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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Esta guía es obra del grupo de trabajo Museus i Gènere, que tiene como objetivo transmitir una socialización de los géneros que elimine los aspectos negativos y las jerarquías de los modelos vigentes y abra camino al pleno desarrollo de una sociedad igualitaria, democrática y justa en el mundo del patrimonio y de los museos. Así, la guía ofrece algunas pistas de reflexión y algunas propuestas de actuación para aplicar la perspectiva feminista en el trabajo diario en el museo.
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Joaquín Sorolla (1863-1923) is one of the great masters of painting, renowned for his mastery of light and color. His output totals 4,200 works in oil, watercolor, and gouache. For more than three decades, Blanca Pons-Sorolla, the artist's great-granddaughter and the foremost authority on his legacy, has systematically recorded and studied this collection in order to organize it into a chronological catalog raisonné. This first installment is the first volume of this project and is dedicated to the early years of Sorolla's career, represented by the more than 1,050 works collected here, many of which have been studied and reproduced for the first time.
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'Vital and Veiled: Valerie Brathwaite and José Gabriel Fernández' es una monografía doble que recoge una selección de las series más emblemáticas de ambos artistas.En el caso de Brathwaite, sus esculturas de piedras, flores y «cuerpos blandos» forman una constelación estética que pone en primer plano su reflexión sobre la sensualidad en la naturaleza. Su obra está impregnada de un vitalismo que se refleja en su elección de formas y materiales, contribuyendo de forma provocadora a los debates contemporáneos sobre los nuevos materialismos, desde su perspectiva de mujer negra caribeña.Por su lado, Fernández explora, desde los años noventa, las representaciones de la masculinidad y del homoerotismo velado en la tauromaquia. Su obra une una refinada sofisticación estética con referencias veladas a la sexualidad, contribuyendo a expandir las narrativas del arte queer.
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La exposición, 1924. Otros surrealismos, llega a España con la intención de analizar la recepción e influencia del surrealismo en nuestro país y ofrecer una nueva perspectiva del movimiento en un lugar, que, en las décadas de 1920 y 1930, se encontraba en la periferia de la vanguardia europea. Con este fin, la exposición no solo se detiene en la obra de algunos de los grandes representantes de esta tendencia en el ámbito tanto nacional como internacional —entre ellos, Salvador Dalí, Óscar Domínguez, Joan Miró o René Magritte—, sino que incide de manera especial en el trabajo de otros creadores menos célebres que trabajaron al margen del discurso dominante desde España y América Latina, y pone asimismo de relevancia la aportación de las mujeres al grupo.
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Este libro es una aguda crónica del artista Andy Warhol y sus escandalosas relaciones con las diez mujeres que él consideró sus ''superestrellas'', comenzando en 1964 y culminando cuatro años después, cuando Warhol fue tiroteado y estuvo a punto de morir. ''De vez en cuando, alguien me acusaba de ser malvado'', confesó Andy Warhol, ''de dejar que la gente se autodestruyera mientras yo miraba, solo para poder filmarlos''. Obsesionado con la fama, el icónico artista de peluca plateada Andy Warhol creó un séquito en constante evolución de mujeres deslumbrantes: Baby Jane Holzer, Edie Sedgwick, Nico, Ultra Violet, Viva, Brigid Berlin, Ingrid Superstar, International Velvet, Mary Woronov y Candy Darling. A varias de ellas les dio nuevos nombres y manipuló su belleza y talento para su arte y su estatus social, con poca preocupación por su seguridad o dignidad. Luego, una por una, fueron todas cayendo en un estado de degradación. En Las musas de Warhol, el biógrafo superventas del New York Times Laurence Leamer arroja luz sobre las complejas mujeres que inspiraron y protagonizaron las legendarias películas underground de Warhol: The Chelsea Girls, The Nude Restaurant y Blue Movie, entre otras. Atraídas por la llamada seductora de la vida en el Manhattan de los sesenta, cada una abandonó sus enclaves protegidos y se aventuró a un mundo nuevo, la famosa Factory de Warhol, sin intuir que nunca podrían volver a sus viejos hogares y a sus costumbres familiares. El sexo era casual, las drogas ubicuas, las fiestas salvajes, y para Warhol, todos eran transitorios, temporales y reemplazables. Fue un juego peligroso el que jugó con las mujeres que lo rodeaban, y en un cálido día de junio de 1968, alguien entró en la Factory y le disparó, cambiando su vida para siempre. Las musas de Warhol explora las vidas de diez mujeres infinitamente intrigantes, nos transporta a una época que cambió a Estados Unidos para siempre, y descubre la vida y obra de uno de los artistas más legendarios de todos los tiempos.
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El catálogo de la exposición Conectoma: red de redes en el Archivo de MediaLab Madrid intenta ser testigo de la propuesta expositiva, aunando textos que reflexionan en torno al archivo como memoria y como herramienta viva para la investigación y el ámbito educativo, expandiendo su sentido y significado propio, incluyendo, además, textos de los artistas que exponen en sala. La exposición del Archivo de MediaLab Madrid pretende poner en valor sus fondos y, con ello, rendir homenaje a uno de los proyectos más pioneros e innovadores en las interrelaciones entre arte, ciencia y tecnología en nuestro país, a principios del siglo XXI, así como destacar el trabajo de una de las codirectoras de MediaLab Madrid, Karin Ohlenschläger. El término hace referencia al esquema de conexiones neuronales, a la red de redes de nuestro cerebro, un todo conectado desde el que creamos. La seña de identidad, la génesis de MediaLab Madrid fue una red de redes de disciplinas y metodologías, motor vertebrador de todos los proyectos que allí se desarrollaron. Una selección de proyectos, hitos de lo que fue MediaLab Madrid, como Cibervisión_02, Banquete_Metabolismo y comunicación, Banquete_Comunicación en evolución, El inventor de historias, Digital Transit, Condición Postmedia e ¿Interactivos?, marcan el recorrido rizomático del espacio expositivo en una red de redes del Saber.
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Since it was established in 1824, the National Gallery has become a beacon for London's visitors and residents alike. From its inception in John Julius Angerstein's home in Mayfair to its current home in Trafalgar Square, it has expanded both its collection and its footprint to become one of the world's leading galleries. This book features photographic portraits by David Dawson and Mary McCartney in addition to photography of the Gallery by Massimo Listri. It brings together over 200 of the Gallery's paintings, which were made between the 13th and 20th centuries, including memorable masterpieces from both the famous and the forgotten. These pages tell the history of painting in the Western European tradition through the National Gallery's collection. You'll go on a visual journey through the centuries, with works by Duccio, Van Eyck, Raphael, Titian, Rembrandt, Vigée Le Brun, Gainsborough, Morisot, and Matisse, to name just a few. Punctuating this story are contributions by and photographic portraits of 25 cultural figures, such as Frank Auerbach, Alvaro Barrington, Edward Enninful, David Hockney, Kim Jones, Damian Lewis, Sahara Longe, Chris Ofili, Ai Weiwei, Rachel Whiteread, Annabelle Selldorf, and Flora Yukhnovich, among others.
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Yves Klein es uno de los principales referentes del arte del siglo XX, pionero del arte acción y las prácticas inmaterialees del arte contemporáneo. En sus páginas, a través de un recorrido por la corta pero prolífica trayectoria de se profundiza en
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La fusión de oriente y occidente se consuma sobre el muro que Antoni Tàpies pinta desde dentro, «a tientas». Desde la opacidad se puede vislumbrar la luz. De ahí que sea interesante seguir la presencia y la función espiritual de aquellos órganos que aluden a los dos sentidos más presentes en su obra: el ojo y la mano.El ensayo traza un recorrido por la obra de Tà̀pies desde sus inicios para rastrear esa búsqueda de conciencia interior, pero también se aproxima «ciegamente» y con más detenimiento a las pinturas del último período de Tà̀pies, una etapa que muestra la fuerza de la pérdida, y en la que la obra se hace aún más fetiche, más mágica.
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La impresión artesanal vive un revival sin precedentes. Para los diseñadores ha supuesto la apertura de un universo de posibilidades estéticas y de recursos gráficos que les ha permitido abandonar las pantallas de sus ordenadores y lanzarse a investigar y experimentar con la materialidad de la tinta y el papel. Por su parte, los usuarios cada vez están más sensibilizados respecto al valor de lo manufacturado y las ediciones limitadas. Papel y tinta ofrece una panorámica de las técnicas, métodos y materiales más utilizados actualmente para imprimir de forma artesanal. Por medio de las obras de algunos de los principales diseñadores e impresores del panorama internacional, el libro muestra el uso de la serigrafía, la impresión tipográfica o la xilografía así como las dosis de inspiración y destreza necesarias para producir artesanalmente todo tipo de diseños, desde rompedores carteles de concierto o artículos rústicos de papelería hasta xilografías retro o manualidades.
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Esta completa monografía sobre el renombrado arquitecto del siglo XX, Frank Lloyd Wright, explora en detalle tanto sus principales diseños arquitectónicos como muchos desus proyectos menores. Robert McCarter analiza el trabajo de Wright cronológicamente,
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* Descubra el audaz mundo de Banksy, la superestrella del street art, cuyos atrevidos murales, improvisadas esculturas urbanas y pinturas vandalizadas constituyen un emocionante viaje por la historia del arte. * Se presentan y analizan algunos de los trabajos más reconocibles de Bansky: obras maestras provocadoramente reinterpretadas que desafían las convenciones e iluminan la historia del arte de forma profunda e inesperada. * Un contenido que une cuidadosamente el museo y la calle, al tiempo que sitúa sus pinturas, esculturas, serigrafías y murales dentro del contexto de la historia del arte en el que tan a menudo se inspira. A lo largo de una serie de breves capítulos, el libro reúne reproducciones de obras de Monet, Rembrandt, Vermeer y Da Vinci, hasta llegar a artistas más recientes como Andy Warhol, Keith Haring y Damien Hirst. Estas reproducciones se presentan junto a las reinterpretaciones que Banksy hizo de ellas, y ofrece una comparativa del antes y el después como una lectura más profunda de esas piezas originales, lo que ayuda al público a comprender el significado y el simbolismo que habrían atraído a Banksy hacia ellas en un primer momento.
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Un retrato esencial de la figura que cambió el arte para siempre. «Quiero ser tan famoso como la reina de Inglaterra», comenta Warhol. Esta frase, banal en apariencia, podría estar cargada de significados. No quiere ser el presidente de Estados Unidos, ni un millonario, ni una estrella: aspira a ser la reina de Inglaterra. Quiere, en suma, tener un pasado no solo con testamento, sino con testamento ante notario. No quiere ser únicamente famoso o rico: aspira a crear un pasado lleno de pasado -el que reproduce en su casa- y quiere, además, ser inglés, ajustándose al mito por excelencia de glamur en América.¿Quién era en realidad Andy Warhol? ¿Fue el más célebre representante de la cultura pop, alguien fascinado por la publicidad y el éxito -quintaesencia de lo «americano»-, un comprador y consumidor compulsivo, un artista polifacético y admirado? ¿O fue acaso el último gran pintor de la tradición europea del retrato y el bodegón, un ser consumido por lo que poseía, melancólico, nostálgico, que vivió la vida como una carrera hacia la muerte?Recuperamos en la colección «Argumentos» Tristísimo Warhol, un particularísimo ensayo que da respuesta a estas preguntas en forma de relato que comienza un día de agosto de 1956, cuando el último pintor romántico, Jackson Pollock, se estrella con su coche en Long Island. Artistas como David Hockney, Jasper Johns o Tom Wesselmann aparecen y desaparecen en esta historia, configurándose, también alrededor de ellos, toda una serie de conceptos de la modernidad, actuales síndromes de nuestro tiempo: la nostalgia, la melancolía y la muerte.Tristísimo Warhol finaliza con la muerte del artista. Pero, más que un libro sobre él o el arte pop, esta es una historia osada y reveladora que habla de todos nosotros, al fin y al cabo, atrapados en esos síndromes modernos.
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Jean Genet descubre la obra de Rembrandt durante sus estancias en Londres en 1952, Ámsterdam en 1953, luego Múnich, Berlín, Dresde y finalmente Viena, en 1957. La idea de un libro sobre el pintor le acompañará durante décadas, pero no completará el proyecto. En septiembre de 1958, L’Express publica una selección de extractos de un libro anunciado por la editorial Gallimard que no llegará a publicarse, «El secreto de Rembrandt». Tal vez demasiado absorbido por su teatro, Genet posterga el momento de dar por terminado el texto o de rehacerlo y, en abril de 1964, abatido por la muerte de su amigo Abdallah, destruye el contenido de una maleta llena de manuscritos. Sobreviven únicamente dos fragmentos, publicados en mayo de 1957 en la revista Tel Quel con el título «Lo que quedó de un Rembrandt cortado en cuadraditos iguales y tirado por el retrete». En esta edición se reúnen por primera vez los dos textos en forma de libro, junto con una selección de imágenes pensada para acompañar la mirada de su autor, una mirada absolutamente singular y desconcertante que va más allá del análisis historiográfico, técnico o psicológico para adentrarse en el terreno de la fibra, la carne y la substancia de los sentidos.Jean Genet (París, 1910-1986) fue un novelista, dramaturgo y poeta francés cuya obra expresa una profunda rebelión contra la sociedad biempensante y sus costumbres. A los diez años cometió su primer hurto y, tras varios robos y fugas, lo internaron en la colonia penitenciaria de Mettray. Fue ladrón, chapero, presidiario, desertor, mendigo y activista de diversas causas, como las del movimiento radical de los Panteras Negras. Gran escritor, admirado por figuras como Jean-Paul Sartre o Jean Cocteau, hoy está considerado uno de los autores esenciales de la literatura europea del siglo xx.
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Lazkano, Interesado en la integración de la Pintura en la Arquitectura, ha realizado numerosas exposiciones individuales en EE. UU., Suiza, Yakarta, España e Italia, entre las que destaca la gran exposición retrospectiva del 2010 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Sus obras figuran en importantes museos de todo el mundo, además de en importantes colecciones particulares, y ha llevado a cabo importantes obras de grandes dimensiones en distintos espacios públicos tanto de nuestro país como del extranjero.
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Un viatge apassionat pel país de Dalí, per la terra on vacrèixer i els paisatges que el van inspirar
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An intimate glimpse into one of the world’s most renowned contemporary art collections and the collector whose vision and passion shaped it.Step inside one of the most captivating private art collections in the world an extraordinary group of modern and contemporary art curated by Glenn Fuhrman, founder of the esteemed The FLAG Art Foundation, and his wife Amanda.Spanning paintings, works on paper, photographs, and sculptures by both established stars and bold new voices, Fuhrman’s eclectically diverse collection brings together iconic and unexpected works of the past forty years of contemporary art. Each piece reflects a deeply intentional process of selection, shaped by curiosity, emotional resonance, and a deep respect for the artist’s voice. The result is a dynamic, ever-evolving narrative of contemporary creativity one that captures the zeitgeist while honoring the timeless power of visual expression.Collecting Contemporaries is an invitation into the mind of a collector who sees art not as an investment, but as a life-enriching dialogue. These richly illustrated pages offer a fascinating glimpse at the collector’s mindset and the powerful role art plays in shaping personal and cultural identity.The book also features exclusive conversations between Fuhrman, The FLAG Art Foundation’s director Jonathan Rider, and artist Jim Hodges, as well as a conversation between Fuhrman, the Studio Museum’s curator Thelma Golden, and artist Simone Leigh.
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Explora el maravilloso mundo natural con esta exquisita colección de más de 200 pegatinas de imágenes exóticas y más de 50 páginas para colorear, juegos de palabras, rompecabezas y actividades. Perfecto para cualquier aficionado a las pegatinas, el scrapbooking, los rompecabezas o los amantes de la naturaleza, este libro es un auténtico tesoro de los aspectos más salvajes y efímeros de la Tierra.
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En este catálogo destaca la diversidad de materiales y técnicas que el artista exploró a lo largo de su carrera. Cada pieza es un testimonio de su búsqueda incansable por entender y expresar la relación entre el espacio, la materia y el tiempo. En las décadas de los ochenta y noventa, las obras de Eduardo Chillida se transformaron a través de su diálogo con la arquitectura, un intercambio que marcó su evolución artística y dejó una huella indeleble en su legado.
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El tractat de la pintura recull les reflexions de Leonardo da Vinci sobre l´art de representar el món. Més enllà de la tècnica, aborda la llum i l´ombra, la forma, el moviment, la natura i fins i tot l´ànima humana. Amb una mirada que uneix bellesa i coneixement, sensibilitat i raó, aquesta obra ens convida a entendre la pintura com una ciència i a redescobrir el pensament d´un dels grans genis del Renaixement.
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Todo lo que necesitas saber para dibujar anime y manga Esta es la guía definitiva, que combina cientos de apasionantes imágenes con instrucciones paso a paso fáciles de seguir. Con este libro podrás crear enseguida tus propios personajes inolvidables. Se cubren todos los aspectos del anime: cómo dibujar caras con expresiones atractivas, atuendos elegantes, poses divertidas y mucho más. También aprenderás técnicas básicas de dibujo de figuras y composición, que te ayudarán a crear personajes dinámicos y escenas de anime y manga memorables. Desde cómo dibujar los tipos de personajes más populares del anime hasta los secretos de la narración visual, todo está aquí. ¡Anímate!
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Un estudio clave sobre el lugar que ocupa la fotografía en la historia del arte reciente. Artistas internacionales de las últimas cuatro décadas representados por una obra o una colección significativas, con pies de foto descriptivos. Textos de algunas de las figuras más destacadas del siglo xx, incluidos los teóricos Roland Barthes, Jean Baudrillard, y los artistas Victor Burgin y Jeff Wall. Una obra esencial para estudiantes, profesionales y lectores interesados en la fotografía y los medios.
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Las colecciones particulares de algunos de los artistas más destacados de las últimas década, nos ofrecen, con estas piezas, información sobre las actitudes y referentes del pasado o de otras culturas que les han servido de inspiración y estímulo creativo. Artistas como Rosa Amorós, Miquel Barceló, Georg Baselitz, Luis Feito, Joan Hernández Pijuan, Manolo Millares, Joan Miró, Susana Solano, Hiroshi Sugimoto o Antoni Tàpies han buscado en el arte popular, en las tradiciones orientales, africanas y americanas, el sentido de lo que es sagrado.
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Durante los acontecimientos que tenían lugar en París en los famosos días de Mayo del 68, Carlos León se encontraba prestando el llamado servicio militar obligatorio. Tenía veinte años y acababa de tomar la primera decisión importante de su vida: abandonar los estudios de Medicina, que había comenzado a cursar en la Universidad de Valladolid, para entregarse a su recién descubierta vocación de pintor. En otoño de 1972 el joven artista marchó a París. El día de su llegada a la capital francesa, la visita a la exposición de Barnett Newman que tenía lugar entonces en el Grand Palais, constituyó para él un auténtico hapax llamado a orientar su incipiente trayectoria de modo determinante. Desde entonces no ha dejado nunca de pintar ni, a veces, de escribir.
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Acompaña a 21 perros en un paseo por la historia del arte. Desde los bustos del antiguo Egipto hasta las serigrafías de los años sesenta, el retrato es una forma de arte muy querida por pintores, escultores y fotógrafos. Esta guía divertida y atractiva presenta 21 de las obras maestras más importantes y reconocibles de la historia, reimaginadas con elegantes temas caninos. Con una perspectiva única y creativa, este homenaje canino es perfecto para los amantes de los perros y del arte.
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Comandado por Salvador Dalí, el gran barco del surrealismo surcó los mares turbulentos de principios del siglo xx con velas henchidas de sueños y deseos. Inspirados en la práctica del psicoanálisis de Sigmund Freud, los surrealistas abogaron por lo inconsciente para el dominio de la verdad, desinhibida por los patrones o las expectativas de la sociedad. Con técnicas que van de la hipnosis a los paseos nocturnos y la escritura automática, artistas como André Breton, Max Ernst, Brassaï y Meret Oppenheim crearon pinturas, dibujos, textos y películas con los que quisieron indagar en sus instintos más íntimos y primarios. Los resultados abundan en fantasías sexuales, en seres misteriosos y amenazantes, y en la contraposición de objetos o ideas aparentemente contradictorios. Este libro presenta una introducción a los orígenes y el magnífico legado del movimiento surrealista, una de las influencias más profundas y perdurables en el cine, el teatro, la literatura, el arte y el pensamiento. Artistas presentados: Hans Arp, André Breton, Giorgio de Chirico, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Paul Klee, René Magritte, André Masson, Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Meret Oppenheim e Yves Tanguy.
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Adéntrate en un mundo donde el diseño se fusiona con el arte de las maneras más audaces, subversivas y cautivadoras. Hermanos Haas: Uncanny Valley es la esperadísima primera monografía sobre el arte audaz, irreverente y fantástico de Niki y Simon Haas.Conocidos por su práctica creativa innovadora, el dúo trabaja en los campos del arte, la artesanía, el diseño y la tecnología con un enfoque a la vez conceptual y formal, e intelectual y lúdico.El libro acompaña la primera gran retrospectiva itinerante de mitad de carrera dedicada a los hermanos Haas en el Museo de Arte Cranbrook de Michigan en otoño de 2025, y destaca más de 100 de sus obras más icónicas, desde muebles casi ridículos que dan que hablar hasta atrevidas esculturas de tamaño natural.Textos enriquecidos, que incluyen relatos personales de primera mano de los hermanos y una entrevista con las artistas vanguardistas madre-hija Lita e Isabelle Albuquerque, complementan las vívidas imágenes del libro.
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Rosa Agenjo ens presenta els seus darrers treballs que corresponen al que podríem dir escultures de fang per a després ser pintades amb engalbes ceràmiques i, per un altre costat, al seguit de creacions domèstiques, modelades amb les mans, que presenten algun baix relleu, que posteriorment es pintat també amb el mateix mètode.Rosa Agenjo ens mostra una vegada més que l’evolució de l'artista en les seves creences plàstiques i amb amplitud de coneixements tècnics, permet sempre sorprendre a l’espectador.
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¿Cómo construyeron los egipcios las pirámides? ¿Por qué se momificaban a los muertos? ¿Qué hacían los egipcios en su tiempo libre? ¿Cómo se leen los jeroglíficos? ¿Por qué los dioses egipcios tenían cabezas de animales? ¿Cómo llegó Cleopatra a ser reina? ¿Quién fue víctima de la maldición de los faraones? A través de su mitología, historia y cultura, descubre los misterios del Egipto de los faraones con esta enciclopedia ilustrada con imágenes antiguas y absolutamente hermosas.
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Toda editorial tiene sus autoras fetiche, esas que sabes que no te van a defraudar cuando ves su nuevo trabajo. Este es el caso de Andrea Galaxina y su increíble experiencia dentro del mundo fanzinero de este país. Con esta publicación pretendemos recopilar, en un solo libro, llamémosle «fanzine gordo», la obra y pensamiento de Andrea Galaxina a lo largo de los últimos veinte años, donde ha usado el fanzine como una herramienta para contar cosas y explicar el mundo que ella misma no terminaba de comprender. «El fanzine ha servido, para muchas mujeres, como espacio de socialización y de construcción de identidades, para reafirmarse, empoderarse y para poder hablar de cuestiones difíciles».
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Neo Rauch es uno de los artistas contemporáneos más exitosos y populares del mundo. Rauch, una fuerza líder de la Escuela de Leipzig, el grupo de artistas que surgió de Alemania del Este a principios de la década de 1990 después de la caída del Muro de Berlín, rápidamente se estableció internacionalmente a través de sus grandes lienzos que presentan un cruce entre el surrealismo y la imaginería popular.Caracterizados por una paleta ácida brillante, los paisajes ambiguos de Rauch están poblados por figuras alienadas y conectadas espacialmente que evocan una atmósfera misteriosa de nostalgia distorsionada y utopía fallida. Esta monografía que abarca toda su carrera se realizó en estrecha colaboración con el artista y muestra el trabajo de Rauch junto con ensayos y textos que iluminan su trabajo y su carrera.
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Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025.El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo.En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes en el entorno del artista, incluso al pie de su taller de trabajo.Pero otras veces, y como fruto de las expediciones a distintos lugares del mundo, se incorporaban plantas exóticas que provenían de países lejanos y que enriquecían la flora artística, especialmente a partir del siglo XVI. De cualquier manera, las obras de arte dejan constancia de la fascinante capacidad de observación del medio natural de los artistas, que retrataban las plantas con delicadeza, como si fueran un personaje más».
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Tus amigos favoritos del fenómeno viral del Tiktok te esperan en las páginas de este hermoso libro. Prepara tus lápices de colores favoritos. Relájate y colorea las divertidas y simpáticas imágenes de cada escena.
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Un método sencillo y rápido para dibujar y pintar en pocas etapas, desde el esbozo a lápiz hasta el coloreado, tus animales marinos favoritos.
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Joana Vasconcelos, reconocida internacionalmente por sus esculturas e instalaciones monumentales, intervendrá los salones y jardines del Palacio de Liria. De esta forma se une con una de las colecciones histórico-artísticas privadas más importantes del mundo, que reúne piezas de artistas como Velázquez, Goya, Rubens, Tiziano o Murillo. Esta supone la primera vez que la artista lisboeta lleva sus obras a un gran palacio habitado, a diferencia de otras intervenciones realizadas en espacio históricos como el palacio de Versalles. Esto dota a la exposición de un diálogo especial no solo entre sus obras y el palacio, sino también entre la propia artista y el duque de Alba.
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Taller de acuarela II abarca desde la planificación y la preparación hasta inspiradores proyectos paso a paso que le ayudarán a entrenar su visión artística y a desarrollar sus habilidades plásticas. Las sencillas explicaciones de los principios de la pintura le animarán a abordar todo tipo de temas, desde paisajes hasta naturalezas muertas, y las ilustraciones de «Evolución de la imagen» aportan una visión general de los proyectos en un solo vistazo. Las galerías de obras de arte contemporáneo le enseñan cómo se han acercado los artistas consagrados a distintos temas y técnicas. Taller de acuarela II aporta un enfoque nuevo a la plástica, ayudándole a conseguir los mejores resultados.
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