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Llibres d'art
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Economia de las artes y de la cultura
En una época en la que, a la hora de invertir en un proyecto, priman los criterios de rentabilidad económica y en que la cultura en conjunto es pensada a partir de la ''economía creativa'', resulta vital comprender el análisis económico en materia cultural para percibir su alcance y también sus límites. Por eso es fundamental conocer sus reglas y los desarrollos que conlleva en el plano de las artes y de la cultura.
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Punto de partida
Punto de partida. Colección Isabel y Agustín Coppel forma parte de la línea expositiva de arte contemporáneo organizada en la Sala de Arte de la Ciudad Grupo Santander. La muestra recoge una selección de obras de la colección del matrimonio Coppel, una de las más importantes colecciones mexicanas de arte contemporáneo internacional.
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El proyecto Picasso
'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Lemon chan quiere aprender a dibujar poses
¡Aprende a dibujar cada parte del cuerpo y sus diferentes poses! Lemon Chan quiere ir un paso más allá y mejorar las características físicas de sus personajes colocándolos en distintas poses y movimientos, ¡todo un reto! En este nuevo volumen, recorreremos todas las partes del cuerpo para entender cómo son y cómo debemos dibujarlas en cada momento: el esqueleto, las articulaciones, las diferencias en función de la edad y la constitución... Conoceremos la importancia de guardar sus proporciones a la hora de dibujar distintas poses y nos introduciremos en los planos y la composición. ¡Haz que tus personajes se llenen de realismo dibujándolos correctamente en las distintas poses y contextos!
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El conjunt mural gòtic de Santa Maria del Bruc, de finals del segle XIII, ha passat per múltiples processos de restauració d'ençà que el 1958 Mn. Jaume Torrent el va redescobrir. L'any 2018, gràcies a un ajut de la Diputació de Barcelona, aquesta restauració es va poder finalitzar totalment. En aquest llibre hi trobareu una explicació en detall de qui en va ser el restaurador en cap, Voravit Roonthiva, però també altres capítols que, des de diferents punts de vista, us permetran posar en valor tant les pintures com el conjunt arquitectònic. Hi han intervingut diverses persones sense les quals aquesta restauració no hauria estat possible: Gemma Estrada, historiadora local, Montserrat Pagès, doctora en història de l'art, Pere Rovira, del Centre de Restauració de Béns Mobles de Catalunya, i Rosa M. Gasol, de l'Oficina de Patrimoni Cultural de la Diputació.
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Meaning Matter Memory es una extensión de la colección de obras de arte del Studio Museum, creadas por artistas afrodescendientes. Hermosas ilustraciones de obras significativas de más de 250 artistas se acompañan de textos originales de más de 100 voces del mundo del arte, incluyendo escritores, académicos, artistas y críticos (Como Thelma Golden, Connie H. Choi, Mary Schmidt Campbell, Kinshasha Holman Conwill, and Lowery Stokes Sims, entre otros) Celebrando una multitud de voces, medios, estilos y épocas artísticas, este manual ofrece una mirada a los profundos y múltiples logros artísticos de los artistas negros durante más de 200 años. El libro exhibe y promueve un principio fundamental de la misión del Studio Museum: servir como guardianes de la obra —antigua, nueva y aún por crear— de los artistas afrodescendientes.Incluye trabajos de: Derrick Adams, Emma Amos, Jean-Michel Basquiat, Romare Bearden, Jordan Casteel, Elizabeth Catlett, Nick Cave, Samuel Fosso, Theaster Gates, Cy Gavin, Barkley L. Hendricks, Arthur Jafa, Rashid Johnson, Simone Leigh, Glenn Ligon, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Gordon Parks, Martin Puryear, Faith Ringgold, Betye Saar, Augusta Savage, Tschabalala Self, Lorna Simpson, Mickalene Thomas, Kara Walker y Carrie Mae Weems, entre muchos más.
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Cartas de color para artistas
* Una caja que abre la puerta al vasto mundo de los pigmentos, perfecta para quienes aman el color en todas sus dimensiones: técnica, histórica y artística. * Cada una de las 52 tarjetas presenta en su anverso un color, su historia, composición química, producción y uso, y en el reverso, una obra de arte relevante que destaca dicho pigmento. Cada pigmento va acompañado de una muestra de color visual, sumamente práctica para los artistas. * A través de una presentación variopinta de la historia de la pintura, constituye una experiencia fascinante para quienes disfrutan del arte y también para quienes lo practican. Incluye pigmentos históricos y culturales diversos, empleados desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo. Facilita una comprensión íntima e inmediata de los materiales que los grandes artistas han utilizado a lo largo del tiempo. Ideal para artistas que quieren conocer el trasfondo de sus materiales, aficionados al arte que disfrutan explorando historia y técnica, o estudiantes de Bellas Artes y museos como herramienta didáctica.
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An illustrated reader featuring a collection of essays from trailblazing curator and writer Helen Molesworth – the first book of her collected writings.Over the past three decades, Helen Molesworth’s singular voice and lively curatorial vision has established her as one of the most dynamic and influential voices in the art world. This generously illustrated reader – the first ever collection of her writings – presents 24 essays from the past 30 years, gathered from exhibition catalogs and art publications such as Artforum, Documents, frieze, and October. The volume opens with a new essay that lays out Molesworth’s belief in art’s unique capacity for merging knowledge and feeling. It also includes new critical and reflective commentary on her past writing, an innovative approach that will position Open Questions as an indispensable volume for viewing and thinking about contemporary art for generations to come.
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La invención del arte
Recuperamos un análisis cultural del arte referente tanto para profesionales como para individuos interesados en la materia.En La invención del arte, Larry Shiner nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto, y sostiene que algunas de las ideas que todos tenemos de dicha historia (como que el arte comenzó en la Antigua Grecia o en el Renacimento) son, en realidad, invenciones modernas, y que la línea que separa el arte y la artesanía fue producto de las cruciales transformaciones que se dieron en Europa durante el siglo XVIII. También muestra cómo el sistema moderno sostiene su hegemonía asimilando a los artistas y a los músicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distinción entre artistas y artesanos, arte culto y artesanía.
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Los Hanamachi de las Maiko y Geiko de Kioto
Descubre el mundo íntimo de las Maiko de la mano de la mayor experta en los Hanamachi de Kioto y en la cultura de las geishas.Los hanamachi —literalmente, «ciudad de las flores»— son los barrios en los que residen y trabajan las geishas: un pequeño universo donde el tiempo parece haberse detenido, un lugar en el que perviven antiguas tradiciones y en cuyas calles se respira el arte y la belleza de la milenaria ciudad imperial de Kioto. La fama de los hanamachi ha trascendido las fronteras de Japón y hoy en día estos pintorescos barrios son conocidos en todo el mundo atrayendo a miles de turistas. Las maiko —aprendices de geisha— son su símbolo y, ataviadas con sus coloridos kimonos, recorren sus calles, acuden a eventos y reciben formación e instrucción en las artes y las tradiciones más antiguas de Japón.
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Ahora tengo que irme
Compendio de trabajos de Oteiza. Poesía, prosa, cartas, escritos, todos ellos inéditos y sorprendentes como el propio autor. ElíasáAmézagaáha sido capaz de expresar su trayectoria en unas líneas: ''Oteiza no es la paz, ni la concordia, ni el conformismo, ni el triunfo, ni el dinero, ni la gloria. Es la lucha, los nervios, la inquietud, la cólera de Dios, la reencarnación de Lope de Aguirre con sus furores épicos''. El mismo Jorge se definió como ''un utopista, no creo más que en una utopía yáesaáha sido mi desgracia. Creer en la revolución, siguiendo una utopía, unos programas, unos sueños''.
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Ilusión y verdad en el arte
En un filósofo es una infamia afirmar: «Lo bello y lo bueno son la misma cosa», y merecería de palos si aún añadiera: «y también la verdad». La verdad es fea. Tenemos el arte para no perecer a manos de la verdad.
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El Museo Imaginario
El presente relee al pasado. Es desde el hoy desde donde se revisan los sistemas que organizan las series históricas. Es la mirada contemporánea la que redescubre aspectos de otros tiempos que hasta ahora habían quedado ocluidos. A la luz de estas afirmaciones que se derivan del texto de Malraux, cabe preguntarse por qué editar hoy este libro. Vivimos en un mundo inmerso en el flujo infinito de imágenes sin control aparente. Es esta condición la que reactiva el texto de Malraux, no solo por lo que obviamente podría ser advertido como un «antecedente» sino -y avanzando un poco sobre los mismos presupuestos que subyacen en este libro- por esa cuestión del fluir del pasado en el presente.
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Sobre los artistas. Vol. 1
La primera recopilación sistemática y exhaustiva de todo lo que JohnBerger ha escrito sobre los artistas. Una personalísima historia delarteSiempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presentaJohn Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas.Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría decrítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo hasabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que haaportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visualy su papel en la cultura contemporánea.Este es el primero de dos volúmenes donde por primera vez se recogen deforma exhaustiva todos los textos que John Berger dedicó a los artistasque le enseñaron y le inspiraron a través de sus vidas y sus obras.Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger donó aunen vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcandesde las pinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta eladvenimiento de la modernidad con Paul Cezánne, mientras que los delsegundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hastaRanda Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos sedesprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Bergerque durante décadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores adistintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindiblepara conocer el legado de Berger.
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Reflexiones museológicas desde los márgenes
Durante mucho tiempo, la visión que hemos tenido de la museología y los museos ha estado condicionada porcriterios sociales y académicos muy jerarquizados y elitistas, que restringían su acceso a solo unos pocosprivilegiados. Hoy la sociedad ha cambiado y, con ella, los museos se han visto obligados a replantearseuna nueva manera de relacionarse con el público. Comoconsecuencia, son muchas las personas que se acercana los museos con el propósito de entablar un diálogoabierto y crear un espacio de comunicación donde seaposible dejar oír distintas voces. Sin embargo, todavía existen muchos colectivos que, por diversos motivos, no han traspasado los umbrales de los museos y seven privados de la contemplación y disfrute de su patrimonio. Otros, además, han sido testigos de cómo sus obras de arte más importantes permanecen en grandesmuseos extranjeros, muy alejadas de su hábitat físico y cultural, y reclaman su retorno. Urge, por tanto,elaborar un discurso museológico donde, a partir deuna hermenéutica textual e institucional, se haga unalectura de la museología que, situándose desde los márgenes, esté dispuesta a acoger las inquietudes y propuestas de todas aquellas personas que se encuentranen las periferias sociológicas y culturales. El propósito de estas páginas no es otro que invitar a adentrarse en el mundo de los museos, contemplados desde los márgenes, porque estamos convencidos de que solo así se logrará elaborar una museología inclusiva y multicultural.
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Animales y artistas
Aquí encontraremos a artistas como Picasso, Frida Kahlo, Georgia O Keeffe, Andy Warhol, David Hockney o Leonora Carrington, todos ellos referentes del mundo del arte, quienes ligaron su vida y obra a la de sus mascotas. Pero también a otros creadores, nombres propios de la pintura, la ilustración o la fotografía, que aunque resulten menos conocidos para el gran público, son de vital importancia para la historia del arte.
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El tiburón de 12 millones de dólares
Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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El arte a contratiempo
Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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El espejo mágico
Fábulas, recuerdos de lecturas, imágenes y anécdotas -algunas reales, otras desplazadas o inventadas-, los textos y las historias reunidos en esta obra tienen en común el tema del retrato y las curiosas correspondencias que se han dado a lo largo de la historia entre retratistas y retratados.
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Arte genero y diseño en educación digital
La crisis provocada por el coronavirus amenaza con desestabilizar nuestros hábitos a nivel global y estructural, pero desde el arte y la educación siempre vamos a disponer de mecanismos críticos con los que transformar e intentar mejorar la sociedad. Huerta incorpora el neologismo tecnoinmersión para definirlo, ya que alumnado y profesorado somos carne de cañón de la deriva digital. Apasionado por las artes desde lo educativo, incorpora originales modelos de lucha, defendiendo la tecnología, el diseño y la cultura popular como esencia de nuevas reivindicaciones sociales y culturales. La educación digital es una realidad que habita en cualquier modelo educativo, por lo que las cuestiones de género y diversidad deben abordarse abiertamente, sin tapujos ni hipocresías. Las ideas que aquí se exponen pueden resultar muy atractivas para docentes, artistas y profesionales de las humanidades, para todas las personas que estén interesadas por las tecnologías digitales, incidiendo en la mirada crítica, la seducción comunicativa, la educación online, y la ironía, elementos sugerentes que caracterizan los textos del autor.
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« ,La pression sentie claire et prête, la main de Manet énonçait dans quel mystère la limpidité de la vue y descendait, pour ordonner, vivace, lavé, profond, aigu ou hanté de certain noir, le chef-dÆúuvre nouveau et français. ,»a.s ideas de este genial psicoterapeuta, que no fue un recolector neutral de datos, sino un buscador de soluciones. Erickson demostró que el poder cambiar está latente en el paciente, quien tiene que ser despertado, ayudándolo a reconocerse tal cual es. Propuso la utilización de anécdotas para establecer empat¡a con un paciente y con los procesos que están o no dentro de su conciencia inmediata. En lugar de producir ericksonianos ortodoxos, muchos terapeutas de diferentes orientaciones recibieron inspiración de él, quien estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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Yo trabajo como un hortelano
Considero que mi taller es como un huerto. Por allí hay alcachofas. Por aquí, patatas. Trabajo como un hortelano. las cosas lleganlentamente. siguen su curso natural. Crecen, maduran. Hace falta injertar. Así maduran en mi espíritu. En 1958 el artista
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Arquitectura
William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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¡Maldita pintura! 1001 ideas para amarla y entenderla
¿Eres una de esas personas que se sienten perdidas en un museo o entre las piezas de una exposición? ¿No sabes qué mirar cuando miras un cuadro? ¿En qué consiste un comisariado? O, si te gusta pintar, ¿acaso no has sentido pánico frente al lienzo en blanco? ¿Es necesaria la técnica? ¿Es el arte una mera construcción intelectual? ¿Dónde quedan las sensaciones? ¿Me gusta, no me gusta...? ¿Lo entiendo o me emociona? ¿Cómo miran el mundo los y las artistas? Este libro atesora respuestas para quienes se hacen estas preguntas, para todos y todas las que intuyen que algo interesante y atractivo sucede más allá de la imagen evidente, bajo la última capa del cuadro. Aun así, no esperéis en estas páginas un libro de instrucciones, ni pautas a seguir, ni obligaciones que asumir, ni fechas, nombres o acontecimientos que recordar. Simple y llanamente, encontraréis sugerencias que estimulan y facilitan la experiencia y el conocimiento de la pintura. Una bendita y placentera maldición, de la que no podemos ni queremos escapar.
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El arte de la crueldad
En línea con la tradición de Susan Sontag y Elaine Scarry, Maggie Nelson se ha convertido en una de las principales críticas culturales con este ensayo sobre las representaciones de la crueldad y la violencia en el arte. Desde la poesía de Sylvia Plath ha
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Mirar
La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la cámara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorías literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.
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Descifrar el arte
Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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Guía completa de dibujo. Caligrafía, iluminación y lettering (ejercicios)
'La práctica hace al maestro''. Este dicho también se aplica a la escritura, y aprender a escribir es fácil, siempre y cuando se mantenga una práctica regular. Elija los abecedarios que más le gusten y diviértase. Solo de esta manera podrá desarrollar el amor y la paciencia para mantenerse activo en la práctica hasta conseguir dominar las letras.Con este cuaderno de ejercicios, practicar resulta sencillo. Sumérjase paso a paso en el fascinante mundo de la escritura: ¡podrá implementar cada abecedario directamente en la hoja de ejercicios correspondiente! Todo ello con la ayuda de las instrucciones detalladas para cada letra individual. No solo podrá conocer las escrituras caligráficas más importantes, sino que también aprenderá todo lo que necesita saber sobre el espaciado entre letras y el diseño de páginas. En los capítulos sobre lettering, las formas de las letras constituyen el centro de atención. ¡Pruebe los diferentes estilos y dé rienda suelta a su creatividad!
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Leer a mano
Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia, producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario, un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.
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Tabernáculo de las cosas mundanas
La pintura, del mismo modo que la literatura y el cine, fue otra de las artes que no escapó del implacable genio -creativo y crítico- de Pier Paolo Pasolini. Su inquietud pictórica, acaso una de sus facetas más desconocidas, afloró de forma intermitente a lo largo de su vida, pero siempre permaneció latente e influyó de forma determinante en su multifacética trayectoria. En los textos recogidos en el presente volumen, con su habitual mirada incisiva, lúcida y apasionada, el intelectual italiano se manifiesta sobre la pintura y los artistas de su tiempo -desde Andy Warhol hasta Renato Guttuso-, también sobre clásicos como Caravaggio... e incluso sobre sí mismo.
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Interpretación del patrimonio en museos y lugares culturales: principios y técnicas
«Estoy seguro de que en los siglos venideros la palabra interpretación cambiará de forma similar a su significado para cubrir un horizonte más amplio de pensamiento y para englobar nuevas necesidades y prácticas» (Freeman Tilden, 1957). Invocando la cita del maestro, este libro dedica especial atención a la definición de interpretación, su relación con la mediación o la animación y la necesidad de abrirla a la comunicación mediada, y revisa los principios y técnicas de la interpretación del patrimonio a la luz de la teoría de la comunicación humana, ilustrándolos con ejemplos tomados de la experiencia profesional y docente de los autores. Asimismo, busca propiciar el conocimiento mutuo de interpretación y museología (en sentido amplio) y ofrecer claves para la comunicación efectiva del patrimonio cultural. La obra está dirigida principalmente a personas vinculadas a la gestión y comunicación al público de museos y lugares culturales y, en relación con estos, al turismo, la animación, la recreación histórica, el voluntariado o la formación universitaria.
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Las máscaras de Cleopatra
Cómo la literatura y la pintura reinventaron este mito entre 1830 y 1930.Cleopatra VII, la última reina de Egipto, fue un per-sonaje histórico pero, a partir del Romanticismo, se convirtió también en un icono literario y de la cultu-ra popular. Este ensayo, escrito de forma documenta-da pero amena, recorre los textos y las obras plásticas que alimentaron una auténtica fiebre: Cleopatra como femme fatale, fruto de la misoginia y la mirada mascu-lina, pero también como símbolo de transgresión.Las máscaras de Cleopatra recupera y lee con mirada incisiva un conjunto de poemas, relatos y obras teatra-les de autores como Rubén Darío, Théophile Gaultier, Manuel Machado, Ramón Goy de Silva, Salvador Díaz Mirón, José María de Heredia, Victor Hugo, Enrique Gómez Carrillo o Rachilde. Además, establece un diá-logo con las pinturas que les sirvieron de inspiración: Moreau, Alma Tadema, Gérôme o Franz Von Stuck.
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Ahora me cuadra
UN VIAJE FASCINANTE Y DIVERTIDO POR EL APASIONADO MUNDO DEL ARTE Y LOS ARTISTAS La vida de la galardonada periodista Bianca Bosker, obsesionada con la obsesión, dio un giro inesperado cuando se introdujo en el mundo del arte y no pudo quitarle los ojos de encima. Intrigada por los artistas que hiperventilan en torno a sus colores favoritos y los fanáticos que exprimen sus tarjetas de crédito para enseñar trozos de metal que creen capaces de cambiar el mundo, Bosker se propuso entender por qué el arte es importante y de qué manera ella o cualquiera de nosotros podría sumergirse en él más profundamente. En Ahora me cuadra, la autora se adentra en el corazón del arte y de las personas que viven por y para él, es decir, los galeristas, los coleccionistas, los comisarios y, por supuesto, los propios artistas, en especial aquellos que tienen que hacer malabares para mantener sus atelieres mientras luchan por mostrar sus obras al mundo. En su particular aventura, Bosker se las arregla para asistir a fiestas de alto nivel llenas de coleccionistas multimillonarios, permite que un artista casi desnudo se siente sobre su cara en una performance y se queda mirando una sola escultura durante horas y horas mientras trabaja como guardia de seguridad en un museo, todo para descubrir no solo el funcionamiento interno de la maquinaria de canonización del arte, sino también un modo de vida más abierto. Esta obra toca temas tan variados como las pinturas rupestres, Instagram, la ciencia de la visión y la importancia de la belleza, y analiza el papel del arte en nuestra cultura, nuestra economía y nuestros corazones al ritmo de una exploración trepidante que cambiará para siempre nuestra forma de mirar.
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Marotta. Planeta precioso
Blume
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La moda en el franquismo
La moda durante el franquismo, periodo aciago marcado por la represión, la escasez y el atraso, coincidió, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, con el surgimiento de una nueva sociedad. La cultura pop modificó gustos y actitudes, bajo el liderazgo estadounidense. La alta costura dio paso a la ropa lista para llevar y a los grandes almacenes. La España de la mantilla y las camisas viejas quedó atrás: la minifalda, los vaqueros y el bikini hicieron su aparición. Novedades que también encarnaron las rebeldes chicas topolino, con sus zapatos de coja y su llamativo estilo. E incluso muchachas menos extravagantes, más acordes a la Sección Femenina de Falange, que, peinadas con el recogido arriba España, soñaban con casarse con un velo de tul ilusión. Este libro habla de los sueños y las realidades que modelaron y reflejaron las modas en la sociedad española a lo largo de casi cuatro décadas. De Mariquita Pérez, muñeca fascista pero moderna, que acompañó y marcó el vestir de las niñas hasta que tomaban las galas de muje. De las creaciones de diseñadores españoles como Ana de Pombo, Flora Villarreal o Balenciaga. También de la Guardia Civil y las incautaciones de tejidos del mercado negro, donde las medias eran tan preciadas como los cigarrillos y las drogas. Del Sindicato Nacional del Textil, de los salones de belleza, los desfiles de modelos y de la tienda Loewe en el Castellana Hilton, donde compraba Ava Gardner.
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Hogares en calma
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.