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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Words es una selección de sesenta textos de los cientos publicados por Ivorypress desde 1996, que van desde escritos y ensayos artísticos hasta poemas y textosnarrativos. Se incluyen textos de Marina Abramovic,André Aciman, Roger Avary, John Berger, David Campany, Olafur Eliasson, Brian Eno, Hans Magnus Enzensberger, Aminatta Forna, Carlos Fuentes, Nan Goldin, William Kentridge, Anselm Kiefer, Richard Long, Vik Muniz,Leonardo Padura Fuentes, Martin Parr, Peter Saville,Thomas Struth, Richard Tuttle, Mario Vargas Llosa o Win Wenders, entre otros muchos.
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Une relation complexe.A l'occasion du 150ème anniversaire de la première exposition des Impressionnistes (ouverte à Paris le 15 avril 1874), cet ouvrage analyse le rapport de ce phénomène, essentiellement pictural, avec la sculpture, à travers, surtout, les réflexions d'Auguste Rodin (1840‐1917), principal sculpteur français à l'époque de l'Impressionnisme.
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A partir d’una lectura atenta del gravat Melancolia I, de Dürer, i del quadre Paisatge amb sant Jeroni, de Patinir, Jordi Llovet esbossa una teoria de la història: l’anàlisi iconogràfica es revela insuficient per entendre l’anticipació en el temps, o la premonició, que moltes obres d’art contenen. La filosofia, la literatura, la religió, l’economia o la societat també donen sentit als objectes artístics. No n’hi ha prou d’anar a les fonts i a la tradició per entendre’ls. El futur ajuda a interpretar les creacions del passat. Aquesta divagació sobre la història de l’art que ens ofereix Jordi Llovet ens convida a reflexionar sobre els grans canvis de la nostra època.
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La metrópolis contemporánea cuestiona nuestros valores más profundos, o al menos aquellos a los que estamos más apegados sentimentalmente. ¿Por qué arquitectos, regímenes políticos y culturas (europeas, americanas, asiáticas) que son completamente diferentes entre sí llegan a configuraciones similares? A través de temas generalmente desatendidos por los arquitectos, como la tabla rasa, el espacio basura o la congestión, Rem Koolhaas cuestiona ''lo que en su momento se llamó'' la ciudad como un espacio único para la reflexión. Este libro recoge los ensayos dedicados a algunas ciudades con las que Koolhaas ha tenido contacto por motivos profesionales, académicos o biográficos en las dos décadas de plena madurez: Atlanta, París, Lille, Tokio, Berlín, Nueva York, Moscú y Londres. No se trata de escritos teóricos, sino de un conjunto de textos coyunturales atravesados por laberínticas remisiones internas, situados a mitad de camino entre la experiencia y la reflexión.
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«La situación parecía convertirse en algo profundamente irreal por momentos. El retrato ya no significaba nada como tal. Como cuadro tampoco decía mucho. Lo que sí tenía sentido y existía con vida propia era la lucha infatigable e interminable que Alberto había emprendido para expresar en términos visuales, y a través del acto de pintar, una percepción de la realidad que, por casualidad, había coincidido con mi cabeza. Evidentemente, era imposible conseguir esto, pues lo que es abstracto por naturaleza nunca podrá concretarse sin alterar su esencia. Pero él se había comprometido y, de hecho, estaba condenado a lograr algo que, en ciertos momentos, parecía el castigo de Sísifo. Yo me encontraba temporalmente involucrado en ese intento. Pero a veces olvidaba la naturaleza temporal de mi compromiso. Entonces, el cuadro se convertía en algo irreal, aunque en cierto sentido era más que real, pues el origen de esta situación estaba en la naturaleza misma de la realidad. De hecho, nuestra presencia y relación parecían proceder y participar del absurdo, siendo ridículas y sublimes a un mismo tiempo.» «Este es el libro que me hubiese gustado escribir a mí» Valeriano Bozal
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Escrits entre els anys noranta i els nostres dies, els assaigs de Boris Groys sobre la lògica entròpica de la cultura, l'art i el museu, sobre la col·lecció, la política de l'avantguarda i el caràcter mediàtic de l'home i la realitat -la teoria dels mitjans és la ideologia del nostre temps- constitueixen uns exercicis brillants d'esgrima intel·lectual. Combinen el rigor teòric i un estil entenedor i elegant amb una sagacitat que l'autor administra amb subtilesa. Groys mesura les seves forces amb el contrincant més difícil per a un assagista: el seu propi present. Gairebé tots els assaigs comencen reverenciant les idees establertes, però acaben cada embat deixant el lector prou tocat perquè hi continuï reflexionant, perquè desitgi pensar les coses d'una altra manera.
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Al llarg de la seva prolífica trajectòria, Vicenç Altaió ha impulsat el reconeixement als nostres poetes avantguardistes mitjançant exposicions, publicacions i homenatges, com un deure generacional amb els pares de la modernitat artística catalana: J.V. Foix, Josep Palau i Fabre, Joan Perucho, Cirlot, Joan Brossa, Salvat-Papasseit... Ara correspon als seus contemporanis reconèixer i celebrar la seva aportació a l'agermanament de la poesia i les arts visuals, tot seguint la tradició que ens han llegat aquests poetes, o artistes com Joan Miró, Salvador Dalí i Antoni Tàpies. Tot i haver dedicat una bona part de la seva obra a prologar, escriure o promoure artistes, ha estat en la bibliofília on ha desenvolupat un projecte que aquesta exposició certifica. Du per títol Ulls Fèrtils com un homenatge a Paul Éluard, figura que va jugar un paper similar al seu molts anys abans, i en un altre context. Ell va ser al dadaisme i al surrealisme allò que Vicenç Altaió ha significat i significa pels artistes catalans del canvi de segle. El poeta, a la fi, és un mitjancer que incita amb les paraules i les idees.
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Escritos en las últimas tres décadas, los ensayos de Boris Groys sobre la lógica entrópica de la cultura, el arte y el museo, sobre la colección, la política de la vanguardia y el carácter medial del hombre y lo real -la teoría de los medios es la ideología de nuestro tiempo- constituyen brillantes ejercicios de esgrima intelectual: combinan el rigor del conocimiento, un estilo claro y elegante y argumentos punzantes suministrados con sutileza. Groys se mide en ellos con el contrincante más difícil de un ensayista: su propio presente. Casi cada texto comienza con una respetuosa inclinación de cabeza a los modos de pensar al uso, para acabar cada lance dejando al lector tan tocado como para continuar reflexionando y empezar a imaginarse las cosas de otros modos.
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Las mujeres en el sistema artístico, 1804-1939 ofrece claves para esclarecer el relevante papel que en ese periodo desempeñaron las artistas en España, y en otros focos como Italia, Francia o Reino Unido. Promovido por el proyecto I+D+i Mujeres artistas en España, 1804-1939, el libro plantea una necesaria reflexión sobre la participación y consideración de las artistas en la escena cultural contemporánea, así como sobre los lenguajes plásticos que desplegaron y con los que impulsaron la renovación del arte y el desarrollo de las vanguardias. Conforme a ello, el libro contribuye a la construcción de un nuevo relato historiográfico, que valora, de forma justa, las invisibilizadas aportaciones de las creadoras a la Historia del Arte.
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Cada uno de los trabajos de este libro ofrece temas de filosofía del arte en los que se expone una teoría del autor acerca del juicio estético, aborda desde su propio campo de estudio -literatura, artes visuales, música, arquitectura y cultura en general- algunos de los problemas centrales de la estética.
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Catálogo editado con motivo de la exposición ''Escala : Escultura (1945-2000)'', celebrado en la Fundación Juan March de Madrid del 31 de marzo al 2 de julio de 2023. La escala, que no se reduce ?nunca mejor dicho? al tamaño minimizado o ampliado de los objetos, ha sido y es tan crucial para el desarrollo de la escultura que se presta a presentar desde ella las prácticas escultóricas contemporáneas. Así, la muestra comienza con una reflexión sobre los efectos de la Segunda Guerra Mundial en una serie de artistas y en su concepción del espacio escultórico como refugio, acto seguido, desarrolla las distintas acepciones de la idea de escala ?medida, progresión, proporción? para mostrar que esta es el dispositivo y el recurso que ha permitido el desarrollo de nuevas formas de hacer y de pensar la escultura en la segunda mitad del siglo XX.
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Libro sobre la artista japonesa ''Kaoru Katayama'' editado con motivo de la exposición ''Por qué los monos trepan a los árboles? celebrada en el MUSAC.
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Este libro se adentra en los entresijos del cuento de tradición oral La Barbe Bleue, fijado por Charles Perrault en 1697. La intención que rige la interpretación del profesor Puelles ha sido la de tomarlo como umbral de un modo del horror moderno irreductible al género «goticista» que a partir del siglo XVIII ostentará la hegemonía del miedo literario. Publicado en el gozne entre el clasicismo y el rococó, y llevándonos al paroxismo del terror visual, Barbazul abre el camino a una narrativa traumática, testimonial, de pura supervivencia, cuyos extremos alcanzan a Primo Levi, entre otros muchos. El macabro cuento que nos ocupa es también la ocasión para situarnos en un enclave en el que la experiencia del lector u oyente transita -quizá por primera vez- hacia territorios como lo sublime y lo siniestro en la ambivalencia entre el placer estético de la representación del horror y el conocimiento -más «antropológico» que estético- de la pura crueldad humana. Barbazul es, además, un espléndido contrapunto a la doctrina del cogito cartesiano, dándosele prevalencia al terror propio (y no lo hay más atroz que el de «verse morir») sobre aquellas otras condiciones en las que sí será posible ganar la distancia reflexiva. «Tengo miedo, luego existo», escribió Roland Barthes.
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Monografia que reuneix els treballs i escrits sobre restauració exposats per Cesare Brandi a l'Istituto Centrale del Restauro. Dirigit a crítics, tècnics i historiadors de l'art, el llibre analitza el significat i els mètodes de la restauració, posant especial atenció als criteris teòrics que han guiat les activitats de l'Institut.
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Examines the social implications and psychological impact of the images and conventions of modern and classical artists.
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Arte (in)útil reflexiona en torno a la idea de artista emergente e institución cultural como ente legitimador. El contenido de este marco solo es la punta del iceberg sobre la mediatización cultural entre arte, artista e institución, pero sirve para entender cómo se inicia el artista en un circuito y qué mecanismos se utilizan para absorberlo. Así es cómo se aleja el arte de ser una herramienta política crítica de pensamiento, y se convierte en producción y, por tanto, en un producto más del contexto posfordista. A partir del cambio de paradigma sobre la idea de exposición con el objetivo de dar visibilidad a obras -una visibilidad necesaria para que lleguen a ser arte-, Daniel Gasol se pregunta si el artista se adapta a la producción institucional que se entiende como arte. El autor también valora si, por el contrario, es la exposición institucional la que dota al trabajo de una importancia hipotética, con la consecuencia indirecta de generar legítimamente creaciones colindantes de semejanza formal y conceptual. Gasol explora la existencia de diversos tipos de creación o contextos que proyectan qué debe ser arte, así como sobre qué consideramos arte emergente o obra expositiva. También cuestiona las instituciones adecuadas para exhibir producciones artísticas, y cómo el sistema del capital y laboral afecta a la creación y la exposición de arte. ¿Es útil, el arte? ¿Qué nos lleva a decidir qué consumimos? ¿Relacionamos inconscientemente que una obra artística es mejor por tener un volumen de audiencia elevado y por aparecer en los medios de comunicación? ¿Son los artistas realmente libres a la hora de crear o están sometidos a ciertos parámetros y se adaptan a ellos?
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Vicenç Altaió ens parla, en aquest llibre, d’art, però no només d’art, també d’arquitectura, de cinema, de periodisme, de ciencia, d’identitat, de música, de fotografía, d’internet, de política i de molt més. De fet, el volum que teniu a les mans és una particular visió del nostre actual món cultural aportada per un dels seus protagonistas. Tot llegint-lo ens adonem de la potencia que, com a país i en materia de cultura, tenim. Un traficant d’idees a les fronteres de l’art ens ajudarà a entendre’ns millor a nosaltres mateixos, en tant que fills de la cultura aquí explicada.
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La evolución de los conceptos de COMPLEJIDAD Y SOSTENIBILIDAD ha sido transcendental y ha viajado en los últimos años: de lo único-unitario se ha pasado a lo dicotómico, de lo dual a lo múltiple, y de lo múltiple a lo complejo (pensamiento y producción). Hemos habitado desde siempre en un mundo «complejo» y es desde la comprensión de ese concepto de complejidad de una manera responsable donde hallaremos la clave para la sostenibilidad futura del sistema.
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Hoy día, las Bellas Artes han desbordado su nombre, la belleza dejó de ser su finalidad y la noción clásico-romántica de arte apenas puede contener la inquietud de lo que se produce dentro de sus géneros tradicionales. Sin embargo, los nombres vuelven en círculos viciosos que, al tiempo que no permiten la salida de los conceptos que nombran, se ven incapaces de contenerlos. Original, copia, visible, invisible, presente, ausente, etc., un arsenal de conceptos con los que hemos ido trabando el modo de entendernos y de entender el mundo, muestran su inestabilidad y su ineficacia para dar alcance a lo que nos ocurre.
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En esta falsa entrevista, Enrico Baj explica de manera clara y sencilla las claves de la ciencia de las soluciones imaginarias y repasa sus hitos más destacados. La edición cuenta además con un prólogo y un epílogo de José Manuel Rojo en los que sitúa la peripecia vital de Baj y de sus amigos –inseparable de los movimientos de resistencia intelectual que atravesaron la segunda mitad del siglo XX– y nos acerca a la desconocida pero interesantísima historia de los grupos que caminaron a la par que la Internacional Situacionista.
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Un fascinante recorrido desde los orígenes de los cítricos hasta nuestros días, su importancia en la Historia de la humanidad y su protagonismo en el Arte. Extensa historia de estas plantas extraordinarias y sus frutos, considerados objetos de lujo, de regalo e incluso un medio para el pago de tributos durante siglos. El libro se acompaña con más de 80 obras de arte, desde la antigua Roma hasta el arte contemporáneo. Una historia paralela que demuestra la importancia de estos frutos en todas las civilizaciones y épocas.
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It's been a century since the prohibition sent Americans scurrying to speakeasies. And decades since the movie industry turned mobsters into celebrities. Now the two worlds collide in this highly original pocket-sized collection that creates signature cocktails for gangsters of every stripe.
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Bring the magical creatures and plants of the Wizarding World to colorful life with this stunning watercolor book, featuring 32 new original watercolor projects inspired by the Harry Potter and Fantastic Beasts films.The exciting follow-up to Harry Potter: Watercolor Magic, the blank second book in the series continues the artistic fun with 32 all-new, ready-to-paint watercolor projects featuring your favorite magical creatures and plants. From a soaring Buckbeak to temperamental Mandrake, to a quiet Thestral forest scene, these pages burst with brand new opportunities for fans to create gorgeous art inspired by the Harry Potter and Fantastic Beasts films. Each project features a fully painted sample image to get you started plus a list of supplies and colors, followed by clear, easy-to-follow instructions to help you recreate the image in minutes. The book also includes 64 pages of perforated high-quality watercolor paper with light pencil sketches of each project, making it super easy to re-create the artwork right in the book and then remove the finished piece for easy framing and display.Harry Potter: Watercolor Magic: Flora and Fauna is perfect for at-home artists of every skill level looking for a fun, easy art project to celebrate their love of the Wizarding World films.OVER 50 PROJECTS: Bring dozens of images of magical creatures and plants to life, including Buckbeak, Mandrakes, Cornish pixies, Fawkes the phoenix, the Niffler, Aragog, Bowtruckle and much more.FOR EVERY SKILL LEVEL: Complete instructions make it easy for artists from beginners to masters to create Wizarding World art that is true to the films. HIGH-QUALITY PAPER: Thick watercolor paper for a beautiful, lasting keepsake.PERFORATED PAGES: Pages release easily from the book for framing and display.OFFICIAL WIZARDING WORLD BOOK: Created in collaboration with Warner Bros. Entertainment Inc.
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