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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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EDICIÓ A CURA DE ROGER ROIG «La producció teatral de Narcís Oller respon als mateixos estímuls literaris que orientaren la seva producció narrativa: els de la tradició realista. A més, les seves traduccions pretenen contribuir a la regeneració de l'escena catalana en un moment de veritable crisi del model dramatúrgic impulsat primer per Frederic Soler i de l'escassa capacitat de convocatòria que tenien les fórmules literàriament més ambicioses, si exceptuem el teatre d'Àngel Guimerà.» (Del pròleg de Ramon Bacardit)
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Anne Carson nos entrega no sólo una parodia que muestra un sentido ético y estético en su más elevada dimensión. La Guerra de Troya es el pretexto para urdir el texto, para bordarlo, abordarlo desde el origen de la palabra guerra y sus derivados: pelea, combate, batalla, lanza, muerte, violación, crimen, abandono, sinsentido, deshumanización, todo acto que navega en contra de lo que debería ser el último fin de nuestra existencia. No hemos sabido escuchar, no hemos sabido descifrar ni mucho menos cuestionarnos. La lucidez y erudición de Anne Carson nos llevan a navegar hacia un puerto en el que no sabemos si es la muerte misma la que nos espera o si es una niña violada o el infierno o una madre en su más ahogada desesperación. La palabra que no está sustentada en un texto tramado desde su raíz etimológica no tiene sentido en la concepción literaria de esta autora. Ella nos ha entregado las versiones más frescas y actuales de Safo, Catulo, Eurípides... para presentarnos en este innovador libro a una Helena de Troya, símbolo de la pérdida del sentido, del amor. Carson nos dice que bordamos el tapiz del mundo como ciegos, sumidos en una indiferencia lacerante que atropella otras vidas sin siquiera darnos cuenta. En nueve lecciones de historia, con sus concomitantes enseñanzas, la poeta desarrolla un pensamiento por asociaciones que entrega al lector con su usual dejo de ironía, y una indignación punzante. Muestra que hemos puesto en la guerra una obtusa forma de obtener la gloria, eso que llamamos poder, posesión, mancha, sangre, ceguera. Vivimos en la oscuridad navegando hacia la orilla donde se libra una guerra que no sabemos cómo se inició. Al hacerlo, obnubilamos el otro lado del dolor, es decir, la altísima belleza que todo dolor trascendido alcanza.
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La producción teatral de William Shakespeare (1564-1616) puede dividirse en tres grandes grupos: comedias, dramas históricos y tragedias. La presente edición reúne las diez tragedias compuestas por el genio inglés desde 1590 hasta 1607 aproximadamente. La edición corre a cargo de Ángel-Luis Pujante, reconocido especialista en Shakespeare, y se incluyen dos traducciones inéditas: Tito Andrónico (de Salvador Oliva) y Timón de Atenas (de Ángel-Luis Pujante y Salvador Oliva).
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Nueva antología de Miguel Hernández,uno de los grandes poetas españoles del siglo XXIntroducción de Daniel Aguirre OteizaAntología poética ofrece una cuidada selección de los poemas más famosos y recordados de Miguel Hernández, con muestras representativas de todos los poemarios que el escritor publicó en vida: Peritoen lunas,Elrayo que no cesa, Imagen de tu huella, El silbo vulnerado, Viento del pueblo, El hombre acecha y Cancionero y romancero de ausencias. No faltan, además, los poemas menos conocidos, las composiciones que solo vieron la luz póstumamente o incluso un inédito.Como argumenta el catedrático de Harvard Daniel Aguirre Oteiza en su brillante introducción, el conjunto permite apreciar el valor histórico y memorístico que ha ido adquiriendo esta enorme poesía, al tiempo que nos invita a acercarnos a ella con una nueva mirada desde nuestra posición histórica siempre cambiante.Sobre el autor y su obra:«Miguel Hernández cantaba con su voz de bajo y su cantar era como si todos los árboles cantaran. Como si un solo árbol, el árbol de una España naciente y milenaria, empezara a cantar de nuevo sus canciones».Octavio Paz«Recordar a Miguel Hernández, que desapareció en la oscuridad, y recordarlo aplena luz, es un deber de España, un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre losazahares de su dormida tierra».Pablo Neruda«Uno de los más grandes poetas españoles del siglo XX: nos deslumbran la generosidad y la maestría miméticas, la fiesta de metáforas, ritmos y acentuaciones,la lujuria verbal y la cuantiosa cantidad de prestigiosas constelaciones de imágenes».Félix Grande, El País«El poeta necesario».Buero Vallejo«El poeta consumado de la luz, la oscuridad, el alma, el tiempo, la muerte».Willis Barnstone
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No le cuesta nada contraer matrimonio: es el lazo con que caza a sus víctimas, y las puede cazar por docenas. Damas o doncellas,burguesas o villanas: ninguna es demasiado buena o demasiado mala para él. Y si quisiera decirte los nombres de todas las m
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Entre otoño de 1935 y el invierno de 1936, García Lorca trabaja en una pieza teatral, la tradicionalmente denominada Comedia sin título, que él mismo califica como undrama social. De ella tan solo nos ha quedado el primer acto. En esta edición analiz
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Los mejores libros jamás escritos. «Tanta fuerza y virtud hay en amorosa mirada.Amar y odiar están fuera de nuestros poderes,pues nuestra voluntad se somete al destino.» Nacido en el mismo año que Shakespeare, Christopher Marlowe es uno de los dramaturgos más importantes de la literatura universal. Vivió en Londres einventó el teatro inglés: sin lugar a dudas, fue elescritor al que Shakespeare quiso superar. No obstante, la producción de Marlowe quedó interrumpida en 1593 tras una reyerta. Su muerte prematura plantea, todavía hoy, uno de los mayores «¿y si...?» de la historia de la literatura: ¿cuál habría sido su papel en latradición occidental? Esta edición reúne por primera vez en lengua española la obra completa de Christopher Marlowe, formada por las dos partes de Tamerlán el grande, El judío de Malta, Eduardo II y La trágica historia del doctor Faustus, en las míticas versiones de Aliocha Coll. A estos dramas se suman Dido, reina de Cartago y La masacre de París, en traducción métrica de Andrés Ehrenhaus,así como el poema largo Hero y Leandroy el más breve El pastor apasionado a su amor, vertidos al castellano por Andreu Jaume, quien también ha escrito el estudio introductorio y ha cuidado toda la edición.
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Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramáticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1781). En El barbero de Sevilla, como nos explica en su introducción Mauro Armiño, el genio del autor consiguió hacer de una intriga y unos personajes trillados una comedia absolutamente original en la que destaca la fuerza que supo imprimir a todos los personajes, pero sobre todo al conde Almaviva y especialmente a Fígaro, heredero del criado de la comedia clásica que alcanza la categoría de protagonista en igualdad de condiciones que su antiguo amo, y en el que cristaliza una de las grandes creaciones de la tradición dramática europea.
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El teatro de Alfonso Sastre es un teatro de investigación y revelación y nunca de propaganda, un teatro rico en experiencias humanas y en sutileza poética
porque Sastre comprendió desde un principio que la fuerza dramática se consigue no por el dogma, sino por la revelación social y existencial, no dando soluciones panfletarias a problemas complejos, sino preguntándose acerca de dichos problemas. Escuadra hacia la muerte es, probablemente, su obra más emblemática. En una hipotética tercera guerra mundial, un escuadrón de cinco hombres son enviados de avanzadilla para informar de los ataques enemigos. Es la historia de un grupo de hombres enfrentados con el poder que Sastre convierte en una elocuente denuncia antimilitarista y donde los más esenciales conceptos humanos, como el miedo, la lealtad, la vida o la muerte, se unen para formar un mosaico de trágicas consecuencias. Por su parte, La mordaza, obra estrenada un año después, en 1954, trata encubiertamente el tema de la dictadura, la represión y la censura. El déspota Isaías Krappo asesina a quien fue víctima suya durante una guerra civil y, aunque su familia lo sabe, sólo su nuera rompe la mordaza del silencio, compuesta de miedo, respeto y fidelidad familiar. Isaías muere en prisión y eso alivia a sus hijos.
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A Rosa, una jove professora de quaranta-cinc anys, li diagnostiquen un càncer de pit. Obertament, ho parla amb la seua classe. Li costa dir-li-ho a sa mare. L'acompanyen tothora en Carles, el seu home, i la Laura i en Jordi, els fills. En un monòleg íntim i proper, però irònic i directe alhora, Rosa renuncia a qualsevol pretensió d'heroisme. Lluny de veure's com una lluitadora, se sent una persona més que vol continuar vivint, com qui farà un viatge llarg i incert, però tornarà, i tant que sí.
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'El enfermo imaginario'' es la obra por antonomasia de Molière, así como una de las más famosas y representadas de la historia del teatro. Escrita en el periodo de máxima madurez creativa de su autor, esta comedia, que critica y satiriza a los médicos de su tiempo, se centra en la irónica situación vital de su protagonista, Argán, un hipocondriaco a quien el miedo a las enfermedades y a la muerte le impide disfrutar de la vida.
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El teatre còmic és l'obra en què Goldoni va concentrar les propostes de reforma de la Comèdia de l'Art. En el joc del teatre dins del teatre, Goldoni revisa els preceptes clàssics, advoca per la versemblança i proposa noves regles d'interpretació. I aquestes noves propostes s'exemplifiquen també en El criat de dos amos, una intriga esbojarrada i molt divertida que ordeix un dels personatges més universals que ha donat l'escena: Arlequí.
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Macbeth cuenta una historia de crimen y castigo entreverada de brujería y elementos sobrenaturales. Amparado en las engañosas profecías de las Hermanas Fatídicas, brujas o diosas del destino, Macbeth decide asesinar a su rey y tomar la corona. Consciente del horror al que se entrega, forja su terrible destino y se deja poseer por el mal que nace del ansia de poder, creyéndose invencible y eterno. Esta obra tenebrosa e inquietante, de acción vertiginosa, es también profundamente introspectiva. A través de un lenguaje metafórico y sensorial, la obra indaga en lo prohibido, explora la transgresión y ofrece la oportunidad única de compartir la vida interior de un asesino, con su horror y su misterio. En el estudio introductorio, Angel-Luis Pujante desvela el significado de ese juego de símbolos, el primitivismo y el concepto mágico del mundo que representan, y aclara cómo la altura poética e intelectual de Macbeth no oculta ni suaviza la situación política concreta de sangre y violencia, ambición y deslealtad en que la acción se desenvuelve.
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L'Antoni es dirigeix a una entitat bancària per demanar un crèdit personal, però quan el director de la oficina veu que no pot oferir cap tipus de garantia ni d'aval per tornar-lo, decideix denegar-l'hi. Davant d'aquesta negativa, l'Antoni no es conforma i fa una proposta molt desconcertant al director. El crèdit és, en paraules de Sergi Belbel, «una gran comèdia sobre l'economia, la crisi, la desesperació, la fragilitat de les vides humanes i, també, encara que no ho sembli a primera vista, sobre les estranyes i insondables relacions de parella».Si a El mètode Grönholm Galceran feia una dissecció, en clau d'humor, del que estem disposats a fer els humans per aconseguir una feina, a El crèdit ens planteja quin és el límit humà davant de la desesperació econòmica.
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Renovador del exhausto género de la comedia en Francia, Jean-Baptiste Poquelin, Molière, entreveró la capacidad de observación, el talento literario y el impulso crítico, para alumbrar un espectáculo nuevo en elque los propios contemporáneos suministraban la materia adecuada para la creación de personajes inolvidables que animan tramas perfectamente estructuradas. Elpresente volumen reúne dos de sus obras más características: ", Tartufo o El impostor ", (1644), sátira sobre la falsa religiosidad cuyo personaje principal ha trascendido, con el paso del tiempo, a la categoría de arquetipo, y ", Don Juan o El festín de piedra ", (1665), en la que el dramaturgo, anticipándose a los personajes de Gide y de Genet, transforma al célebre seductor y libertino en campeón de lalibertad absoluta, aunque la busque por el camino del mal.
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La vocación artística más profunda de Max Aub fue, sin duda, la vocación escénica. Vinculado a las vanguardias teatrales de los años veinte y treinta, antes de la guerra de España publicó diversas obras dramáticas. Antifascista leal al gobierno republicano, durante los años de la Guerra Civil escribió ocho obras en un acto que reunió con el título de Teatro de circunstancias. En julio de 1937, cuando residía en París como agregado cultural de la Embajada española, fue nombrado secretario del Consejo Central del Teatro y por tal motivo tuvo que trasladarse en 1938 a Barcelona, por entonces capital de la República. Exiliado en París desde febrero de 1939, padeció durante tres años la experiencia de los campos de concentración franceses y argelinos, aunque en octubre de 1942 inició su exilio en México. Entregado compulsivamente durante aquellos años cuarenta a la escritura de una torrencial literatura dramática y esperanzado con el posible renacer de su vocación escénica -que la dedicatoria de su tragedia San Juan expresaba en 1943 con claridad-, la imposibilidad de estrenar sus obras fue sumiendo al dramaturgo en una frustración amarga que reflejó con airada resignación en sus Diarios. La primera edición de San Juan apareció en México en 1943, aunque el estreno mundial de esta tragedia no tuvo lugar hasta 1998 en Valencia. Las representaciones de San Juan en Valencia, Madrid y Lisboa, un éxito de crítica y público en la España democrática, vinieron a demostrar la actualidad y vigencia de esta excelente tragedia maxaubiana. San Juan es sin duda la mejor obra dramática de Max Aub, cuyo estreno en la España democrática de 1998 fue un rotundo éxito tanto de crítica como de público. Max Aub (París, 1903-México D.F., 1972) llegó a España con once años, exiliado de la Primera Guerra Mundial. De ideales progresistas y republicanos, al final de la guerra de España tuvo que exiliarse en París. Tras un periplo de tres años por campos de concentración en Francia y el norte de África, llegó a México en 1942, donde vivió hasta su muerte. Sólo volvió a España unos meses en 1969 y en 1972. Cultivó todos los géneros: narrativa, teatro, poesía, ensayo, crítica, teoría literaria, diarios... Entre su extensa obra literaria destacan las novelas de El laberinto mágico y los microrrelatos Crímenes ejemplares. En la Biblioteca del Exilio, además, se han publicado sus obras dramáticas Morir por cerrar los ojos, San Juan y De algún tiempo a esta parte, los diarios La gallina ciega. Diario español y Nuevos diarios inéditos, y una antología de sus Escritos sobre el exilio. Manuel Aznar Soler (Valencia, 1951), catedrático emérito de literatura española contemporánea de la Universitat Autònoma de Barcelona, es fundador y director, desde 1993 hasta su jubilación en 2021, del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL). Director literario de la colección Biblioteca del Exilio (Renacimiento), así como de las revistas Laberintos y El Correo de Euclides, entre sus últimos libros mencionemos El Partido Comunista de España y la literatura (1931-1978). Once estudios sobre escritores, intelectuales y política (2021) y La Resistencia silenciada. Historia del Congreso Universitario de Escritores Jóvenes y edición facsímil de su Boletín (Madrid, 1954-1955) (2021). Es co-editor, junto al profesor José-Ramón López García, del Diccionario biobibliográfico de los escritores, editoriales y revistas del exilio republicano de 1939 (Renacimiento, 4 volúmenes, 2016).
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En 1634, un año antes de su muerte, Lope de Vega publicó ''La Gatomaquia'', una epopeya burlesca en siete silvas sobre amores gatunos en los tejados de Madrid. La obrita fue un éxito y los lectores reconocieron en ella la mejor épica cómica de nuestras letras. una pareja de amantes se rompe por la intromisión de un galán pudiente. Las escenas incluyen una célebre batalla de gatos, graciosas bravatas y tremendos desafíos. ''La Gatomaquia'' ofrece este humor (cándido y negro) y mucho más: sátira social y literaria, comentarios metapoéticos sobre la digresión o el ornato, y muchas ácidas reflexiones sobre las ambiciones cortesanas del viejo Lope.
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NUEVO FORMATO DE COLECCIÓNSi bien en el folclore europeo se documentan tradiciones y leyendas entorno al convidado de ultratumba y el culto a los muertos, y tampocofaltan precedentes literarios del burlador de mujeres, es innegable queTirso de Molina logró transformar todos esos elementos en uno de losmitos más fascinantes, perennes y universales de la humanidad: el de donJuan.Lo que hasta entonces había sido simple leyenda, se convierte en lapluma del genial fraile en pura indignación sobre el sexo y el espíritude rebeldía. Así, en EL BURLADOR DE SEVILLA Tirso condensa ya todos lossentidos que irá adquiriendo con el tiempo el mito donjuanesco: elrebelde social, el seductor, la mujer enamorada, el hombre enfrentado aDios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural y con lamuerte. Una obra que aún hoy hace llorar, reír y temblar a cualquierlector, a cualquier espectado
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La publicación de estas dos obras es el resultado de un proyecto impulsado por el Instituto de Estudios Ibsenianos de la Universidad de Oslo y financiado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Noruega, con el apoyo de NORLA para traducir de nuevo todo el teatro de Ibsen. En el caso de las dos obras que presentamos, la traducción es de Cristina Gómez Baggethun y es realmente novedosa. Por un lado, como señala Ignacio García May en su esclarecedor prólogo, “Casa de muñecas es una de las obras más famosas de la historia del teatro pero también de las más asediadas por los lugares comunes y la incomprensión”. Por otra parte, Solness, el constructor llevaba cincuenta años sin publicarse en España, y fue la primera obra escrita por Ibsen tras su regreso a Noruega después de veintisiete años de exilio. Se trata de una obra maestra absoluta, un texto titánico, y seguramente uno de los más personales jamás escritos por Ibsen. Transcurridos más de cien años desde su muerte, Ibsen es, después de Shakespeare, el autor más representado en el mundo. Su genialidad, que fue continuada poco después por Strindberg y Chéjov, puso, como señala García May, “patas arriba la forma entonces convencional de escribir teatro dejando a un lado la retórica declamatoria decimonónica para introducir en los personajes eso que, a partir de Stanislavski, se popularizaría en el lenguaje teatral como “el subtexto”, es decir, aquello que no se dice pero late bajo las palabras, sujetándolas o contradiciéndolas, pero en cualquier caso dotándolas de una riqueza de significados previamente desconocida.”
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En Cyrano, poeta i mosqueter del rei, no s'atreveix a confessar l'amor que sent per la Rosaura. Està convençut que el rebutjarà perquè té el nas molt gros i desproporcionat. No obstant això, en Cyrano decideix ajudar en Cristià, un jove soldat moltbell però a qui li costa parlar, a conquerir el cor de la Rosaura i li dicta paraules d'amor encisadores que captiven l'ànima de la seva estimada.
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Con este libro dedicado a la comedia, iniciamos una serie de publicaciones que incluyen importantes obras de la dramaturgia española del siglo xix. Cada volumen se acompañará de un detallado estudio de los textos y los autores elegidos. La comedia burguesa, que mantuvo su prestigio durante décadas, fue el legado dramático de esta clase social. En ella predominaron temas como la política, el amor, el matrimonio, los amigos, la hipocresía, los celos, la opinión, el dinero... los cuales definían los intereses de una sociedad en transformación en un confuso siglo donde la modernidad mantenía una apasionante partida con la tradición. Se han seleccionado para esta edición cinco piezas, escritas, impresas y estrenadas en torno a los años treinta y cuarenta del siglo XIX, época en que el Romanticismo -el movimiento artístico, literario, filosófico y, en definitiva, cultural que determina la centuria- irrumpe definitivamente y triunfa en la escena española: Juan de Grimaldi y «La pata de cabra» (1829), Manuel Bretón de los Herreros y «Marcela, o ¿A cuál de los tres?» (1831), Manuel Eduardo de Gorostiza y «Contigo pan y cebolla» (1833), Tomás Rodríguez Rubí y «La rueda de la fortuna» (1843), y Ventura de la Vega y «El hombre de mundo» (1845). Estas obras nos permitirán apreciar la riqueza y la enorme potencialidad escénica de unas obras que forman parte de la tradición teatral, teatro «clásico» en el más amplio y completo sentido del término, y constituyen un eslabón imprescindible para comprender la evolución de la escena y los mecanismos de la comedia desde el siglo XVII hasta nuestros días.
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Una nueva obra de Lope de Vega sale a la luz.Francia e Inglaterra acaban de sellar una paz que se confirmará mediante un matrimonio regio. Para ello, el heredero francés al trono recomienda enviar como embajador al conde Arnaldo a Londres. Lo hace con una intención oculta: alejarlo de su joven esposa, Laura, a la que pretende seducir.La francesa Laura ha permanecido de incógnito durante siglos, pero gracias a la inteligencia artificial es más que evidente que no es una obra huérfana más, sino que todo apunta hacia la autoría de un Lope de Vega en la última etapa de su producción. Este hallazgo no solo es de una importancia capital porque constata las enormes posibilidades que nos ofrecen las nuevas herramientas digitales, sino también porque podemos añadir al corpus lopesco una nueva obra de sobrada calidad de uno de los grandes de la dramaturgia universal.
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Després de Albertine, també d'Anne Carson, Vaso Roto continua la seva línia en català amb Norma Jeane Baker de Troia.Anne Carson ens entrega no només una paròdia que mostra un sentit ètic i estètic en la seva dimensió més elevada. La guerra de Troia és el pretext per ordir el text, per brodar-lo, abordar-lo des de l'origen de la paraula guerra i els seus derivats: baralla, combat, batalla, llança, mort, violació, crim, abandó, absurditat, deshumanització, qualsevol acte que navegui en contra del que hauria de ser la finalitat última de la nostra existència. No hem sabut escoltar, no hem sabut desxifrar, i encara menys qüestionar-nos.La lucidesa i erudició d'Anne Carson ens porten a navegar cap a un port en el qual no sabem si és la mateixa mort, qui ens espera, o si és una nena violada, o l'infern, o una mare en seva desesperació més ofegada. La paraula que no se sosté en un text tramat des de la seva arrel etimològica no té sentit en la concepció literària d'aquesta autora.Carson ens ha entregat les versions més fresques i actuals de Safo, Catulo Eurípides per presentar-nos en aquest llibre innovador una Helena deTroia, símbol de la pèrdua de sentit, de l'amor. L'autora ens diu que brodem el tapís del món com cecs, sumits en una indiferència lacerant que atropella altres vides sense que ens n'adonem.En nou lliçons d'història amb els seus corresponents ensenyaments, la poeta desenvolupa un pensament per associacions que entrega al lector amb el seu deix habitual d'ironia, i una indignació punyent. Mostra que hem fet de la guerra una manera obtusa d'obtenir la glòria, el que anomenem poder, possessió, taca, sang, ceguesa. Vivim en la foscor i naveguem cap a la riba on es lliura una guerra que no sabem com es va iniciar. En fer-ho, obnubilem l'altra banda del dolor, és a dir, l'altíssima bellesa que abasta tot dolor transcendit.
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Este teatro intensamente dialéctico logra una de sus obras mayores en Un soñador para un pueblo, que inició en 1958 el teatro histórico del autor. Vista desde hoy, la España de Carlos III que aquí se recrea aparece como el momento decisivo en qu
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La ferotge rivalitat entre dues famílies de la Verona del segle XIV no aconsegueix evitar que els joves Romeu i Julieta s'enamorin a primera vista. Es casaran en secret, però l'enemistat dels progenitors precipitarà els esdeveniments que desencadenaran la tragèdia per perpetuar un amor ple d'obstacles. La intensitat emotiva de la història i la bellesa de la paraula de Shakespeare, més viva que mai en aquesta versió de Yannick Garcia treballada des de l'oralitat, ha exercit una fascinació indubtable al llarg dels temps fins a convertir-se en una de les obres capitals de la literatura universal i en un símbol de l'amor juvenil contrariat.
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Una obra maestra de una de las plumas más certeras de la literatura española. Edición de José María Díez Borque, Catedrático de Literatura Española de la Universidad Complutense de Madrid Peribáñez y el Comendador de Ocaña reúne todas las cualidades que hicieron de Lope de Vega una de las grandes figuras de la literatura europea. El rechazo de los preceptos de la poética aristotélica, la concepción del teatro como entretenimiento y el conocimiento preciso de los mecanismos del drama alcanzan aquí su muestra más ajustada e intensa. Estas son algunas de las razones por las que no es solo recomendable para adentrarse en la obra de Lope de Vega, sino también en el teatro español del Siglo de Oro. Esta edición incluye una introducción que contextualiza la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como también varias propuestas de discusión y debate en torno a la lectura. Está al cuidado de José María Díez Borque, catedrático de literatura española de la Universidad Complutense de Madrid.
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Dentro del monumental legado literario de Federico García Lorca (1898- 1936), el mismo que lo consolidó como un prosista de excepción y lo encumbró como uno delos poetas más relevantes del siglo xx, quizá sea ensu vertiente como dramaturgo donde logró llevar máslejos su visión trágica del mundo. El suyo es un teatro descarnado y poético, tradicional y moderno al mismo tiempo. Marcada a partes iguales por la eleganciadel teatro modernista y la aspereza del neopopularismo, la obra dramática de Lorca se desarrolla desde lasfarsas y las comedias de juventud, Mariana Pineda (1927) o La zapatera prodigiosa (1927), hasta las tragedias y los dramas de la madurez, Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) o La casa de Bernarda Alba (1936). Todas ellas obras fundamentales de la historia de la literatura española y firmadas por un autor según el cual: 'El teatro es la poesía que se levanta del libroy se hace humana.' El presente volumen recoge toda la producción teatral de Lorca así como textos inacabados, apéndices, versiones alternativas y canciones.
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Júlia, la primera novel·la d'Isabel-Clara Simó, és un dels clàssics de les nostres lletres. La història d'aquesta jove obrera, intel·ligent i tenaç, que lluita per convertir-se en una senyora, ha captivat generacions de lectors. Amb el teló de fons de la Revolució del Petroli, uns diàlegs vius i una inoblidable galeria de personatges, aquesta ?síntesi de la precarietat humana?, com la qualificà l'autora, revela la seua dimensió teatral gràcies a l'adaptació fidel i acurada de Gemma Miralles.
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«Fuck me es una obra desgarrada, irreverente y frontal. Teatro hecho desde el dolor, buscando la luz que nace de la destrucción de uno mismo, de saber que todo acto de escarnio de lo propio es también el deseo de ser amado, consolado. Camino estrecho, solitario. Un camino que Marina Otero nos muestra desde la distancia de una persona rota, adulta, que mira su infancia cuando hacía bailes y coreografías en casa de su abuelo y se mira ahora después de tantas guerras, de tantos años ofreciéndose en escena, de intentos de suicidio, de luchas contra todo, de haber odiado lo fácil y lo amable como si fueran traiciones. Un camino que, al mismo tiempo que muestra la fuerza de la rabia, tiene la capacidad impúdica de decir en un momento: “Miren cómo estoy. Quedé dura y no de merca, esto es pura tensión por el esfuerzo de querer agradar. Lo único que quiero es que me quieran, porque yo no me quiero”». Pablo Caruana Kill me es la continuación de Fuck me. Entrando en el cliché de la crisis de los cuarenta empecé a filmar cada cosa que hacía: con el corazón abierto las 24 horas registraba todo. Hasta que un día colapsé, me dieron un diagnóstico psiquiátrico y decidí hacer con eso mi próxima obra. Convoqué a cuatro bailarinas con trastornos mentales y a Nijinsky, para hacer una obra que hable sobre la locura por amor. Pero vamos a decir que el tema es sobre salud mental para que entre en la agenda inclusiva del mercado del arte. Porque esa es mi condena, tener que hacer obras que se vendan y así mantenerme viva en el mundo (del teatro). Marina Otero
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El gran clàssic d'Àngel GuimeràAquest drama d'Àngel Guimerà, un dels més representats en l'escena catalana, planteja un conflicte universal. La present edició posa a l'abast del lector una documentada exposició per reflexionar sobre una situació social i humana d'ahir i d'avui.
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Pocas obras dramáticas se muestran tan vigentes hoy en día como La vida es sueño. Drama religioso o filosófico que, desde el absoluto seiscentista, urde sus raíces en los mitos orientales, la literalidad de su lección moral es capaz, sin embargo . de traducirse en lectura política (educación de príncipes) y en grito revolucionario. Pero, sobre todo, es pieza clave en la historia del conocimiento, del reconocimiento por parte del hombre de su conciencia de existir. Desde el mito de la caverna de Platón hasta la frontera de la modernidad que supone su proximidad en el tiempo y en las inquietudes a la filosofía cartesiana, La vida es sueño se constituye en un modelo de la duda metódica resuelta no a través de la seguridad del pensar, sino por medio de una peripecia trágica que desemboca en el absoluto moral. Por medio de una magnífica parábola literaria y de la grandiosidad de una puesta en escena que vislumbramos en la fuerza suasoria del discurso, Calderón muestra cómo sobre el error no se puede levantar el edificio de la verdad. Y que para la pasión, como todo lo humano, puede someterse a sistema.
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Novela concebida como sátira de personajes y situaciones reales (en particular, el ambiente del Teatro de Arte de Moscú en los añosveinte y treinta, así como sus principales figuras, Stanislavski y Nemírovitx-Dánchenko, con las que no congenió demasiado)
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El teatro de Valle-Inclán, muy renovador y avanzado para su época, es considerado hoy como uno de los más importantes del siglo XX en la literatura castellana. La cabeza del dragón, que se inscribe en el género de la farsa (de ahí su título original: Farsa infantil de la cabeza del dragón), es una buena muestra de ello. Con el humor característico de ese tipo de obras, se presentan en escena una historia y unos personajes llenos de gracia e imaginación: un príncipe que se disfraza de bufón, un duende, una infantina a punto de ser devorada por un dragón…, Pero La cabeza del dragón anticipa también el teatro basado en la deformación grotesca de personajes y situaciones por el que es conocido su autor.
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Considerado un drama de honor, El médico de su honra describe los tratosde doña Mencía, esposa de don Gutierre, y don Enrique de Trastámara,hermano de Pedro I de Castilla. Aunque doña Mencía no llega a cometeradulterio, don Gutierre advierte sus amoríos y, celoso de dichos tratosde su honor, busca un cirujano que desangre a su esposa, supuestamenteenferma.Inquietante y perturbador, El médico de su honra, uno de los dramas másconocidos de Calderón de la Barca, se estrenó en Madrid en 1635. Desdeentonces y hasta ahora, como demuestra esta amena y cuidada edición deD.W. Cruickshank, sigue manteniendo en vilo a cualquiera que se adentreen él.
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García Lorca o, mejor, Federico, que así le llamaron sus padres, suscolegas y casi, casi hasta los críticos, dijo que " el teatroespoesía que se levanta del libro y se hace humana " . En estahermosa farsa violenta, como él la llamó, quiso expresar el autor lalucha de la realidad con la fantasía, con todo aquello que esirrealizable y que existe en el fondo de toda criatura. Un matrimonio deconveniencia y sin verdadero amor y la lucha de una mujer entre larealidad y el deseo son los cauces por los que transcurre la obra. Elteatro ha de explicar con ejemplos vivos las normas eternas del corazónde los hombres. Y Federico, entonces, se retira, y da paso a esaZapatera que grita desde fuera del escenario: " ¡Quierosalir!"
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.