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Llibres d'art
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Creaciones actuales para una decoración original y única Este libro reúne los fundamentos del trenzado y contiene 20 proyectos de cestería para decorar interiores y jardines. Sus formas pueden ser clásicas para cestas, bolsos o pulseras y para objetos m
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Una pila de caramels acumulats en una cantonada, una piscina plena d'oli de motor, un terra de fusta per on passejar-hi, quadres enigmàtics amb mil i una interpretacions però amb només una història real al darrere... L'art -especialment el contemporani- pot sorprendre, deixar-nos indiferents o, fins i tot, indignar-nos quan creiem que té una simplicitat poc justificada. L'art d'explicar l'Art acosta obres d'art de tots els temps i, amb una explicació, pot fer que en gaudim, ens emocionem, ens posem tristos o, fins i tot, deixem anar alguna llàgrima de felicitat. El llibre explica els motius pels quals un artista fa el que fa i el missatge que vol transmetre, de manera que davant d'una obra d'aparença senzilla, potser no cal afirmar amb tanta rotunditat «El meu fill petit ho fa millor!», tot i que no dubtem gens ni mica de les enormes possibilitats de tots els fills petits.
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Al marido de Asa le han ofrecido un trabajo en una zona remota de Japón, junto al hogar en que nació. Durante un verano excepcionalmente cálido, la pareja se instala junto a la casa de los suegros, entre el ensordecedor e invasivo rugido de las cigarras. Hasta queun día Asa se topa con una extraña criatura, que no se parece a nada. La sigue hasta el terraplén de un río y cae en un agujero que parece haber sido creado para ella, y en el que queda atrapada para siempre. Casas asoladas por plagas de comadrejas. Niños fantasma.Pasillos que nos transportan «al otro lado», como siAlicia reviviera en el Japón de la tecnología punta.Oyamada firma un tríptico narrativo literariamente puro sobre la idea de que el entorno que nos rodea puede anticipar nuestras emociones y hasta nuestro destino.
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'He visto de cerca un arte creado lejos del miedo. Eltalento de César Barrio apuesta por la libertad. Sufuerza incluye un vasto conocimiento. En los diálogos, César transmite sin vanidades la erudición musical,literaria, pictórica. Como no mezcla su conocimientocon las calderillas del orgullo, el libro que ahorapublica (este “Lo que no se ve”) está repleto de sustancia. El autor reflexiona deteniéndose en cada detalle sobre cómo se ha llegado a conformar nuestra mirada. Lo hace con hondura que el lector agradecerá.''
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Con el estilo divertido, irreverente y siempre polémico propio de los vídeos de su canal de YouTube, Antonio García Villarán revisa en este libro los diferentes movimientos artísticos y la obra de los grandes maestros para poner en duda los cánones establecidos a la hora de valorar el arte. Con el concepto Hamparte (creado por él mismo a partir de las palabras «hampa» y «arte»)como hilo conductor, plantea desde un punto de vista crítico la validez de los criterios actuales para encumbrar aautores españoles de la talla de Dalí, Miró o Chillida, e internacionales como Yoko Ono, Damien Hirst o Jeff Koons.
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* Una historia de la pintura accesible y entretenida. * Una presentación cronológica y de los artistas clasificados por movimientos, escuelas o estilos. * Focos temáticos para identificar los movimientos artísticos, reconocer los símbolos y descubrir los entresijos de los museos. Una historia de la pintura narrada a través de los artistas y sus obras, que se descifran paso a paso: salpicada de paréntesis instructivos y paralelismos gratificantes, para comprender cómo se ha construido este gran fresco universal ininterrumpido, desde Giotto hasta Banksy. Un trabajo clave que reúne los fundamentos y conocimientos que permiten descifrar una pintura cargada de referencias.
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Testimonio de una función periclitada, la ruina es también un renacimiento de la forma en medio de un bautizo de caos. Carente de limitaciones o proporción, ladestrucción expresa en la ruina una catarsis definitiva que, por encima del tiempo y del poder de los seres humanos, hace florecer la materia en cuanto formaestética y evocación poética.
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Colección de ensayos en torno a conocidas obras del arte occidental, quetienen en común la seducción de su misterio. Ante la ventana abierta delos lienzos, Siri Hustvedt propone al lector no sólo un paseo por lahistoria de la pintura, sino también por la vida. Unos textosesclarecedores y plenos de sensibilidad.
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La cineasta francesa Germaine Dulac (1882-1942) no solo fue una de las «mujeres pioneras en la historia del cine», sino una absoluta visionaria de las posibilidades del séptimo arte en general. Muy cercana al círculo surrealista francés -su película La concha y el clérigo, basada en un guion de Antonin Artaud, se considera el primer filme surrealista de la historia-, Dulac comprendió como nadie el papel de las vanguardias cinematográficas y la esencia última del cine: expresar el movimiento de la vida a partir de la luz y el ritmo, por delante de la narratividad tradicional. Directora, guionista, teórica, articulista y crítica de cine, comprometida con el feminismo y con los movimientos progresistas, realizó películas como La sonriente madame Baudet, La fiesta española o Invitación al viaje. Coincidiendo con la exposición dedicada a la cineasta en el Museu Tàpies de Barcelona, este volumen recoge, por primera vez en castellano, una selección de sus conferencias, editadas por la que fue su compañera de vida personal y profesional, Marie-Anne Colson-Maleville. ¿Qué es el cine? se constituye así como verdadero ideario cinematográfico de Dulac, un valioso documento sobre la historia del cine y, por encima de todo, un homenaje a una artista adelantada a su tiempo.
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Cinco décadas en espiral es una retrospectiva inversa del trabajo de la artista mexicana Magali Lara.La exposición al MUAC (Ciudad de Mexico abril-octubre 2025) inicia con los murales que realizó para la muestra y concluye con sus primeros dibujos de las décadas de 1980 y 1970.Como la línea inconclusa -en fuga- de la espiral, la muestra revisa la búsqueda artística y espacial de Lara a lo largo de su producción, es decir, cómo genera un lugar formal, plástico y afectivo para proponer un territorio propio. Su obra, a partir de una configuración concreta, manifiesta una pulsión por aprehender una asociación arrolladora de formas. Desde el inicio de su trabajo se ha interesado por la noción del espacio opuesto, el remanente que subyace en ausencia. Su investigación ha abordado de qué manera significar el blanco del lienzo y del papel, y cómo denotar las pausas y los silencios imperceptibles entre pinceladas y gestos, así como los vacíos minúsculos que sobresalen entre palabras e imágenes. Su experimentación artística es la exploración de un lugar que nunca concluye, que se prolonga en espiral, esbozando un rastro en negativo que se abre y amplía hacia otras narrativas. La muestra enfatiza la indagación en ese ritmo que emerge desde los márgenes y que conforma su propia perspectiva: ''Es posible que un dibujo contenga un relato de la misma manera que una frase dice en lo no dicho''. Los intervalos e intersticios sobresalen entre los elementos compositivos dentro del soporte y, también, entre el propio marco y la pared que lo enmarca. La pieza siempre está en relación con, detenida en un contexto expandido que la connota y la sitúa, palpitando de forma permanente entre el afuera y el adentro.
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El MACBA publica Panáfrica. Arte e imaginarios políticos para la construcción de un planeta negro, una recopilación de textos de diversos autores que abordan el panafricanismo desde diferentes perspectivas con la voluntad de crear un imaginario sociopolítico y cultural vinculado no solo a la raza sino también a la solidaridad. El objetivo es desvelar el carácter plural del proyecto panafricano que es también una parte ineludible -aunque tangencial- de la historia y el imaginario sociopolítico de la ciudad de Barcelona y de la historia de España.El libro incluye textos históricos, contemporáneos y nuevos ensayos que reivindican el panafricanismo parar entender parte de nuestra historia.La publicación consta de dos ediciones separadas en catalán y en castellano.
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Me he perdido en Venecia, pero ¿hay algo más mágico que perderse aquí? En el cielo veo una bandada de palomas, por lo que no debo de estar muy lejos de la plaza de San Marcos. Los gatos venecianos me guían por los canales y siento que la realidad va quedando fuera de este laberinto que se disfraza de ciudad... La isla de Burano, el puente de Rialto, Campo San Polo, la plaza de San Marcos… cae el sol sobre Venecia, desde sus edificios más emblemáticos hasta los rincones más desapercibidos, pasando por sus encantadoras plazas. David Pintor está ahí para captar con su lápiz y su paleta de colores cómo la luz languidece. Pero la mirada que nos ofrece está tocada por una suerte de magia que hace que las sombras fluyan sobre el agua de los canales, que los balcones y las terrazas dancen sobre los tejados.
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Este es el segundo libro de la colección que nace inspirada en ilustraciones vintage y acompaña a Naturaleza botánica para colorear. Dibujadas a mano, sus imágenes nos recuerdan que el agua es vida y somos naturaleza. Y porque dejamos un pedacito nuestro cada vez que intervenimos el papel,hoy te invito a adueñarte de estas páginas, a colorear sus dibujos sin miedo a equivocarte, recordando dejar la autoexigencia fuera y con la única intención de disfrutar el proceso. Colorear este libro es introspección y también meditación. Por eso, recuerda que el resultado es el proceso mismo.
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El Sol, la Luna y el Travieso es una colección de cuentos donde la magia se encuentra con el corazón. Un niño de un universo encantado llega a la Tierra y aprende a vivir guiado por dos poderosas ninfas: el Sol y la Luna. A través de fábulas de animales, pruebas y decisiones difíciles, cada historia nos recuerda que la magia verdadera vive dentro de cada niño y niña, y nos revela profundas verdades sobre el amor, el respeto, el comportamiento humano y nuestro valor como personas.
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El arte de los jardines es absolutamente inseparable de la idea de representación, siendo esta un elemento esencial inscrito en letras mayúsculas en el gran texto de la historia de los jardines. El jardín funciona también como representación de ideas
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Nueve meses con los rojos en Madrid es uno de los rel
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En FLUJO VISUAL se publican un conjunto de reflexiones, desde una perspectiva fluida y dinámica, en donde la realidad es percibida en perfecto cambio y, al mismo tiempo, ese cambio es a su vez, paradójicamente, un continuo.Valerio Rocco introduce el debate desde una perspectiva filosófico-artística atendiendo a la evolución histórica del arte, en una puja constante del creador contra los límites materiales que cada disciplina artística presenta. En esta confrontación se sitúa la reflexión que plantea Ana Marcos.Los autores aportan razonamientos que parten de lugares de reflexión diferentes. Lois Patiño interviene desde su experiencia personal como creador de imágenes en movimiento, y ello le permite pensar sobre los elementos inmateriales que ordenan e impulsan su actividad, desde un sentimiento oceánico, pero también da cuenta de aspectos muy concretos y materiales del mercado audiovisual y de sus condiciones de trabajo.Valentín Vallhonrat, por su parte, nos describe el flujo histórico de la fotografía desde su origen hasta la actual cultura de la imagen, así como la evolución que va desde los propósitos científicos iniciales de los primeros fotógrafos, la necesidad de precisión y exactitud, a la diversidad y el desarrollo proteico y biogenético de la fotografía en estos momentos. La biogénesis creadora subyace ante el reto de la mal llamada “inteligencia artificial”, pues la vida solo se genera desde la vida y el arte es fruto de seres vivos: los seres humanos.
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¡La historia del arte es tendencia! Un libro para divertirnos aprendiendo de la mano de una de las divulgadoras más queridas de las redes. ¿Sabías que en el Paleolítico ya practicaban el arte abstracto? ¿Y que las pirámides de Egipto no son ni las más antiguas ni las más colosales? ¿Me creerías si te digo que muchos de los artistas más admirados en la actualidad sufrieron un rechazo tras otro en su momento? ¿Te gustaría comprender, por fin, por qué el arte ha pasado de representar la realidad a trabajar con imágenes y artefactos que parece que solo entiende el propio artista? Soy Carla Serrano, historiadora del arte, y a través de estas páginas te voy a guiar para que veas que los movimientos artísticos no son solo un montón de cuadros en un museo, sino una ventana abierta a las emociones, las luchas y las revoluciones de cada época. Y lo voy a hacer muy rápido. Te proporcionaré pistas para que puedas distinguir fácilmente los diferentes estilos, conoceremos a los artistas más top de cada época, descubriremos pintoras o fotógrafas injustamente olvidadas, cuestionaremos algunos mitos y, además, te explicaré muchas cositas para que no te pierdas entre tantos movimientos artísticos y puedas ponerlo todo en su contexto. Desde las pinturas rupestres hasta el arte digital, este libro será la mejor introducción para comprender el arte de una forma lúdica, alternativa y muy divertida. No esperes más para aprender de una manera completamente nueva: aquí el arte se vive, se siente y se disfruta en cada página.
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Momento crucial en la historia del arte ese en que la pintura deja de tener una función ceremonial o decorativa y empieza a observar la realidad, sin prejuicios, con mirada inteligente. Y será el artista holandés el que primero deje de ser mero ejecutor de un plan preconcebido al que subordinar medios y gestos, y empiece a plasmar una mirada propia. Todo cuanto haga pasará a ser fruto de la reflexión.
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Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de difícil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanálisis sea útil para las investigaciones históricas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento más profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras. Se trata, pues, de investigar cuándo, dónde y por qué se creó una imagen típica del artista en la mente del público en general y cuáles han sido sus rasgos distintivos y fortuna crítica. La respuesta se ha buscado en el maremágnum de fuentes históricas: biografías, cartas y documentos, es decir, que la investigación está enfocada rigurosamente hacia la documentación histórica.
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La metrópolis contemporánea cuestiona nuestros valores más profundos, o al menos aquellos a los que estamos más apegados sentimentalmente. ¿Por qué arquitectos, regímenes políticos y culturas (europeas, americanas, asiáticas) que son completamente diferentes entre sí llegan a configuraciones similares? A través de temas generalmente desatendidos por los arquitectos, como la tabla rasa, el espacio basura o la congestión, Rem Koolhaas cuestiona ''lo que en su momento se llamó'' la ciudad como un espacio único para la reflexión. Este libro recoge los ensayos dedicados a algunas ciudades con las que Koolhaas ha tenido contacto por motivos profesionales, académicos o biográficos en las dos décadas de plena madurez: Atlanta, París, Lille, Tokio, Berlín, Nueva York, Moscú y Londres. No se trata de escritos teóricos, sino de un conjunto de textos coyunturales atravesados por laberínticas remisiones internas, situados a mitad de camino entre la experiencia y la reflexión.
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El libro de Francisco de la Maza (1913-1972) ''Cartas Barrocas desde Castilla y Andalucía'', fue publicado por primera vez en 1963. En esta obra se relata el itinerario que realizó en 1956 el doctor De la Maza con el objetivo de conocer a fondo la arquitectura barroca de Castilla y Andalucía, con una selección precisa de edificios y autores, lo que no quita, que se interese por otras manifestaciones artísticas, tanto técnicas como de periodos culturales ajenos al barroco. La estructura en formato ''cartas'' se traduce en una prosa amena, viva y fresca que nos revela sus intereses artísticos viajando desde Burgos a Cádiz, desde León a Granada, con páginas dedicadas a Toledo, Salamanca, Madrid, Sevilla y otras ciudades y poblaciones, siempre con especial predilección por la arquitectura barroca. A lo largo de su diario también se encuentra con personalidades de la cultura del momento como Diego Angulo, René Taylor, Miguel de Unamuno o Rafael Manzano. Visita centros de estudio como la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o la Biblioteca Nacional. Además hace acopio de libros que le servirán para la redacción final, ya de vuelta a México. Esta obra ha servido para muchos mexicanos que han visitado nuestro país siguiendo los itinerarios de Francisco de la Maza, por su capacidad de comunicación y apreciación estética, descubriendo matices sobre nuestra arquitectura barroca de interés, también, para nuestra propia historiografía. Razones suficientes para que se edite este trabajo en nuestro país.
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El folklore de lo sobrenatural japonés conforma un universo insólito. Toda clase de criaturas fantásticas danzan en un baile de máscaras donde lo mistérico, pleno de terror y maravilla, articula un mundo de extraordinaria riqueza. Unas criaturas, sean demonios, espectros o traviesos monstruos, que encarnan creencias ancestrales a la vez que marcan la huella de la psicología humana bien enterrada en nuestro sótano particular, el subconsciente. No obstante, ¿qué es lo que se encierra tras la figura del monstruo en Japón? ¿Existe una llave para el imaginario fantástico? Este libro aborda estas preguntas y otras muchas a través de un viaje apasionante por el mito y la leyenda en su plasmación en las artes.
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El motivo de la desnudez humana suscita una multitud inagotable de cuestiones en muy distintos órdenes de la vida, y muy especialmente en el ámbito de la creación artística.En este estudio pionero, se abordan algunas formas características de este motivo en los mitos y en la literatura y se analiza su significado psicológico y el sentido de sus diversas expresiones.El enfoque más psicológico que histórico-literario permite ir más allá de la recopilación y comparación de testimonios míticos y literarios sobradamente conocidos, para llegar hasta el fondo de determinados puntos de la evolución en los usos literarios y en la interpretación social de la desnudez, señalando, por ejemplo, esos momentos en que se producen transiciones llamativas o saltos evidentes en la representación y significación del cuerpo desnudo.
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Edificio religioso sin par, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1993, la construcción del Monasterio de Guadalupe se desarrolló a lo largo de los siglos XIII al XVIII y constituye toda una eclosión de estilos artísticos. En este libro coral, escrita con un lenguaje llano y cercano, coordinado por Ángel Fuentes Ortiz, uno de los máximos conocedores del Monasterio, diferentes historiadores nos adentran en el universo propio que supone cada una de sus fases, espacios, maestros y obras de arte. Sin lugar a dudas, el libro que tienes en tus manos es la mayor actualización hasta la fecha de los estudios en torno al Monasterio de Guadalupe. Todo un esfuerzo por acercar al lector su belleza sin dejar de lado la profundización y el rigor de su estudio.
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Recientemente, el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, con la intención de hacer el Arte Moderno y Contemporáneo más accesible al público, decidió dedicar una sala a facilitar ese acceso. El texto que se encuentra en la entrada de dicha sala anuncia: “Se ofrece aquí a los distintos tipos de visitantes una variedad de materiales que les ayude a comprender las obras de arte, ampliar sus lecturas, conocer mejor a sus autores y sus procesos creativos y situar el contexto histórico y social, con el fin de potenciar la experiencia estética.”
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Carmen de Burgos, Colombine, en 1927, decía que parecía haber muchos siglos de distancia entre las mujeres de 1899 y las de su época. Una evolución repentina que se reflejó sobre todo en las modas y el surgimiento de nuevos gustos. El siglo XX comienza en
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A lo largo del libro se produce un movimiento cíclico que comienza y termina con el archivo familiar de los de Waal, haciendo un repaso por muchos textos publicados en libros y revistas ya descatalogadas y de imposible acceso para el lector. El libro comienza en Odessa en 2009 y termina en París en 2021, entre medias aparecen las respuestas a los archivos de poetas, artistas y lugares que Edmund de Waal ama.
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Este libro no es una historia del arte al uso. Tampoco es un recorrido por las grandes obras del arte universal que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Ni un recetario para distinguir el arte románico del gótico.Esta es una historia del arte irreverente y rompedora que se centrá en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del Imperio romano de Occidente hasta el siglo XV.Alberto Garín, arqueólogo e historiador del arte, ofrece al lector un sorprendente viaje artístico por lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia, con el objetivo de explorar y observar, con agudeza y erudición, la sensibilidad de aquellos artistas que con su desempeño han contribuido a construir la cultura y el mundo en el que vivimos.
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El famoso jardinero francés Gilles Clément nos habla de un arte involuntario que, aunque parece pasar desapercibido, somos capaces de ver si estamos atentos a él.El arte involuntario es un arte poco estimado, pues no es premeditado, flota en la superficie de las cosas. No tiene peso, pues la sociedad no se lo da. Es un arte sin estatus, sin discurso, tan carente de mensaje que uno puede leerlo, finalmente, por lo que representa -una figura del azar- sin estar obligado a llevarlo más allá de sus propios límites. Es un arte desvalido, privado de acciones y misiones oportunas, se zafa de la política, se muestra con prisa y desaparece de inmediato. Privado de consistencia útil, nadie puede sacar partido de él porque no pertenece a nadie. Es un estado de ser fugaz y sutil. A veces una luz.
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Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final.
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Original ensayo sobre el mundo de las golondrinas desde la literatura y la historia de la cultura occidental, narrado de una forma exquisita y con una gran erudición. Salvador García nos ofrece una oda a las golondrinas y a su relación con los humanos, y también una mirada crítica al comportamiento egoísta de las sociedades hacia un animal fascinante e independiente. En La odisea de las golondrinas, las investigaciones sobre el corazón, el ojo, la cola, el huevo, la deyección y el genoma de la golondrina resultan en muchos sentidos más asombrosas que todos los versos y los cuentos publicados sobre este pájaro único. Un libro que abarca amplios territorios por los que vuelan las golondrinas de las especies más conocidas en sus migraciones y en nuestro imaginario.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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La práctica escultórica de June Crespo se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, `pares móviles` como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial. El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto Vascular, su exposición en el Museo Guggenheim Bilbao, que este libro cataloga, planteando, además, su propio despliegue de materiales. Destaca entre ellos el conjunto de anotaciones del `Diario Vascular` de la artista, un documento inédito en el que da cuenta de su metodología y del recorrido (personal y artístico) de los dos últimos años en los que ha concebido y producido la muestra. Las notas de la artista se unen a un ciclo poético escrito por Miren Agur Meabe, premio Nacional de Poesía 2021, así como los ensayos críticos de Jara Rocha y Manuel Cirauqui, comisario de la exposición.
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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Aprenda caligrafía, iluminación y lettering de forma rápida, segura y eficaz con este libro, una compilación única para principiantes y usuarios avanzados, para sumergirse en el fascinante mundo de la escritura.Conozca los conceptos básicos del arte atemporal de la caligrafía y las posibles variaciones de la escritura, a través de detalladas instrucciones para cada letra individual del abecedario.Incluye más de 50 alfabetos diferentes que muestran la enorme gama de variación en el manejo de letras mayúsculas y minúsculas, gracias, ascendentes y descendentes. Complementan esta información los valiosos datos sobre el espaciado entre letras y el diseño de las páginas, sin olvidar la utilización del color. Se presenta, además, todo lo que se necesita saber para escribir cartas de forma hermosa y creativa. Con numerosas fotografías paso a paso, información sobre materiales y tecnología y un apéndice con hojas para realizar ejercicios: el recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.