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Libros de arte
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De quina manera una obra mestra del romànic europeu ha esdevingut el símbol d'una batalla política.Les pintures murals del monestir de Sixena són una obra cabdal del patrimoni europeu medieval. Pintades cap a l'any 1200 per un taller d'artistes segurament anglesos, representen l'últim esclat del romànic i mostren la influència de l'art de les croades. Però la seva història posterior, entre el foc i la política, les ha convertides en un símbol de la complexa relació entre art, poder i identitat a Espanya. Des de l'incendi del 1936, quan van ser rescatades heroicament per un equip de catalans dirigits per l'historiador de l'art Josep Gudiol en plena Guerra Civil, fins als litigis judicials del segle XXI entre Catalunya i l'Aragó, les pintures de Sixena han esdevingut molt més que un tresor artístic: són un camp de batalla entre la conservació patrimonial i la reivindicació territorial.Sumergirse en las páginas de Les pintures de Sixena es emprender un viaje que trasciende el mero análisis artístico. Albert Velasco no solo describe una obra maestra, sino que teje una narrativa apasionante que revela las cicatrices del tiempo, el fuego y la disputa humana sobre un tesoro medieval. La lectura se convierte en una reflexión profunda sobre cómo el arte puede transformarse en un símbolo cargado de tensiones y significados que van mucho más allá de sus pigmentos originales, dejando una sensación agridulce sobre la fragilidad de la belleza.¿A quién va dirigido 'Les pintures de Sixena'?Este libro está especialmente recomendado para los amantes de la historia del arte medieval y del románico, quienes encontrarán un análisis detallado y riguroso de una obra capital. También atraerá a lectores interesados en la gestión del patrimonio cultural, los conflictos territoriales y las complejas relaciones entre instituciones políticas y museísticas. Es una obra ideal para quienes buscan comprender las capas de significado que se acumulan sobre un objeto artístico a lo largo de los siglos, ya que su rigor académico, combinado con una prosa accesible, lo hace perfecto tanto para especialistas como para el público general con curiosidad por los grandes litigios culturales de España.Temas que trataLa obra explora la intersección entre el arte, el poder y la identidad, utilizando las pinturas como epicentro de una batalla política y territorial entre Aragón y Cataluña. Aborda la fragilidad del patrimonio, detallando el dramático rescate de los murales tras el incendio de 1936 y los posteriores desafíos de su conservación. Además, se adentra en la ética de la restauración y el traslado de obras de arte, cuestionando las decisiones tomadas en momentos de crisis y sus consecuencias a largo plazo, planteando preguntas incómodas sobre la memoria histórica y la justicia patrimonial.
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Per primera vegada en català, una obra fonamental de la cultura europea, de la història de l'art i del Renaixement.El conjunt de vora 200 biografies de pintors, escultors i arquitectes del Renaixement, escrites pel pintor i arquitecte italià del segle XVI Giorgio Vasari, considerada «potser l'obra més famosa, i fins i tot actualment la més llegida entre la literatura antiga sobre art», «una de les obres més influents sobre art del Renaixement italià», i «un dels textos fonamentals de la història de l'art». Escrita al segle XVI, és la font principal que hi ha sobre els artistes del Renaixement italià i una obra que ha influenciat qualsevol biografia d'artista que s'hagi fet després. I és una obra literària, a més, plena de vida: amb infinits detalls, anècdotes, comentaris i valoracions personals de Vasari. La presentem en estoig amb tres volums en cartoné. Traducció de Martí Domínguez Pérez, que segueix l'estil sinuós i elegant de Vasari. Edició i introducció a cura de Martí Domínguez Romero.Leer a Giorgio Vasari es como sentarse a escuchar las confidencias de un maestro del Renacimiento, alguien que no solo conoció a los grandes artistas de su tiempo, sino que entendió sus ambiciones y debilidades. Les vides no es un simple compendio de biografías; es un monumental fresco narrativo donde la historia del arte se entrelaza con el chisme, la admiración y la crítica personal. La prosa, elegante y sinuosa, nos acerca a los talleres y palacios de la Italia renacentista, revelando el lado más humano de figuras que a menudo solo conocemos a través de sus obras inmortales. Es una lectura que transforma la manera de mirar un cuadro o una escultura, dotándolos de un contexto vibrante y personal.¿A quién va dirigido 'Les vides'?Esta obra fundamental está pensada para los apasionados de la historia del arte y del Renacimiento que buscan ir más allá de los datos académicos. Es un libro ideal para lectores curiosos que disfrutan de las biografías ricas en anécdotas y detalles reveladores, contadas con una voz subjetiva y llena de carácter. Aquellos que deseen comprender el origen del concepto de 'genio' artístico y la construcción de la fama de los grandes maestros encontrarán en sus páginas una fuente inagotable de conocimiento y placer. También atraerá a quienes aprecian la buena literatura, pues el valor narrativo de Vasari es tan notable como su rigor histórico.Temas que trataEl libro articula la historia del arte italiano como una progresión hacia la perfección, encarnada en la figura de Miguel Ángel. Explora la vida de los artistas no solo desde sus logros profesionales, sino también a través de sus personalidades, rivalidades y vicisitudes, humanizando a los grandes genios. Además, la obra reflexiona sobre la naturaleza del talento, el mecenazgo y el papel del artista en la sociedad, sentando las bases de la crítica y la historiografía del arte. Finalmente, se convierte en un testimonio invaluable sobre las técnicas, los talleres y el contexto cultural que hicieron posible el florecimiento del Renacimiento.
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¿A quién pertenecen los mármoles del Partenón o el busto de Nefertiti? La historia de cómo el imperialismo y el colonialismo llenaron nuestros museos. Detrás de muchas de las obras que admiramos cuando visitamos el Louvre, el Museo Británico o el Met de Nueva York se oculta un pasado incómodo. Son piezas que desaparecieron de su lugar de origen, arrancadas de templos, tumbas o palacios, y que hoy se siguen reclamando. Durante siglos, los grandes museos reunieron objetos procedentes de todos los rincones del planeta convencidos de estar preservando el patrimonio de la humanidad. Pero tras esa apariencia de universalidad se esconde una historia de conquistas, expolios y apropiaciones que todavía proyecta su sombra sobre nuestras instituciones culturales. Este libro sigue el rastro de seis piezas emblemáticas —de los mármoles del Partenón al penacho de Moctezuma, los bronces de Benín y el busto de Nefertiti— para contar, con rigor y claridad, cómo llegaron a las salas de exposición en las que reposan y para abrir el debate sobre su restitución. «¿Y si la identidad de los museos más importantes del planeta descansara sobre piezas que no deberían custodiar? El temblor que sacude a una de nuestras instituciones clave amenaza con alterar para siempre la visión que tenemos de nosotros mismos. Este libro lo cuenta. Y sus conclusiones son perturbadoras.» Javier Sierra, escritor «Estas historias relatadas con maestría revelan un panorama muy inquietante: una letanía de codicia, deshonestidad, manipulación y apropiación indebida a escala internacional. Arte secuestrado lanza una llamada clara y apremiante: ¡por favor, devolved lo antes posible estas obras maestras a los lugares a los que realmente pertenecen!» Paul Cartledge, catedrático emérito de Cultura Griega de la Universidad de Cambridge «Arte secuestrado ofrece, a partir de casos de estudio, un panorama problemático sobre la cultura que ''nos pertenece'' y la necesidad de lo que podríamos llamar una justicia post-patrimonial. Rastrear los olvidos usurpadores del Museo contribuye, como ejemplarmente hacen Catharine Titi y Katia Fach Gómez en este lúcido y riguroso libro, a tener una memoria crítica y a respetar otras formas de mirar.» Fernando Castro Flórez, crítico de arte y profesor de la Universidad Autónoma de Madrid
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Es universalmente sabido que, en materia de lectura, son las chicas las que se llevan la palma. Tras el éxito del cartel de ''Los chicos listos leen libros'', y por petición de muchos libreros y libreras que nos demandaban la versión femenina, Impedimenta lanza el esperado póster que homenajea a las jóvenes lectoras (y no tan jóvenes) que todos llevamos dentro. Un cartel que ha causado furor y que lanzamos en tirada limitada para aquellos que quieran recordar cada día su condición de seres lectores.
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A través de sencillas fichas, el diseñador gráfico y profesor de diseño japonés Haruyoshi Nagumo nos proporciona todo lo necesario para comprender cada color -características, historia, significados y usos-, entender cómo se comporta con otros colores y aprender a crear esquemas cromáticos que provoquen los efectos y sensaciones que buscamos en cada uno de nuestros proyectos. Una valiosa guía de color para escoger, usar y combinar colores básicos, acromáticos, dorados, plateados y fluorescentes.
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Amb un estil àgil, de vegades irònic i poètic, l'autor del perfil digital @RomànicCatalà va filant diferents aspectes de la plàstica romànica, des de les totèmiques marededeus fins a les cròniques visuals de l'Apocalipsi, passant per la violència extrema o les singulars formes de representar el temps i l'espai. Només cal afinar les pupil·les. Hi ha mirades que no s'obliden. Amb ulls de romànic proposa un viatge fascinant a l'art català dels segles XI, XII y XIII, tan rellevant i universal com sovint poc valorat o no prou explorat. Murs coberts amb colors llampants, extraordinàries escultures de fusta o prodigiosos claustres esculpits on l'ànima troba pau i camins de fantasia i ens traslladen als anys fundacionals de Catalunya, i alhora són una constant font d'inspiració per a artistes i espectadors contemporanis.
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De Nefertari a la Marilyn Monroe de Warhol, del Partenón al puente de Zubiri en Bilbao, del David de Miguel Ángel al Guernica de Picasso: obras de arte de todos los tiempos que constituyen la memoria de un mundo en constante transformación. Los artistas más importantes. Los movimientos y los estilos con información técnica, ubicación histórico-cultural e imágenes espectaculares.
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Sumérgete en el fascinante universo del videojuego Clair Obscur: Expedition 33, donde la imaginación se engarza con la emoción, y descubre los secretos de su extraordinaria creación.A través de los testimonios del estudio Sandfall Interactive y cientos de imágenes, este artbook transporta al lector a una aventura humana y artística fuera de lo común: secretos del desarrollo, proceso creativo, influencias artísticas, documentos de diseño e ilustraciones inéditas que desvelan los entresijos de una producción verdaderamente única.Un testimonio fascinante e íntimo acerca de las decisiones e inspiraciones que dieron forma a este universo cautivador, desde los primeros bocetos hasta el resultado final.
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En ¿Qué es el arte?, el autor de Guerra y paz utiliza un brillante método expositivo en el que, abandonando las estructuras narrativas, señala con claridad las tendencias,conceptos y digresiones más relevantes del arte a lo largo de la historia de la humanidad. En este volumen se desgrana con habilidad la urdimbre del hecho artístico y su concepción intelectual, la necesidad de transformar los parámetros occidentales que encorsetan el arte en la expresión más pura e íntima del hombre. El conocimiento, cultura e intensidad que se despliegan en estas páginas deslumbran por su precisión y lucidez y por formar parte de un pensamiento fecundo, sutil y clarividente. Para Tolstói, el arte está en todas partes: hay arte en la naturaleza, en la nana que canta la madre l niño, en la palabra justa, siempre y cuando esa manifestación toque la tecla adecuada dentro del mundo sensible del individuo, ya que como su autor señala en este volumen: Para definir con corrección el arte es necesario, ante todo, dejar de ver en él un motivo de gozo y de placer, y considerarlo como una de las condiciones intrínsecasde la vida humana. De esta manera se advierte que elarte es uno de los medios de comunicación más directosy contundentes entre los seres humanos.
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Philip Guston vivió siempre como un outsider en su propia época. Sus primeros murales reflejan la influencia de los maestros del Renacimiento italiano, abrazó la abstracción y a la vez fue crítico con sus motivaciones y resultados, y, sobre todo, no dejó nunca de interrogarse sobre las cuestiones que subyacen bajo toda creación artística. Esta afinada selección de sus escritos, conferencias y entrevistas reúne las reflexiones más incisivas de Guston sobre la abstracción y la iconografía, la mística y la metafísica, así como sobre la naturaleza misma de las distintas técnicas: en suma, responde con una franqueza y una seriedad incomparables a la pregunta de cómo ve el mundo un pintor. En pocas décadas, la obra de este candoroso outsider ha ido ganando fuerza y relevancia, y hoy su sinceridad y amplitud de miras parecen más necesarias que nunca, pues su elocuencia no captura únicamente la hondura de su propio pensamiento, sino la de toda una generación de artistas como John Cage y Morton Feldman que veían la creación artística como una rama de la filosofía. Philip Guston (Montreal, 1913 – Woodstock, 1980) fue uno de los pintores, grabadores y muralistas más importantes de la segunda mitad del siglo xx. Hijo de inmigrantes rusos, creció en Los Ángeles y su educación fue mayormente autodidacta. No tardó en granjearse el reconocimiento del público como pintor figurativo y, tras algunos años enseñando en varias universidades y una estancia en Roma en 1948-1949 becado por el célebre Premio de Roma, se estableció definitivamente en el Estado de Nueva York, uniéndose a las filas de otros pintores abstractos como Pollock, De Kooning, Kline y Rothko. A mediados de los sesenta se retiró de la escena artística de la ciudad para trabajar en sus últimas creaciones figurativas, que a menudo representan temas relacionados con el racismo, el fascismo, el antisemitismo, la identidad estadounidense y, en particular las más caricaturescas, la banalidad del mal. Hasta la fecha, el conjunto de su obra sigue ejerciendo una poderosa influencia sobre las nuevas generaciones de artistas.
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Està basat en una sèrie de televisió de la BBC sobre la qual els crítics del ''Sunday Times'' van comentar: «Aquesta sèrie és una revelació en més d'un sentit: es concentra en com mirem els quadres... gairebé segur que canviarà la manera com la gent mira la pintura». I ho va aconseguir, ja que el llibre que en va derivar s'ha convertit en una obra essencial de la comunicació visual i de la teoria de l'art. Segons Peter Fuller, en aquest conjunt de set assajos, on n'hi ha que combinen text i imatge i d'altres que només són visuals, «Berger té l'habilitat de fer un tall incisiu a la mistificació dels crítics d'art professionals... És un llibertador de les imatges i, un cop hem deixat que les imatges ens convencin directament, estem en una posició molt més bona per fer-ne una avaluació significativa». La influència del llibre és enorme. Ha atret l'atenció del gran públic cap a l'estudi d'àrees culturals que ara són un lloc comú de la pintura a l'oli: el llegat de la dona com a objecte pictòric, el despullat femení com a objecte de desig sexual, l'empremta de la pintura en la publicitat actual, la manipulació de la pintura en favor de la propietat privada i els diversos significats en què es transformen les diferents reproduccions que es fan d'una mateixa obra. John Berger (Londres, 1926) és un dels escriptors més influents dels darrers cinquanta anys. Assagista, novel·lista, guionista, dramaturg i crític, sempre ha desafiat els gèneres convencionals i les fronteres. És autor de més de trenta obres i va guanyar el premi Man Booker Prize amb la novel·la ''G''. Entre les seves novel·les, destaquen ''To the wedding'', ''Here is where we meet'' i la trilogia ''Into their labours''. Del mateix autor, Edicions de 1984 també ha publicat ''D'A a X'' i ''Amb l'esperança entre les dents''.
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Ser creativo para vivir mejorLa creatividad no solo se trata de dejar tu marca en un papel. Se trata de ver el mundo de una manera un poco diferente, y de expandir tu imaginación a lo que podría ser. 365 Días de creatividad te motivará para nutrir y hacer crecer tu potencial creativo en todas las áreas de tu vida. A través de ejercicios prácticos y diarios y la fijación de objetivos, Lorna Scobie te muestra cómo experimentar, explorar y dejar ir tus inhibiciones artísticas, animándote para buscar inspiración creativa dondequiera que vayas, desde en las nubes en el cielo a los rostros en la cafetería de tu ciudad. Ya seas un novato, un aficionado a los doodles, o un artista experimentado, 365 días de creatividad estimulará tu imaginación y te ayudará a poner un poco de creatividad en tu día a día.¿A quién va dirigido el libro 365 DÍAS DE CREATIVIDAD?Este libro está dirigido a un público amplio, sin importar su nivel de experiencia artística. Tanto principiantes como aficionados o artistas experimentados encontrarán en él una herramienta útil para estimular su imaginación y desarrollar su creatividad. Es ideal para quienes buscan incorporar la creatividad en su vida diaria, ya sea a través de ejercicios sencillos o proyectos más ambiciosos. La obra se presenta como una guía accesible para todos aquellos que deseen explorar su potencial creativo en diferentes áreas de su vida.Temas que trata el libro 365 días de creatividad365 DÍAS DE CREATIVIDAD propone una serie de ejercicios prácticos y diarios diseñados para fomentar la creatividad. A través de la fijación de objetivos, el libro guía al lector en un proceso de experimentación y exploración artística, animándole a superar las inhibiciones y a buscar inspiración en su entorno cotidiano. Los temas que se abordan incluyen:Ejercicios prácticos diarios: El libro ofrece una actividad creativa para cada día del año, fomentando la constancia y el hábito de la creación. Estas actividades abarcan diversas técnicas y estilos artísticos.Superación de inhibiciones: La obra se centra en ayudar al lector a superar el miedo al fracaso y a la autocrítica, animándole a experimentar sin prejuicios.Búsqueda de inspiración: Se fomenta la observación del entorno como fuente de inspiración, invitando al lector a encontrar la creatividad en los detalles cotidianos.Desarrollo del potencial creativo: El libro busca ayudar al lector a desarrollar su potencial creativo en todas las áreas de su vida, no limitándose únicamente al ámbito artístico.Fijación de objetivos: Se propone la creación de objetivos creativos para guiar el proceso de aprendizaje y desarrollo artístico.Experimentación y exploración: Se anima al lector a experimentar con diferentes técnicas y materiales, explorando su propio estilo y preferencias.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro 365 DÍAS DE CREATIVIDADLas opiniones sobre 365 DÍAS DE CREATIVIDAD destacan su capacidad para despertar la creatividad y ofrecer una variedad de actividades amenas. Se describe como un libro entretenido y genial para desarrollar la creatividad, recomendado para personas de todas las edades. Los lectores valoran positivamente la variedad de ejercicios y la facilidad con la que se pueden realizar, considerándolo una herramienta útil para impulsar la imaginación y generar nuevas ideas. Algunos comentarios lo califican como un libro bonito y útil para poner en práctica la imaginación y la creatividad, incluso como disparador para nuevos proyectos.
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La mejor enciclopedia de Warhammer 40 000 ya está aquí Sumérgete en el increíble universo de Warhammer 40 000 y examina miniaturas de cada facción a través de fotografías oficiales. Acompaña a personajes clave a lo largo de su evolución y estudia con todo detalle a los guerreros que libran una guerra sin fin en el Milenio 41. Explora el universo de Warhammer 40 000 y sus facciones con sorprendente detalle. Esta guía definitiva profundiza en la historia de Warhammer 40 000 y encantará tanto a los fans veteranos como a los recién llegados. Con cientos de fotografías que muestran detalles de cada facción, desde los poderosos Marines Espaciales, los voraces Tiránidos, los repugnantes Demonios del Caos hasta los inmortales Necrones y mucho más. Guy Haley y Gav Thorpe, dos autores muy conocidos del universo de Warhammer, te guiarán a través de este mundo con descripciones ricamente detalladas y grandes conocimientos sobre la historia de Warhammer 40 000. Warhammer 40 000. La guía visual definitiva está repleta de información sobre las miniaturas que definen el juego y profundiza en el universo de Warhammer 40 000 como nunca antes. Si eres un nuevo fan que quiere una guía completa, un coleccionista de miniaturas o un seguidor de Warhammer 40 000, este libro imprescindible es un viaje visual esencial a través de la sombría oscuridad de Warhammer 40.000. © Copyright Games Workshop Limited 2024
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El programa televisivo Ways of seeing, dirigido en 1972 por un jovencísimo John Berger, se propuso analizar cómo nuestros modos de ver afectan a la forma de interpretar. La serie recibió diversos premios, revolucionó la teoría del arte y fue adaptada al presente libro, convirtiéndose desde entonces en un título indispensable de la teoría del arte y de la comunicación visual. En estas páginas, Berger analiza cuatro aspectos de la interpretación de la pintura al óleo: su origen relacionado con el sentido de la propiedad, el uso continuado de la mujer como objeto pictórico, la relación entre la herencia visual de la pintura y la publicidad y, finalmente, la transformación del significado de la obra original en el marco de sus múltiples reproducciones. En esta nueva edición, minuciosamente revisada, se ha recuperado el diseño original de Richard Hollis.
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Saca al artista que llevas dentro: solo es cuestión de práctica y algunos buenos consejos¿Te gustaría saber dibujar? Este libro te ofrece 60 actividades para descubrir y practicar sencillas técnicas de dibujo que, además, te invitan a pensar de manera creativa. Las páginas que tienes entre manos están repletas de ejemplos y útiles consejos para aprender a dibujar objetos 3D, a añadir perspectiva, movimiento y sombras a tus dibujos, a crear un paisaje urbano o incluso un autorretrato. Si siempre has sentido curiosidad por el dibujo, pero has topado con la página en blanco y has desistido, ¡No sé dibujar! es tu libro. Verás que las posibilidades son infinitas y que, en realidad, ¡sí sabes dibujar!¿A quién va dirigido el libro ¡NO SÉ DIBUJAR!?Este libro está dirigido a todas aquellas personas que desean aprender a dibujar, independientemente de su nivel de experiencia previa. Se presenta como una herramienta accesible para principiantes, ofreciendo una introducción amigable al mundo del dibujo. Su enfoque práctico y las actividades propuestas lo hacen ideal para niños mayores de 12 años y adultos que buscan explorar su creatividad sin la presión de una formación académica formal. La sencillez de las técnicas y la progresión gradual de las actividades permiten a cualquier persona, incluso a quienes se consideran carentes de talento artístico, desarrollar habilidades básicas de dibujo y disfrutar del proceso creativo.Temas que trata el libro ¡No sé dibujar!El libro ¡NO SÉ DIBUJAR! se centra en el aprendizaje práctico de técnicas de dibujo básicas a través de 60 actividades. Los temas que abarca incluyen:Técnicas de dibujo básicas: El libro introduce y explica de forma sencilla técnicas fundamentales para el dibujo, como el manejo del lápiz, el trazo, la perspectiva, el sombreado y la representación del movimiento. Se proporciona una guía paso a paso para cada técnica, facilitando su comprensión y aplicación.Dibujo de objetos en 3D: Se enseñan métodos para representar objetos tridimensionales en una superficie bidimensional, utilizando la perspectiva y el sombreado para crear una ilusión de profundidad y volumen.Perspectiva: Se exploran los principios básicos de la perspectiva para representar el espacio y la profundidad en los dibujos.Movimiento: Se abordan técnicas para representar el movimiento en los dibujos, dando vida a las figuras y escenas.Sombras: Se explican las técnicas de sombreado para añadir volumen y realismo a los dibujos.Creación de paisajes urbanos: Se incluyen actividades para dibujar paisajes urbanos, aplicando las técnicas aprendidas para representar edificios, calles y otros elementos del entorno.Autorretratos: Se guía al lector en la creación de un autorretrato, combinando las técnicas aprendidas para representar la propia imagen de forma creativa.Desarrollo de la creatividad: A lo largo del libro se fomenta la creatividad del lector, invitándolo a experimentar y a encontrar su propio estilo. Las actividades están diseñadas para estimular la imaginación y la expresión personal.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro ¡NO SÉ DIBUJAR!Aún no hay opiniones o críticas sobre ¡NO SÉ DIBUJAR!.
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Descubra la historia de los movimientos artísticos desde las obras de laAntigua Grecia hasta el Renacimiento italiano, los prerrafaelistas y losmaestros del impresionismo con una nueva edición de este clásicosuperventas.Descubra la historia de los movimientos artísticos desde las obras de laAntigua Grecia hasta el Renacimiento italiano, los prerrafaelistas y losmaestros del impresionismo con una nueva edición de este clásicosuperventas. Con unos contenidos verdaderamente globales, Arte nosexpone las obras maestras de más de 700 artistas entre los que seencuentran Leonardo da Vinci, Picasso o Van Gogh. Es una valiosísimaobra de referencia para cualquier amante del arte, un libro que nosmuestra visualmente las obras todo, desde la pintura del Barrocoitaliano y el arte africano hasta la historia del arte contemporáneo.Descubra las claves de los movimientos artísticos más prominentes,incluidos sus orígenes e influencias, y siga la línea temporal de susobras más valiosas. Inspírese con los detalles de cada materia tratada ycon los métodos utilizados por cada artista para crear sus obrasmaestras, y explore siglos, culturas y países al embarcarse en estedefinitivo viaje artístico a través del tiempo. Creada en colaboracióncon Bridgeman, la mayor biblioteca de arte del mundo, Arte. La historiavisual definitiva es una obra que todo el mundo debetener en sucolección de libros.
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Este libro aborda la relación de los colores con nuestros sentimientos y demuestra cómo ambos no se combinan de manera accidental, pues sus asociaciones no son meras cuestiones de gusto, sino experiencias universales que están profundamente enraizadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento. Proporciona una gran cantidad y variedad de información sobre los colores, como dichos y saberes populares, su utilización en el diseño de productos, los diferentes tests que se basan en colores, la curación por medio de ellos, la manipulación de las personas, los nombres y apellidos relacionados con colores, etc. Esta diversidad lo se convierte en una herramienta fundamental para todas aquellas personas que trabajan con colores: artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda, publicistas, entre otros.¿A quién va dirigido el libro Psicología del color?Se recomienda la lectura de este libro a un público amplio. Resulta especialmente útil para profesionales que trabajan con el color como herramienta fundamental en su trabajo, como diseñadores web, artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda y publicistas. Sin embargo, su amenidad y riqueza de información lo hacen accesible y atractivo para cualquier persona interesada en el tema, ya que explora la relación entre los colores, los sentimientos y la cultura.Temas que trata el libro Psicología del colorEl libro Psicología del color explora la compleja relación entre los colores y las emociones humanas, demostrando que las asociaciones de color no son arbitrarias, sino que están profundamente arraigadas en nuestra cultura y lenguaje. Se analizan las connotaciones culturales y emocionales de cada color, mostrando cómo un mismo color puede evocar diferentes sentimientos dependiendo del contexto. Se profundiza en la historia del uso del color en diferentes culturas, incluyendo ejemplos de la moda, el arte y la política. Además, se desmienten algunos mitos populares sobre la percepción del color. La obra también incluye:Análisis individual de cada color: Se dedica un capítulo a cada color principal, explorando sus diferentes matices, connotaciones y usos a lo largo de la historia y en diferentes culturas. Se examinan las asociaciones emocionales y culturales que cada color evoca.Influencia cultural y social del color: Se analiza cómo la percepción del color varía según la cultura y la época histórica, mostrando ejemplos concretos de cómo los colores han sido utilizados en diferentes contextos sociales y culturales.Desmitificación de creencias populares sobre el color: Se cuestionan y refutan algunas ideas preconcebidas sobre la percepción y el significado de los colores, proporcionando una visión más científica y objetiva del tema.Aplicaciones prácticas del conocimiento del color: Se ofrecen ejemplos de cómo el conocimiento de la psicología del color puede ser aplicado en diferentes campos, como el diseño, la publicidad, la terapia y la moda.Historia del color: Se realiza un recorrido histórico sobre el uso y la percepción del color a través de diferentes épocas y culturas.Relación entre color y emociones: Se estudia la influencia del color en las emociones y el estado de ánimo, mostrando cómo los colores pueden afectar a las personas de manera consciente e inconsciente.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Psicología del colorSe considera un libro técnico de lectura amena e interesante. Su enfoque abarca desde la explicación de los sentimientos que provocan los distintos colores y sus combinaciones, hasta curiosidades históricas y culturales relacionadas con el color, como la evolución de la moda, las técnicas de tintado, y las asociaciones de color con signos del zodiaco. Se destaca su valor tanto para profesionales que necesitan comprender el impacto del color en las personas, como para un público general interesado en ampliar sus conocimientos sobre el tema. La obra también se presenta como una herramienta fundamental para artistas, terapeutas, diseñadores y otras profesiones que utilizan el color como herramienta de trabajo. Se ha convertido en un clásico del estudio del color.
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En esta obra presentamos las dos series de ‘Treinta yseis vistas del monte Fuji’ creadas por Utagawa Hiroshige y Katsushika Hokusai, los más reputados dibujantes y artistas del género ukiyo-e. Los dos son los intérpretes más importantes de la ilustración nipona, con un control sutil del cromatismo —con el dominio del verde y del azul— y su sentido del grabado, que sería imitado, más tarde, por la fotografía y el cine.Este libro es una gran novedad porque muestra las visiones enfrentadas y al mismo tiempo compenetradas del monte Fuji, el pico más alto de la isla de Honshu, considerado sagrado desde la Antigüedad y al quelas mujeres tuvieron prohibido el acceso a la cima hasta la era Meiji (finales del siglo XIX).Los dos mejores autores del ukiyo-e en una obra inédita ycon edición limitada de 2.000 unidades.Esta edición incluye una fabulosa lámina que se despliega enun tríptico para su exposición y decoración en cualquier pared. Desde The Galobart Books hemos seleccionado la más espectacular para que forme parte de una colección privada y exclusiva de arte japonés.
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Escrito en 1966, El arte como oficio se ha convertidoen el gran ensayo clásico de entre todos los que escribió Bruno Munari. Este libro es un valioso y singular intento por situar la importancia de los ''nuevosproductores de formas'' del mundo contemporáneo en relación con el arte y con la experiencia personal de nuestra vida cotidiana. Con ello, Munari logra hacernos observar de una manera activa y tomar conciencia del mundo formal que nos rodea al tiempo que pone en valor la labor de los diseñadores, personajes que no solo se erigen como responsables de la creación de objetos funcionales y estéticos, sino que ejercen de auténticos moldeadores ''democráticos'' del gusto. Repleto de ejemplos y referencias a nuestra vida diaria, esta obra nos invita constantemente a detenernos y a repensar las formas que nos rodean. Desde la visualidad de las letras escritas o dibujadas hasta la versatilidad de un material como el bambú, pasando por el valor de una cuchara o unos peldaños desgastados por eluso, o el brutal contraste entre las ostentosas cuberterías europeas y la modestia de los palillos japoneses, Munari nos introduce con la facilidad y la sencillez de los grandes maestros a las grandes cuestionesteóricas de las disciplinas del diseño y la creatividad.
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Una casa como un girasol, otra que parece un dragón, un bosque de piedra, una cantera en el centro de la ciudad... Antoni Gaudí, visionario e innovador, creó universos fantásticos en piedra y hierro.Gracias a su genio y a clientes audaces como Vicens, Díaz de Quijano, Güell, Batlló y Milà, sus edificios transformaron ciudades y se convirtieron en símbolos universales.¡Descubre las obras más emblemáticas del formidable arquitecto a través de nueve espectaculares pop-ups!
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A partir de la observación atenta del entorno natural, la ilustradora Alba Azaola nos descubre los detalles y las geometrías de sus prodigiosas especies y nos abre paso por el sendero de la ilustración botánica. Algas, helechos y aráceas, palmeras, rosáceas y leguminosas... Con este libro no solo aprenderás a dibujar, también descubrirás un amplio abanico de las familias del reino vegetal. Las láminas, profusamente ilustradas y comentadas, te permitirán comprender y dibujar cada ejemplar. Toma tiempo para observar los detalles, las formas y los colores sencillamente perfectos del mundo botánico, y para plasmarlos a tu propio ritmo, como cada planta crece al suyo.
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El journal del bestseller internacional. Un kit sencillo y accesible con todos los ejercicios del método creativo más popular del mundo. UN MANUAL ESENCIAL PARA PRACTICAR EL CAMINO DEL ARTISTA «Este libro me cambió». NATALIA LAFOURCADE «Sin El Camino del Artista, no habría existido Come, Reza, Ama». ELIZABETH GILBERT «Las páginas matutinas se han convertido en un nombre familiar, una forma rápida de liberar tu potencial creativo». VOGUE La maestra de la creatividad Julia Cameron es una autoridad en el fomento del espíritu artístico y lleva más de treinta años transformando la vida de millones de personas en todo el mundo. Este libro es un indispensable conjunto de herramientas de El Camino del Artista: páginas matutinas, citas con artistas, paseos y orientación, junto con otras prácticas inéditas diseñadas para despertar el propósito y guiar a los lectores hacia su inspiración. Este journal expone la filosofía de Julia Cameron en una serie de ejercicios listos para practicar. Los lectores accederán a su voz interior, experimentarán una intuición más profunda y, en última instancia, se encontrarán consigo mismos y con los demás en el camino hacia el autodescubrimiento. Utilizadas en conjunto como parte de una práctica espiritual, estas herramientas forman la base de la expresión artística y marcan el camino para cualquier viaje creativo.
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Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático -no pretende apelar a la razón y al cerebro-, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y busca resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.
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Acompanya en Teo en el seu emocionant viatge en autocaravana per anar de càmping!Durant les vacances, en Teo i la seva família muntaran una tenda de campanya, passejaran pel bosc buscant fulles per preparar un herbari, es banyaran en un riu, aniran de pícnic a la platja i, fins i tot, faran escalada! Tots junts viuran una experiència inoblidable plena de descobriments a la natura i aventures compartides. En Teo descobreix el món és una col·lecció amb més de 40 títols per a infants a partir de 3 anys. A través de les seves històries, els petits podran: -Identificar-se amb els personatges i reviure experiències de la vida quotidiana. -Observar i descobrir detalls a les il·lustracions plenes de color. -Pensar i reflexionar, amb una guia didàctica al final del llibre que ajuda pares i educadors a: • Explorar curiositats sobre anar de càmping i passar temps a la natura. • Fomentar preguntes sobre l'entorn i el temps compartit amb els altres. • Despertar la curiositat pel món que els envolta. En Teo, el personatge clàssic de la literatura infantil del nostre país, continua captivant noves generacions amb les seves aventures.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.