruno Nassim Aboudrar y François Mairesse describen este perfil poco conocido y sin embargo indispensable para la democratización de la cultura. Un oficio transformador que está en el centro de las cuestiones sociales, políticas y económicas contemporáneas, y que tiene un gran futuro por delante.
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Iconología. Símbolos. Imágenes. Arte sin textoFundador de la disciplina iconológica y creador del prestigioso instituto que lleva su nombre, Aby Warburg (1866-1929) tuvo entre sus discípulos a los más reconocidos historiadores del arte del siglo: Erwin Panofsky, Edgar Wind, Fritz Saxl… Pero, en su mayoría, estos herederos prefirieron desarrollar una «iconología restringida» fundada en el desciframiento e interpretación de los símbolos.Allí donde Warburg, nutrido por Nietzsche y por Burckhardt, pretendía asumir los riesgos de una «iconología crítica», se comprometió tan intensamente en sus investigaciones sobre el destino de la imagen en Occidente que en ello arriesgó su razón. Más que su belleza, su obra pone de manifiesto la eficacia de las imágenes a través de conceptos clave como supervivencia, magia, astrología, empatía, animismo o totemismo.Con su atlas titulado Mnemosyne, Warburg elabora una «historia del arte sin texto» que procede por yuxtaposición de documentos tomados de todos los campos del saber: un «montaje-colisión» —en el sentido de Eisenstein— que dibuja un bosquejo misterioso de un nuevo tipo de presentación y de exposición, lejos de las genealogías establecidas.La obra de Philippe-Alain Michaud no es solamente un libro sobre Warburg, es un libro con Warburg, cuyas intuiciones prolonga introduciendo en su análisis el daguerrotipo, las experiencias de Marey, el cine primitivo o la danza de Loïe Fuller, prácticas todas ellas que afloran en la interpretación warburgiana de las imágenes y aclaran su singularidad.
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ANUARIO ARTIZAR 2022Libro anuario de la Galería Artizar que reúne todas las exposiciones y proyectos de la galería durante 2022, incluyendo su participación en ferias internacionales. Perteneciente a la colección de anuarios de la galería iniciada en el 2017.
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Un método absolutamente original que ofrece una perspectiva novedosa de la enseñanza del dibujo y la pintura. “Los secretos de la pintura” expone los problemas más complejos con la sencillez más absoluta. Por fin una forma de aprender a dibujar rápida, fácil y gratificante. Ante el reto de desarrollar unas reglas que resolvieran los problemas cotidianos de sus alumnos el autor concibió un completo programa para la enseñanza del dibujo y la pintura. Así, Javier Pérez Prada nos ofrece un método en el que, desde la abstracción y los elementos más básicos, se llega a la anhelada figuración, rompiendo barreras estilísticas y resolviendo todos los problemas a los que se enfrenta el aspirante a pintor. El lector encontrará en este libro una guía de aprendizaje que le permitirá desarrollar su creatividad desde el primer capítulo, logrando un círculo virtuoso inédito hasta la fecha. Además, para el profesional de la pintura esta obra ofrece numerosos recursos para mejorar su trabajo diario, puesto que descubrirá conceptos sobre la organización del color desde las funciones estructurales, así como un completo plan para desarrollar el pensamiento visual.
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Le grand dandy parle de mode et de vêtements.Texte inédit en français '' Être bien habillé est convenable et nécessaire, avoir un but dans la vie, non.'' '' La mode est une forme de laideur si intolérable qu'il faut en changer tous les six mois.''
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Las obras de artistas y escritores del siglo XXI que Graciela Speranza reúne en este ensayo vehemente e iluminador renuevan sus medios y sus formas en cronografías singulares hechas de imágenes, ficciones, objetos y presencias que rizan el tiempo. Inviert
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Un pintor que se pregunta por el origen de las imágenes, un poeta que reflexiona frente a las obras de otros artistas, un filósofo que pinta mientras cuestionael lugar del artista en la sociedad: tras ''Todas las pantallas encendidas'' y ''Manifiesto de la mirada'', Antón Patiño culmina su trilogía sobre la teoría de la imagen con ''De dónde vienen las imágenes''.
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Con los tutoriales de este libro, aprenderás a dibujar todo un universo kawaii poblado de los personajes, lugares, leyendas y objetos más emblemáticos de Japón. ¡Y todo con unos sencillos trazos y un poco de color! Encontrarás más de 30 personajes, 15 clases de árboles, flores y plantas y 18 edificios, tiendas o monumentos típicos, pero también animales, mascotas y criaturas mágicas. ¡El espíritu de Japón a tu alcance! ¡Prepara tu material de dibujo y ponte manos a la obra!
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Aunque el Tratado de Pintura de Leonardo da Vinci no fue impreso hasta el siglo XVIII, los fragmentarios manuscritos que para componerlo reunieron sus primeros editores habían circulado profusamente por Europa y suscitado la admirada curiosidad de artistas y eruditos. Se trata de otra de las empresas imposibles de Leonardo, un fracaso más de los que, por muy dispares caminos, se cebaron en su empeño de refundir todas las formulaciones empíricas y todos los tópicos conceptuosos del Renacimiento, ordenándolos en un sistema universal. Toda edición del Tratado debe entendérselas con la dificultad de evocar esta visión y ese fracaso, seleccionando y combinando textos y dibujos, dificultad que no había sido salvada con acierto en las publicaciones existentes en lengua castellana. La versión que presentamos viene, pues, a cumplir una inaplazable exigencia de la bibliografía artística española.
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«Tots els llibres que parlen del color són llibres sobre història de l’art. Però jo volia explicar com funciona el color tenint en compte no només les grans obres d’art, sinó també les coses banals que ens envolten.» RICCARDO FALCINELLITotes les societats han construït sistemes simbòlics en els quals el color té un paper central: pensem en el negre del dol, el vermell del comunisme o el blau del mantell de la Mare de Déu. El que és extraordinari en el món modern és que la tecnologia i el mercat han canviat la manera de mirar les coses i ens han acostumat a noves percepcions. Els colors carregats de la pantalla són ara el paràmetre amb el qual avaluem la puresa de cada fenomen cromàtic. I potser no en som conscients, però tenim en compte el groc dels Simpson fins i tot quan som davant d’una pintura del Renaixement. Cromorama ens explica com avui el color s’ha convertit en un filtre amb el qual pensem la realitat. Amb l’ajut de 400 il·lustracions, ens descriu com s’ha format la mirada moderna aprofitant tot l’univers de les imatges: no només la pintura, sinó també la literatura, el cinema, el còmic i, sobretot, els objectes quotidians, que ens fa veure de manera nova i inusual.
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Con apenas 30 años, Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) ya había dado forma a dos de las esculturas más famosas de la historia del arte: el David y la Piedad. Sus logros como escultor, pintor, dibujante y arquitecto resultan inigualables: ningún artista ha sido capaz de generar una obra tan extensa y polifacética.Esta edición sigue el ascenso de Miguel Ángel hasta la élite cultural del Renacimiento. Diez capítulos ricamente ilustrados muestran las pinturas, esculturas, construcciones y dibujos del artista, así como un exhaustivo análisis de la magnífica proeza que supusieron los frescos de la Capilla Sixtina. Reproducciones a toda página y detalles ampliados permiten a los lectores apreciar los más mínimos detalles del repertorio del artista, acompañadas por un ensayo biográfico que explora los rasgos y circunstancias más personales de Miguel Ángel, como su carácter solitario, su afán por conseguir dinero y encargos, su inmensa riqueza y su talento como inversor inmobiliario.
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Este es el segundo libro de la colección que nace inspirada en ilustraciones vintage y acompaña a Naturaleza botánica para colorear. Dibujadas a mano, sus imágenes nos recuerdan que el agua es vida y somos naturaleza. Y porque dejamos un pedacito nuestro cada vez que intervenimos el papel,hoy te invito a adueñarte de estas páginas, a colorear sus dibujos sin miedo a equivocarte, recordando dejar la autoexigencia fuera y con la única intención de disfrutar el proceso. Colorear este libro es introspección y también meditación. Por eso, recuerda que el resultado es el proceso mismo.
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El brillante ensayista que es Oscar Wilde, con su prosa ágil y certera, profunda y desenfadada, a menudo irónica y siempre amena y desbordante de inteligencia, nos ofrece, en estos breves ensayos sobre arte, una deliciosa muestra de su sabiduría. Est
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Los Madelmanes fueron durante su intensa vida un referente en el mundo de los muñecos articulados, y el sueño de miles de niños quejugábamos con ellos. Este segundo volumen continúa mostrando los muñecos más maravillosos de nuestra niñez. Podréis contem
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One part history book, one part art book, and one part fascinating memoir, this book is an overview of more than two centuries of tattoo history intermixed with an intimate look at the lives of tattoo artists, and the personal struggles and triumphs, occupational hazards, and artistic courage that have defined so much of this history.For the last forty years, Henk Schiffmacher has poured his heart and soul into his collection, amassing tattoo drawings, designs, photographs, and artifacts from around the world. The book features many never-before-seen highlights from this collection and includes lithographs, etchings, tattooing instruments, paintings, photographs, posters, shop signs, original drawings, and tattoo designs known in the business as flash, among them extremely rare vintage flash sheets from major players in early Western tattooing. The vastness and variety of tattooing around the world is chronicled in the book's 700+ images, including the indigenous tattooing of the Mā,ori and South Pacific islanders, the ancient traditions of Asia, and the origins of old-school Western tattooing in Europe and the United States. The book also features a dozen original illustrations by Schiffmacher in his inimitable style, as well as a personal introduction describing Schiffmacher's own journey as both an artist and a collector that has shaped his view of the art's journey from the underground to the mainstream.Schiffmacher brings a fascinating perspective to tattoo history through his personal reflections and wild tales of adventure. In this book, we learn not only about the history of tattooing, but also about the adventures behind the making of one of the largest tattoo collections in the world, by a self-taught tattoo artist in love with the art and its innovators.
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La práctica arquitectónica de Francisco Javier Saénz de Oiza estuvo marcada por los encuentros y colaboraciones que mantuvo con otros creadores y colaboradores, que impregnaron algunos de sus proyectos más relevantes de una significada dimensión colaborativa. La publicación Oiza Oteiza Huarte, analiza 9 proyectos desarrollados por Sáenz de Oiza entre 1950 y 1992, en los que contó, por un lado, con la colaboración del escultor Jorge Oteiza y, en otros casos, con la del promotor y constructor Juan Huarte. Esta publicación incluye un texto analítico a cargo de los tres autores y un recorrido visual por estos proyectos, que incluye gran cantidad de dibujos, croquis, imágenes y documentación de los proyectos de Saenz de Oiza y de las obras de Jorge Oteiza, ordenado en cuatro epígrafes que acogen los 9 proyectos. Se trata de Lo religioso y lo sagrado , referido a la Fundación Museo Jorge Oteiza (1992-2000), al proyecto de la Basílica de Arantzazu (1950-1954) y a la Capilla en el Camino de Santiago (1954), Instituciones de la cultura , sobre al proyecto del Auditorio (1992) y de la Alhóndiga (1989-1991), ambos para Bilbao, El Mundo mediterráneo , centrado en Ciudad Blanca de Alcudia (1961) y la Casa Huarte (1968), los dos en Mallorca, para concluir en el apartado La Utopía urbana y el diseño , referido al edificio Torres Blancas (1961-1969) y la Sala de Exposiciones Hisa (1960), ambos en Madrid.
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" ¿Para pintores? a pintores, porque estos fragmentos, más que describir o analizar el hecho pictórico, quieren mover al lectorhacia la pintura y hacia el pintar. Por tanto, aunque se dedican a la pintura ponen el acento en el pintar, en eso que
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« La singularité de Berthe Morisot (1841-1895) fut de vivre sa peinture et de peindre sa vie. Elle prenait, laissait, reprenait le pinceau, comme nous prend, s’efface et nous revient une pensée. C’est là ce qui confère à ses ouvrages le charme très particulier d’une étroite, presque indissoluble relation entre un idéal d’artiste et l’intimité d’une existence. »
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Formar un artista circense significa formar un artista del riesgo. Ayudarlo a desarrollar la técnica implica también suministrarle herramientas de seguridad.El material que aquí se presenta tiene el propósito de orientar la enseñanza del trapecio fijo conformando una guía de apoyo para la formación práctica: el conocimiento del cuerpo y su ubicación en el espacio, los procesos de aprendizaje y transferencia, los distintos recursos para alternar posibilidades y la profesionalización.
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Este libro es una práctica guía para conocer una amplia variedad de movimientos artísticos. Desde los delRenacimiento (clasicismo, humanismo, etc.) a aquellosmás modernos como el minimalismo y el futurismo, esta es una introducción ideal a las principales corrientes que han dado forma a la historia del arte. Cada movimiento consta de dos páginas con una introducción,una lista de sus artistas más importantes, una listade palabras claves asociadas, una definición, una lista de obras claves, una o dos ilustraciones de obrasrepresentativas, sugerencias de museos y galerías para visitar, y una lista de otros movimientos que sonafines o completamente opuestos al movimiento. En suma, este es un útil libro de consulta que deberían tener a mano quienes gustan de contemplar arte y recorrer museos y galerías.
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El catàleg presenta la diversitat dels universos creatius de les joves il·lustradores i comiqueres Bàrbara Alca, Marta Cartu, Genie Espinosa, Ana Galvañ, Nadia Hafid, Conxita Herrero, María Medem, Miriampersand i Roberta Vázquez. En la seva obra, i a partir de l´ús de diferents lllenguatges, registres estètics o de referents culturals, així com a través de l´ús del color, el grafisme o l’experimentació estilística i narrativa, les nou creadores han posat en qüestió les formes canòniques del còmic. Sovint tracten, amb mirada crítica i humor, temes de la realitat millenial com ara la precarietat econòmica i laboral, la desaparició de l’estabilitat, la relació amb la tecnologia, la sororitat o les relacions a Internet, etc.
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Las plazas de soberanía —término histórico con el que se denomina a los enclaves españoles repartidos por la costa norte de Marruecos— son lugares de acceso prohibido, sus alrededores permanecen monitorizados militarmente, su historia se mantiene oculta.Representan una singular excepcionalidad territorial que confirma un modelo de extensión colonial que sigue operando, aún hoy, de manera efectiva. Cerca de las plazas de soberanía propone una suerte de contracartografía de estos enclaves: Perejil, Alhucemas, las islas Chafarinas y el peñón de Vélez de la Gomera. A partir de cinco conceptos clave —dispositivo, tocar, amistad, display y soberanía—, y utilizando la práctica curatorial como método, Leire Vergara proyecta una mirada crítica sobre estos territorios con la que examina simultáneamente, como si de un juego de espejos se tratara, el objeto observado y la herramienta de visión.Esta investigación curatorial —que convoca pensamiento y práctica artística— nace del deseo de (re)leer y (re)pensar las formas que gobiernan todo lo que nos rodea (realidades, sujetos, objetos, vidas e imaginarios) y se desarrolla a partir de los viajes de la autora a las inmediaciones de las cuatro plazas de soberanía españolas, acompañada en cada uno de ellos por cuatro artistas que interpretan, desde sus trabajos, el acercamiento a estos lugares inaccesibles.
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Da capo, anotación en una partitura que indica al músico que debe reanudar la pieza desde el principio, es el título de esta monografía, que recopila una selección de textos escritos por Francesc Torres desde los años setenta hasta nuestros días. De este artista son especialmente conocidas las instalaciones multimedia que representan la velocidad, la competición y el machismo como fuentes de violencia. La guerra como expresión sofisticada de esta violencia y la fragilidad de la memoria histórica están igualmente presentes en su trabajo.
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Esta publicación presenta el proyecto de creación El horizonte del círculo, creado por la artista Agustina Otero. El estudio formal y estructural de la cabeza humana constituye uno de los temas esenciales en la historia del arte clásico y moderno
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Press Here retoma las cuestiones que orientan la práctica artística de Marta Pujades como el análisis de la construcción de las imágenes y de la representación de los sujetos, así como las relaciones que se establecen en torno a la materialidad de la fotografía en cuanto cuerpo y la intangibilidad del cuerpo en cuanto imagen fotográfica.
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La educación del des-artista es un hoy un texto más vigente que nunca, un inusitado manual para creadores donde el Arte y su Historia son desactivados por una mirada crítica, una conciencia estética y una práctica artística al servicio de la vida.
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Nueva entrega del universo literario de Dungeons and Dragons.Ésta es la historia de cómo Raistlin Majere llegó a ser el poderoso mago llamado a jugar un papel decisivo en la Guerra de la Lanza. Raistlin es el elegido por la Torre de la Hechicería para hacer frente a las fuerzas del Mal en el sombrío futuro que amenaza a Krynn. Y aunque él puede ser la salvación de un mundo, está por ver si su alma no se perderá irremediablemente en la tremenda lucha que se avecina.
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En este hermoso libro de tapa dura con una misteriosa cubierta oculta, descubrirás el hechizante mundo de Simone 'Simz' Ferriero, un artista italiano que crea imágenes cautivadoras en las que lo cotidiano se mezcla con la fantasía mágica del mundo de las brujas. Descubre las lecciones y los obstáculos a los que Simz se ha enfrentado en su carrera, conoce las herramientas y técnicas que utiliza y descubre cómo encontrar tu propio estilo creativo con sus expertos consejos. No se ha escatimado en detalles de auténtico lujo como incluir páginas con transparencias para entender el proceso artístico o láminas a todo color impresas con la mejor tecnología. El libro comienza con una mirada en profundidad al viaje creativo del artista, desde sus primeros años y su educación hasta sus logros profesionales, y un repaso a los retos de crear arte para ganarse la vida. Hay dos grandes galerías, una con bocetos entre bastidores y otra centrada en las contemporáneas brujas de Simone y sus fantasmagóricos compañeros felinos. Los capítulos sobre su proceso creativo nos muestran sus herramientas, su espacio de trabajo y consejos para encontrar un estilo original, y un tutorial inédito ofrece a los lectores la oportunidad de seguirlo y mejorar sus propias habilidades artísticas. Este libro es un obsequio ineludible que Simone regala a sus fans, y una hermosa introducción al artista para los recién llegados a su obra.
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Cinquanta-un termes mostren els diversos assajos institucionals que el centre d'arts Santa Mònica ha anat desenvolupant els darrers anys, enfocats a repensar la seva estructura, naturalesa i funció des de la práctica diària. Aquests termes, organitzats en sis seccions, confeccionen un glossari necessàriament incomplet, no tancat ni definitiu: una instantània d'una nova institució que es basa en la porositat respecte a l'acció col·lectiva, així com en una autointerrogació i una transformació constants
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Si bien se ha escrito mucho sobre la acumulación imparable de los desechos y los paisajes monumentales delos grandes vertederos, se ha prestado muy poca atención en cambio a esa basura ''pequeña'' y en apariencia inofensiva que mancilla las calles y aceras de nuestras ciudades: una colilla, un billete de metro, un pañuelo de papel, un vaso de cartón o de plástico desechable... Este libro versa precisamente sobre esos residuos que todavía se hallan en un estado embrionarioe incipiente, que son por el momento insignificantes, que todavía necesitan crecer, y que aún no han abandonado la metrópolis e iniciado su trayectoria finalhacia los basureros del extrarradio. Los diferentescapítulos de ''Basura. Usos culturales de los desechos'' ensaya un acercamiento ecléctico al arte, la filosofía, la ética, la sociología, la antropología, losestudios de género, la teoría de las emociones y la naciente teoría de los desechos para reflexionar sobrela naturaleza antropomórfica de los residuos urbanos, sobre la poética y trascendencia semántica de los micropaisajes de la basura y de los múltiples archivosa los que va a parar todo lo descartado, sobre la ''dumpsterología'' o historia de los dumpsters o contenedores de desechos como artefactos de significación compleja y sexuada, y, por fin, sobre los despojos quedejan atrás los migrantes indocumentados cuando cruzan la ancha franja desértica que separa México de losEstados Unidos. En suma, ''Basura. Usos culturales de los desechos'' invita al lector a detener el paso,dirigir una mirada pensativa hacia el suelo y centrarla atención y los sentidos en esos infinitos objetosque la sociedad desecha y declara inservibles.
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Al cumplir ochenta y cinco años, el estudio de arquitectos fundado en 1937 por un jovencísimo Juan Sordo Madaleno ha querido publicar esta monografía poco convencional en la que se recogen los proyectos más ambiciosos construidos (y no construidos) dentro del contexto de la transformación, y que al mismo tiempo reflejan y determinan la evolución de los paisajes del México posrevolucionario. Desde las primeras construcciones la firma no solo ha sido pionera en la erección de edificios modernos, sino también en diseños arquitectónicos inherentemente urbanos, componentes fundamentales de urbes de escalas superpuestas. Este libro incluye aportaciones de algunos de los principales pensadores de la arquitectura urbana de la actualidad, recalcando el compromiso que ha guiado durante tres generaciones a una familia de arquitectos única.
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En las series los Décimos, Alexanco fue plasmando sus hallazgos cada veinte años . Vista en su totalidad, observamos que la obra del pintor está marcada por momentos de cambio en que, por así decirlo, da carpetazo al trabajo anterior y se embarca en algo totalmente nuevo. Cada una de las series de los Décimos supone el cierre de una etapa y fue pintada cuando Alexanco ya estaba en otra.Asimismo, observamos que lo único que se mantiene constante a lo largo del tiempo en el trabajo de Alexanco son los materiales. La obra cambia y mucho, los materiales no, se recombinan adquiriendo un nuevo sentido. Desde muy joven fue consciente de la necesidad de poner freno al esquilme del planeta y reciclar, y su obra muestra que fue consecuente con esta convicción hasta el final de su vida. Hacer algo nuevo es hacer otra cosa que lo que se viene haciendo, independientemente de los materiales utilizados para ello. La creación no está en la novedad de los materiales, va por otro lado.Además de ser un magnífico pintor, como este volumen refleja, Alexanco impulsó, tan discreta como eficazmente, importantes proyectos artísticos de vanguardia desde finales de los sesenta. A fin de darle a conocer y sabiendo de la conversación que durante más de cuarenta años mantuvimos viva, Rafael Lavenfeld y Valentín Vallhonrat, directores artísticos del MUN, me propusieron que describiese algunas de las investigaciones del artista que conocí de primera mano.Capi Corrales Rodrigáñez.
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Los ensayos que reúne Luis Pérez-Oramas en este libropodrían caracterizarse como una singular disputatiosobre la situación de un objeto específico. La cuestión es la (in)actualidad de ese objeto: la pintura, yentanto objeto esta ha de entenderse aquí en el sentido etimológico de la palabra: obiectum: algo arrojado,puesto enfrente.
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Para Winckelmann, la belleza del arte trasciende el tiempo y el espacio, por eso es tan importante que tengamos las herramientas adecuadas para comprenderlo. Estas páginas, que se publicaron por primera vez en Dresde en 1764, son un recorrido por las de la continuidad del arte a través de distintas civilizaciones completamente novedosa. manifestaciones artísticas del mundo antiguo partiendo de la idea de que, como la vida, han sufrido un proceso evolutivo. Pasando por egipcios, etruscos, persas y romanos, se detiene a analizar en profundidad el arte de los griegos, lo que proporcionó una visión de la continuidad del arte a través de distintas civilizaciones completamente novedosa. Su ojo crítico con lo que se venía haciendo hasta la fecha y su atención al detalle convirtieron esta en una obra de referencia e inspiración para grandes artistas y teóricos como Goethe o Schiller, aún hoy, continúa siéndolo para todo aquel que se acerque al estudio del arte clásico.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.