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Llibres d'art
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El primer libro de Claramore: una historia del arte contada como la Súper Pop.El arte, esa disciplina venerada por muchos, repudiada por otros tantos. El arte puede ser sinónimo de erudición, de universo intelectual, pero también puede ser emoción, historia, cultura. Lo que muchos no saben es que el arte es para todo el mundo, solo hay que encontrar la forma de entrar en él.Un Van Gogh en el salón es el primer libro de la historiadora del arte Clara González Freyre de Andrade, conocida en redes como Claramore. Contado como si fueran las páginas de la mismísima Súper Pop, la autora no deja cuadro sin artista para explicarnos múltiples anécdotas y secretos de las obras más icónicas y descubrirnos otras que nadie nos había mostrado hasta hoy. Un recorrido en el que el arte y la cultura pop conviven.Este es un libro para aprender y divertirse: conoceremos los salseos artísticos imprescindibles, las rivalidades más escandalosas entre artistas famosos, las mentes femeninas más brillantes o las obras que causaron más polémica, entre muchas otras cosas. Narrado con naturalidad y sencillez, Un Van Gogh en el salón nos permite disfrutar del arte desde la comodidad de nuestra casa.¿A qui va dirigit el llibre Un Van Gogh en el salón?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli, interessat en l'art però que potser no se senti còmode amb els enfocaments acadèmics tradicionals. Es presenta com una opció accessible i amena per a aquells que desitgen aprendre sobre història de l'art d'una forma divertida i atractiva, sense necessitat de coneixements previs extensos. El seu estil informal i proper el fa ideal per a lectors joves, estudiants o qualsevol persona que busqui una aproximació diferent i menys formal al món de l'art. La inclusió de referències a la cultura pop facilita la comprensió i connexió amb el material per a un públic més ampli.Temes que tracta el llibre Un Van Gogh en el salónEl llibre UN VAN GOGH EN EL SALÓN explora la història de l'art a través d'anècdotes, secrets i curiositats d'obres icòniques i altres menys conegudes. Es centra en:Aspectes poc coneguts d'obres famoses: El llibre revela dades curioses i detalls ocults darrere de les obres d'art més famoses, oferint una perspectiva més íntima i humana dels artistes i les seves creacions.Rivalitats i escàndols artístics: S'aborden les disputes i controvèrsies entre artistes, mostrant el costat més humà i a vegades conflictiu del món de l'art.Artistes femenines i LGTBIQ+: El llibre destaca la contribució d'artistes dones i pertanyents al col·lectiu LGTBIQ+, contribuint a una visió més inclusiva i igualitària de la història de l'art.Context social i cultural: Les obres d'art es contextualitzen en la societat i cultura de la seva època, mostrant la influència de l'entorn en la creació artística.Art i cultura pop: El llibre estableix connexions entre l'art clàssic i la cultura popular, facilitant la comprensió i l'interès per a un públic més ampli.Desmitificació d'artistes: Es presenten alguns artistes de forma més humana, allunyant-se de la imatge idealitzada que a vegades es projecta sobre ells.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Un Van Gogh en el salónLes opinions sobre UN VAN GOGH EN EL SALÓN són variades. Alguns lectors destaquen el seu enfocament amen, divertit i accessible, que facilita l'aprenentatge sobre història de l'art. S'elogia la capacitat de l'autora per desmitificar alguns artistes i revelar aspectes poc coneguts de les seves obres. L'estil informal i proper, amb referències a la cultura pop, és apreciat per molts. No obstant això, altres lectors consideren que algunes de les opinions feministes o les referències a la cultura pop resulten excessives o fora de lloc. Alguns assenyalen que part de la informació ja havia estat compartida per l'autora a les xarxes socials. Malgrat aquestes opinions divergents, la majoria dels lectors coincideixen que el llibre és una lectura entretinguda i interessant, que ofereix una nova perspectiva sobre la història de l'art.
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Juega con el color, desarrolla tu creatividad y descubre tu paleta personal con este manual práctico de acuarela. El color es una de las vías de expresión de nuestra personalidad más profunda. Con esta guía práctica, Lisa Solomon nos introduce en la teoría del color a través de divertidos experimentos con los que descubrir distintas maneras de conectar con el color en nuestra vida y en nuestros proyectos. . Una introducción al color: qué es y cómo los percibimos, la terminología esencial (tono, atenuación, valor, cálido o frío...) y los sistemas de colores más comunes (RGB, CMYK, Pantone...). . Un repaso de todos los materiales y herramientas que necesitas conocer para adentrarte en el apasionante mundo de las pinturas con base de agua. . 15 ejercicios con los que asimilarás las cuestiones esenciales de la teoría del color: combinaciones de color, la rueda de colores tradicional, jugar con la saturación... . Y, además, 16 meditaciones de color, pequeños ejercicios de repetición que te permitirán concentrarte en el ajuste del color y dejarte llevar por la inspiración.
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Ser creativo para vivir mejorLa creatividad no solo se trata de dejar tu marca en un papel. Se trata de ver el mundo de una manera un poco diferente, y de expandir tu imaginación a lo que podría ser. 365 Días de creatividad te motivará para nutrir y hacer crecer tu potencial creativo en todas las áreas de tu vida. A través de ejercicios prácticos y diarios y la fijación de objetivos, Lorna Scobie te muestra cómo experimentar, explorar y dejar ir tus inhibiciones artísticas, animándote para buscar inspiración creativa dondequiera que vayas, desde en las nubes en el cielo a los rostros en la cafetería de tu ciudad. Ya seas un novato, un aficionado a los doodles, o un artista experimentado, 365 días de creatividad estimulará tu imaginación y te ayudará a poner un poco de creatividad en tu día a día.¿A qui s'adreça el llibre 365 DÍAS DE CREATIVIDAD?Aquest llibre s'adreça a un públic ampli, independentment del seu nivell d'experiència artística. Tant principiants com aficionats o artistes experimentats hi trobaran una eina útil per estimular la seva imaginació i desenvolupar la seva creativitat. És ideal per a aquells que busquen incorporar la creativitat a la seva vida diària, ja sigui a través d'exercicis senzills o projectes més ambiciosos. L'obra es presenta com una guia accessible per a tots aquells que desitgin explorar el seu potencial creatiu en diferents àrees de la seva vida.Temes que tracta el llibre 365 días de creatividad365 DÍAS DE CREATIVIDAD proposa una sèrie d'exercicis pràctics i diaris dissenyats per fomentar la creativitat. A través de la fixació d'objectius, el llibre guia el lector en un procés d'experimentació i exploració artística, animant-lo a superar les inhibicions i a buscar inspiració en el seu entorn quotidià. Els temes que s'aborden inclouen:Exercicis pràctics diaris: El llibre ofereix una activitat creativa per a cada dia de l'any, fomentant la constància i l'hàbit de la creació. Aquestes activitats abasten diverses tècniques i estils artístics.Superació d'inhibicions: L'obra es centra en ajudar el lector a superar la por a l'error i a l'autocrítica, animant-lo a experimentar sense prejudicis.Búsqueda d'inspiració: Es fomenta l'observació de l'entorn com a font d'inspiració, convidant el lector a trobar la creativitat en els detalls quotidians.Desenvolupament del potencial creatiu: El llibre busca ajudar el lector a desenvolupar el seu potencial creatiu en totes les àrees de la seva vida, no limitant-se únicament a l'àmbit artístic.Fixació d'objectius: Es proposa la creació d'objectius creatius per guiar el procés d'aprenentatge i desenvolupament artístic.Experimentació i exploració: S'anima el lector a experimentar amb diferents tècniques i materials, explorant el seu propi estil i preferències.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre 365 DÍAS DE CREATIVIDADLes opinions sobre 365 DÍAS DE CREATIVIDAD destaquen la seva capacitat per despertar la creativitat i oferir una varietat d'activitats amenes. Es descriu com un llibre entretingut i genial per desenvolupar la creativitat, recomanat per a persones de totes les edats. Els lectors valoren positivament la varietat d'exercicis i la facilitat amb què es poden realitzar, considerant-lo una eina útil per impulsar la imaginació i generar noves idees. Alguns comentaris el qualifiquen com un llibre bonic i útil per posar en pràctica la imaginació i la creativitat, fins i tot com a disparador per a nous projectes.
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¿Qué diferencia a un artista de otro? ¿Qué te diferencia a ti del resto? Para un artista, poseer una voz única y personal lo es todo. Tu voz conforma el universo simbólico y estilístico que te distingue como creador y es, al mismo tiempo, tu tarjeta de presentación, lo que permite a quienes ven tu obra, ya sea en unmuseo o en las redes sociales, reconocerte como su artífice. Pero desarrollar una estética única y personal requiere trabajo, tenacidad y claridad de visión.La ilustradora Lisa Congdon comparte en esta guía todos sus conocimientos y experiencias como artista paraayudarte a encontrar tu identidad creativa. A travésde breves píldoras reflexivas, consejos prácticos einteresantes entrevistas a una gran variedad de artistas de primera línea, averiguarás la importancia delestilo, la destreza, la gestión de las influencias, la rutina, la experimentación, la vida social y todo aquello, en definitiva, que contribuye al desarrollo de una personalidad artística plena y genuina. Una guía práctica y directa en la que verás reflejadas cuestiones inmediatas del día a día de tu práctica creativa y que te ayudará a identificarte y a consolidarte como artista.
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Sófocles murió a causa de una alegría, los habitantesde la isla de Delos se afeitaban la cabeza a la muerte de sus parientes y el luto duraba hasta que los cabellos habían recuperado su longitud habitual, el guardia del cementerio marino de Sète adiestró a su perro para que acompañase a los visitantes hasta la tumbade Paul Valéry, el emperador Adriano hizo matar a suarquitecto porque sabía más que él sobre arquitectura y los indios de la Guayana bebían un licor elaborado con la ceniza de sus muertos. A lo largo de la historia, la muerte ha generado a su alrededor una rica constelación de anécdotas, datos y extravagancias. Desde argots, epitafios, jurisdicciones y últimas palabras hasta rituales, condenas, alegorías y tradiciones,este diccionario reúne una amplia selección de palabras vinculadas a la muerte que abarcan temas tan diversos como la filosofía, el arte, la antropología, lademografía o la moral.
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Yo veo / Tú significas es una novela experimental sobre espejos, mapas, relaciones personales, sobre el océano, el éxito esquivo y la felicidad como posibilidad. A través de un collage de fotografías verbales, diálogos, encuentros sexuales, material encontrado y dispositivos de auto-identificación (astrología, el I Ching, quiromancia, Tarot) narra de pasado a futuro la cambiante relación entre dos hombres y dos mujeres. Entre líneas suceden muchas cosas. La crítica de arte Lucy Lippard escribió esta novela en 1970 y se convirtió feminista en el proceso: ''Empecé escribiendo y me di cuenta que estaba avergonzada de ser una mujer. Entonces tuve que saber por qué. Luego me enfadé. La forma fragmentada y visual del texto bebe del arte contemporáneo y las emociones conflictivas de las confrontaciones políticas de los 60, todo esto sugirió una nueva forma de recolocar las cosas, de forma abierta, de una manera femenina que no pretende conclusiones''. Esta primera edición en castellano sucede cuarenta años después de su publicación en inglés y recuerda la actualidad del legado de su autora en la crítica y la práctica del arte contemporáneo. Esta edición cuenta con una introducción de la crítica de arte e investigadora Paloma Checa-Gismero responsable de su traducción.
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El manual definitivo para hacer detonar ideas y mejorar tus habilidades creativas Olvídate de las anécdotas de relleno y descubre los fundamentos de la creatividad de una manera sencilla, efectiva y visual. Este PROCESO CREATIVO te guiará, a través de seis pasos, en tu viaje hacia tu próxima idea, desde definir lo que quieres lograr hasta comenzar a hacerlo realidad. Si llevas tiempo deseando innovar, crear cosas distintas sobre lo que a ti te interesa (arte, diseño, tecnología, marketing, negocios...) o, simplemente, estás pasando por un bloqueo creativo, esta guía es la herramienta que te hacía falta.
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Los cuadros esconden mensajes que pueden pasar desapercibidos, pero que a menudo cuentan historias fascinantes. Detrás de detalles aparentemente insignificantes alientan epopeyas que cambiaron el mundo, como los diminutos granos de pimienta en un bodegón, el pequeño colgante con un carnero dorado en un retrato o el pigmento que presta su color a un lienzo. O bien contienen indicios que remiten a la más temible red de espías, las contraseñas del ''marketing'' protestante o el gabinete de imagen y propaganda de la monarquía hispana, con guionistas como Calderón de la Barca y creativos como Velázquez. Agustín Sánchez Vidal nos lleva de un tema a otro y los relaciona con nuestra vida cotidiana y el presente, desde el color naranja de las zanahorias de un bodegón a Bugs Bunny, Freud y la publicidad, del rey Midas al actual valor del oro, del Bosco a las pinturas negras de Goya o de la Inmaculada Concepción a una Unión Europea dividida entre los ''trabajadores'' países del norte y los ''holgazanes'' del sur. Todo eso y mucho más se esconde en los cuadros del Museo del Prado, que relatan la historia de España y sus vínculos con Europa.
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Un ensayo magnífico, riguroso y muy completo sobre los objetos hermosos, nuestra relación con ellos, y lo que esconde su producción.En esta colección de ensayos lúcidos y contundentes, en los que ciencia, historia y memorias se combinan magistralmente, Kelleher sale en busca de los secretos más inconfesables de nuestros productos favoritos. Con una prosa tan deslumbrante como los objetos que describe, Kelleher nos invita a examinar la relación que mantenemos con los objetos que adornan nuestro cuerpo y decoran nuestros hogares. Y al mismo tiempo argumenta que, aunque tengamos el imperativo moral de comprender nuestra relación con el deseo, tampoco somos malvados por anhelar la belleza. Esta terrible historia de las cosas bellas nos abre los ojos ante las cosas que nos rodean, nos ayuda a comprender cómo surgió, qué precio se pagó y cómo podemos participar de la belleza del mundo de una manera ética.
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La mejor enciclopedia de Warhammer 40 000 ya está aquí Sumérgete en el increíble universo de Warhammer 40 000 y examina miniaturas de cada facción a través de fotografías oficiales. Acompaña a personajes clave a lo largo de su evolución y estudia con todo detalle a los guerreros que libran una guerra sin fin en el Milenio 41. Explora el universo de Warhammer 40 000 y sus facciones con sorprendente detalle. Esta guía definitiva profundiza en la historia de Warhammer 40 000 y encantará tanto a los fans veteranos como a los recién llegados. Con cientos de fotografías que muestran detalles de cada facción, desde los poderosos Marines Espaciales, los voraces Tiránidos, los repugnantes Demonios del Caos hasta los inmortales Necrones y mucho más. Guy Haley y Gav Thorpe, dos autores muy conocidos del universo de Warhammer, te guiarán a través de este mundo con descripciones ricamente detalladas y grandes conocimientos sobre la historia de Warhammer 40 000. Warhammer 40 000. La guía visual definitiva está repleta de información sobre las miniaturas que definen el juego y profundiza en el universo de Warhammer 40 000 como nunca antes. Si eres un nuevo fan que quiere una guía completa, un coleccionista de miniaturas o un seguidor de Warhammer 40 000, este libro imprescindible es un viaje visual esencial a través de la sombría oscuridad de Warhammer 40.000. © Copyright Games Workshop Limited 2024
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Segunda edición, esta vez en tapa dura, de Feminist Art, con una nueva introducción de Valentina Grande dedicada al público español, y una nueva ilustración de Eva Rossetti para la contracubierta. Los sesenta y los setenta son los años de los movimientos por los derechos civiles, de las manifestaciones estudiantiles y de la segunda ola feminista. Son los años en los que surge el Feminist Art, un movimiento complejo y fundamental para entender la historia del arte contemporáneo. A través de las palabras y los monólogos interiores de Judy Chicago, Faith Ringgold, Ana Mendieta y de las Guerrilla Girls. «El arte feminista no es un estilo ni un movimiento, sino un sistema de valores, una estrategia revolucionaria, un modo de vida». -LUCY R. LIPPARD «El arte feminista no es el arte realizado por mujeres, no es un movimiento que se caracteriza por ciertas elecciones técnicas o por adoptar formas innovadoras, es más bien un movimiento artístico y político en el que las artistas son activistas que reivindican los derechos de las mujeres y que usan el arte como una herramienta de lucha». -VALENTINA GRANDE
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Manual de referencia para artistas y diseñadores, esta nueva edición de este clásico sobre combinación cromática revisa todas las bases de la teoría del color y se actualiza con nuevos colores, paletas y herramientas que te permitirán ganar seguridad en tus elecciones cromáticas. Contenidos principales: El círculo cromático Cómo usar el color La carta de colores El proceso Aspectos del color Combinaciones cromáticas ¿Cuál es tu color? Efectos especiales para colores Estados de ánimo y color Psicología del color Tendencias cromáticas Tabla de conversión de cuatricromía Muestras de color
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El arte no es tan hetero como te contaron.El segundo libro de la divulgadora Claramore (Un Van Gogh en el salón) y la primera historia del arte LGTBIQ+ contada como un periódico. Se dice que el arte es la casa de todos, aunque durante siglos se excluyó a quienes no seguían los estándares. Este libro muestra cómo el colectivo LGTBIQ+ ha transformado el mundo a través de las artes desde sus inicios hasta la actualidad. Con cada capítulo inspirado en un color distinto de la bandera arcoíris, Claramore explora la obra de artistas como Toulouse Lautrec, Rubens, Hilma af Klimt o Natalie Clifford y su impacto en la sexualidad, las disidencias, la salud, el orgullo, la espiritualidad o el racismo a lo largo de la historia. Combinando artes plásticas, fotografía o escultura, Nos recordarán ilumina la capacidad de crear, resistir y brillar más allá de etiquetas y escándalos. Para cualquiera que haya sentido que no encajaba, que haya buscado referentes y que haya amado fuera de los márgenes. Es para ti, que quieres mirar el arte con otros ojos.
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El arte románico despierta un interés que no consiguen otros estilos. De manera general, en los anteriores a él puede atraer por su importancia arquitectónica y, en los posteriores, la estética. Pero el Románico interesa por algo más. Al cabo de siglos ignorándolo o destruyéndolo, nos hemos ido percatando de que guarda una carga extraordinaria de verdad, de vida y también de misterio. El románico levantado en su día en los reinos españoles que ha llegado hasta nosotros por hombres lúcidos y decididos, es abundante y con frecuencia de primer orden. Este libro es una introducción a ese románico. En su primera parte aborda distintos temas generales que facilitan la comprensión de la profundidad del románico y de sus circunstancias, así como el conocimiento de los hombres que lo concibieron y lo erigieron. En la segunda parte se trata monográficamente de los monumentos más significativos, cualificados o singulares y también de algunos pueblos y áreas geográficas en los que su densidad románica es excepcional y demostrativa del ayer románico español.
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Celebra la historia del diseño con este magnífico libro ilustrado, desde el movimiento Arts and Crafts hasta la era digital Con más de 1200 imágenes, este libro es una mirada excepcional a los principales movimientos, mostrando cómo comenzaron y explicando su filosofía y estilo, desde 1850 hasta la actualidad. Organizado cronológicamente, este libro rastrea la evolución del diseño, desde sus orígenes hasta la actualidad, desde las primeras sillas, cerámica y accesorios para el hogar hasta automóviles, diseño gráfico y artículos de diseño. Descubre a todos los diseñadores, fabricantes y objetos clave, conoce cómo y por qué surgieron y se hicieron populares. En las páginas de este fabuloso libro de diseño descubrirás:- Los diseños más importantes de cada movimiento o período. - Ejemplos icónicos de diseño de interiores y arquitectura de cada periodo. - Diseñadores célebres con sus diseños emblemáticos y su gran influencia. - Evolución de los objetos cotidianos. Con análisis de expertos, fotografías impresionantes y una amplia gama de objetos tanto domésticos como extraordinarios, este libro explica qué hace que un diseño sea realmente grandioso y revela las historias ocultas detrás de los objetos cotidianos que nos rodean. La Bauhaus,William Morris, Alvar Aalto, Frank Lloyd Wright, Antoni Gaudí, Mackintosh, Vitra... este libro ofrece una visión completa del diseño a lo largo de los dos últimos siglos. Un libro que no puede faltar en la biblioteca de cualquier persona interesada en el diseño, así como un regalo ideal para estudiantes de arte y diseño. Otros títulos de DK-Arte. La historia visual definitiva 9780241389980 -Moda. Historia y estilos 9780241420560 -Arquitectura. La historia visual definitiva 9780241703038 -Fotografía. La historia visual definitiva 9780241216620 -Música. La historia visual definitiva 9781409372516¿A qui va dirigit el llibre Diseño. La historia visual definitiva?Aquest llibre va dirigit a un públic ampli interessat en el disseny, la seva història i evolució. Resulta especialment atractiu per a estudiants d'art i disseny, professionals del sector, aficionats a la història de l'art i a la cultura material, així com per a qualsevol persona curiosa per comprendre la influència del disseny en la societat al llarg dels darrers dos segles. El seu format visualment ric i el seu enfocament accessible el fan adequat tant per a lectors amb coneixements previs com per a aquells que s'acosten al tema per primera vegada. L'obra es presenta com un recurs valuós per a l'educació i el gaudi personal.Temes que tracta el llibre Diseño. La historia visual definitivaDISEÑO. LA HISTORIA VISUAL DEFINITIVA ofereix una exploració exhaustiva de la història del disseny des de 1850 fins a l'actualitat. El seu enfocament cronològic permet seguir l'evolució de les diferents disciplines del disseny, mostrant la interconnexió entre elles. El llibre analitza:Moviments de disseny: S'estudien els principals moviments i escoles de disseny, des de l'Arts and Crafts fins a l'era digital, explicant les seves filosofies, estils i principals figures. Es profunditza en les idees i els contextos històrics que van donar origen a cada moviment.Disseny d'objectes quotidians: S'analitza l'evolució d'objectes d'ús comú, des de mobles i ceràmica fins a automòbils i disseny gràfic, mostrant com aquests objectes han reflectit i modelat la cultura material. Es presta atenció a la funcionalitat, l'estètica i l'impacte social d'aquests dissenys.Dissenyadors influents: Es presenten les biografies i obres de dissenyadors clau, destacant la seva influència en la història del disseny i la seva aportació als diferents moviments. S'explora la trajectòria professional i el llegat de cada dissenyador.Arquitectura i disseny d'interiors: El llibre inclou exemples icònics d'arquitectura i disseny d'interiors de cada període, mostrant la relació entre aquests camps i el disseny d'objectes. S'analitzen les característiques estètiques i funcionals de les obres presentades.Anàlisi d'experts: S'inclouen anàlisis i perspectives d'experts en el camp del disseny, proporcionant una visió més profunda i crítica dels temes tractats. Aquestes perspectives enriqueixen l'anàlisi de les obres i moviments presentats.El llibre es caracteritza per la seva rica iconografia, amb més de 1200 imatges que il·lustren els conceptes i les obres analitzades. Aquest enfocament visual facilita la comprensió dels temes tractats i enriqueix l'experiència de lectura.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Diseño. La historia visual definitivaEncara no hi ha opinions o crítiques sobre Diseño. La historia visual definitiva.
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Décadas de valiosas imágenes, resumidas ahora en 512 páginas de fotografías que constituyen la retrospectiva definitiva de la obra de Nobuyoshi Araki, seleccionadas por el propio artista.Publicada originalmente como edición limitada y ahora disponible en un nuevo formato para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN, esta selección profundiza en los temas más conocidos de Araki: escenas callejeras de Tokio, rostros y comidas, sensuales flores de colores intensos, genitales femeninos y el kinbaku, el arte japonés de atar con cuerdas. Mientras las muchachas yacen sujetas pero en posición desafiante y pétalos de colores brillantes adoptan sugerentes formas a su alrededor, Araki juega constantemente con los motivos de la subyugación y la emancipación, la muerte y el deseo, al tiempo que combina imágenes serenas e impactantes.Araki, que describe sus fotografías de mujeres atadas como “,una colaboración entre los personajes tratados y el fotógrafo”,, busca acercarse a sus personajes femeninos a través de la fotografía, subrayando el papel que juegan las conversaciones entre las modelos y él mismo. En su tierra natal, Japón, muchas mujeres rinden culto a Araki al sentirse liberadas por su disposición a fotografiar la expresión de su deseo.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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El arte como bálsamo para el alma Ver arte no es solo una experiencia estética, también es una poderosa herramienta para comprender nuestras emociones. Si sabemos cómo mirarlo, un cuadro puede convertirse en una guía para atravesar momentos difíciles. Pablo Ortiz de Zárate lo sabe bien, porque además de ser un periodista especializado en arte, sufrió una depresión. Durante su proceso de recuperación se dio cuenta de que los tres pilares fundamentales de la salud mental —vivir el presente, desarrollar empatía y afrontar la ansiedad— pueden trabajarse a través del arte. Este libro nos revela cómo contemplar las obras de arte para extraer su poder terapéutico y por qué algunos cuadros son considerados auténticas obras maestras y otros, más espectaculares, no. A partir de una metodología sencilla descubriremos el mensaje oculto de las imágenes centrándonos en los objetos, las personas —sus ojos y manos— y los elementos intangibles. Aquí se esconden los secretos para cultivar una mente más sana y una vida emocional plena. Una inyección directa de bienestar en nuestra mente.
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Un libro inspirador para todos los creadores, artistas y soñadores, ya estén comenzando su camino o buscando una nueva perspectiva. A través de su experiencia como novelista y mentora creativa, Amie McNee (@inspiredtowrite) comparte por qué el mundo necesita tu arte y cómo puedes hacerlo realidad. Propone un plan de dos semanas para recuperar el hábito y conectar con tu propósito. No se trata de escribir una novela en un mes ni de pintar una obra maestra de la noche a la mañana, sino de dar pequeños pasos constantes cada día que te permitan construir una práctica sólida. La autora aborda los grandes retos de cualquiera que se enfrente a su obra (el síndrome del impostor, el perfeccionismo, la procrastinación o la autocrítica) y nos invita a realizarnos como artistas y a reivindicar el derecho a crear con orgullo, sin miedo y sin pedir permiso.
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Con Eiseman, directora del equipo que selecciona el Color Pantone del Año, este libro presenta diferentesapartados, como predicción y tendencias cromáticas, preferencias cromáticas personales y su significado,mensajes cromáticos, proporciones correctas y efectos especiales. El uso adecuado del color crea diferentesambientes para el hogar, la oficina,los productos o el mercado. Este libro le ayudará a recrear un ambiente determinado mediante el uso del color.
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Manual de introducción al estudio de la anatomía según una dirección teórica y práctica, ricamente ilustrado con fotografías y dibujos. Destinado a los alumnos de las escuelas o academias artísticas y a los artistas que tienen intención de dedicarse al dibujo y la pintura de la figura humana. El libro incluye: - Información general sobre el estudio de la anatomía - Anatomía del aparato locomotor: componentes articulares, musculares y esqueléticos. - Aparato tegumentario, venas superficiales, tejido adiposo. - Anatomía sistemática y de superficie: cabeza, tronco y extremidades superiores e inferiores. - Repertorio iconográfico.
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Lo que los libros de historia del arte no quieren que sepas: aprende y disfruta de los salseos artísticos de todos los tiempos! ¿Sabías que la escultura Éxtasis de Santa Teresa representa a una monja en pleno orgasmo al conectar con Dios? Si la historia del arte siempre te ha interesado, pero nunca te la han sabido enseñar, este libro es perfecto para ti. Aprenderás las obras más importantes de la historia del arte desde un punto de vista mucho más atrevido, spicy y travieso. Prepárate para salseos que ni habías imaginado! BLANCA GUILERA PUIG tiene una cuenta de TikTok con más de 780 K seguidores que esperan cada día nuevos salseos de la historia del arte. Con una precisión y un humor excepcionales, explica las obras de la historia del arte para que todo el mundo pueda entenderlas, observarlas como nunca e interesarse por ellas a otro nivel.¿A qui va dirigit el llibre Lo que los libros de historia del arte no quieren que sepas?Lo que los libros de Historia del Arte no quieren que sepas s'adreça a un públic ampli, interessat en l'art i la cultura, però que busca una aproximació diferent a la tradicional. És ideal per a aquells que desitgen aprendre sobre història de l'art d'una manera dinàmica, entretinguda i accessible, sense necessitat de coneixements previs extensos. El llibre atrau tant a aficionats com a estudiants, oferint una perspectiva fresca i novedosa sobre temes clàssics i menys coneguts. El seu estil informal i atractiu el converteix en una lectura ideal per a qualsevol persona curiosa per descobrir les històries ocultes darrere de les obres d'art més icòniques. L'autora, amb la seva experiència a les xarxes socials, connecta amb un públic jove i digital, però el contingut del llibre és atractiu per a totes les edats.Temes que tracta el llibre Lo que los libros de historia del arte no quieren que sepasEl llibre explora la història de l'art a través d'anècdotes, curiositats i simbolismes ocults en obres famoses. S'allunya de la narrativa lineal tradicional, oferint una perspectiva més informal i atractiva. Alguns dels temes que es tracten inclouen:Connexions inesperades entre artistes i figures contemporànies: El llibre estableix paral·lelismes sorprenents entre artistes d'èpoques i cultures diferents, mostrant com certes idees o simbolismes transcendeixen el temps.Històries ocultes i anècdotes poc conegudes: Es revelen secrets i detalls fascinants sobre la vida dels artistes i el context de creació de les seves obres, incloent històries d'amor, rivalitats, crims i altres successos rellevants.Anàlisi de simbolismes i detalls en obres d'art: Es profunditza en el significat d'elements específics presents en les obres, desvetllant capes d'interpretació que sovint passen desapercebudes en les anàlisis tradicionals.Revisió de la narrativa històrica de l'art: El llibre qüestiona algunes interpretacions convencionals de la història de l'art, oferint perspectives alternatives i desafiant la visió tradicional.Aproximació lúdica i accessible a la història de l'art: El text es caracteritza pel seu to informal i amen, facilitant la comprensió de conceptes complexos i fent la lectura atractiva per a un públic ampli.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Lo que los libros de historia del arte no quieren que sepasHi ha opinions diverses sobre el llibre. Alguns lectors destaquen l'originalitat de l'enfocament i la capacitat de l'autora per fer accessible la història de l'art a un públic ampli. S'elogia l'estil amen i la inclusió d'anècdotes interessants que enriqueixen la lectura. Altres lectors, però, consideren que el rigor acadèmic podria ser millorat, senyalant que la recerca de l'amenitat podria sacrificar en ocasions la precisió històrica. En general, s'aprecia l'esforç per oferir una perspectiva innovadora i atractiva sobre la història de l'art, encara que la valoració de l'exactitud històrica varia segons el lector.
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El poeta Paul Éluard describió ''Expresiones de la locura'' como ''el libro de imágenes más bello que ha existido''. Su autor, Hans Prinzhorn, fue poeta amateur, músico, dibujante aficionado, historiador del arte, filósofo y psiquiatra. Su personalidad entusiasta se ve reflejada en el texto, que tiene su correlato en la configuración de una gran colección de obras que vienen de manicomios de todo el mundo. Desde su publicación en 1922, el volumen fascina a artistas como Paul Klee, Max Ernst, Pablo Picasso o Salvador Dalí: algunos lo han considerado uno de los manantiales secretos de donde beben las vanguardias. Se trata, además, de uno de los primeros textos en realizar un análisis artístico de piezas realizadas por ''locos'', y resulta fundamental para la posterior configuración de categorías como el ''art brut'' o el ''outsider art''. Entre sus páginas aparecen relatos de personas que pintan sobre papel higiénico o esculpen con miga de pan. El libro es también la historia de la irrefrenable necesidad creadora del ser humano, a pesar de todo, y en las circunstancias más adversas.
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En este nuevo libro, la popular acuarelista y profesora de arte Ana Victoria Calderón amplía nuestros horizontes creativos mostrándonos cómo crear una amplia variedad de texturas para dotar de contexto y profundidad nuestras obras. Desde sencillas líneas o puntos hasta salpicaduras espontáneas o patrones, a través de tutoriales paso a paso y retos creativos, en este manual las texturas se convierten en un elemento clave de nuestras creaciones en acuarela.
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¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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La belleza puede ser reconfortante, perturbadora, sagrada o profana, puede resultar estimulante, atrayente, inspiradora, incluso escalofriante. Puede afectarnos de maneras muy distintas, pero nunca nos deja indiferentes. En esta obra, el brillante y ecléctico filósofo Roger Scruton explora el concepto de belleza, indagando en aquellos elementos que confieren a un objeto -artístico, humano o natural- esta cualidad y sugiriendo formas de comparar la variedad de criterios que existen al respecto. ¿Hay una manera precisa de medir y juzgar la belleza? ¿Es siquiera posible definirla? ¿Es justo afirmar que es más bello un templo clásico que un edificio de oficinas hecho de hormigón, que hay más belleza en un Rembrandt que en la obra que ganó el último Premio Turner? Las conclusiones a las que llega el autor en este texto, directo y sugerente, tan accesible como intelectualmente riguroso, sin duda pueden resultar controvertidas. No obstante, todas ellas invitan a reflexionar sobre los objetos bellos que nos rodean y a tratar de hallar un sentido más profundo en el efecto que la belleza tiene sobre nosotros.
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En esta obra presentamos las dos series de ‘Treinta yseis vistas del monte Fuji’ creadas por Utagawa Hiroshige y Katsushika Hokusai, los más reputados dibujantes y artistas del género ukiyo-e. Los dos son los intérpretes más importantes de la ilustración nipona, con un control sutil del cromatismo —con el dominio del verde y del azul— y su sentido del grabado, que sería imitado, más tarde, por la fotografía y el cine.Este libro es una gran novedad porque muestra las visiones enfrentadas y al mismo tiempo compenetradas del monte Fuji, el pico más alto de la isla de Honshu, considerado sagrado desde la Antigüedad y al quelas mujeres tuvieron prohibido el acceso a la cima hasta la era Meiji (finales del siglo XIX).Los dos mejores autores del ukiyo-e en una obra inédita ycon edición limitada de 2.000 unidades.Esta edición incluye una fabulosa lámina que se despliega enun tríptico para su exposición y decoración en cualquier pared. Desde The Galobart Books hemos seleccionado la más espectacular para que forme parte de una colección privada y exclusiva de arte japonés.
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Acceder al profundo simbolismo del Tarot de Mantegnasólo es posible adentrándonos de lleno en la riquezacultural de la sociedad en la que fue creado: el Renacimiento italiano. Este libro se propone viajar al corazón del humanismo florentino de la mano de pensadores como Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola o el bizantino Plethon. Las estampas del tarot de Mantegna fueron creadas bajo la inspiración de las propuestas mágicas y filosóficas de estos autores. Un halo de misterio ha rodeado desde hace siglos a esta colección de cincuenta grabados: no se sabe cuál es sulugar de origen, la fecha en la que se crearon, ni siquiera quiénes fueron en realidad sus creadores. Estanueva edición del especialista en simbología sagraday tradición hermética Raimon Arola nos permitirá conocer algunos de los secretos de este sorprendente juego de cartas que no sólo servía para el divertimento,sino que podía predecir el futuro y lanzar herméticas profecías.
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Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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Ambientada en l'Ànglia de l'Est del 1759, l'obra comença quan una dona jove, desapareguda durant un temps, torna una nit a casa, on el seu marit la troba coberta de sang. Després de ser condemnada per assassinat i sentenciada a mort, ella afirma estar embarassada. Kirkwood es va sentir atreta per la pràctica històrica real que consistia a convocar un jurat de dones per examinar el cos de l'acusada i determinar si realment estava embarassada. Si declaraven que ho estava, l'enviaven a l'exili a Amèrica. Si no, l'executaven immediatament.
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El “estilo japonés” es una estética reconocible para todos: una flor bellamente expuesta, una elegante caligrafía o un simple jardín de rocas, pero también es difícil de definir.Escrito por uno de los estudiosos del arte y la cultura japoneses más respetados del mundo, este libro hace precisamente eso. Ilustrado con más de 150 impresionantes imágenes que revelan la esencia del arte y la cultura japoneses, junto con el innovador y revelador texto de Gian Carlo Calza, Japan Style explora logros específicos del arte y la arquitectura japoneses y ofrece un análisis en profundidad de toda la cultura japonesa, su visión del mundo y de la humanidad.Gian Carlo Calza es un académico que investiga las culturas y artes asiáticas y su interacción con Occidente. Es una autoridad destacada en el arte y la estética japoneses, autor de numerosos libros y curador de numerosas exposiciones en este campo.Entre sus libros más importantes se encuentran: Tanaka Ikko, Hokusai, Ukiyo-e y Poema de la almohada, todos ellos publicados en inglés por Phaidon.
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Este libro explora la contribución de las artes y de la creatividad en Educación Infantil. Además estudia el papel de los talleres de artes y del profesorado de educación artística en las escuelas de Educación Infantil de Reggio Emilia. Lo hace a través de la experiencia de Vea Vecchi una de las primeras especialistas de educación artística en Reggio Emilia. Esta obra construida como memoria, conversación y reflexión proporciona una perspectiva única del trabajo pedagógico de este proyecto que sigue siendo una fuente de inspiración para todo el profesorado de Educación Infantil así como para quienes planifican las políticas educativas en cualquier parte del mundo. El texto de Vea está lleno de ejemplos muy significativos, atrapa a sus lectoras y lectores con la narración de la historia de estos talleres y la evolución del papel del profesorado. Algunos temas clave tratados en el libro son: - Procesos de aprendizaje y construcción del conocimiento, - La teoría de los cien lenguajes de la infancia y el papel de las poesías, - La importancia de la organización, de los métodos de trabajo y de las herramientas, - La contribución del ambiente físico, - La relación entre talleres, especialistas en artes, la escuela y el profesorado. Esta obra tan clarificadora es una lectura muy recomendada para estudiantes, profesionales, responsables de la Administración Educativa, para quienes investigan en Educación Infantil y también para quienes trabajando en otros campos educativos estén interesados en la relación entre las artes y el aprendizaje. Vea Vecchi trabajó como profesora en la Escuela Municipal Infantil Diana, en Reggio Emilia durante más de treinta años, realizando investigación pedagógica y documentación en todos los lenguajes de los niños y niñas. En la actualidad trabaja como asesora de la asociación y proyecto educativo “Reggio Children”
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Además de ser un medio accesible y fascinante, laacuarela tiene la particularidad de funcionar maravillosamente bien junto a otras técnicas pictóricas. Eneste nuevo libro, la autora de Acuarela creativa y Armonía de color para
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Dibujar gente es un cuaderno creativo con retos, proyectos y ejercicios que, paso a paso, te guiarán a lo largo de 100 actividades para aprender a dibujar todo tipo de personas. Ya seas un principiante en el mundo del dibujo o un artista experimentado en busca de inspiración, este divertido y variado cuaderno te (re)confirmará sin duda tu amor incondicional por el arte del dibujo. Las sencillas y eficaces técnicas de Viktorija Semjonova, así como sus consejos y orientaciones, te permitirán avanzar y perfeccionar tus dibujos de modo que puedas abarcar todo el proceso, desde el boceto y el coloreado hasta el toque final que le dará tu sello personal.¿A qui va dirigit el llibre Dibujar gente?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli, tant principiants com artistes amb experiència. S'adapta a qui desitja millorar les seves habilitats en el dibuix de figures humanes, oferint una guia completa que abasta des dels fonaments fins a tècniques més avançades. Independentment del nivell d'habilitat, el lector trobarà eines i exercicis útils per al seu desenvolupament artístic.Temes que tracta el llibre Dibujar genteEl llibre Dibujar gente es centra en l'aprenentatge del dibuix de la figura humana a través d'una metodologia pràctica i progressiva. S'inclouen els següents temes:Anatomia i forma: El llibre proporciona una comprensió bàsica de l'anatomia humana, essencial per representar amb precisió les proporcions i l'estructura del cos. S'ensenyen mètodes per simplificar la forma humana i facilitar el procés de dibuix.Llum i ombra: S'exploren les tècniques d'aplicació de llum i ombra per donar volum i realisme als dibuixos. S'ensenyen mètodes per observar i representar la interacció de la llum amb les formes del cos.Esbossos i perspectives: S'inclouen exercicis per practicar esbossos ràpids de figures humanes en diferents perspectives, tant de front com de perfil. S'ofereixen tècniques per capturar la postura i el moviment.Detalls i expressions: S'aborden tècniques per dibuixar detalls com el cabell, les arrugues i altres característiques facials, així com per capturar les expressions facials i la personalitat del subjecte.Procés complet del dibuix: El llibre guia al lector a través de tot el procés de dibuix, des de l'esbós inicial fins al colorit i els tocs finals, fomentant l'exploració de l'estil personal.100 activitats: Es presenten 100 reptes, projectes i exercicis pràctics que permeten al lector aplicar els conceptes apresos i desenvolupar les seves habilitats de manera gradual.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Dibujar genteEncara no hi ha opinions o crítiques sobre Dibujar gente.
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El color informa, seduce, narra, ordena, camufla... «Para comprender el color debemosescuchar la voz de filósofos y tintoreros, biólogos yartistas, escritores y empresarios, físicos y astrólogos, y también vendedores, pasteleros y otros.»RICCARDO FALCINELLI ¿Por qué Mondrian nunca emplea el verde y Hitchcock lo usa en abundancia? ¿Por qué tienen más éxito los lápices amarillos?¿Por qué Flaubert viste de azul a madame Bovary? Aunque nos parezca obvio, hablar de colores planos o considerar el azul un color frío son invenciones muy recientes. Tal vez no nos demos cuenta, pero incluso cuando estamos ante un cuadro renacentista, tenemos en mente el amarillo de los Simpson. Quien conoce el color de la televisión ya no puede ver el mundo con los ojos del pasado. Las historias y ejemplos que recoge Cromorama nos descubren hasta qué punto el color es un filtro con el que contemplamos la realidad. En un libro tan colorido como divertido, que estambién una historia de nuestra mirada moderna y decómo se ha formado, Falcinelli recorre un fascinanteuniverso de imágenes procedentes de la pintura, la literatura, el cine, los cómics y los objetos cotidianos, que se nos muestran de un modo inusual y sorprendente. Todas las sociedades han construido sistemas simbólicos en los que el color desempeñaba un papel central -el negro para el luto, el rojo para el comunismo, el azul del manto de la Virgen-, pero la tecnologíay el mercado nos han acostumbrado a nuevas percepciones y han modificado nuestro modo de ver el mundo. La crítica ha dicho«Un libro hermoso,particular. Falcinelli ha logrado escribir un librosobre los colores que cubre los aspectos técnicos sinabandonar diversión que rara vez sucede. Un milagro.»Corrado Augias «De una belleza deslumbrante. Un objeto que desencadena el deseo, lleno de encantadoras imágenes.»Elena Stancanelli, La Repubblica
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Yo deseo la felicidad de todo el mundo, escribió Joaquín Sorolla. ¿Qué hizo para conseguirlo? ¿Se puede aprender a ser feliz a través del arte? ¿Por qué disfrutamos al contemplarlo? Articulado a través de diez lecciones de felicidad, que ofrecen otros tantos puntos de vista transversales sobre la vida y la obra de Sorolla, este libro se interroga sobre el verdadero alcance de su éxito y el placentero bienestar que refleja su pintura. Los críticos contemporáneos coincidieron en afirmar que la alegría de vivir rebosaba en sus cuadros, interpretados como si fueran visiones naturales creadas sin esfuerzo. Sabemos, sin embargo, que en la vida no siempre es fiesta, así que tanta felicidad ha de esconder alguna suerte de ficción. Quizá uno de sus mayores logros haya sido convencernos de su autenticidad. El relato se ha concebido como una reflexión distendida y delicadamente irónica sobre los tópicos que han envuelto de felicidad a Sorolla, hasta negar cualquier sombra. La luz levanta el ánimo. No hay recurso más eficiente que iluminarlo todo para olvidarse de que no hay nada oculto de lo que preocuparse. Sorolla es recordado como un triunfador que pintaba gentes felices en lugares maravillosos. El arte es una extraordinaria ilusión. No pretendamos que también sea real. En la vida no se puede tener todo.
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Des de la seva època de formació fins als seus últims dies, Paul Klee fou un artista fascinat per la observació de la natura i els seus fenòmens. La seva curiositat per l origen de la forma i de l expressió artística el van dur a estudiar atentament el seu entorn immediat, als afores de Berna, així com les plantes, animals, paisatges i fenòmens atmosfèrics presents en els diversos viatges que va realitzar al llarg de la seva vida. Aquest bagatge i les lectures de llibres com La metamorfosi de les plantes de J. W. Goethe van marcar la seva posterior etapa com a professor de la Bauhaus, i van donar peu a tot un corpus temàtic que es convertiria alhora en refugi artístic davant del repte que va suposar conviure amb una malaltia fatal els últims anys de la seva vida.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
