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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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¿Qué es la pintura?
Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesan nuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julián Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturaleza del medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representación visual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.
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El no
Confesión de ignorancia o de carencia de palabras, elno sé qué goza de una larga tradición, que abarca desde el mundo latino hasta la Europa moderna, y atraviesa la mística y la retórica, la psicología y la filosofía, la producción poética y la prosa. Como expresión de una vivencia en los límites de lo decible, elno sé qué (je ne sais quoi francés o non so che italiano) ha dado pie a brillantes reflexiones, diálogos ytratados. De manera especial, entre los siglos XVIIy XVIII, con las aportaciones de Bouhours, Leibniz, Feijoo, Marivaux o Montesquieu, el no sé qué concitaráa su alrededor los conceptos más importantes con losque irá configurándose la estética moderna de la quesomos herederos. Sentimiento, gusto, gracia, simpatía, soltura, sorpresa, delicadeza,encanto, arte o naturaleza, son nociones que recorren esas zonas de la experiencia estética que no siempre sabemos explicar.
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Monstruos
¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberíamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relación que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona cómo conciliar nuestra indignación y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va más allá: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es también madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran éxito de crítica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una época en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razón de serlo, pero plantea también importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepción misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos más oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es más, ¿qué ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo víctima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.
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No pienses, mira
Inteligencia, sensibilidad y claridad expositiva en un libro exquisito. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz sobre cuestiones artísticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relación directa con las obras. Entre la memoria íntima, la observación culta y el análisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra más de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.
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Entre la memòria íntima, l'observació culta i l'anàlisi social, Ibarz condensa un conjunt d'idees per establir una relació directa amb les obres d'art, siguin del tipus que siguin. Intel·ligència, sensibilitat i claredat expositiva en un llibre exquisit. Professora d'art i cronista d'exposicions durant una bona colla d'anys, els punts de vista de Mercè Ibarz sobre qüestions artístiques són sempre personals, fonamentats i d'una gran lucidesa. En aquest llibre convida el lector a enfocar la mirada i establir una relació directa amb les obres.Entre la memòria íntima, l'observació culta i l'anàlisi social, No pensis, mira és un assaig exquisit i estimulant, una mostra més de la intel·ligència, la sensibilitat i la claredat expositiva que defineixen l'autora.¿A qui va dirigit el llibre No pensis, mira?Aquest llibre s'adreça a un públic ampli interessat en l'art i la seva experiència. Es presenta com una invitació a una relació personal i directa amb les obres d'art i les exposicions. El seu enfocament és accessible tant per a aquells amb coneixements previs en art com per a aquells que s'hi apropen per primera vegada. La claredat expositiva de l'autora facilita la comprensió dels conceptes plantejats, convertint-lo en una lectura enriquidora per a un públic divers. L'obra es presenta com una proposta estimulant per a qualsevol persona que desitgi aprofundir en la seva pròpia experiència amb l'art, més enllà de la simple contemplació.Temes que tracta el llibre No pensis, miraNO PENSIS, MIRA explora la relació personal i individual que cada persona estableix amb les obres d'art i les exposicions. L'autora, amb la seva experiència com a professora d'art i cronista d'exposicions, convida el lector a enfocar la mirada i a establir una connexió directa amb les peces artístiques. El llibre es centra en la importància de l'observació, la memòria íntima i l'anàlisi social com a eines per comprendre i apreciar l'art. Es tracta d'una reflexió sobre l'experiència estètica, que combina l'observació culta amb l'experiència personal i la perspectiva social. El llibre no es limita a una simple descripció d'obres d'art, sinó que aprofundeix en la manera en què aquestes interactuen amb la memòria, la cultura i la societat, convidant a una experiència més completa i significativa. S'aborda la relació entre l'espectador i l'obra d'art, promovent una mirada activa i reflexiva.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre No pensis, miraEncara no hi ha opinions o crítiques sobre No pensis, mira.
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Acuarela boho
Quiero animarte a experimentar y a que no pierdas nunca la curiosidad. Pintar e ilustrar debe servir, sobre todo, para hacerte sentir bien.'' Con esta declaración de principios, la artista Madeleine Zülke nos invita a adentrarnos en el mundo de la acuarela a través de nostálgicos motivos de estilo boho. FUNDAMENTOS Una introducción a los básicos de la acuarela: tipos de papel, los pinceles y las técnicas básicas e imprescindibles. MEZCLAR, COMBINAR Y CREAR COLORES Aprende a observar cómo se comportan los colores, a diseñar tablas cromáticas y a confeccionar cartas de color. Además, descubre la elaboración propia de pinturas. 18 PROYECTOS PASO A PASO Desde una bicicleta, un teléfono y una caravana hasta un carrito de tartas y un faro, lo ''vintage'' y lo ''retro'' te acompañarán a lo largo de todos estos proyectos.A qui s'adreça el llibre Acuarela boho?Acuarela Boho s'adreça a totes aquelles persones interessades a aprendre i practicar la pintura amb aquarel·la, especialment si se senten atretes per l'estil boho i els motius nostàlgics. El llibre es presenta com una guia accessible per a principiants, oferint una introducció clara i concisa a les tècniques bàsiques, però també inclou projectes més complexos per a aquells amb una mica més d'experiència. El seu enfocament didàctic i la varietat de projectes el fan adequat tant per a aficionats com per a aquells que busquen millorar les seves habilitats en aquarel·la. L'autora busca inspirar els lectors a experimentar i gaudir del procés creatiu.Temes que tracta el llibre Acuarela bohoEl llibre Acuarela Boho abasta els següents temes:Fonaments de l'aquarel·la: S'introdueix al lector en els materials bàsics necessaris per a l'aquarel·la, com els diferents tipus de paper i pinzells. S'expliquen les tècniques essencials per manipular l'aquarel·la i obtenir els resultats desitjats.Mescla i combinació de colors: S'ensenya als lectors a comprendre el comportament dels colors, a crear taules cromàtiques i a confeccionar cartes de color personalitzades. S'inclou informació sobre la creació de pintures pròpies.18 projectes pas a pas: El llibre presenta una sèrie de 18 projectes de pintura amb aquarel·la, tots ells amb un estil boho i motius vintage o retro. Aquests projectes abasten una varietat de temes, des d'objectes quotidians com bicicletes i telèfons fins a elements més decoratius com carrets de pastissos i fars. Cada projecte s'explica de forma detallada, guiant el lector a través del procés creatiu pas a pas.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Acuarela bohoEncara no hi ha opinions o crítiques sobre Acuarela boho.
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El arte urbano
Nicolas Gzeley es fotógrafo, autor, periodista y grafitero. Colabora con diversas revistas y libros especializados.Nicolas Laugero-Lasserre es director de la escuela icart, presidente fundador de la asociación Artistik Rezo y coleccionista de arte urbano.Stéphanie Lemoine, periodista y crítica de arte, enseña historia del arte urbano en la Universidad Panthéon-Sorbonne.Sophie Pujas es periodista en Le Point y escritora. Autora de tres obras sobre arte callejero.
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Breve historia del arte oriental
ISLAM, INDIA, SUDESTE ASIÁTICO Y EXTREMO ORIENTEConozca las grandes civilizaciones de Oriente: el Islam y su expansión por al-Ándalus, la península del Indostán, el Sudeste Asiático, la isla de Java y el Extremo Oriente. Un contenido imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal. Con Breve historia del arte Oriental el lector tiene la oportunidad de conocer las grandes civilizaciones asiáticas, desde Oriente Medio hasta el Asia Central. Recorrerá el enigmático subcontinente hindú y la maravillosa isla de Sri Lanka, pasando por el impresionante Sudeste Asiático y su conjunto de antiguas civilizaciones semi escondidas en la maraña de la selva (Tailandia, Myanmar, Camboya, Laos, Vietnam), hasta el Lejano Oriente, con las milenarias civilizaciones china y japonesa, además de la poética cultura coreana. Un contenido tan amplio como apasionante, imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal, que ejercen una innegable fascinación entre las gentes de Occidente por la grandiosidad de sus realizaciones arquitectónicas y su estética de permanente barroquismo y fantasía decorativa en constante horror vacui.
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Un dialogue entre l'Orient et l'Occident
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En este libro se recorre la trayectoria de Choi Ok Yeung, prolífico artista coreano, quien interpreta el paisaje de forma espiritual para traspasar los límites del arte convencional y de los espacios artísticos tradicionales. Para Choi, el paisaje es su taller en el que reinterpreta la naturaleza para, finalmente, volver a ella.Un ciclo regenerativo permanente que expande los límites y difumina los bordes del arte más ortodoxo. Las series que contiene este libro abarcan escultura, pintura, dibujo, obra pública y Land Art, todas atravesadas de intensidad y espiritualidad.• Un libro especialmente atractivo para amantes del arte oriental contemporáneo.• Con textos del crítico de arte Christian Viveros-Fauné.
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CRONOGRAFÍAS
Las obras de artistas y escritores del siglo XXI que Graciela Speranza reúne en este ensayo vehemente e iluminador renuevan sus medios y sus formas en cronografías singulares hechas de imágenes, ficciones, objetos y presencias que rizan el tiempo. Inviert
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Imágenes del hombre
Imágenes del hombre sitúa la raíz de toda experiencia estética en el proceso de constitución y transmisión de imágenes humanas, máso menos globales, fragmentarias o difusas que actúan como contraste y punto de referencia en la construcción de nuestras vi
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7 ideas clave. La competencia cultural y
7 ideas clave. La competencia cultural y artística
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Fortuny o el arte como distinción de cla
La vida, signifique lo que signifique, no es algoque pueda explicarse desde la eternidad. La memoriade Mariano Fortuny y Marsal ha estado demasiado condicionada por la épica de un destino artístico situadomás allá de los avatares terrenales. Sin embargo, como todos los seres humanos, hubo de conciliar sus aspiraciones personales con la complejidad de un sistemaque cambiaba rápidamente, condicionado por las apariencias y el dinero. A mediados del siglo XIX, el arteempezó a funcionar como un elemento de prestigio parauna nueva élite deseosa de exhibir su poder, no siempre experta en sutilezas estéticas. La posesión y el reconocimiento de las obras de Fortuny se convirtió en un signo de distinción de clase que aparece profundamente determinado por pasiones humanas. Esta circunstancia singular sirve de arranque para adentrarse en un universo de intereses mundanos que va másallá de la pura trayectoria vital del pintor, observada desde una multiplicidad de puntos de vista, talescomo la amistad, el amor, la frivolidad, la presunción, el sexo o la nostalgia. A través de un relato fresco y ágil, que escapa al futuro perfecto de los grandes discursos, se desnudan con ironía los protagonistas, en cuyas actitudes, a veces prosaicas y banales,se reconoce el sentido más vital del arte.
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La obra de William Turner
William Turner (1775-1851) y el sentimiento moderno de la pinturaEl principal teórico del arte que ha dado Inglaterra en el siglo XIX, John Ruskin (1819-1900), analiza la obra del pintor inglés más relevante de su época y uno de los paisajistas más importantes de la historia del Arte.
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Viva Irezumi
De los pioneros de la tinta, a las jóvenes promesas,de los puristas legendarios a los innovadores que handefinido un estilo propio… Descubre a los tatuadoresque están revolucionando el mundo del tattoo japonésde procedencia hispana y déjate sorprender por sus múltiples estilos: preciosistas y limpios unos, macarras y potentes otros, pero siempre movidos por el respeto a la centenaria tradición del irezumi y un talento innegable. Agustín Cavalieri • Al Romero • Andrés Cruces • Bushi • Chris Treviño • David Baibar • DiegoAzaldegui • Diego Martín • Freddy Ampuero • Gabriel Toz • Gonzalo Goicoechea • Hernán Chevalié • Hugo HAB• Jano Navarrete • Kabra • Leo Denegri • Moroko Gon •Nil Marqués • Omar Morales • Pablo Barada • Paco Excel • Pera Vidal • Rafa Jurado • Santu Horisada • S. Nezumi
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El pintor de la vida moderna (Serie Great Ideas)
Ideas que han cambiado el mundo. A lo largo de la historia, algunos libros han cambiado el mundo. Han transformado la manera en que nos vemos a nosotros mismos y a los demás. Han inspirado el debate, la discordia, la guerra y la revolución. Han iluminado, indignado, provocado y consolado. Han enriquecido vidas, y también las han destruido. Taurus publica las obras de los grandes pensadores, pioneros, radicales y visionarios cuyas ideas sacudieron la civilización y nos impulsaron a ser quienes somos. Poeta, esteta y hedonista, Baudelaire fue además uno de los más revolucionarios críticos de arte de su época. Aquí profundiza en la belleza, la moda, el dandismo, el propósito del arte y el papel del artista, y describe al pintor que, en su opinión, expresa de un modo más pleno el drama de la vida moderna. Comentarios sobre la colección Great Ideas: «De veras que la edición es primorosa y pocas veces contenido y continente pueden encontrarse mejor ensamblados y unidos. ¡Qué portadas! Para enmarcar. [...] Ante las Great Ideas, solo cabe quitarse el sombrero. ¡Chapeau!» ABC «Taurus propone un doble envite con este lanzamiento. Por un lado aumenta su compromiso con el ensayo, por otro, recupera el gusto por la estética. A los volúmenes se les ha proporcionado una portada delicada y cuidada (copian el original británico) que invita a la lectura.»La Razón «Un fenómeno editorial.»The Guardian «Aparte de los contenidos, en general muy bien elegidos, son tan bonitos que si los ven seguro que cae alguno.»El País «Ideas revolucionarias, crónicas de exploraciones, pensamientos radicales... vuelven a la vida en estas cuidadísimas ediciones, muy atractivas para nuevos lectores.»Mujer Hoy «Grandes ideas bien envueltas. De Cicerón a Darwin, esta colección entra por los ojos.»Rolling Stone «Original y bella iniciativa la emprendida por Taurus con su colección Great Ideas.»Cambio 16 «Hay libros inmortales, libros únicos que contienen pensamientos y reflexiones capaces de cambiar el mundo, tesoros en miniatura reagrupados en la colección Great ideas.»Diario de León
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El dedo de Dios. La mano del hombre
A mí, como a ustedes, supongo, no se me ha aparecidoDios Padre, ni su hijo Jesucristo. No hemos disfrutado de la gracia de ver su rostro que el Antiguo Testamento reconoce a Moisés, Abraham, Jacob, Isaías y Ezequiel, ni tampoco vivimos, en su día, en las tierras de Israel. No sabemos pues cómo eran sus rasgos físicos. Y si el desconocimiento nos ahoga cuando mencionamos las facciones, qué vamos a decir si tratamos de averiguar cómo eran sus manos y, en particular, sus dedos. Así que habremos de acudir, para aprehender su fisonomía, bien al mundo mágico de las inefables leyendas y fábulas, bien a una enriquecedora recreación, gracias a la mano del hombre, a través de las representaciones que durante dos mil años nos ha procurado elarte cristiano. La presente obra es un excursus por la pintura religiosa, que nos abre las puertas al disfrute estético y al poder visual de las imágenes. El arte sacro se exterioriza así como una forma sin igualde acercarnos, más allá de la fe, al misterio de Dios. La estética transformada en una abnegada colaboradora de la teología. Decía Baudelaire, que 'no hay enla Tierra nada más interesante que la religión'. Y, añadimos nosotros, ni mejor manera de aproximarse a ella que al hilo del arte. De un arte asentado en la humana reinterpretación iconográfica y simbólica de lasmanos y los dedos de Dios.
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Estética de la novela
Estética de la novela expone una historiade la novela a través de las diversas estéticas que ha desplegado este género desde su aparición en la Antigüedad hasta la actualidad. Partiendo de una concepción del complejo fenómeno novela como puenteentre la cultura popular y la cultura elevada, se explican esas estéticas como el recorrido del espíritude la sociedad abierta al despegarse de la tradición sin renunciar a servirse de ella. Desde una nueva concepción de los orígenes de la novela (la ''protonovela), se recorren las dos orientaciones de lanovela premoderna (la cortesana y la popular) y la gran fusión que significa la novela moderna para ofrecer un horizonte de igualdad y libertad.
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Esto lo hago yo
Las residencias artísticas en escuelas, principalmente en colegios e institutos, han proliferado en los últimos años por todo el territorio español. Sus programas y proyectos buscan trascender las relaciones tradicionales entre arte y escuela, desplazando los habituales lugares de producción artística, en museos y centros de arte, para trasladarlos a contextos educativos. Con ellos se busca involucrar más activamente a estudiantes y docentes en la creación contemporánea yproponer una intervención pedagógica en la que el arte pueda concebirse como una herramienta para el aprendizaje multidireccional. Este libro pretende dar a conocer algunas de las residencias que se han llevado acabo en centros educativos del ámbito español en laúltima década, y que son buena muestra de la pluralidad de planteamientos y desarrollos que han tenido a través de diferentes programas , tales como “EN RESiDENCiA”, “Levadura”, “Una artista viene a vernos”, “Intraescolar”, “Resistències Artístiques”, “Claves. Residencia de jóvenes músicos en escuelas” y “Aquí trabaja un artista”. Son las voces de artistas, docentes, alumnado, profesionales de la mediación y de la gestión cultural las que se recopilan en esta obra, reflexiones y experiencias que inciden en la dimensión colectiva de estas residencias, haciéndolas más ricas, complejas y transformadoras.
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Las invisibles
Estamos ante la guerra cultural más virulenta de todas, la que se libra en un museo del siglo XIX, gestionado por personas del XX para un público del XXI. ElPrado es aún, doscientos años después, una institución en la que se silencia a la mujer artista, se ignoraa las visitantes y se defiende un pensamiento de género (raza y clase) que justifica la dominación de unsexo sobre el otro. Esta no es una historia del artetradicional, es una guía compuesta por ausencias, vejaciones, eufemismos, silencios o tergiversaciones hacen desaparecer a la mitad de la población, sala trassala, con una violencia soterrada y a la vista. También es una historia contra la ceguera, contra el mitoy contra los genios, un relato sobre las condicionespolíticas y sociales que determinan la creación artística.
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Inactualidad de la pintura, la y vericuetos de la imagen: tres ensayos
Los ensayos que reúne Luis Pérez-Oramas en este libropodrían caracterizarse como una singular disputatiosobre la situación de un objeto específico. La cuestión es la (in)actualidad de ese objeto: la pintura, yentanto objeto esta ha de entenderse aquí en el sentido etimológico de la palabra: obiectum: algo arrojado,puesto enfrente.
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Néoclassicisme, romantisme, réalisme, impressionnisme, c'est‐à‐dire les grands courants du goût du XIXe siècle, convergent, en harmonie et malgré leurs différences, dans le style de Corot, sans qu'on puisse dire qu'il s'agit d'un peintre éclectique. Bien au contraire, son œuvre possède une cohérence que seule une personnalité très indépendante peut conférer. Et c’est justement en raison de son indépendance et de sa cohérence que Corot s’inscrit, avec Daumier et Manet, parmi les grands maîtres de la peinture française du XIXe siècle.
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La desnudez: en las leyendas y la literatura
El motivo de la desnudez humana suscita una multitud inagotable de cuestiones en muy distintos órdenes de la vida, y muy especialmente en el ámbito de la creación artística.En este estudio pionero, se abordan algunas formas características de este motivo en los mitos y en la literatura y se analiza su significado psicológico y el sentido de sus diversas expresiones.El enfoque más psicológico que histórico-literario permite ir más allá de la recopilación y comparación de testimonios míticos y literarios sobradamente conocidos, para llegar hasta el fondo de determinados puntos de la evolución en los usos literarios y en la interpretación social de la desnudez, señalando, por ejemplo, esos momentos en que se producen transiciones llamativas o saltos evidentes en la representación y significación del cuerpo desnudo.
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El culto a la memoria
La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''.La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''. La memoria del poder ha erigido enfáticos monumentos, algunos todavía orgullosamente presentes en plazas públicas, mientras que otros muchos han sido olvidados o incluso demolidos al repudiarse sus contenidos y sus formas. El poder de la memoria ha sido utilizado por los regímenes totalitarios de todos los tiempos y lugares que han entendido que la forma más tenaz y sistemática de aniquilar a una cultura es precisamente borrar por completo sus recuerdos.En este libro se reflexiona sobre el culto a la memoria, sobre la ética y la estética de la memoria. Las transformaciones sucedidas en la conciencia universal nos llevarán a constatar los cambios experimentados en el arte de la rememoración que han provocado una total inversión de categorías: frente al monumento se propone hoy el contramonumento, frente a lo heroico, lo antiheroico, frente a la celebración de la victoria y la gloria se invoca el trauma y la opresión, frente a la glorificación de los héroes se alza el reconocimiento a las víctimas. Estos sustanciales cambios en la cultura de la memoria se detectan especialmente en sociedades que realizan tránsitos de dictaduras a sistemas democráticos o en lugares sometidos a conflictos armados, guerras o vulneraciones de los derechos humanos.Pero es un proceso que también afecta a los viejos continentes sumidos en el lánguido bostezo de sus democracias consolidadas. Así podremos comprobar cómo la memoria es una sustancia viva, cambiante y fugitiva que muchas veces provoca reacciones encontradas que oscilan desde la identificacióny la exaltación de la memoria hasta su olvido o incluso su destrucción iconoclasta.
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Aby Warburg y el pensamiento vivo
Aby Warburg y el pensamiento vivo presenta un coro de voces de filósofos, filólogos e historiadores de la cultura, que aparecen juntos por primera vez como elementos de una misma constelación de pensamiento: Giorgio Pasquali, Mario Praz, Gertrud Bing, Arsenio Frugoni, Giorgio Agamben, Guglielmo Bilancioni, Alessandro Dal Lago, Gianni Carchia, Salvatore Settis, Kurt W. Forster y Maurizio Ghelardi, cuyos ensayos fueron publicados originalmente en revistas o en ediciones ahora inaccesibles, y abarcan un arco cronológico que va desde el inicio de la década de 1930 hasta los primeros años del siglo XXI. Once aportaciones, todas surgidas en ámbito italiano (incluidos Gertrud Bing y Kurt Forster, «italianos de elección»), que representan la línea del «pensamiento vivo» de Warburg. Así, vinculados en el nuevo marco interpretativo que propone Monica Centanni, muestran con claridad un trazado que mitiga tantos equívocos y mistificaciones para recuperar y revalorizar la importancia metodológica de Aby Warburg en la historia de la cultura europea. Este libro impulsa el verdadero sentido, inédito hasta el momento, de su método y de su herencia, sobre todo, la organización revolucionaria de su Biblioteca, trasladada en los años treinta de Alemania a Londres, y el Atlas de la Memoria (Atlas Mnemosyne), la pionera machine à penser, instrumento esencial e inagotable que estimula infinitas conexiones entre forma y contenido.
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HISTORIOGRAFÍA DE LA CERÁMICA ESPAÑOLA
Esta obra surge de la necesidad de contar con una obra a modo de estado de la cuestión respecto a la cerámica y su historia, revisalo escrito hasta la fecha y, ofrece de forma multidisciplinar las claves de la ceramología que en distintos capítulos
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50 cosas que hay que saber sobre arte
Una exploración de las ideas, las técnicas y las creaciones que han marcado el devenir del arte desde la prehistoria hasta nuestros días. ¿Cuál es la diferencia entre una pintura del barroco y una del rococó? ¿A qué movimiento pertenecen Los Nenúfares de Monet y Los Girasoles de Van Gogh? 50 cosas que hay que saber sobre arte es una perfecta introducción al conocimiento sobre movimientos, simbología y artistas más destacados de la historia del arte. Un libro indicado para aquellos incapaces de discernir entre un Degas o un Monet o entre Dalí y Duchamp, y que te sumerge de lleno en la historia de la disciplina, desde la prehistoria al tiempo presente.
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Voici quatre‐vingts planches, de dimensions moyennes, feuilles volantes, destinées à circuler commodément, des espèces de placards de satire et de fantaisie. Elles ont été exécutées de 1793 à 1797, à une époque où l’Europe se débat dans les convulsions de la fin d’un monde. Leur titre, Les Caprices, pourrait faire croire qu’il n’y ait là que le passe‐temps d’un grand peintre. Mais, derrière ce mot innocent, se dissimule une virulence occulte, si bien que le sens de certaines planches nous paraît encore aujourd’hui très énigmatique.
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Historia de seis ideas
La estética de Tatarkiewicz es de tipo histórico-filosófico, analítico y no normativo, liberal, pluralista, antiformalista, y rechaza soluciones extremas. La mejor denominación que podría aplicársele sería la de ''la estética del término medio''. Sus méritos principales son una excelente semántica y un análisis de los problemas, profundas interpretaciones, revisiones históricas, clasificaciones precisas de las posturas y conceptos que han sido discutidos.La moderación -una característica típica de su estética-, el cuidado en expresar opiniones y juicios precisos, y formular su propia concepción son quizás el resultado de la enorme erudición histórica de su autor. Los elementos del conocimiento indican la conciencia de una extraordinaria complejidad de problemas que son el núcleo de la estética, y la conciencia de la futilidad de todas las concepciones extremas y monistas hasta ahora existente, que, aunque unilaterales, contienen, sin embargo, un germen de verdad.
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La imagen del Otro
Abordar el encuentro con el Otro no es tarea fácil. El Otro no se brinda de buena gana a la mirada de unomismo. El ''judío'', el ''gitano'', el ''negro'' y el ''musulmán'' son las cuatro figuras de la alteridadobjeto de este libro. Seguir su presencia en las artes figurativas occidentales desde los albores de la Edad Moderna hasta la Revolución francesa significa poner al desnudo un proceso complejo, en el cual se entretejen descubrimiento, construcción e invención. Lacolisión entre el canon visual occidental que acaba de cristalizar en el Renacimiento y la aparición de laimagen del Otro supone reconsiderar la propia identidad frente a este Otro. Tiziano, Durero, Carpaccio, Caravaggio, Rubens, por no citar sino algunos de los más contundentes ejemplos, se enfrentaron con ''el extranjero'' y dieron diversas soluciones.
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La EXPOSICIÓN
Célebre tanto por su ambición como por su belleza, la condesa de Castiglione, oren- tina a ncada en la París de Napoleón III, se convirtió en una heroína de Italia. Aman- te del emperador, desempeñó un papel de- cisivo en la uni cación italiana de 1 8 6 1, aunque quizá su mayor legado fueron los más de setecientos retratos para los que posó en el estudio de Pierre-Louis Pierson a lo largo de su vida. La narradora de este singular y hechizante relato topa por ca- sualidad con una de las fotografías de «la Castiglione» e inicia una indagación sobre el destino de una mujer que se convirtió en un absoluto enigma a fuerza de mos- trarse hasta la extenuación. Y al examinar las fotografías para revelar su secreto, va descubriendo todo lo que se ha ocultado a sí misma y exponiendo su historia per- sonal. Nathalie Léger nos ofrece así una auto cción que es también una re exión sobre el espacio de lo femenino.
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El universal convite
En la Sacristía Mayor de la catedral de Sevilla se conserva una obra tan extraordinaria como desconocida.Su arco de ingreso, ejecutado entre 1533 y 1535, contiene sesenta y ocho platos con alimentos cuidadosamente esculpidos en piedra, reflejo de la realidad gastronómica del momento y de un rico universo simbólico.El libro que tienen en sus manos se plantea como unaexploración que, partiendo de esta gran urbe del Renacimiento, nos permite emprender un largo viaje a través del arte y la ciencia, la alimentación y la cocina, la cultura y la espiritualidad de toda una época.
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Construcción estétca de Europa, La
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Pablo Rubens (1577-1640). De él salieron cuadros enteramente suyos (los más valorados por el propio pintor y por sus contemporáneos) y otros que son el resultado de diversos grados de participación de los miembros de su taller en el proceso creativo.En el libro se explica la mecánica de la colaboración del maestro con sus ayudantes y se analizan las diferencias que permiten distinguir los cuadros originales de Rubens de los de taller.A cargo de Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura flamenca y escuelas del Norte. El libro incluye una conversación entre el pintor Jacobo Alcalde Gibert y Alejandro Vergara sobre la forma de pintar de Rubens y su colaboración con los ayudantes.
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Retratadas
Desde la invención de la fotografía en 1839, gran parte de las contribuciones aportadas por las mujeres han caído en el olvido, dejando su legado en los márgenes de la historia. En los últimos tiempos, esta visión sesgada ha ido evolucionando gracias al rescate historiográfico de numerosas aficionadas o profesionales, partícipes habituales en las distintas etapas del proceso creativo (investigadoras, fotógrafas, retocadoras, auxiliares, etc.). En ''Retratadas'', Stéphany Onfray ofrece un enfoque novedoso analizando los inicios del medio fotográfico desde el prisma del género. Gracias a una lúcida relectura de la relación que las féminas mantuvieron con la cámara, no ya como operadoras, sino como retratadas, propone nuevas líneas de reflexión para desmantelar los discursos hegemónicos que históricamente las han confinado en un papel de observadoras pasivas. Mediante un exhaustivo examen de la cultura visual y material decimonónica, desde la pintura, la literatura o el teatro, pasando por la prensa y una incipiente industria de la moda, la autora explora cómo, gracias a la capitalización de su propia imagen y por lo tanto de su cuerpo, las mujeres desplazaron las fronteras entre los sexos, empezando a ser parte de un diálogo cultural y social que no solamente redefinió los límites de género, sino que favoreció una visión más contemporánea, afectiva y artística del objeto fotográfico.
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