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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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La primera monografía completa dedicada al innovador artista neoconceptual Tavares Strachan, una de las voces más audaces, polifacéticas y relevantes del arte contemporáneo global.Tavares Strachan se ha consolidado como un creador indispensable cuya práctica, abierta y sin límites disciplinares, ofrece perspectivas críticas sobre temas sociales y políticos urgentes. A través de la arqueología, la historia, la geografía, la ciencia y la climatología extrema, Strachan construye exposiciones alegóricas de escala monumental que confrontan el colonialismo, el desplazamiento cultural, las limitaciones mortales y las grandes aspiraciones de la humanidad.Fruto de rigurosas investigaciones y de colaboraciones con líderes de opinión mundiales, sus proyectos han dejado una huella imborrable en el panorama internacional:• La Primera Cena: Su colosal escultura para la Royal Academy de Londres, convertida en una de las obras de arte más aclamadas y visitadas en el año 2024.• Plataforma BASEC: La fundación del Bahamas Aerospace and Sea Exploration Center en su ciudad natal, Nassau, uniendo arte y ciencia.• Proyecto ENOCH: El lanzamiento al espacio en 2018, en colaboración con el LACMA, de un satélite que orbitó la Tierra durante tres años para rescatar del olvido la historia de Robert Henry Lawrence Jr., el primer astronauta negro de la historia.¿Qué incluye este volumen exclusivo?Diseñado en estrecha colaboración con el propio artista y formando parte de la prestigiosa Serie de Artistas Contemporáneos de Phaidon, este libro ofrece una inmersión total en su universo:• Una conversación profunda con Tavares Strachan que desvela sus procesos creativos y conceptuales.• Ensayos y contribuciones textuales de destacados escritores y expertos internacionales como Emma Dabiri, Gavin Delahunty y Michele Robecchi.• Una visita guiada al estudio del artista a través de fotografías encargadas en exclusiva para esta edición.• Una cronología completa y detallada de la fascinante carrera de Strachan.Publicada por Phaidon Press, esta oportuna monografía es una pieza de colección imprescindible para museos, galerías, coleccionistas y cualquier apasionado por el arte que define e interpela el clima cultural de nuestro siglo.
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Edición dedicada a una de las artistas contemporáneas con mayor proyección internacional, y a la primera mujer invitada a exponer en Zabalaga, en el Museo Chillida. Esta publicación recoge dieciocho obras que configuran una instalación creada por la artista para el caserío de Eduardo Chillida junto al Museo Chillida de San Sebastián. Primera publicación tras la muerte de la artista en marzo de 2023. Incluye un texto de Ben Luke, editor en The Art Newspaper. Un libro de grandes proporciones que evoca el desbordamiento de las obras del artista.
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Apoteosis Now ofrece una impactante constelación visual que resiste la narración lineal. Desligado de la cronología y de los marcos narrativos tradicionales, el libro configura una suerte de Aleph: un espacio donde conviven el hecho, la ficción, la intuición y el simbolismo.A lo largo de su carrera, de Middel ha utilizado la narrativa como una herramienta para imponer orden al caos del mundo, construyendo a menudo historias a través de la ficción documental y universos simbólicos. En Apoteosis Now, sin embargo, se aleja deliberadamente de este enfoque. La narrativa no desaparece, pero deja de ocupar el eje central. En su lugar, la obra responde a una condición contemporánea de saturación narrativa: una cultura del ''todo a la vez'' en la que las explicaciones interminables corren el riesgo de vaciar las imágenes de su poder. Cada fotografía existe de forma autónoma, liberada de la secuencia y de la explicación. Un niño se sienta en silencio sobre un burro junto a un hombre mayor frente a un edificio en ruinas, una pila de bordes de pizza quemados se eleva precariamente sobre una mesa, un solitario trozo de carne descansa bajo la suave luz de la ventana de un avión. Estas escenas oscilan entre lo cotidiano y lo surreal, entre la documentación y la invención. Despojadas de contexto, nos invitan a detenernos, a demorarnos y a mirar con más atención de la que solemos conceder.
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El best seller del crítico de arte más importante del mundo: un manual que todos los artistas, expertos y aficionados deberían leer.Ingenioso, apasionado y ganador del Premio Pulitzer, Jerry Saltz -crítico de arte de New York Magazine-, es contactado a menudo por artistas, comisarios, galeristas, profesionales y todo tipo de aficionados al arte para pedirle consejos. Basándose en su experiencia durante décadas de inmersión en el mundo del arte, Jerry Saltz ha logrado reunir todas las respuestas y las ha ordenado en un manual imprescindible para defenderse en el mundo del arte. Cómo ser un artista está repleto de consejos, reglas y ejercicios diseñados para dejar atrás los bloqueos creativos, incentivar la motivación y saber cómo defender una voz y lenguaje propios. Este libro ayudará a cualquier persona creativa a trabajar sus rutinas, mejorar los procesos, entender cómo funciona el mundo del arte y lograr sus sueños.¿A quién va dirigido el libro Cómo ser un artista?Este libro se dirige a cualquier persona con inquietudes creativas, tanto artistas profesionales como aficionados. Se presenta como una guía útil para quienes buscan mejorar sus procesos creativos, superar bloqueos artísticos y comprender mejor el funcionamiento del mundo del arte. Independientemente del nivel de experiencia, el libro ofrece herramientas y consejos para desarrollar una voz artística propia y alcanzar las metas profesionales. Está especialmente indicado para aquellos que buscan orientación y apoyo en su camino artístico.Temas que trata el libro Cómo ser un artistaEl libro aborda una amplia gama de temas relevantes para el desarrollo artístico. Se centra en proporcionar consejos prácticos y ejercicios para:Superar bloqueos creativos: El autor ofrece estrategias y técnicas para desbloquear la creatividad y mantener la motivación. Se enfatiza la importancia de la perseverancia y la práctica regular.Desarrollar una voz artística propia: El libro guía al lector en el proceso de definir su estilo personal y desarrollar un lenguaje visual único. Se anima a la experimentación y a la búsqueda de la propia identidad artística.Mejorar los procesos creativos: Se ofrecen herramientas para optimizar las rutinas de trabajo, mejorar la eficiencia y desarrollar una metodología efectiva para la creación artística.Comprender el mundo del arte: El libro proporciona información sobre el funcionamiento del mercado del arte, las relaciones entre artistas, galeristas y coleccionistas, y las estrategias para promocionar el propio trabajo.Lograr los objetivos artísticos: Se proporciona orientación sobre cómo establecer metas realistas, desarrollar un plan de trabajo y perseverar en el camino hacia el éxito artístico.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Cómo ser un artistaAún no hay opiniones o críticas disponibles públicamente sobre Cómo ser un artista.
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¡¿Diamantes en la basura?! Quien tiene ojo para ello, puede ver la belleza en todas partes, también en la basura y en los objetos más inútiles. La diseñadora Anja Brunt y la ilustradora Tineke Meirink han estado siempre interesadas en la belleza de lo cot
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Más allá de la ligereza y frivolidad que la crítica ha tendido a ver en los cuadros de Antoine Watteau, Walter Pater descubre en ellos su profunda melancolía,su trágica y delicadísima seriedad, como si en aquelmundo de ensueño galante que Watteau creaba hubiera ya a principios del siglo XVIII un presentimiento deltrágico final que había de tener la gozosa y elegantesociedad en que él se inspiraba.
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En 1600 Rubens conoció a Claudio Monteverdi, miembro de la capilla ducal. Durante los años que compartieron en la corte de Mantua, el pintor y el compositor desplegaron su arte en un momento crucial tanto de la música como de la pintura. A través del aná
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La exposición ''Paisajes pensados” pone en relación algunas pinturas de Ortega Muñoz realizadas hace algunas décadas con fotografías actuales, tomadas por JM Ballester.Con la iconografía del extremeño en mente, Ballester aceptó la invitación de la Fundación Ortega Muñoz y, lanzado a recorrer parecidos caminos y contemplar semejantes territorios, tan sólo impregnado con el espíritu del pintor, ha mirado el territorio y ha sentido una emoción similar. El resultado es una sorprendente cercanía entre las pinturas de uno y las fotografías del otro. No es que esos paisajes de viñedos, trigales u olivares no hayan cambiado en exceso durante las últimas décadas, pues sí lo han hecho, aunque de manera muy sutil debido a la industrialización de la agricultura, sino que el motivo de la aproximación entre las obras de ambos artistas es el haber actuado con una semejante sensibilidad y desde compartidas posiciones de devoción y respeto hacia la naturaleza.Ambos son dos artistas modernos, cada uno a su manera y en su momento. Ballester tiene ese crédito unánimemente reconocido y Ortega Muñoz lo tuvo en su momento, gracias a su acusada convicción y peculiaridad estilística, cuando lo fácil hubiese sido renunciar a sus convicciones para sumarse a las convenciones de lo fugaz y lo decorativo. La Fundación Ortega Muñoz viene desarrollando desde hace ya casi dos décadas una importante labor en torno al pintor nacido en San Vicente de Alcántara destinada a poner en valor la obra artística de Godofredo Ortega Muñoz mediante el estudio y la catalogación de su corpus pictórico.Un esmerado trabajo encaminado a establecer un diálogo con otros artistas de su tiempo y/o actuales, a fin de entender la estrecha relación que mantiene su particular visión del mundo con el espíritu de nuestro tiempo.Dado el carácter fundamentalmente paisajístico de las pinturas realizadas durante las últimas tres décadas de su vida, es pertinente ofrecer, desde una perspectiva actual, diferentes aproximaciones humanísticas a la naturaleza, en particular, la extremeña, por medio de publicaciones poéticas, históricas y ensayísticas.
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Barcelona és famosa arreu del món per la seva arquitectura modernista, però allò que no és tan conegut és que moltes construccions modernistes han anat desapareixent. En aquest quart volum es rescaten de l'oblit edificis i establiments de gran valor arquitectònic desapareguts de Sarrià i Vallvidrera.
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Vivimos tiempos de profunda transformación en lo que concierne a los ideales y valores de la sociedad y, en este contexto todavía confuso, destaca la evolución del papel de la mujer, su relación con las figuras masculinas, con el trabajo, la maternidad y el sexo. La clínica acoge viejas y nuevas formas de la subjetividad femenina y genera multitud de interrogantes que mueven a la reflexión. Con esta edición, GRADIVA se propone dar a conocer la mayoría de los trabajos presentados en las XI JORNADAS DE INTERCAMBIO EN PSICOANÁLISIS, realizadas en Barcelona los días 21 y 22 de abril de 2023.¿Y la mujer?, es una pregunta que alude a una de las metáforas que utilizó Freud ante lo enigmático y oscuro que era para él lo femenino, refiriéndose no solo a la mujer sino también a lo femenino en el hombre. Ante estos enigmas, Freud comparaba su perplejidad al asombro que podía sentir un marciano si aterrizara en la tierra y descubriera la diferencia de los sexos, asombro semejante, quizás, al del niño o niña que van descubriendo las diferencias sexuales anatómicas que generan en ellos tantas preguntas.Sabemos que gran parte de sus teorizaciones sobre la mujer giraron más en torno a la dialéctica alrededor de la castración, de lo fálico-castrado, que a conceptualizar propiamente las diferencias, dándole al «tener» un valor relevante y quedando lo femenino como enigmático o excluido como diferente. En otros momentos, en diálogo con sus contemporáneos, se iban elaborando conceptos que abrían caminos para conceptualizar las diferencias que hacen a la construcción subjetiva de la mujer y del hombre. Concepciones que incluían los aspectos femeninos y masculinos tanto en el hombre como en la mujer, fruto de las identificaciones, y también desarrollaron conceptos sobre lo específico de cada género.Es necesario recordar que estas elaboraciones se gestaron en coherencia con los aspectos sociales y culturales propios de la época. Tenemos que situarnos a finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX, donde regía el patriarcado y el ejercicio del poder por parte de los hombres, también fueron años muy convulsos históricamente, en los que las dos guerras mundiales dejaron profundas heridas. En este contexto, la mujer tenía asignadas funciones que debía cumplir: ser cuidadora, esposa y madre, quedándole poco o nulo espacio para su proyección intelectual y laboral. Las mujeres tuvieron aún que recorrer un largo camino para tener voz y voto en la sociedad en general.Han pasado alrededor de cien años desde que se publicaron los primeros textos freudianos sobre la sexualidad femenina, han sido considerables los cambios que se han dado en relación con el lugar que ocupa la mujer en la actualidad en el ámbito familiar, laboral y social, han surgidos nuevas formas de concebir la sexualidad, la reproducción y el género. Nos confrontamos con la sexualización precoz, con la disforia de género, con otras corrientes que niegan o reniegan de las diferencias sexuales y anatómicas… Si buscamos en las redes y en la bibliografía, nos encontramos con un número considerable de definiciones de distintas sexualidades, ¿quizás los enigmas sobre la identidad sexual siguen vigentes?, ¿quizás los adolescentes y jóvenes buscan respuestas en las redes? Necesitamos de nuevos parámetros para poder entender y abordar la clínica actual. Son muchos los pacientes que consultan por su malestar ante ciertos conflictos fruto de crisis identitarias o en los que la identidad sexual ocupa un lugar. Conflictivas que nos sitúan como analistas ante dinámicas tranferenciales – contratransferenciales que implican para nosotros nuevos retos.
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Dibujos a lápiz simpáticos, geniales y originales al estilo pop surrealista Si quieres crear tus propios personajes manga al bello y peculiar estilo de la destacada artista del surrealismo pop Camilla d'Errico, estas treinta lecciones didácticas y sencillas son justo lo que necesitas. Con un lenguaje ameno y motivador, la autora te guiará paso a paso por sus lecciones de dibujo a lápiz y con portaminas mediante ejercicios perfectos para todos, desde los principiantes hasta aquellos que se apuntan al reto de las clases magistrales. En las páginas de este libro encontrarás información sobre cómo trabajar elementos complicados (como las manos, el cabello humano, el pelaje animal y los fondos) para dibujar sirenas, niños dragón, niñas leopardo, vampiros y todo tipo de personajes rebosantes de creatividad y carácter. Dibujo manga pop es una oportunidad única de acceder a los fundamentos de la expresión artística y te ofrece todas las herramientas que necesitas para crear tus propias obras maestras de arte manga pop.
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* El surrealismo surgió como un movimiento literario y artístico dado a conocer por el poeta francés André Breton en 1924, con el Manifiesto surrealista. * Los artistas surrealistas ahondaron en el inconsciente y gozaron con yuxtaposiciones de raros obj
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Miriam Margarita Basilio Gaztambide (nacida en 1967 en San Juan, Puerto Rico) es una historiadora del arteestadounidense y profesora asociada de estudios de museos e historia del arte en la Universidad de NuevaYork. Los intereses intelectuales de Basilio incluyenel arte latinoamericano, el arte político y otros temas de política, arte e identidad.
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¡Vuelve el trepidante manga de Rei Hiroe! Un grupo de cinco asesinas trajeadas están sembrando el terror en Roanapura, matando a varios objetivos cuyo único punto en común es que son hombres altos de color. Chang decide tomar el toro por los cuernos y, al ver el interés de Rock en el asunto, lo contrata para liderar la investigación. La única pista que tiene es que las asesinas han fijado una fecha: el 19 de septiembre de 1989.
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Las ilustraciones nos llegan al corazón, nos hacen reír y ponen color a nuestras vidas. Verlas es maravilloso pero dibujarlas…, ¡mucho más! Yooco Takashima ha creado este libro para que llenes de pequeñosy bellísimos dibujos tu agenda, tu diario personal, los apuntes de clase, tu calendario de pared y todo loque se te ocurra. Aprenderás a dibujar casi 500 fi guritas japonesas al más puro estilo kawaii. Personas,animales, comida, electrodomésticos, objetos de casa…, ¡No habrá cosa ni emoción que no puedas expresar en un pequeño y bello dibujo! Sencillísimas instrucciones paso a paso. Igual que cuando haces caligrafía, practicarás cada fi gura observándola, resiguiendo una plantilla y, por último, dibujándola por tu cuenta. ¡Al fi nal lo harás hasta con los ojos cerrados! Y con un catálogo utilísimo de iconos imprescindibles para tu día a día. ¡El método más sencillo y divertido de iniciarte en el dibujo!
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Walter Simonson ha sido uno de los grandes artistas de MARVEL y su obra ha sido de las más importantes de la editorial. En este pack encontrarás una revista que recoge toda la etapa de Simonson en THOR, con muchas curiosidades, extensos artículos de cada arco argumental y todo lo relacionado con este personaje y su serie durante los años 80.La otra revista recoge los inicios de la trayectoria profesional de Simonson en la editorial MARVEL y un recorrido por su trabajo en la misma.Información imprescindible para los seguidores de este genial autor y su obra más emblemática en MARVEL.
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El arte japonés del sumi-e es la técnica que utiliza la pintura zen para expresar el mundo interior. Su práctica implica una actitud consciente que sosiega la mente, permite encontrar un espacio para la calma, la creatividad y la sensibilidad, y reflejar la constante transformación de nuestra naturaleza vital. Este libro, con un lenguaje sencillo y poético, nos ofrece una clara visión de los principales aspectos de la pintura zen y del método del sumi-e. En sus páginas se describen detalladamente los materiales utilizados (tinta sólida, tinteros de piedra, pinceles de bambú y papeles de fibras) y nos enseña las diferentes pinceladas y técnicas particulares de los cuatro honorables caballeros: el bambú, el ciruelo, el crisantemo y la orquídea silvestre, con la noble finalidad de encontrar un camino para expresar nuestra creatividad, disfrutando de la espontaneidad y la fluidez al pintar.
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La obra y la vida de Pablo Palazuelo está determinadapor dos viajes. A pesar de su temprana vocación porser pintor, su padre le convenció de la necesidad derealizar una carrera universitaria. Por este motivo inició un primer viaje formativo que le llevó hasta laciudad británica de Oxford para cursar estudios de arquitectura. Tras la concesión de una beca del Gobierno Francés, Palazuelo emprendió hacia París su segundo viaje. Un viaje iniciático donde logró el apoyo delos galeristas Maeght, y conoció a artistas de la talla de Braque, Calder, Giacometti, Miró o Chillida. Enla capital francesa no solo desarrolló una intensa obra pictórica, sino que también la trascendió hasta los ámbitos de la escultura y la arquitectura.
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Al cumplir ochenta años, David Hockney buscó por primera vez la tranquilidad de la naturaleza: un lugar donde admirar la puesta de sol y el paso de las estaciones, un lugar donde mantenerse al margen de la locuradel mundo. Así, el azote de la covid-19 y el confinamiento apenas cambiaron la vida en La Grande Cour, una centenaria casa de campo en Normandía donde Hockneyhabía montado un estudio un año antes, a tiempo de pintar la llegada de la primavera. Es más, incluso disfrutó del aislamiento obligatorio como una oportunidad para dedicarse a su arte con una mayor devoción.No se puede detener la primavera es un manifiesto que reafirma la capacidad del arte para distraernos e inspirarnos. Basado en una gran cantidad de correspondencia y de conversaciones recientes entre Hockney y el crítico de arte Martin Gayford, este libro incluyetambién una selección inédita de los nuevos dibujos en iPad que Hockney creó en Normandía, así como obrasde Van Gogh, Monet y Bruegel, entre otros artistas.Tras una brillante trayectoria al margen de la crítica y de la tradición, Hockney continúa totalmente concentrado en las temáticas que le han fascinado durante décadas: la luz, el color, el espacio, la percepción, el agua, los árboles. Tiene mucho que enseñarnos,no solo sobre cómo mirar... sino también de cómo vivir.
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Técnicas y trucos novedosos y fáciles para pintar a la acuarela Obra de gran ayuda y fuente de inspiración para captar la belleza de los paisajes nevados. Terry Harrison, un maestro en pintar de la manera más fácil, comparte en este libro un tesoro de
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Dibujar plantas con acuarela combina el placer de reproducir bellas formas orgánicas con la sorpresa de la impredecible magia de esta técnica pictórica. ¡Lánzate al arte botánico y déjate llevar!· TÉCNICAS BÁSICAS Cómo mezclar verdes, trazar dibujos previos, preparar mezclas de color, pintar húmedo sobre húmedo. Aprende las técnicas de acuarela fundamentales en la ilustración botánica.· 20 PROYECTOS PASO A PASO PARA DIBUJAR PLANTAS FANTÁSTICAS Desde frondosas hojas de helecho hasta espinosos cactus erizo, pasando por la irresistible Monstera deliciosa, las gráciles hojas de palmera o románticos ramos de flores secas, practica con numerosas formas botánicas, todas las gamas de verdes y hermosas paletas de color adicionales.· CREATIVIDAD Aprende a soltar el control del medio y a dejar que la pintura y el agua interactúen y decidan por su cuenta, sumérgete de lleno en el placentero proceso de creación en acuarela y lograrás obtener con orgullo tus propias láminas de arte botánico.
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La poesía no es un género literario, ni tampoco un método para contar sílabas o una plataforma de exhibición narcisista. Es un modo radical de estar en el mundo fundamentado en las aspiraciones primeras del ser humano. En la actualidad, el capitalismo ha cristalizado en una práctica que acapara todos y cada uno de los vínculos sociales. Nunca antes había sido tan necesaria una experiencia vital que, junto con las demás formas de resistencia, contribuya a sustituir las dinámicas económicas por otras basadas en nuestros deseos profundos. Es aquí donde las potencialidades de la poesía por todos los medios pueden aportar un principio de solución. Frente a ese proceso continuo de desposesión, el materialismo poético propone la práctica sistemática, real y cotidiana, de la poesía como «forma de reconstrucción de la vida concreta a partir de las relaciones poéticas particulares que se producen en ella».
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KAWS es uno de los artistas contemporáneos más populares y reconocidos, cuyo alcance va mucho más allá del mundo del arte y se extiende a los ámbitos de la moda, la música y la cultura popular en general.KAWS, que comenzó su carrera como grafitero en la década de 1990, ha ampliado su repertorio a la pintura, la escultura, el dibujo, el diseño de productos y la realidad aumentada, formando juntos una visión artística que une todas estas prácticas. KAWS ha colaborado con algunas de las marcas internacionales más destacadas, como Uniqlo, Comme des Garçons, Supreme, Nike, Dior, sacai, General Mills y muchas más.El libro incluye imágenes del estudio del artista realizadas por Jason Schmidt y una selección de dibujos preparatorios inéditos de KAWS, así como obras que abarcan toda su carrera, desde sus primeros días de graffiti hasta sus juguetes de vinilo altamente coleccionables, complejas pinturas abstractas y esculturas públicas monumentales.Este libro, profusamente ilustrado y en el que se recogen los estudios más importantes sobre su obra realizados hasta la fecha, es un estudio definitivo sobre la vida y la carrera de este extraordinario artista.
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Cada título de esta serie está dedicado a una técnica (acuarela, óleo, acrílica, pastel, etc.), tal y como reza el enunciado de la colección. Se trata de un conjunto de libros en cada uno de los cuales se explican de forma detallada y exhaustiva todos los aspectos que necesita saber para conseguir conocer a fondo la técnica en cuestión y poder así pintar con ella con soltura y dominio. Los volúmenes están estructurados de forma enciclopédica, a base de capítulos monográficos que contienen pequeños apartados. Todas las explicaciones se acompañan de la ilustración correspondiente al objeto de que ningún tema quede sin comprensión. Los volúmenes se cierran con un índice detallado para facilitar la consulta, la utilidad y el manejo de cada tomo, que viene a ser un vademécum con todo el acopio de conocimientos sobre la técnica en él tratada.
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Born in Argentina and based in Berlin, Tomás Saraceno creates projects in dialogue with forms of life and life-forming, rethinking dominant threads of knowledge in the “Capitalocene” era and recognising diverse modes of being. This book, published to accompany a solo exhibition at the Serpentine Gallery in London, presents his ongoing research on proverbs. The proverbs collected here are an invitation, an exercise in collective memory, for some to change habits and not the climate. Saraceno pursues the question of whether such popular sayings carry the knowledge to forecast other climates. What if we could all re-learn how to read the weather without relying on the digital cloud?
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En el año del centenario de la muerte de Lluís Domènech i Montaner, Triangle Books ha reunido en un solo libro los mejores especialistas sobre Domènech en general y sobre sus edificios en particular para entender la polifacética personalidad e interpretar la obra de un arquitecto capital en la historia del arte europeo. El libro empieza con unos artículos introductorios que presentan el arquitecto en el contexto del Art Nouveau europeo y explican sus diferentes facetas: cívica, política, académica... y continúa con las monografías de sus edificios, desde la Editorial Montaner i Simon (1979-1881) hasta la Casa Fuster (1908-1911) pasando, claro está, por el Palau de la Música o el Hospital de Sant Pau, ambos Patrimonio Mundial.
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A través de 30 proyectos paso a paso, la galardonada artista Harriet de Winton nos guía magistralmente para aprender a pintar bellos animales, insectos y seres vegetales de todo el mundo. Una introducción perfecta no solo al arte botánico, también a las bases de la técnica de la acuarela, la composición y la teoría del color.
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Demasiados artistas se encuentran en una rutina frustrante: incapaces de vender sus cuadros colgados en galerías y atascados en proyectos que no pueden terminar o abandonar, utilizan cualquier excusa para evitar trabajar en el estudio. La autora, Carol Marine, sufría ese bloqueo del pintor, hasta que descubrió la pintura diaria. La idea es simple: hacer arte (normalmente pequeño), a menudo (la frecuencia depende de cada uno) y, si se desea, publicarlo y venderlo en Internet. Hoy, Marine figura entre los mejores y más célebres pintores diarios, y es la comisaria de la popular galería online dailypaintworks.com. En este libro revela los consejos y trucos que la ayudaron -tanto a ella como a otros pintores diarios- a tomar el pincel y crear un trabajo hermoso, abundante y comercializable. Con un tono alentador y ejercicios útiles, Marine te enseña a: * Dominar la composición y el valor. * Tener confianza en cualquier medio (incluida la pintura al óleo, la acrílica, la acuarela y otras). * Elegir los temas sabiamente. * Fotografiar, publicar y vender tu arte en línea. * Conectar con el creciente movimiento de pintores diarios en todo el mundo.
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Catalogo de la exposición sobre joyeria tradicional y contemporánea en el Museo del Traje de MadridESCULTURA TÍMIDA. DIÁLOGOENTRE LA JOYERÍA TRADICIONAL Y LA CONTEMPORÁNEA,recorre la creación española de los últimos 50 años a través de la lecturacomún de aquellas raíces atávicas que la conectan con la antigua tradición joyera que custodia el Museo del Traje.Las joyas tradicionales españolas dialogan con las creaciones de representativos artistas joyeros contemporáneos a través de conceptoscomunes que revitalizan la pervivencia de la creatividad como nexo que une ambas formas de hacer y de pensar las joyas.
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A menudo el pasado deja cabos sueltos, asuntos por resolver, interrogantes que persiguen nuestro futuro. Esto es lo que le ocurre al protagonista de El final de todos los agostos, de Alfonso Casas. Justo antes de casarse, con el pretexto de un proyecto fotográfico sobre el paso del tiempo, Dani viaja al pueblo costero donde solía veranear durante su infancia. Un lugar que hace veinte años que no pisa y que, a medida que avanza la historia, va revelando la importancia que adquirió en su vida, porque allí descubrió, entre otras muchas cosas, el profundo significado de la amistad. El viaje físico, pero sobre todo interior, que emprende Dani para tratar de dar respuesta a esa martilleante pregunta: «¿Y si...?» se articula en una historia conmovedora, dotada de una ternura excepcional, que aviva en nosotros la nostalgia por todo aquello que dejamos atrás.
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La muerte no es el final de las cosas, sino la continuación de la vida, significa dar el siguiente paso en el ciclo natural y poder disfrutar de ello. Las calaveritas de azúcar y las catrinas son ya un símbolo universal que muestran con humor y encanto el amor por nuestros seres queridos. ¡Llenémoslos de color!
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Saca, 1504 es un proyecto fotográfico de Manuel Naranjo Martell desarrollado a lo largo de casi una década en torno a la Saca de las Yeguas de Doñana (Huelva, España), hoy Parque Nacional y Patrimonio de la Humanidad. Regulada jurídicamente en 1504 por una ordenanza del Duque de Medina Sidonia, la Saca es heredera de prácticas ganaderas y ecuestres anteriores, vinculadas al mundo de Al-Ándalus y a la gestión histórica de la marisma. El libro sitúa a los yegüerizos como figuras centrales de este rito y los reconoce como antecesores directos de la cultura ecuestre americana. Su conocimiento del caballo y del territorio cruzó el Atlántico junto a los equinos llevados a América en 1493 —caballos de sangre marismeña— y dio origen, con el tiempo, a figuras como el cowboy, el llanero, el charro o el gaucho.Más que documentar un acontecimiento, Saca, 1504 propone una lectura visual de una herencia histórica y cultural compartida entre las tierras del bajo Guadalquivir y América, articulada en torno a un vínculo profundo con el caballo, arraigado tanto en los yegüerizos de Doñana como en las culturas ecuestres de los pueblos nativos norteamericanos, la llamada Horse Nation.
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«Lincoln Perry ha escrito unas memorias de artista irresistiblemente cercanas y amenas, donde abundan frases para el recuerdo. Nada puede reemplazar al arte visto in situ, como Perry nos dice, pero pasear de la mano de este observador ideal ''un artista en ejercicio dotado de una mirada aguda y empática'' es una experiencia verdaderamente emocionante». JOYCE CAROL OATES Una visita al museo puede resultar abrumadora, extenuante y poco gratificante. Sin embargo, mirar las obras de arte de la mano de un artista se convierte en una experiencia enriquecedora y memorable. Desde la amplitud de su experiencia visual, que abarca la antigua Grecia, el Renacimiento, el arte africano y el asiático, o el modernismo, Lincoln Perry nos acerca a nuevas maneras de ver y de apreciar el arte. A lo largo de quince ensayos, consigue que las obras más diversas nos resulten cercanas y accesibles, y enriquece el relato con historias personales de su formación como pintor y escultor, o de aquellos días en los que todavía se podía pasar la noche en el aparcamiento del Museo del Louvre dentro de una furgoneta destartalada. A partir de varios ejemplos de arte europeo, el autor le da la vuelta a algunos conceptos establecidos y nos anima a evitar los prejuicios en nuestros gustos artísticos. Aborda también la manera en que leen las obras de arte creadores tan diferentes como Rodin, Picasso, Brueghel, Bernini, Courbet, Rubens, Pollock o Rothko. Y habla sobre la percepción del espectador: cómo influyen en ella la escala y el formato, y cómo se pueden entender esculturas y murales de una forma más personal. La mirada del artista es, en definitiva, un libro esclarecedor y lleno de revelaciones tanto para expertos como para aficionados. «Pasear de la mano de este observador ideal ''un artista en ejercicio dotado de una mirada aguda y empática'' es una experiencia verdaderamente emocionante».JOYCE CAROL OATES «El viaje que propone Lincoln Perry es un muestrario de lo que él ve y cómo lo ve, y es maravilloso. Cada página supone una revelación».JAMES GLEICK, autor de Caos: La creación de una ciencia«La mirada del artista revela hasta el mínimo detalle las interacciones de la luz, el color y los planos espaciales que se ocultan bajo la suntuosidad de las pinturas más importantes. Las lecciones de Perry son enormemente esclarecedoras».Kirkus Reviews
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El arte de Feefal es la primera obra publicada de la artista sueca Linnea Kikuchi, conocida como Feefal. Déjate sorprender, encantar e intrigar por su trabajo, sus creaciones surrealistas pero absolutamente creíbles, su extraordinario mundo de personajes divertidos en escenarios llenos de curiosas cualidades macabras y oníricas. En esta obra nos guía a través de piezas clásicas, obras nunca antes vistas y tutoriales donde nos revela pensamientos personales sobre su proceso creativo junto con las técnicas que utiliza para dar vida a estas ideas. En este libro, Feefal comparte las primeras influencias y puntos de vista que la pusieron en el camino para convertirse en la artista que es hoy. También se toma tiempo para detallar su atracción por lo oculto, solo uno de los temas de otro mundo que aparecen en su trabajo.
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Aunque nos gustaría cartografiarlo de forma minuciosa, el cuerpo humano siempre se ha resistido a ofrecernos un mapa definitivo de sí mismo. Lo único que tenemos de él son retazos y jirones, invitaciones a la digresión y al ensueño. El ensayista Pablo Maurette y el artista Julio César Pérez se han embarcado en esa aventura cartográfica asumiendo de antemano la derrota de toda pretensión universal y han compuesto un atlas del cuerpo tan fragmentario como deslumbrante: un itinerario que se sirve de la historia de la ciencia y de la historia del arte, pero también del detalle y lo particular, de la anécdota prosaica, del asombro y la melancolía, para invitarnos a reflexionar sobre la materia de la que estamos hechos.
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* Un viaje a través de la historia mediante 80 obras de arte y sus gamas cromáticas cuidadosamente seleccionadas. * El color permite a los artistas narrar historias, expresar su individualidad, evocar una atmósfera y plasmar mensajes subliminales, y los artistas más grandes han cargado sus pigmentos con referencias sociales, políticas y religiosas. * Desde tierra a piedras semipreciosas e insectos machacados, se examinan los inesperados materiales utilizados para crear pigmentos y hasta qué extremos han llegado los artistas para conseguirlos. A través de 80 maravillosas obras de arte, desde pinturas rupestres a obras maestras contemporáneas, a lo largo de estas páginas podrá navegar por puntos de inflexión de mayor y de menor importancia, así como a contemplar obras conocidas y otras que no lo son tanto a través de una perspectiva nueva y vibrante. Para estas obras, el color no es solo una herramienta, sino también el secreto fundamental de su éxito.
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