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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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EL TERCER VOLUMEN DE LA NUEVA COLECCIÓNDE LIBROS ILUSTRADOS SOBRE LAS PELÍCULAS DEHARRY POTTERDesde el diario de Tom Riddle y la copa de Helga Hufflepuff a laVarita de Saúco, los Horrocruxes y las Reliquias de la Muerte soncruciales en las películas de Harry Potter.Lleno de preciosas ilustraciones y fotografías de los rodajes, estetomo proporciona a los fans toda la información sobre el desarrollode estos y otros artefactos mágicos.
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El 18 de noviembre de 1928, el ratón más famoso del mundo hizo su primera aparición. Hoy celebramos los 90 años de Mickey en una de las publicaciones ilustradas más completas sobre el universo Disney. Desde los primeros bocetos de un personaje que, en un principio, se llamó Mortimer, repasamos la carrera de la creación más famosa de Walt Disney y Ub Iwerks, que alcanzó una inmensa popularidad en todo el mundo sólo comparable al éxito anterior de Charlie Chaplin.Con acceso ilimitado a los archivos de Disney, así como a colecciones públicas y privadas, los autores dan vida a la historia de éxito de Mickey. El diseño conceptual, los borradores de las historias, los fondos y los dibujos animados, así como fotografías históricas repasan los orígenes y la evolución de clásicos intemporales como Willy y el barco de vapor, El concierto y El sastrecillo valiente, y siguen a Mickey a medida que amplía su legendaria serie de cortometrajes animados gracias a su aparición en dos largometrajes históricos: Fantasía y Las aventuras de Bongo, Mickey y las judías mágicas.La extensa investigación en los archivos añade nueva información sobre capítulos de la carrera de Mickey poco conocidos, como el origen del Mickey Mouse Club o su utilización como símbolo patriótico durante la Segunda Guerra Mundial. En este recorrido descubrimos la obra de los principales artistas que dieron forma a Mickey en el cine y los cómics, incluyendo a figuras de la talla de Ub Iwerks, Win Smith, Ferdinand Horvath, Freddie Moore, Floyd Gottfredson, Carl Barks, Manuel Gonzales, Paul Murry, Romano Scarpa, Giorgio Cavazzano, Byron Erickson y César Ferioli.Mickey Mouse ha dejado una huella imborrable tanto en la cultura cotidiana como en el arte más elevado, convirtiéndose en uno de los temas favoritos de artistas pop como Andy Warhol, Keith Haring y Roy Lichtenstein. Como a Walt Disney le gustaba decir: “,Sólo espero que nunca perdamos de vista una cosa: que todo lo empezó un ratón”,. Y no parece que su éxito tenga fecha de caducidad. Hoy, a la tierna edad de 90 años, Mickey sigue siendo tan adorable y popular como siempre. Rindamos homenaje al pequeñín, a su leyenda y a su legado con un monumento al ratón.Copyright © 2020 Disney Enterprises, Inc.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Este libro estudia cómo ha sido la relación entre el cine y el rock a lo largo de la historia a través de un puñado de buenaspelículas. Está estructurado de manera muy hábil por Jordi Picatoste, no solo un experto cinematográfico sino tambiénun gran aficionado al rock y a la música popular que ha sabido construir una obra con los mimbres necesarios para serun más que probable referente del género. Por estas páginas aparecen desde grandes clásicos como El rock de la cárcelo Quadrophenia a films que se han convertido, con el tiempo, en un icono cultural para varias generaciones, como ¡Quénoche la de aquel día! o American Graffiti. Una obra de referencia para aquellos aficionados al género que no olvidani los grandes documentales ni las bandas sonoras que han marcado un hito en la historia del cine, en definitiva, unapasionante recorrido por medio siglo de imágenes y música.
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Una biografía diferente, apasionada, hilarante y arrebatadora. A mitad de camino entre las películas de Fellini y la poesía del surrealismo, la vida de Alain es un profundo testimonio de resiliencia que nos invita a perseguir nuestros sueños a través del humor y el amor.
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Lejos del glamour y el lujo de la alfombra roja de Hollywood, Toni Garcia, un profesional con más de 20 años en el sector, nos muestra cómo son de verdad en las distancias cortas algunos de los actores y directores que han marcado un antes y un después en la historia del cine.Algunos de los sospechosos habituales en este libro son: David Lynch, Helen Mirren, Ian McKellen, Anne Hathaway, Steven Soderbergh, George Clooney, Anthony Hopkins, Silvester Stallone, Meryl Streep, Todd Haynes, Emily Blunt, Naomi Watts, Johnny Depp, Idris Elba, Diego Luna & Gael García Bernal, Scarlett Johansson, Gwyneth Paltrow, Robert DeNiro, Jack Nicholson, Margott Robbie, Bill Murray, Philip Seymour Hoffman, Wes Anderson, Spike Jonze, Sigourney Weaver, Tom Hanks, Cate Blanchett, David Simon.
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Este libro argumenta en favor de un trabajo crítico que haga hincapié, por un lado, en la Semiótica como Teoría general de la comunicación y de la producción /reproducción socio-ideológica y, por el otro, en laTeoría de género en cuanto Teoría del discurso, dimensión crítica indispensable para una comprensión efectiva tanto de la subjetividad como del imaginario social. Desde este punto de vista y en el contexto de lainterculturalidad como base de toda formación cultural que resulta de la interacción de poderes distintose históricamente específicos, el estudio del cine esespecialmente relevante para el análisis crítico de los lenguajes no verbales (o no solo verbales) y de lacomunicación audiovisual. Por eso es importante llevar a cabo una reflexión crítica sobre el cine que seacapaz de desentrañar su dimensión política en cuantoelemento productivo (y no reproductivo, o mimético)del imaginario socio-sexual de nuestra época.
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Sin duda alguna, Juan Mayorga es el dramaturgo español más relevante de los últimos veinte años, como demuestra ante todo su presencia continua en las carteleras de dentro y de fuera del país. Las dos obras que se recogen en este volumen no solo se cuentan entre las más aclamadas y reconocidas de su producción, sino entre las más representativas de la vertiente histórica de su teatro. Cabe indicar, no obstante, que hay que entender este adjetivo en un sentido amplio, pues para Mayorga (como para Buero Vallejo, uno de sus referentes inexcusables) el trabajo con la materia ''histórica'' en ningún caso exime al teatro de su actualidad, es decir, de su deber de iluminar el presente. Así, tanto ''Himmelweg'', centrada en un gueto de reclusión para judíos durante la represión nazi, como ''El jardín quemado'', cuya acción se sitúa en un psiquiátrico en el que todavía perviven las consecuencias de la guerra civil, nos devuelven rotundamente a nuestro propio tiempo y sus acuciantes preguntas.
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Una inoportuna operación de vegetaciones impidió de niño a José Luis Garci asistir al estreno de Robín delos bosques. Aquella carencia no le impidió convertirel patio de su colegio, durante el recreo, en el bosque de Sherwood, brincando de un banco a otro aferrado a ramas invisibles desde las que se vislumbraba elpuente levadizo de un castillo difuminado en el horizonte. Pocos meses después, tras acudir con sus padresa una boda interminable, vio la película con ellos,para comprobar realmente que Lady Marian se parecía mucho a la señorita Lourdes, la profesora de Literatura, y que Errol Flynn devoraba la vida con la eterna sonrisa de su romanticismo alegre, como un Byron del cine.
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Este libro trata sobre algunas modalidades de teatro aplicado. Un teatro para otros fines —no solo para los puramente estéticos—, que dirige su foco a ayudar a los individuos o colectivos con carencias en alguna dimensión personal o social, vivida como insatisfacción, exclusión, marginación u opresión. Aquí es donde el teatro interviene en el escenario de la vida, propiciando la percepción de la realidad, el aprendizaje y el cambio. Concebimos el teatro como una red neuronal social con una gran potencialidad de transformación —gracias a su plasticidad para modificar las cosas— y como un instrumento de reflexión, cooperación y empatía: un cerebro social en movimiento. De entre las diversas modalidades de teatro aplicado, este libro se centra en el teatro del oprimido, el teatro playback y la dramaterapia. Y trata de diseñar un marco teórico, exponer experiencias y proporcionar estrategias para la práctica profesional de profesores, educadores sociales, actores y psicoterapeutas, y, en general, para todas aquellas personas interesadas en el teatro no convencional.
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CREA DELICIOSOS BANQUETES INSPIRADOS EN EL MUNDO MÁGICO CON LAS MÁS DE 80 RECETAS DE ESTE LUJOSO LIBRO, BASADAS EN LAS PELÍCULAS DE HARRY POTTER Y ANIMALES FANTÁSTICOS. Organizado geográficamente, este exhaustivo volumen sumerge a los fans en un mágico viaje que va de Privet Drive, en Surrey, a Hogwarts, Nueva York, París y más, con banquetes del Gran Comedor, dulces inspirados en Honeydukes y bollería de la panadería de Kowalski, entre otras muchas cosas. Aprende a hacer platos típicos de las localizaciones británicas, estadounidenses y francesas de las películas, y las recetas preferidas de magos y muggles, desde Harry Potter y Hermione Granger a Newt Scamander, Queenie Goldstein y Jacob Kowalski.
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Simon Edelstein recorre el mundo desde hace doce años tras las huellas de los cines abandonados en EE. UU., Francia, Italia, India, Marruecos, Cuba$÷ Ha estado en más de treinta países, callejeando por los lejanos barrios de numerosas ciudades para enco
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Desde los clásicos mudos del expresionismo alemán al cine sangriento de los ochenta, este libro estudia, a través de 65 películas, los puntos álgidos del género de terror. Sus actores, directores, corrintes, estilos...
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En el centenario de un film clave en la Historia delcine, El gabinete del doctor Caligari, cuatro autoresde prestigio analizan los diferentes aspectos de lapelícula: su apabullante estética, los hallazgos narrativos, sus gestación, las versiones, influencias...
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La Patrulla-X se ha consolidado a lo largo de más de cinco décadas como uno de los hallazgos más felices del universo de los superhéroes. La serie, creada originalmente para Marvel Comics en 1963 por Stan Lee y Jack Kirby, ha experimentado —fiel a su naturaleza mutante— todo tipo de evoluciones, rupturas conceptuales y desarrollos argumentales, e incluso ha inspirado dos exitosas sagas cinematográficas. Pero lo que no ha variado en todo este tiempo es la fascinación que siguen provocando en el gran público personajes como Magneto, el Profesor Charles Xavier, Lobezno o Kitty Pryde. La enorme variedad de interpretaciones de carácter ético, metafísico, científico y político que sugieren sus actos es lo que ha conseguido que La Patrulla-X sea mucho más que entretenimiento para adolescentes. Este libro colectivo propone analizar La Patrulla-X en ese sentido: como mucho más que un serial en viñetas o una franquicia de películas de alto presupuesto. Los autores participantes en Hijos del átomo, reconocidos especialistas en la cultura del cómic como Raimon Fonseca, Servando Rocha, Óscar Broc, Alberto García Marcos, Gerardo Vilches, Unai Velasco, Eloy Fernández Porta, Jordi Costa, Juan Trejo, Albert Fernández y Octavio Botana desgranan importantes cuestiones de fondo sobre la saga en cada uno de los ensayos: los orígenes de los mutantes y la realidad científica que les envuelve, los orígenes sionistas de Magneto, los conflictos éticos que guían los actos de Charles Xavier o Magneto, la naturaleza mística de Jean Grey, la dimensión transgénero de Mística o el universo Marvel como distopía política y adolescente. En definitiva, el grupo de mutantes con superpoderes como una parábola de nuestro presente.
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El libro celebra el 60 aniversario del film, una de las películas más míticas de la Historia del Cine. Aborda los diferentes aspectos del film con gran despliegue gráficoEn el 60 aniversario del film El hombre que mató a Liberty Valance, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores, la repercusión... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Este libro es una compilación de textos del escritor y cineasta Manuel Gutiérrez Aragón, un hombre siempre renuente a hablar de sí o de sus películas y novelas. De hecho, en esta treintena de piezas de distinto tamaño y pretensiones no hay más de media docena donde realmente hable de su carrera de cinco décadas filmando o escribiendo. Pero, en realidad, el lector no debe preocuparse, porque si se trata de conocer la identidad creadora, el mundo de ideas, recuerdos, valores u obsesiones del artista, ello emerge tanto cuando los textos tratan sobre sí como cuando se refieren a otros. Cronológicamente, Manuel Gutiérrez Aragón ha sido primero director de cine y luego novelista, pero en su memoria de los años universitarios se ve a sí mismo en orden inverso como un ''joven escritor reconvertido en aprendiz de cineasta''. No tiene importancia, hay muchos casos de creadores que siguieron ese mismo orden. En este libro el cine está presente como el aire que nos rodea, pero Manuel Gutiérrez Aragón no es un cinéfilo que solo hable de cine. Sus reflexiones de adulto (no siempre ni necesariamente como cineasta) carecen de todo ensimismamiento y en ellas el cine entra en diálogo con otras formas expresivas (idioma, novela, teatro, pintura, música) y con realidades cotidianas (viajes, amistades, comidas). Ahí emerge la personalidad de un creador, que siempre está mucho más allá de su destreza profesional o el valor de sus obras, y permite que atisbemos su forma de ser y estar en el mundo.
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La danza es el arte del cuerpo en movimiento. La memoria que se activa al bailar contiene imaginarios y corporalidades resultantes de sus propias historias. El estudio de los contextos y el análisis de los lenguajes, códigos, gestualidades y símbolos ayudan a entender críticamente cómo se construyen las identidades a través del tiempo como resultado del encuentro de lo colectivo y lo diverso. Este libro propone un recorrido introductorio a la historia de la danza occidental entre la Antigüedad y la Edad Contemporánea a través de sus claves y contribuciones principales. En él se reúnen las líneas que han definido los relatos históricos aunando piezas destacadas, fuentes primarias y bibliografía principal. A ello se suman referencias a la transculturalidad, el descentramiento y el intercambio internacional que interpelan a otras escrituras de las historias danzadas con las que expandir el conocimiento de/sobre/desde el cuerpo danzante.
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No se puede poner límites a la imaginación. Todo cabe en el mundo de la fantasía, y si es de cine de lo que hablamos, entonces las posibilidades no solo son fascinantes, sino también infinitas. Y eso es lo que quiere transmitir y compartir este libro, en el que se aborda el cine fantástico de la forma más amplia y panorámica posible, incluyendo en él la ciencia ficción, el terror y otros subgéneros imprescindibles para entender este universo fílmico en su globalidad. El objetivo de esta obra es, por lo tanto, desglosar y analizar en diferentes apartados temáticos un género ecléctico por definición, y cuyo denominador común en todas las películas que de él forman parte es la ruptura con la realidad. A partir de ahí, la mirada es poliédrica: mitos, leyendas, monstruos, criaturas, robots, extraterrestres, brujas, demonios, fantasmas, vampiros, zombis, viajes en el tiempo y en el espacio... Un universo simplemente alucinante.
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Desde el estreno de su primer largometraje, Tesis, en 1996, Alejandro Amenábar se ha convertido en «el niño de los Goya» del cine español, cuya marca garantiza calidad, gran audiencia y éxito de taquilla. Ha dirigido tres de las películas más taquilleras de la historia del cine español y ha gozado de un enorme reconocimiento internacional y de la crítica (incluido un Óscar a la Mejor Película Extranjera por Mar Adentro, en 2004, entre muchos otros premios y reconocimientos), se encuentra en la cúspide de la industria cinematográfica española y es ampliamente considerado como el mejor director internacional español. Pau Gómez, periodista cinematográfico y muy próximo a Amenábar, nos transporta por un recorrido a través de todas las películas del cineasta, comentadas una por una por primera vez por el mismo Alejandro Amenábar, en la primera obra que reúne, por fin, la filmografía completa del cineasta y en conversación con el propio director, para conocer la trayectoria fílmica del gran cineasta en su máxima profundidad.
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«Me he estado preparando para esta película toda mi vida», afirmaba Andrei Tarkovski. Stalker es, de hecho, un espléndido fruto de madurez artística, que reúne los más profundos anhelos del ser humano, junto a una honda reflexión sobre los medios que usa el arte para estimular nuestro interés y cumplir su misión. Considerada obra maestra dentro del breve legado de Tarkovski, Stalker se caracteriza por su sencillez de medios, la originalidad y coherencia de sus planteamientos formales, y el compromiso del equipo de rodaje para trabajar en condiciones extraordinariamente adversas.Al conocimiento de lo esencial se accede por un camino sembrado de peligros y trampas, donde la línea recta no existe, la naturaleza es cambiante y el regreso incierto. Eso parece decirnos el director ruso: a partir de sus principios poéticos, este libro acompaña la interpretación que se hace del camino en Stalker, indaga en la metáfora y en la sugerencia, en el uso de la temporalidad y en los mecanismo para implicar al espectador.
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¿Sabías que el mismísimo rey Alfonso XIII se vio sorprendido por Diaghilev, impulsor de los Ballets Rusos, cuando éste se atrevió a decirle que ambos eran iguales porque no hacían nada? ¿O que Marius Petipa tuvo que salir huyendo de España para no volver jamás? ¿O que el bailarín Rudolf Nureyev aprovechó una gira por París para desertar de la Unión Soviética, puesto que, si regresaba a Rusia, jamás podría volver a salir del país? ¿Quedó contento Tchaikovsky con la partitura de «El lago de los cisnes»? ¿Influyeron las continuas infidelidades del marido de la bailarina Margot Fonteyn con el hecho de que ella no se bajara de los escenarios hasta los sesenta años? ¿Qué relación guarda Picasso con el «ballet»? ¿Cómo acabó un bailaor de flamenco autodidacta enrolado en los Ballets Rusos y encerrado de por vida en un manicomio británico? La danza nació en las cortes reales, pero el «ballet» eclosionó en pleno Romanticismo. Los espectros de unas monjas tuvieron parte de culpa, pero las zapatillas de punta, el color blanco y el tul vaporoso de los vestidos hicieron el resto. Mientras las bailarinas enseñaban más de lo permitido, hombres y mujeres acudían en tropel a ver aquel espectáculo inédito en una época en la que mostrar un tobillo podía ser delito. El morbo estaba servido. Sólo las élites llenaban los teatros, pero todas las jóvenes querían ser bailarinas. Y sus familias mataban por conseguir un puesto para ellas en las escuelas públicas. Y llegaron los Taglioni, los Petipa, Tchaikovsky, Minkus, la Fonteyn, la Pavlova, Nureyev y Diaghilev. Y lo revolucionaron todo. Y con ello, hicieron historia dentro de la historia. Detalles, anécdotas y aventuras que provocaron que el «ballet» clásico sea lo que hoy es. «El lago de los cisnes», «El cascanueces», «La bayadera», «El corsario», «Giselle», «La sílfide», «Paquita»… son títulos que en estos tiempos siguen colgando el cartel de «No hay billetes» en los mejores escenarios del mundo. Las suyas son historias que guardan incontables vivencias que merecen ser contadas. La historia del «ballet» se escribió en paralelo a la historia universal, viéndose influida por todo aquello que ocurría en el mundo. Estas páginas plantean un viaje insólito por los caminos difíciles, duros y enigmáticos, pero bellos, emocionantes y expresivos, del «ballet» clásico. ¿Bailamos?
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En el 60 aniversario del film Lawrence de Arabia, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: El personaje real, el rodaje, el director, los actores, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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¿Es La vida de Brian la mejor comedia de la historia? Cuarenta y cinco años después de su estreno, sigue siendo una película fascinante que mantiene intacta su capacidad para sorprender, hacer reír, reflexionar e incluso ofender. Se ha convertido en un clásico imprescindible del humor irreverente, pero te desvelamos algunos detalles para apreciarla aún más. ¿Sabías que casi no se llegó a hacer porque el productor leyó el guion un par de días antes de empezar el rodaje? ¿Que al final se rodó gracias al Beatle George Harrison? ¿Que se usó como eslogan: «La película es tan divertida que se ha prohibido en Noruega» para publicitarla en Suecia? ¿Que hubo manifestaciones de monjas en los cines en su estreno o que dos de los Monty Python tuvieron que defenderla en la BBC frente a un obispo y a un crítico ultracatólico que ni la habían visto entera?...Con este libro descacharrante, de la mano de la prosa agilísima y afilada de Javier Durán, guionista, director de programas y todo un referente en X bajo su alias @tortondo, averiguarás todo lo que hicieron los Monty Python por nosotros para que pudiéramos gozar de La vida de Brian, una obra maestra del humor que puedes redescubrir una y mil veces y que, siempre, te hará mirar el lado alegre de la vida.
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Toda mi actividad en el Teatro de Arte de Moscú estuvo encaminada no a la creación de un teatro nuevo imaginado por mí sino al estudio en profundidad del proceso creador del actor. Mi trabajo no ha sido inventar sino investigar. He dejado de creer en lo
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Pedro Almodóvar ha filmado la mayoría de sus películas en Madrid o, mejor dicho, en los muchos Madrid que hay en Madrid. En todos sus trabajos, la ciudad envuelve a los protagonistas. Este libro ofrece al lector una serie de itinerarios físicos y conceptuales que no sólo permitirán conocer el Madrid que, desde edificios emblemáticos hasta modestos barrios de la periferia, protagoniza sus películas, sino descubrir el modo en que la ciudad se ha convertido en eje vertebral de una cinematografía que no se puede entender sin su presencia. Edición actualizada que incluye Dolor y gloria.
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DESCUBRE LOS SECRETOS DEL RODAJE DE UNO DE LOS GRANDES CLÁSICOS DE STEVEN SPIELBERG E. T. el extraterrestre, una de las películas recordadas con más cariño de la historia del cine, es, además, la más personal e icónica del director Steven Spielberg. Este libro profundiza en los archivos de producción para presentarte, de la manera más completa y apasionante, la creación de la obra maestra de Spielberg y el impacto que todavía tiene en varias generaciones de admiradores. Incluye entrevistas exclusivas con una parte clave del equipo, como Spielberg, la productora Kathleen Kennedy y las estrellas Robert MacNaughton, Dee Wallace y Peter Coyote. E. T. el extraterrestre: la historia visual definitiva revive la historia de una extraordinaria producción que trascendió los límites de lo que era posible en el cine. Cargado de imágenes poco conocidas, el libro incluye fotografías promocionales, arte conceptual, storyboards y contenido del universo de E. T. al completo, como los artículos de publicidad comercial de la película, la novela y su secuela, y la atracción de Universal Studios. E. T. el extraterrestre: la historia visual definitiva constituye el homenaje perfecto para una película que definió la magia del cine, y es un libro imprescindible para cualquier entusiasta de este apreciado clásico spielbergiano.
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¡incluye una lámina exclusiva! Colecciona los 12 volúmenes para formar el escudo de hogwarts en estampado dorado en tu estantería el octavo volumen de la nueva colección de libros ilustrados sobre las películas de Harry Potter.La Orden del Fénix es una sociedad secreta formada por Albus Dumbledore para enfrentarse a Lord Voldemort y sus seguidores. Lleno de increíbles diseños conceptuales y fotografías de los rodajes, y con comentarios de los cineastas, este libro proporciona una mirada a fondo a estos dos grupos de fuerzas opuestas que aparecen en las películas de Harry Potter.
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¡DESCUBRE LOS SECRETOS DE TODAS LAS CRIATURAS DE LA SAGA! Dementores y elfos domésticos, Sirenas y dragones bola de fuego chinos, estas son solo algunas de las criaturas mágicas y horripilantes monstruos que habitan el mundo de hechicería de J. K. Rowling. El gran libro de las criaturas de Harry Potter presenta de fo rma detallada cómo se trasladaron las criaturas de la página a la realidad de las exitosas películas de Harry Potter. En la ficha de cada criatura encontrarás descripciones, ilustraciones, fotografías de los estudios de filmación y talleres de creación, así como secretos del rodaje de los archivos de la Warner Bros. ¡INCLUYE UN POSTER CON TODAS LAS CRIATURAS Y UN CATALOGO DEL EMPORIO DE LA LECHUZA
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El tercer hombre (1949), de Carol Reed, es el mítico largometraje cuya génesis lleva la firma de Graham Greene, un proyecto que era, en sus inicios, un tratamiento de libreto cinematográfico, que después fue un guion completo y, finalmente, una novela. En una entrevista radiofónica, Greene consideró este trabajo como mero entretenimiento, “,una excitante historia de acción”,. El tiempo y las dimensiones del filme la han convertido en una de las mejores películas de todos los tiempos, un artefacto perfecto y una historia inolvidable de amor, traición y redención en el despiadado trasfondo de la posguerra europea en la ciudad de Viena. Para celebrar sus setenta y cinco años, los catorce autores y autoras reunidos en este volumen analizan desde su visión personal el misterio y la trascendencia de la que es, sin lugar a dudas, una de las cumbres, no solo de la historia del cine, sino de la creación artística universal.
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La película más personal de Pedro Almodóvar. Ellibro más repleto de extras. Salvador Mallo es un veterano director de cine aquejado de múltiples dolencias, pero el peor de sus males es la incapacidad para seguir rodando. La mezcla de medicamentosy drogas hace que Salvador pase la mayor parte del día postrado. Este estado de duermevela le traslada a una época de su vida que nunca visitó como narrador: su infancia en los años sesenta, cuando emigró con suspadres a un pueblo de Valencia en busca de prosperidad. También se le vuelve a aparecer su primer amor adulto, ya en el Madrid de los ochenta, y el dolor quesupuso la ruptura. Salvador se refugia en la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable. Ese ejercicio lo devuelve al temprano descubrimiento del cine, cuando las películas se proyectaban sobre un muro encalado, al aire libre, con olor a pis, ajazmín y a brisa de verano. De nuevo, descubrirá queel cine puede ser su única salvación frente al dolor, la ausencia y el vacío. Esta edición contiene, además del guion original de la película (que incluye escenas que no se vieron en el cine), un sustancioso apartado de comentarios sobre su proceso creativo y el rodaje, firmado por el propio Almodóvar, y un precioso epílogo de Gustavo Martín Garzo. Además, está profusamente ilustrada a todo color con fotografías y fragmentos del storyboard.Un libro perfecto para todos los amantes del cine y la cultura.
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Hollywood produjo en 1941 un buen puñado de grandes películas. Con muchos de los mejores directores de la Historia en activo, y gran parte del Star System en pleno apogeo, la cosecha fue realmente prodigiosa. Este libro recoge los grandes estrenos de aquel año,uno por uno, acompañado de un gran despliegue gráfico.
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Este libro es fruto de la admiración y el amor por el cine y la figura de Andréi Tarkovski (1932-1986). Solo después emerge la parte profesional o académica. El grupo de autores que firman los capítulos del libro representan un grupo heterogéneo: algunos vivieron o trabajaron con Tarkovski, otros se dedicaron a su obra como críticos, académicos o cinéfilos. También hay aportaciones de dos jóvenes investigadores que añaden al análisis de la obra de Tarkovski una mirada pura y entusiasta, no por ello menos válida a la hora de invitarnos a indagar por el universo tarkovskiano.La idea es hacer un libro que integra el conjunto de estas diferentes miradas, transversales y complementarias sobre la obra de Tarkovski, siendo sus coordinadoras Tamara Djermanovic y Olena Velykodna, invitándonos a descubrir los enigmas de la vida y al obra de Tarkovski sin olvidarse de las referencias a la tradición rusa y a la cultura universal.
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Casi las mismas décadas de insumisión y rebeldía que ha protagonizado Godard con su vida y obra lleva Paulino Viota estudiando ambas, desde el apasionamiento cinéfilo y la devoción inteligente que siente por ''el cineasta con mayor riqueza estructural de la historial del cine''. Dividido en dos grandes bloques, este ensayo magistral --y ya definitivo tras la reciente desaparición del cineasta-- pone en perspectiva todas las etapas de su mítica carrera, que arranca con la irreverente modernidad de los años 60, atraviesa la militancia política y el utópico deseo de fusión en lo colectivo, y desemboca, rayando el nuevo milenio y como colofón a una duradera y profunda reflexión sobre la mediación tecnológica, en ese estilo inimitable donde lo poético acontece como posibilidad de una simultaneidad inédita entre imágenes y sonidos, materiales ya convertidos en ''formas que piensan'' la historia del cine y la del siglo XX, como ejemplifica a la perfección una de sus cimas, ''Histoire(s) du cinéma''. Sin obviar los títulos más emblemáticos del cineasta francés, Viota ha decidido aquí desentrañar especialmente el ''milagro laico'' del último Godard, el de algunas de las películas (Notre musique, Film socialisme, Adieu au langage y Le Livre d'image, es decir, las que apenas se estrenaban y comentaban entre nosotros) que más han cuestionado el rutinario estatuto del espectador audiovisual, atendiendo a cómo lo en principio ininteligible no se encuentra reñido con la reflexión y la emoción, sino que, más bien, el desmantelamiento crítico y la puesta en cuestión de los lugares comunes de la representación pueden añadir un potencial suplementario de afecto y misterio a las realizaciones del arte. El libro se cierra (para en cierta medida volverse a abrir) con un antológico artículo largo, «Godard infiel», sobre la trascendencia que la sexualidad -a partir de sus relaciones con Karina, Wiazemsky, Miéville, Roussel...- ha podido tener en su filmografía, un sugerente colofón que no es sino otra manera de repasar vida y obra -inmediatez y artificio, continuidad y variación-, factores inextricablemente relacionados en uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo.
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Alexander Tairov (Romny, 1885 - Moscú, 1950). Actor y director escénico ruso. Discípulo de Konstantín Stanislavski y Vsévolod Meyerhold. En 1914 creó el Teatro de Cámara que en muy poco tiempo se convierte en el centro de la creatividad experimental para muchos actores, pintores, escritores y músicos rusos. Desarrolló lo que el denominó Teatro Sintético que incorporaba ballet, ópera, circo, pantomima, historia del teatro y malabares. Le da especial importancia al trabajo con la voz y al ritmo situando al actor como fuerza motriz de la acción dramática. Tairov sostenía que el teatro era un arte en sí mismo y no un medio para trasmitir literatura. En su escuela desarrolló una compañía de actores-maestros que fueron los principales creadores de las puestas en escena. A partir de 1924, Tairov que se había unido al régimen soviético más por entusiasmo que por convicción ideológica, fue duramente criticado por sus investigaciones teatrales y descrito como burgués y antirrevolucionario. Sometido a grandes presiones es enviado con el Teatro de Cámara a realizar una gira por Siberia que dura casi dos años. Sobrevivió a las grandes purgas de Stalin y evitó el exilio como le sucedió a Evreinov o el trágico final de Meyerhold, fusilado en 1940. En mayo de 1949, el Comité Soviético para las Artes emitió una orden oficial para cerrar el Teatro de Cámara bajo la acusación de esteticismo y formalismo y el edificio fue demolido. Es trasladado al Teatro Vajtángov trabajando bajo la supervisión de una junta de teatro estatal. En 1950 a Tairov lo ingresan en un centro psiquiátrico, falleciendo como consecuencia de un cáncer cerebral a los pocos meses.
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Hollywood es glamour: alfombras rojas, grandes marquesinas, entregas de premios, estudios cinematográficos tan grandes como ciudades, estrellas que se convierten en leyendas, y un universo de películas eternas. Pero también es el escenario de historias trágicas, truculentas, de ritos y maldiciones, de crímenes sanguinarios y suicidios inesperados. Desde Rodolfo Valentino hasta los Power Rangers y Glee, pasando por James Dean, Sharon Tate, Marilyn Monroe, Bruce y Brandon Lee, la maldición de los Superman, las muertes dudosas de Poltergeist o las difíciles vidas de los protagonistas de Blanco y negro, este libro explora algunos de los personajes y hechos que forman parte del lado más tétrico de''la Meca del cine'', un lugar en el que la ficción más horrible parece cosa de niños en comparación con la cruda realidad.
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Ensayo fundamental de la literatura cinéfila española, en el Leo McCarey de Miguel Marías sigue brillando, inalterable al paso del tiempo, la incisiva y cultivada pluma de uno de nuestros mejores críticos y uno de los principales expertos mundiales en su obra. A partir de una familiaridad desacostumbrada con la filmografía del director de películas legendarias como The Awful Truth, Make Way for Tomorrow o An Affair to Remember, y de una férrea voluntad por desbrozar de tópicos y malentendidos a la débil historiografía del cine (que seguía y sigue considerando un simple panfleto anticomunista una película tan sutil y compleja, si bien frágil y de fortuna esquiva, como My Son John, a la que el libro dedica un justamente famoso análisis), Marías entra de lleno en los entresijos creativos de McCarey, ofreciendo al lector, muy lejos de la jerga especializada, un emocionante ensayo que amplía las consideraciones estéticas y éticas del clasicismo cinematográfico y contextualiza a uno de los grandes creadores nacidos y formados en el cine mudo. De modo ejemplar y clarificador, más allá de su objeto de estudio, esta profunda cata en el legado de McCarey prescinde de herramientas metodológicas y quincalla narratológica (incluso de la todopoderosa «puesta en escena») a la hora de comprender el arte de un cineasta que confió más en los actores y en los instantes que en los temas, las secuencias y los planos.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.