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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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El mágico mundo del director más singular del cine norteamericano.El primer libro que reúne todas las películas del mítico e icónico director de cine Wes Anderson reunidas en un solo volumen, con cuidadas imágenes y análisis detallados de sus formidables películas, desde clásicos como El Gran Hotel Budapest, Academia Rushmore, Los Tenenbaums, Moonrise Kingdom, La crónica francesa hasta su último filme, Ciudad asteroide. El prestigioso periodista cinematográfico Ian Nathan nos ofrece un inteligente y reflexivo estudio de la obra de uno de los grandes visionarios del cine contemporáneo. En él repasa los contenidos temáticos, visuales y narrativos que han llegado a definir la obra de Anderson y que han dotado a sus películas de ese carácter idiosincrásico y tan peculiar que tanto aman sus fieles seguidores. Desde sus actores habituales -Bill Murray, Owen Wilson, Anjelica Huston, Adrien Brody, Willem Dafoe...- hasta esa estética tan reconocible, los motivos recurrentes y los procesos de escritura de sus guiones, este estudio antológico nos revela cómo Wes Anderson se ha convertido en uno de los directores más apreciados e influyentes del cine actual. Este espectacular volumen hará las delicias de los incondicionales de Wes Anderson y de todos los amantes del cine.
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A principis de setembre de 2018, l'excèntric equip d'Andergraun Films, liderat pel director Albert Serra i la productora i actriu Montse Triola, arriba a l'Alentejo, al sud de Portugal, per rodar la que serà la pel·lícula més provocadora i procaç del cineasta de Banyoles: Liberté , que acabarà guanyant el prestigiós premi especial del jurat al Festival de Cannes de 2019, dins la secció Un Certain Regard. Entre els actors destaquen dues velles glòries del cinema europeu: Helmut Berger ?adonis del cinema de Visconti? i Ingrid Caven ?musa de Fassbinder. La pel·lícula es rodarà de nit, en ple bosc, on s'escenificaran les sàdiques trobades sexuals d'un grup de llibertins del segle XVIII. Per documentar aquesta aventura, Albert Serra va convidar el poeta Gabriel Ventura a escriure una crònica del rodatge. La nit portuguesa s'endinsa en la peculiar manera de treballar ?oberta a l'imprevist i l'atzar? d'un dels directors més originals del cinema contemporani.
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Considerado tradicionalmente como el director más importante del cine español, Luis Garcia Berlanga poseecomo pocos cineastas un universo tan propio y original que hace de su obra un conjunto perfectamente identificable, Un grupo de expertos analizan en El universo de Luis García Berlanga todos sus films, sus actores, colaboradores
. Todas las constantes de su vida yobra.
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Este libro explora la presencia del deseo femenino que contienen las imágenes fílmicas del cine español producido durante el franquismo. El deseo aparece, en el marco filmográfico estudiado, como una fuente de resistencia simbólica y figurativa a las consignas represivas de la ideología censora. En la primera parte del libro se plantea una clasificación de los principales modelos de mujer que traspasaron los imaginarios cinematográficos durante las cuatro décadas del franquismo. El ''cuerpo-hogar'', la ''mujer-patria'', el ''cuerpo místico'', la ''virgen casadera'', el ''cuerpo-espectáculo'', la ''mujer moderna'' y ''la mujer-monstruo'' constituyen arquetipos cuyo examen pormenorizado permite descubrir las diferentes formas del deseo que la figuración femenina podía convocar, más allá de que la mujer se conformara con una vida doméstica, subordinada al marido o al orden patriarcal. En la segunda parte del libro se hace un recorrido por la filmografía de algunas de las principales actrices que encarnaron, matizaron e hicieron evolucionar dichos arquetipos: Aurora Bautista, Analía Gadé, Emma Penella, Josita Hernán, Lola Flores, Sara Montiel, Carmen Sevilla, Marisol, Concha Velasco, Geraldine Chaplin, Teresa Gimpera y Helga Liné. Todas ellas adoptaron, en su forma de actuar, una sugestiva poética de afirmación de los deseos femeninos. Siguiendo el mismo modelo de análisis de su anterior libro ''El cuerpo erótico de la actriz durante los fascismos: España, Italia, Alemania (1939-1945)'', Núria Bou y Xavier Pérez han convocado a un nutrido grupo de especialistas en cine español y estrellato fílmico para analizar la gestualidad, la fuerza expresiva de los cuerpos y las miradas de unas intérpretes que desbordaron, a veces de forma más visible, a veces de manera más sutil, las pautas de contención que el Régimen había exigido a las mujeres de la época.
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Matthew McConaughey ha estado escribiendo diarios desde que tenía quince años. Sus aventuras lo han llevado de Texas a Australia, pasando por Mali y el Perú, y las ha narrado todas. Este diario tan auténtico y poco convencional como su autor, invita a entrar y ser parte de él: recordar, reflexionar y meditar, pero también a salir: aventurarse, correr riesgos y soñar en grande. ¿Quién podría ser un mejor guía para los que emprendan el camino hacia la comprensión de sus vidas del pasado, el presente y el futuro?
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Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este libro pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de sus películas. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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Prepárate para disfrutar de un banquete épico, en un viaje cinematográfico compuesto de doce películas que cambiarán tu relación con la comida para siempre. Un libro para cinéfilos y para personas que desean cuidarse y vivir en plenitud, un texto personal y autobiográfico donde el autor nos comparte sus pasiones en la gran pantalla y todo su conocimiento nutricional. De forma original e innovadora, el autor relaciona cada filme con un tema vinculado a la alimentación consciente y saludable. Además, nos brinda pautas y consejos prácticos para aplicar en nuestra vida diaria y, como toque especial, incluye un menú «de película» inspirado en cada obra, ideal para disfrutar en buena compañía.
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«Si soy una estrella, es porque la gente me hizo una estrella.»El libro oficial del centenario. Marilyn Monroe sigue siendo uno de los iconos más fascinantes del siglo XX. A cien años de su nacimiento, este espectacular volumen reúne más de trescientas fotografías que recorren la vida, la carrera y el legado de la actriz a través de la mirada de los grandes fotógrafos que la inmortalizaron. Desde sus primeros años como Norma Jeane hasta las imágenes que definieron para siempre el mito de Marilyn. Estas páginas revelan a una mujer compleja, inteligente y profundamente consciente del poder de su imagen. Un homenaje visual extraordinario que explora la historia detrás de las fotografías y descubre a la persona que existe tras la leyenda.
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Ojalá hubiera tenido este libro hace veinte años. Probablemente me habría ayudado a conseguir algunos de los trabajos que no conseguí, y habría sido definitivamente una ayuda a la hora de lidiar con el hecho de no haberlos conseguido... También creo que es una gran lectura para aquellos veteranos como yo, que en ocasiones necesitamos una mirada fresca sobre la profesión elegida y alguna ayuda para “aguantar ahí”. Joanna Merlin tiene una perspectiva única, la de haber estado a ambos lados de la mesa en una profesión en ocasiones desalmada. Su corazón se hace patente en este libro. Kevin Bacon La audición enseña a actores (y no actores) a desdramatizar y despersonalizar tanto el triunfo como el fracaso en un proceso de selección, a ponerse en el lugar del otro y a ofrecer la mejor versión de sí mismos. Invita a los actores a que se comprometan con el trabajo serio, el estudio y su preparación como forma de ampliar su capacidad de comprender y afrontar con honestidad, no solo el proceso de audición, sino toda su carrera. La audición contribuye a la formación de estudiantes y docentes, directores, productores y demás profesionales del medio. Sus enseñanzas aumentarán, sin duda, el sano rigor competitivo que debieran sustentar el teatro, el cine y la televisión. Esta edición en español de La audición se ha completado con la contribución de prestigiosas y reconocidas figuras de la industria teatral y audiovisual españolas, las cuales aportan su visión y experiencia sobre el oficio del actor y la audición. Contamos con la opinión y el consejo de: Miguel Antelo, Pep Armengol, Nuria Benet, Pablo Berger, Sara Bilbatúa, Ernesto Caballero, Carla Calparsoro, Pedro Casablanc, Gabriel Chamé, Hernán Gené, José Luis Gómez, Andrea Isasi, Juan León, Eva Lesmes, Juan Mayorga, Rosario Ruiz Rogers, Luis San Narciso, Eduardo Vasco y, finalmente, Assumpta Serna, que cierra esta edición con una estimulante reflexión. Joanna Merlin ha trabajado como directora de casting para directores como Hal Prince, James Ivory o Bernardo Bertolucci. Ha sido galardonada como directora de casting y actriz de teatro, cine y televisión. Actualmente es profesora de Interpretación en la Universidad de Nueva York (NYU) y ha dado clases a nivel internacional, entre otros, en el Kreuzberg Theaterforum de Berlín, la Universidad de las Artes de Zúrich, y el Teatro de la Abadía de Madrid. Alumna directa de Michael Chéjov en la década de los cincuenta, emplea su técnica para preparar con claridad y precisión un estado de creatividad e inspiración artística que sirva al actor como herramienta práctica a la hora de enfrentarse a una audición.
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Texto fundacional de toda una corriente dramática, el Teatro de la Crueldad, de la que son deudores desde dramaturgos tan internacionales como Fernando Arrabal hasta grupos tan innovadores como La Fura dels Baus. Artaud, retomando diversas líneas de teatro folklórico y de mitos de diversas culturas y alejándose de la tradición helénica, propone un teatro completamente inusual en su tiempo basado en el gesto y en la necesidad de impresionar al espectador mediante la estimulación de los sentidos. Destacando el movimiento, la acción, la gestualidad y la voz por encima de la historia de carácter narrativo, Artaud pretende llevar hasta sus últimas consecuencias la capacidad de crear una reacción física del espectáculo teatral. Aun cuando en su tiempo sus teorías fueron objeto de duras controversias y ácidas críticas, con el tiempo se han ido aceptando muchos de sus planteamientos (a menudo reformulados y matizados) hasta convertirse en un referente fundamental de la teoría dramática contemporánea.
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Este libro conmemora los cien años de historia del cine Verdi, uno de los emblemas culturales más singulares del barrio de Gràcia y de la ciudad de Barcelona. Un cine, pero también un espacio cultural que, desde sus orígenes como sala de espectáculos a finales del siglo XIX, hasta su conversión en un moderno complejo de nueve salas, ha influido en el gusto cinéfilo de los espectadores, en los hábitos culturales y en el propio barrio que lo acoge. Cines Verdi 100 (1926-2026) es una crónica cultural pero también una memoria colectiva que reconstruye los momentos clave que han marcado su trayectoria: el riesgo de cierre en 1982, la apuesta decidida por el cine de autor e independiente de la mano de Enrique Pérez, su expansión en los años 90, y su consolidación como referente tanto nacional como internacional. El volumen destaca también por su rico contenido gráfico con fotografía que acompañan el relato y permiten observar el paso del tiempo no solo en la arquitectura del cine, sino también en el paisaje urbano y humano del barrio de Gràcia que lo acoge. Este material convierte el libro en un auténtico álbum de recuerdos, evocador y profundamente ligado a la experiencia emocional de generaciones de espectadores. Con un prólogo a cargo de Xavier Marcé, Regidor de Cultura de l'Ajuntament de Barcelona, el libro es a la vez una celebración y una reflexión sobre la importancia de los espacios culturales como agentes de transformación social. Un homenaje imprescindible a un cine que ha hecho historia.
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El presente volumen plantea un conjunto de doce aproximaciones a la labor de las directoras y otras creadoras y profesionales desde los inicios del cine hasta nuestros días. A través de una serie de grandes temas imbricados en tres categorías comprensivas —las realizadoras adscritas al clasicismo cinematográfico, las afines a la Modernidad, las incatalogables de ayer y hoy—, se analizan los aportes al cine de las mujeres teniendo en cuenta siempre dos aspectos complementarios: las diversas facetas creativas, técnicas y productivas del medio y las posibilidades que han tenido las artistas de intervenir sus estructuras a fin de aportar perspectivas fílmicas más enriquecedoras para todas y para todos.
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Poco después de su primera aparición en 1887, Sherlock Holmes no tardó en trascender las páginas impresas y colonizar otros medios de comunicación y entretenimiento. Tras un primer volumen dedicado en exclusiva al universo literario del detective, le llega el turno ahora a una obra que detalla las apariciones de Holmes en el teatro, el cine, la radio, la televisión y el cómic desde las obras teatrales del propio Conan Doyle a las apócrifas escritas en todo el mundo, España incluida los actores y películas más destacados, en el cine y la televisión las diferentes series televisivas basadas en Holmes y su universo y su llegada al mundo del cómic, desde las primeras tiras diarias hasta las modernas novelas gráficas basadas en sus casos. Este volumen incluye, además, sendos apéndices dedicados a Holmes en los juegos de mesa y videojuegos, así como a su presencia en otros objetos de coleccionista.
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La historia de Warner Bros. es el relato no solo de un estudio legendario y de sus estrellas sino también del propio Hollywood. Y además, es un retrato del último siglo de Estados Unidos. Es la historia familiar de unos inmigrantes polacos (los hermanos Warner) que aprovecharon las oportunidades que ofrecía la pujante industria del cine en un momento en que se podía inven-tar formas de operar, de burlar la legislación y de conseguir que el público regresara durante los peores momentos del país. La innovación fue crucial para obtener el éxito inicial. Cuatro años después de su fun-dación, el estudio revolucionó el cine intro-duciendo el sonido con El cantor de jazz (1927). Actores y tramas dieron a Warner Bros. una iden-tidad propia, ya que solo allí eran capaces de tener a los espectadores en vilo un tipo brusco como Humphrey Bogart o una mujer fuerte como Bette Davis. Con el paso del tiempo, estos dos artistas y muchos más hicieron magia en los platós y estu-vieron detrás de clásicos tan variopintos como Casablanca, Un tranvía llamado deseo, Ha nacido una estrella, Bonnie y Clyde, Malcolm X, El club de los chalados o Purple Rain, entre otros. Es el estudio que introdujo el noir a través de cintas como El halcón maltés entre otros clásicos del género. Allí, los emblemáticos Looney Tunes dominaron la animación. También fue el estu-dio que adoptó una postura impopular al principio de la Segunda Guerra Mundial produciendo filmes contra los nazis. La naranja mecánica y El exorcista acompañaron a Warner Bros. a lo largo de los años setenta y ochenta. Y ahora, hay fran-quicias como Harry Potter o el Universo DC que siguen dando forma a una visión cinematográfica y longeva que no tiene parangón en los anales de la industria del cine. Estas historias, entre otras, se cuentan en este exhaustivo repaso.
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Tanto España como el mundo han sufrido un profundo cambio con motivo de dos crisis recientes: la económica de 2008 y la sanitaria provocada por la COVID-19.Ambos colapsos económicos, políticos y sociales no han impedido que el cine español haya seguido creando historias, siendo los trabajos más pequeños, en lo referente a presupuestos, los que más han conectado con la realidad de un país que se encontraba perdido ante la dura situación que estaba viviendo. Varias de estas películas, que pueden ser catalogadas como cine independiente, en los márgenes o low cost, lograron salir a la luz gracias, entre otras cosas, a la democratización tecnológica que empezaba a hacerse más patente en esos días.Las cortinas son invencibles busca hablar tanto de esa época convulsa y llena de transformaciones como de un cine español que operaba fuera del radar más mediático. El libro incluye una serie de entrevistas donde varios cineastas hablan sobre algunas de las películas que realizaron entre los años 2010 y 2020.
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La publicació dels resultats del VI Seminari d’Humanitats i Cultura Visual de la Universitat Autònoma de Barcelona, centrat en el teatre i les muses.
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Esta Estética de lo performativo, que presentamos ahora en español con una introducción de Oscar Cornago y que fue publicada en Alemania en 2004, se ocupa de los problemas fundamentales de las realizaciones escénicas del arte de la performance, del teatro experimental y de las que tienen lugar en el ámbito público. La realización escénica como acontecimiento se revela así como fundamental para una nueva comprensión del arte y de su relación con lo público.
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AMPLÍA TUS CONOCIMIENTOS SOBRE EL MUNDO MÁGICO CON ESTE MAZO DE CARTAS INSPIRADORAS QUE PLANTEAN DIFERENTES PREGUNTAS PARA SUSCITAR REFLEXIONES Y AYUDARTE A CONECTAR CON LOS PODEROSOS CONTENIDOS Y LAS LECCIONES POSITIVAS DE LAS PELÍCULAS DE HARRY POTTER. Este mazo de cartas incluye 64 reflexiones pensadas para promover diálogos internos sobre una amplia variedad de temas, y se basa en los conmovedores mensajes de las películas de Harry Potter. Rememora momentos alegres con preguntas profundas, como: ''¿Qué recuerdo usarías para conjurar tu patronus?''. Estimula tu imaginación con preguntas divertidas como: ''Si fueras un animago, ¿en qué animal crees que te convertirías?'', o sal de tu zona de confort con preguntas más serias, como: ''Realiza una acción (grande o pequeña) hoy mismo para combatir los prejuicios en el mundo''.
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No son pocos los cineastas que se han interesado por el universo de la tiza y la pizarra, como tampoco hay docente que se precie que no haya utilizado las películas en su aula con fines didácticos. Directores y directoras se han acercado a las clases para hablar de sus recuerdos de infancia, de las dificultades de la integración, del acoso escolar, de la violencia en las aulas, de su importancia para el progreso de los pueblos, de las complejas relaciones entre padres e hijos, de la implantación de metodologías motivadoras frente al anquilosamiento de educadores aferrados a los dogmas, del profesorado que marca a sus pupilos para siempre, de un microcosmos que es, a su manera, representación de eso que hemos dado en llamar sociedad.Ya que las películas se han ocupado del hecho educativo en su más de un siglo de historia, es justo que la educación devuelva el favor y se preocupe de ellas más allá de su utilización en el aula como entretenimiento o como textos ilustrativos con los que acompañar las explicaciones. Es tan amplia la nómina de filmes que no hay materia para la que no exista un abanico de referentes. ¡Cuántas películas en las que se narran hechos de interés para la asignatura de Historia! ¡Cuántas sobre matemáticos! ¡Qué sinfín de películas basadas en textos literarios o protagonizadas por escritores o escritoras! ¡Qué de atletas y narraciones sobre el mundo del deporte! ¡Cuántos biopics sobre pintores, músicos y artistas en general! ¡Qué cantidad sobre investigaciones y avances científicos!Entre las películas incluidas en este libro hay títulos como ''El club de los poetas muertos'', ''Hoy empieza todo'' o ''Rebelión en las aulas'', clásicos representantes de las estrechas relaciones entre cine y escuela, junto con otros que tal vez resulten desconocidos. Fernando Molero Campos, docente y crítico de cine, demuestra que, acompañados del poder hipnótico de las imágenes en movimiento, habremos enriquecido nuestra tarea y contribuido a que nuestro alumnado ame un poco más todo lo relacionado con la educación y, de paso, también las películas como modo de expresión, saber y entretenimiento.
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¿Es Tim Burton el eterno adolescente que consiguió hacerse un hueco en Hollywood o un artista total que ha creado todo un niverso propio? Con más de veinte películas en su larga trayectoria de treinta años, como Eduardo Manostijeras, Big Fish, rankenweenie o Sweeny Todd, este director de culto no deja a nadie indiferente: amor u odio, fascinación o decepción le han acompañado con cada uno de sus estrenos. En el libro que tienes en tus manos se recorre todo su potencial creativo: no sólo las claves de su cine sino las de su arte, bocetos o pinturas. El imaginario fantástico de Tim Burton es una obra indispensable para los admiradores del director, pero también para aquellos que quieran llegar a conocerle de una manera diferente y completa y dejarse sorprender por su riqueza artística y su imaginario fantástico. Abre estas páginas y viaja por sus mundos: reales o imaginarios, el hades y lo terrenal, lo bello y lo siniestro. Creaciones fantásticas llenas de espirales, colores, héroes carismáticos, bosques encantados, animales, sombras y ruinas.
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En este libro, Jan Doat nos descubre un método para la educación del lenguaje corporal que ofrece, sin duda, una ayuda práctica a los alumnos y alumnas de arte dramáticoSi se compara una obra de teatro con una sinfonía, se puede decir que el actor es, a la vez, el instrumentista y el instrumento, instrumentista, porque traduce, con su inteligencia, su sensibilidad y su sentido artístico un texto escrito, así como el músico traduce su partitura, instrumento, porque solo puede exteriorizarse con la voz, la mímica, los movimientos del cuerpo.La actuación sutil y emotiva de un personaje exige de los actores y actrices una fluidez expresiva que debe ser desarrollada.
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«Os invito a que entréis en estos relatos, que constituyen algunos de los textos notables que han dado lugar a indiscutibles obras maestras del cine». Juan Antonio Molina Foix Este volumen reúne cinco relatos de algunos de los escritores más destacados de la literatura universal que fueron adaptados a la gran pantalla. Cada relato va acompañado de una breve introducción sobre el texto y su correspondiente adaptación fílmica para explicar algunos elementos y datos curiosos que destacan en cada formato. Entre las cinco narraciones que incluye esta antología está «Testigo de cargo», un ingenioso drama judicial de Agatha Christie que combina intriga, suspense y un desenlace inesperado, fue llevado a la pantalla por Billy Wilder, con su sello característico de ironía y sentido del humor. Recoge también la angustiosa novela Los pájaros, de Daphne du Maurier, donde emplea las técnicas tradicionales del género de terror, fue trasladada al cine por Alfred Hitchcock en una versión bastante libre del texto original, con imágenes muy bien conseguidas, y un montaje y movimientos de cámara que impactan al espectador. Completan la recopilación «El hombre que mató a Liberty Valance», de Dorothy M. Johnson, adaptada al cine por John Ford, La sumisa de Fiódor Dostoievski, llevada a la gran pantalla por Robert Bresson bajo el título Une femme douce, y «Los muertos» de James Joyce, trasladado a película por John Houston con el título Dublineses.
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Un impresionante libro sobre la concepción y diseño del mundo de la Tierra Media en El Señor de los Anillos: La guerra de los RohirrimEscrito y recopilado por Daniel Falconer, artista conceptual en Weta Workshop, el estudio galardonado por la Academia de Cine de EEUU, este libro indispensable registra los impresionantes concepción y diseño del mundo de la Tierra Media en El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim de Kenji Kamiyama. Con más de 1.000 bocetos, dibujos, estudios de personaje y diseños de paisaje nunca antes vistos, este hermoso volumen a todo color traza el viaje de las ideas, desde los conceptos iniciales y a través de los diseños bellamente terminados hasta las escenas de la propia película. A este abundante arte se suman los comentarios fascinantes y esclarecedores de los artistas y los realizadores, incluyendo al director Kenji Kamiyama, la productora Philippa Boyens y los escritores y productores, y todos ellos revelan la historia completa sobre la película. Dotado de un sinfín de hechos fascinantes e imaginería única, El arte de El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim es la guía definitiva al interior de esta innovadora aportación a la saga de películas de El Señor de los Anillos.
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Los textos que aquí se reúnen e intervienen (se recortan, encabalgan y montan, se ponen en perspectiva como ocurre con la materia fílmica) son los de un cinéfilo madrileño a principios del siglo XXI, una coyuntura de importantes transformaciones en la creación, distribución y exhibición del cine que, sin embargo, convive con los irrenunciables de esa actividad apasionada: ir a ver películas y discutirlas con los amigos, sentir la necesidad de escribir en un arrebato sobre aquello que no nos podemos quitar de la cabeza, canalizar, en definitiva, un entusiasmo que se quiere contagioso desde el momento en que el cine se asume en diálogo íntimo con el resto de las artes y en estrecha relación con la vida. Que ese cinéfilo sea Jonás Trueba le otorga a estas prosas elocuentes y cercanas, ajenas a la profesión crítica o teórica, un suplemento de interés, como si los generosos retazos de su escritura pudieran leerse también como una suerte de novela de formación en la que el futuro autor de La virgen de agosto o Volveréis compusiera y proyectara un inconsciente autorretrato creativo, al traducir en palabras su inclinación fervorosa por cineastas como François Truffaut, Éric Rohmer, Abbas Kiarostami, Woody Allen o el «viejo tocayo» Jonas Mekas. Maestros en los que el joven espectador no sólo aprende a admirar modelos estéticos y éticos, sino también encuentra la invitación a proponer mundos y a querer habitarlos, a filmar la vida y aprender a vivirla. «No tengo miedo de olvidar. Para Azcona lo que se olvidaba no era importante, aunque no sé si es cierto del todo. Por eso, aunque apunto menos que antes, sigo apuntando. Yasujiro Ozu solo apuntaba el número de botellas de sake que tomaba cada día. He leído en algún sitio que Churchill decía que el éxito consiste en ir de error en error sin perder el entusiasmo. Deseo no perder el entusiasmo. Deseo que el deseo siga trabajando, como el viento, que sigue soplando donde quiere».
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Sam Peckinpah es sin duda uno de los grandes directores del cine y todo un referente del Hollywood de los años setenta. Un grupo de expertos analizan en El universo de Sam Peckinpah todos sus films, sus actores, sus filias, sus fobias… Todas las constantes de su vida y obra.
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Conoce todos los vehículos de Star Wars: el despertar de la Fuerza con un grado de detalle sin precedentes. Star Wars. El despertad de la fuerza: Naves y vehículos en detalle presenta doce espectaculares ilustraciones que dan vida al nuevo armamento, a los vehículos y a la tecnología, con textos que explican las particularidades de todos los artefactos novedosos hasta el más mínimo detalle. © & TM 2015 LUCASFILM LTD.
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Por primera vez, se publica en bilingüe un libro que ahonda en la obra de Frans van de Staak, un «cineasta de cineastas», un eslabón perdido en la historia del cine.En el cruce entre el cine narrativo, la poesía experimental, el teatro de vanguardia, las artes plásticas, la música de improvisación y la losofía del lenguaje, Frans van de Staak (Ámsterdam, 19432001) ocupa un lugar único en la historia del cine.Desde los textos de Baruch Spinoza, Hubert Poot y Wallace Stevens a las frases hechas del lenguaje ordinario, las películas de van de Staak aíslan y reinterpretan la sensualidad de los signos de la vida moderna, de la in exión de una voz a la manera de anudarse los cordones de un zapato. A partir de sus propios escritos, entrevistas y materiales preparatorios de sus proyectos, este libro invita a recorrer el fulgurante conjunto de su filmografía, que testimonia una originalidad radical en su concepción de las posibilidades del cine.
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Como las buenas secuelas, Más Superhéroes en Hollywood continúa justo donde lo dejamos en el primer volumen. Han sido un par de años complicados en los que el cine se ha visto muy afectado por la pandemia, pero en los que también se han probado nuevos formatos de estreno y en los que las plataformas digitales de streaming se han convertido en una pieza clave en esta industria. Y en este contexto, en Más Superhéroes en Hollywood vamos a repasar todos los estrenos de cine de superhéroes desde 2020 y los primeros meses de 2022, llegando incluso hasta The Batman. Pero también habrá espacio para incluir las series de Disney Plus del universo de Marvel Studios, y para echar un vistazo al futuro que se nos viene durante los próximos años. Todo esto y mucho más en estas páginas, así que, bienvenidos a Más Superhéroes en Hollywood.
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Este libro recoge alrededor de doscientos textos y artículos por el historiador del cine Diego Moldes publicados en el primer cuarto del siglo XXI, desde el año 2000 hasta la primavera de 2025. Contiene análisis detallados sobre películas de cineastas de los que Moldes es un experto, como Hitchcock, Polanski o Jodorowsky, o que ha estudiado en profundidad, caso de clásicos como Ford, Lang, Orson Welles, Bergman, Fellini o Sam Peckinpah, de directores modernos como Clint Eastwood, Víctor Erice, Woody Allen, Spielberg, Terrence Malick o Scorsese o de películas contemporáneas de nuestro siglo, dirigidas por Christopher Nolan, Denis Villeneuve, Guillermo del Toro o los hermanos Coen. Este magno ensayo puede leerse como una enciclopedia a modo de canon de nuestro tiempo, propuesto por Moldes a los lectores más cinéfilos y a estudiantes de cine y del mundo audiovisual. Una parte significativa del volumen lo dedica a la, siempre compleja, relación entre la literatura y el cine, es decir, las adaptaciones.«Diego Moldes ocupa un lugar específico como ensayista cultural: alguien que mira más allá de las películas para ver sus relaciones con novelas, obras de teatro o crónicas históricas, y para ver el mundo pensado que subyace a las ficciones de la sala oscura. De ahí que en esta antología de escritos muy plurales uno quede sorprendido por la certera mirada que el autor muestra tanto en textos pequeños o coyunturales como en artículos más pensados, a veces esbozos de auténticos ensayos».José Luis Sánchez Noriega, del prólogo.
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Asignatura aprobada, A love story es una declaración de admiración y amor a una de las películas menos conocidas de la filmografía de Jose Luis Garci. Una reflexión sincera y amena sobre una película que se adentra en el terreno del sentimiento, el amor, el desamor, la amistad y la esperanza. Asignatura aprobada es una de las películas más personales y apreciadas por el director, que le valió ganar su primer Goya y que representó a España en los Oscar de 1987.
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Explora los mundos de una galaxia muy muy lejana como no lo habías hecho nunca Con más de 60 intrincadas ilustraciones a todo color y mapas 3D, explora lugares icónicos que dan vida a la saga Star Wars. Esta edición actualizada ha sido completamente revisada e incluye las nuevas entregas de Star Wars junto a los cásicos: Los últimos Jedi, Star Wars: El ascenso de Skywalker, Rogue One: una historia de Star Wars, Han Solo: una historia de Star Wars, Star Wars: The Mandalorian y Star Wars: Andor. Adéntrate en más de 60 inmersivas secciones transversales de lugares icónicos de Star Wars. Compilado y escrito por expertos de Star Wars, este libro muestra fascinantes secretos sobre los mundos y escenarios de las películas y series de televisión. Incluye el castillo de Darth Vader,la ciudad natal de Cassian Andor en Ferrix, las antiguas ruinas Jedi en Ahch-To, la ciudad de Canto Bight y el complejo penitenciario imperial de Narkina 5. El mejor regalo para fans de Star Wars: adéntrate como nunca en los lugares icónicos de una galaxia muy muy lejana: una experiencia única para seguidores de Star Wars de todas las edades. Creado en estrecha colaboración con Lucasfilm, este libro también contiene el mapa oficial de la galaxia de Star Wars, que abarca cientos de planetas desde Ajan Kloss hasta Zygerria. Los lectores pasarán horas estudiando las fascinantes ilustraciones para descubrir nuevos lugares emblemáticos de su saga favorita. © &, ™ 2025 Lucasfilm Ltd.
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Audrey Hepburn se deslizaba por la pantalla con la frescura y agilidad de una gacela. Tenía gracia, encanto, sofisticación e indudable personalidad. No parecía de carne y hueso. Tal vez fuera por su cara angelical, de mirada dulce, profunda y sugerente. O por su cuello de cisne, prólogo de una estilizada silueta. O quizá por sus gestos finos y delicados. Lo cierto es que Audrey fue, sobre todo al principio de su carrera, una adorable princesa de cuento de hadas, siempre elegante y distinguida, rodeada de exquisitos perfumes, de lujosos decorados, de vestidos suntuosos. En una época dominada por las actrices de formas voluptuosas, Miss Hepburn lanzó la moda del pelo corto, la extrema delgadez, los pantalones piratas y los zapatos de tacón. Su éxito fue espectacular. Todas las chicas querían vestirse y peinarse como ella.Todas querían vivir el cuento de hadas de Sabrina. Con sus ojos enormes e hipnóticos, una sonrisa que surgía de improviso, unas maneras conmovedoramente inseguras y una voz gutural altamente peculiar, Audrey conquistó a todos. Conquistó a William Wyler, a Billy Wilder, a Stanley Donen, a Fred Zinnemann, a Blake Edwards, a George Cukor..., pero sobre todo, conquistó a los espectadores.Audrey Hepburn deslumbró al mundo con su estilo, su mirada melancólica y una elegancia natural que la convirtió en un icono universal. Pero más allá de la imagen perfecta de Desayuno con diamantes, había una mujer compleja, marcada por la guerra, la fragilidad y un compromiso inquebrantable con causas humanitarias. En este libro, Juan Tejero recorre con maestría cada etapa de su vida: sus inicios como bailarina, el fulgurante salto al estrellato con Vacaciones en Roma, sus colaboraciones con directores legendarios, su discreta vida personal, sus grandes amores y su labor con UNICEF. Con una prosa fluida y envolvente, y apoyado en una investigación minuciosa, el autor ofrece un retrato definitivo de Audrey Hepburn, iluminando no solo a la estrella, sino también a la mujer que se escondía tras el mito.
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Formas, tipos y estilos son los conceptos más habituales a la hora de estudiar la historia de la arquitectura, pero esta también puede abordarse desde la energía, el clima, los recursos materiales y la experiencia corporal. Tal es el propósito de esta '' Historiamedioambiental de la arquitectura '' (la primera ensu género), que presenta edificios, ciudades y territorios a través de su relación con los cuatro elementos de la tradición clásica: el fuego, la tierra, el agua y el aire. Por sus páginas desfilan tanto ejemplos populares (la casa en torno al fuego, los palafitostropicales, los hórreos o la casa patio) como modelos cultos (la '' domus '' romana, el monasterio cisterciense o el palacio islámico), acompañados por la historia, paralela pero no menos importante, de las técnicas (chimenea, calefacción centralizada, aire acondicionado), las infraestructuras (acueductos, canales, cloacas) y las ideologías (higienismo, helioterapia, naturopatía) que han moldeado nuestras ciudades y nuestra idea del confort y la salud. El resultado es un relato apasionante donde arquitectura, ciencia, filosofía, medicina y antropología se entreveran de unamanera inédita y fructífera.
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Teatro nuevo y Teatro viejo incluye una serie de reflexiones sobre la creatividad teatral, en donde Pirandello pondera la independencia de criterio de los dramaturgos. Proclamaba Pirandello: Hay que dejar atrás la verdad concebida como un Dios y un trozo de vida que fotografiar. No existe verdad o falsedad, no existe virtud o error, no existe nada de objetivo, de inmutable y mucho menos de eterno, no existe una ley por encima de ella y tampoco en ella, no existe una realidad afectiva fuera de nosotros y tampoco en nosotros, nosotros mismos no somos como creemos ser, sino tan solo como de vez en cuando nos construimos o como le parecemos a este, a aquel, a aquel otro, la vida, en fin, no es más que una fúnebre farsa en la que nosotros representamos, de una manera más o menos inconscientes, los personajes más diversos, como desventurados títeres en las manos de un destino ciego. ¿Qué aporta, entonces, Pirandello al teatro? No tanto las contrariedades de la vida y de la forma, de la realidad y de la ficción, de la razón y de la locura, sino, una búsqueda intelectual que carcoma los cimientos de la realidad de todos los días y cuestione el entendimiento de esa vida que generalmente se denomina normal. La siguiente afirmación de Jean Paul Sartre bien se podría aplicar al mismísimo Pirandello, ya que su compromiso con la creación teatral fue siempre irrenunciable: En el teatro de Pirandello cada vez que un personaje está acosado por la pasión, habla todo el tiempo, porque la pasión se expresa por las palabras, por los razonamientos, por las indagaciones, un personaje que intenta ver lo más lúcidamente posible.
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En el 75 aniversario del film Pasión de los fuertes,el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores y sus personajes, la leyenda... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.