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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Las colecciones particulares de algunos de los artistas más destacados de las últimas década, nos ofrecen, con estas piezas, información sobre las actitudes y referentes del pasado o de otras culturas que les han servido de inspiración y estímulo creativo. Artistas como Rosa Amorós, Miquel Barceló, Georg Baselitz, Luis Feito, Joan Hernández Pijuan, Manolo Millares, Joan Miró, Susana Solano, Hiroshi Sugimoto o Antoni Tàpies han buscado en el arte popular, en las tradiciones orientales, africanas y americanas, el sentido de lo que es sagrado.
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Existen dos herramientas fundamentales en la vida y la obsesión de cualquier artista: la luz y el color. Este libro no pretende ofrecer solo recetas sobre cómo mezclar los colores ni se limita a describir las técnicas de iluminación. Este libro, eso sí, contesta las preguntas más frecuentes que se hacen los artistas: ¿Qué pasa con los colores del cielo durante la puesta de sol?, ¿cómo varían los colores según la distancia?, ¿cómo conseguimos que una forma parezca tridimensional? Una obra escrita pensando en profesionales del arte de todos los tipos, aquellos interesados en el enfoque realista tradicional y también para los que sienten curiosidad por las estructuras y misterios del mundo visual. Su autor, James Gurney, recurre a su experiencia como pintor al aire libre e ilustrador científico, y comparte rigurosa y abundante información sobre herramientas tan importantes. Manual para artistas tradicionales y digitales de cualquier nivel, esta guía viene a llenar el gran vacío que hay entre la teoría abstracta y el conocimiento práctico. Ya trabaje con pinturas o con píxeles, ya use la realidad o la imaginación, da lo mismo, en ambos casos esta será una de sus inevitables referencias sobre la esencia y los fundamentos de la luz y el color.
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Si pensamos en una imagen que simbolice la creación artística de Japón, sin duda nos vendrá a la cabeza, aunque desconozcamos el nombre del autor, la estampa de una ola azul que se alza y, en su movimiento, creael marco para una montaña mítica, el monte Fuji. Esta imagen, La gran ola de Kanagawa, la creó en torno a1830 un septuagenario: para entonces llevaba más demedio siglo experimentando técnicas y estilos y habíaproducido treinta mil pinturas, bocetos y dibujos para grabados. Katsushika Hokusai nació en 1760 y vivió en el Periodo Edo, el tiempo de los shogunes. La época, quizás la más asombrosa en la historia de Japón,comenzó en 1603 y se extendió hasta 1868, con el inicio de la era Meiji. El clan dominante ?la poderosa familia Tokugawa? decretó el cierre del archipiélago al exterior y condujo al país a un hermetismo sin parangón. Este aislamiento propició el desarrollo de costumbres distintas a las del resto del mundo. De esa época proceden algunas de las creaciones culturales más originales de Japón, como el teatro kabuki y el grabado ukiyo-e. Y también, algunas de las tradiciones más célebres ?y estereotipadas y mal contadas? como elmundo de las geishas. ¿Qué papel tenía la mujer en ese mundo? ¿Qué supuso el ascenso social de la nueva clase urbana? ¿Cuándo perdieron los samuráis sus privilegios? En este libro nos introducimos de lleno en el Japón del Periodo Edo. Un fascinante viaje a una época remota para conocer al artista que firmaba como Hokusai, y lo que hay de cierto y de mito en las costumbres y protagonistas de un tiempo y una cultura irrepetibles.
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Este libro tiene forma de díptico. En primer lugar, Victor Stoichita escribe sobre la pintura impresionista, verdadera revolución frente a los tradicionales hábitos pictóricos. Y en segundo lugar, se propone el análisis de tres films que tienen como tema principal la intriga visual. Entre ambos mundos se establecen diferencias y se tejen correspondencias. La simetría es compleja, dado que la irrupción de la mirada fotográfica se cruza con la experiencia pictórica del siglo XIX y confluye en la cinematográfica del siglo XX. El propósito del autor es ofrecer, en la interacción de pintura, fotografía y cine, un cuadro coherente, aunque matizado, del papel que el arte desempeña en la construcción de nuestra percepción del mundo.
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La serie de dibujos y cuadros que Robert Delaunay (1885-1941) dedicó a lo largo de tres décadas a la Torre Eiffel constituyen uno de los hitos de su obra. Delaunay quiso asociar a esta serie a sus amigos poetas, invitándoles a componer textos inspirados en la Torre. Este libro reúne así las imágenes creadas por el pintor y los poemas de Blaise Cendrars, Guillaume Apollinaire, Vicente Huidobro, Louis Aragon, André Breton, René Crevel, Jean Arp, Philippe Soupault y Tristan Tzara.
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El arte de la oscuridad es un original libro basado en más de 200 obras de arte cuidadosamente seleccionadas e inspiradas en lo mórbido, lo melancólico y lo macabro. Los sugerentes capítulos del libro presentan una selección de obras de arte que expresan ansiedades y aversiones, tensiones y temores que trascienden el tiempo que, por siempre, han acechado nuestras mentes y, aunque resulten difíciles de afrontar, forman parte de la condición humana.S. Elizabeth nos habla sobre las influencias e inspiraciones de los artistas representados en el libro para preguntarnos, ¿podemos ganar algo al enfrentarnos a nuestros demonios? ¿Por qué nos atrae tanto el miedo y lo grotesco? ¿Y qué nos dice esto sobre la mente humana? Conectemos con nuestras sombras y disfrutemos de estas obras de arte, que nos van a ayudar a reconciliarnos con nuestro lado oscuro.
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Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.
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Desvele los secretos de algunas de las obras de arte más famosas jamás creadas y descubra las fascinantes motivaciones y significados que hay detrás de estas 100 obras maestras del arte. ¿Por qué pintó Miguel Ángel la Capilla Sixtina o Rembrandt se obsesionó con representar su propia imagen? ¿Cuál es el secreto del Ejército de Terracota o el de las instalaciones lumínicas de Yayoi Kusama? Un libro que responde con claridad y de forma satisfactoria a 100 fascinantes preguntas. Si alguna vez ha contemplado una obra de arte con asombro, pero se ha preguntado qué significa, aquí encontrará la respuesta. El arte, entre muchas otras cosas, puede ser molesto, irritante, edificante, nostálgico, emocionante y divertido. Sobre todo, suele resultar fascinante, cautivador e incluso reconfortante. El mundo sería un lugar más triste si no existiera. Las razones que se esconden detrás de lo que vemos después de que un artista haya consumado una obra de arte y la haya mostrado al mundo a menudo resultan fascinantes y cautivadoras. Cada obra de arte se crea por una razón, y la interpretación de cada artista es individual. Incluso las historias tradicionales están representadas de muy distintas maneras por artistas de diferentes épocas y nacionalidades. Además de que las técnicas suelen adaptarse y personalizarse, se crean nuevos métodos e ideas. El por qué un artista crea una obra de arte de una manera determinada es siempre una fascinante combinación de su contexto, experiencia, situación, momento histórico, influencia y entorno.
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Un método original y ameno para aprender a dibujar personajes que estimula la creatividad y la confianza en nuestras capacidades. * Un libro para aprender conmétodos de enseñanza probados, ya seamos novatos o manitas, empezar por lo fundamental, para pasar enseguida al dibujo de figuras humanas, expresiones, movimientos y animales, y experimentar con diferentes técnicas, usando pinceles, lápices y bolígrafos. * ¡No haymotivo alguno para tener miedo a probar, porque cadauno establece sus propias reglas! Si piensa que no sabe dibujar, ¡este es el libro que debe leer! ¿Por qué hay tanta gente que piensa que no sabe dibujar? Peng ha conseguido convencer a muchas personas que no son dibujantes de que pueden crear imágenes sencillas yatractivas sobre papel. Cuando se usan las técnicasadecuadas, los resultados serán excelentes. Uno de los grandes placeres de la vida es descubrir que puedehacer algo que pensaba que no podía.
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¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostración, todo se vuelve luminoso y accesible. El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras: Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko... Y el arte se torna límpido. 42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDER•, Análisis de la obra «paso a paso»•, Detalles puestos de relieve 42 PÁGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AÚN MÁS•, Contexto histórico y cultural•, Cuadros complementarios
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Connectar és una lúcida reflexió sobre el poder de la connexió creativa com a antídot contra la inacció i l'estancament. Connexió amb nosaltres mateixos -dissociats sempre entre el nostre jo autèntic i el jo del rol i de les necessitats que ens imposa la societat capitalista-, i connexió amb els altres i amb el món. Fruit dels vint anys d'experiència de Kae Tempest com a poeta i rapsode, Connectar és un crit de guerra que apel·la a una veritat tan íntima com universal. Amb una prosa exquisida, i sota la influència del Llibre Vermell, de Carl Gustav Jung, Tempest ens parla de la importància de l'art, la creativitat, la contemplació i la generositat per viure en un món més connectat, més empàtic, més humà. MÉSLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLLL LLLLLLLLLLLLLLLLLIBRES «Per sota la superfície, estem connectats.» «Potent i clement.» Ali Smith «Tempest... no tan sols salta fora de la pàgina, sinó que et salta al coll i t'exigeix que cridis el seu missatge.» Marlon James «El llenguatge [de Kae] colpeix com un llamp. Il·lumina i crema.» The Guardian
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Una deslazada y ondulosa cabellera de mujer ha sido,secularmente, un elemento de enorme admiración y, asimismo, de capacidad turbadora en los mitos eróticos de la sociedad masculina, un agente fetichista incitador de secretas fantasías en su imaginación, que se manifiestan tanto en la literatura como en el arte. Sinembargo, aquella ''corona real de la femineidad'', como la calificó Paracelso, ha encontrado condenas y restricciones morales y religiosas en muchos periodosde la historia. A pesar de ello, el pelo, su adorno,cuidados y belleza, ha inspirado a multitud de poetas, literatos y pintores, como recogen las páginas de este libro. Desde Ovidio al caballero Brantôme, hastalos modernistas, su glosa ha sido una constante en los campos de la sensibilidad artística.
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L'artista Sergi Mas s'acosta en aquest volum a l'art de musicar la fusta o, dit d'una altra manera, a l'art popular de decorar objectes quotidians mitjançant la tècnica de gravar i tallar principalment figures geomètriques a la seva superfície. Un tema sobre el qual s'ha escrit ben poc i que, malgrat ser una forma d'expressió artística popular, no ha gaudit de l'interès dels estudiosos. I, tanmateix, les musicadures -d'origen remot, però universals i compartides per moltes cultures- són part de l'art del poble, sobretot del d'aquelles persones més en contacte amb la natura. Tot i que han arribat a l'actualitat, la producció industrial en sèrie les ha fet pràcticament desaparèixer. D'aquí ve l'interès de l'autor per fer un estudi el més ampli possible sobre les musicadures a Andorra, al Pirineu i al món europeu a través de la documentació i les làmines que ha recopilat durant anys. Amb més de dues-centes il·lustracions del mateix artista, Mas recull els principals tipus de musicadura i fa una aproximació a la seva presència en objectes quotidians com salers, escudelles, esclops, formatgeres o collars d'ovella, entre d'altres. El volum el clou un petit manual sobre talla per a tot aquell que vulgui iniciar-se en les musicadures. Un llibre sobre art popular que és, també per si sol, una obra d'art.
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De Nefertari a la Marilyn Monroe de Warhol, del Partenón al puente de Zubiri en Bilbao, del David de Miguel Ángel al Guernica de Picasso: obras de arte de todos los tiempos que constituyen la memoria de un mundo en constante transformación. Los artistas más importantes. Los movimientos y los estilos con información técnica, ubicación histórico-cultural e imágenes espectaculares.
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* El mundo del arte contemporáneo puede resultar desconcertante hasta el extremo: enormes sumas de dinero y una nómina mundial de artistas que abordan una gama ilimitada de enfoques. ¿Por dónde empezar a desentrañar este panorama? * La comisaria y escritora Natalie Rudd se abre paso a través de la jerga artística para explicar diversos aspectos del arte contemporáneo (incluida la variedad de enfoques, disciplinas y temas) y cuestiones como la personalidad del artista, la ética de la creación y el potencial del arte para mejorar el mundo y provocar cambios políticos. * Una perspectiva internacional y multinarrativa que comienza por resumir y contextualizar el importante legado artístico del siglo XX que conforma la práctica reciente. En cada capítulo se aborda una cuestión central con el apoyo del análisis de obras relevantes y visualmente atractivas. En la sección de referencia se ofrece una serie de recursos de valor incalculable, entre ellos consejos sobre cómo interpretar el arte contemporáneo, dónde encontrarlo y cómo relacionarse con la escena artística de su entorno. Explicaciones sucintas, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Asociado a la eclosión de los Nuevos Expresionismos en los años ochenta, Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) ha sido después uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Su obra, en último término singular, abierta a la experimentación constante, y ya lejos del contexto de sus inicios, se ha expuesto luego en grandes museos de todo el mundo, de Montreal a Tokio, de Ciudad de México a Londres, de Sâo Paulo a París, y de Buenos Aires a Venecia, haciéndolo siempre con un gran reconocimiento, tanto por parte de la crítica especializada como del público. El poeta y escritor Enrique Juncosa (Palma, 1961), amigo de juventud del artista y gran conocedor de su obra, es, por su parte, un destacado comisario de arte con una trayectoria también internacional. Ambos han colaborado a menudo juntos, durante un periodo de tres décadas, en exposiciones y libros. Escritos sobre Miquel Barceló recoge una muy completa selección de los ensayos escritos por Juncosa sobre el artista, publicados desde 1994 hasta hoy, y revisados ahora con motivo de su nueva edición. Los ensayos hablan de pinturas, dibujos, cerámicas, libros ilustrados y grandes proyectos públicos, además de aspectos temáticos específicos, como retratos y autorretratos, o el uso del color blanco. Juncosa, que ha tenido la oportunidad de conocer todos los estudios del artista y ver gran número de sus exposiciones a lo largo de todos estos años, escribe con gran claridad, explorando los temas y la iconografía dominante en la obra de Barceló, y facilitando al hacerlo numerosas claves para su interpretación y disfrute.
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Lilith, la que según los textos hebreos fuera la primera esposa de Adán, no fue “concebida” por él como encierto modo lo fue Eva al ser extraída de una de suscostillas. Lilith, como Adán, fue creada del polvo de la tierra, por eso ella siempre se consideró su igual y no quiso someterse a su dominio. En consecuencia, se rebeló, lo abandonó y, libre, gozó de las relaciones en el mundo de Lucifer, muchas veces transmutadoen serpiente y otros malignos seres de la nocturnidad. Fue la primera mujer que se emancipó. La primera 'femme fatale'.
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La moda española en la epoca de Velazquez reconstruye la vida y obra de Mateo Aguado, el hasta la fecha desconocido sastre que creo los llamativos vestidos que confirieron a la corte espa ñola su aspecto caracteristico durante el reinado de Felipe IV. Como sastre de camara de la reina desde 1630 hasta su muerte en 1672, Aguado diseño las iconicas prendas inmortalizadas en los retratos pintados por Diego Velazquez de las reinas Isabel de Borbon y Mariana de Austria, y de las infantas Maria Teresa y Margarita. Basado en una meticulosa investigacion en el Archivo General de Palacio de Madrid, este libro, profusamente ilustrado, da vida al mundo de los artesanos de la corte y detalla por primera vez las prendas y accesorios que con feccionaron para sus patronos reales. Los trajes que Mateo Aguado diseño para la Casa Real dieron forma a una nueva vision del estilo español -y de la españolidad- que sigue siendo re conocible al instante y continua inspi rando a diseñadores de moda y artistas en la actualidad.
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La relación arte-crimen ha sido siempre estrecha. Poco amigable en ocasiones, cuando la represión institucional golpea sobre la creación artística. Ya se sabe,la justicia, como la serpiente, solo muerde a los descalzos, y bohemios, cómicos, buhoneros, dibujantes oplumillas, son paradigma de vulnerabilidad. Por el contrario, en otras ocasiones, el arte se ha adentradoen el mundo oscuro del crimen, ya para exorcizar losdemonios de lo recreado, ya para ocultar, bajo la piadosa pátina de la belleza, lo sórdido o abyecto, aligual que la pintura barroca recubre calaveras y esqueletos, pero también la carne pecaminosa, con recamados en oro, ya para constituirse en cómplice del hechocriminal, tan humano y tan real que, en su dramatismo, no puede resultar ajeno a nadie. Esta miscelánea pretende acercarse a ciertas cuestiones penales no desde la óptica jurídica, tan habitual en las Facultadesde Derecho, sino desde la mirada penetrante y libredel artista. Pretende ver el prostíbulo con los ojossabios de PICASSO o de TOULOUSE-LAUTREC, el proceso penal, en los versos irreverentes del condenado BAUDELAIRE, el suicidio, a través del postismo vitalista deORY, el estupro y el aborto, con la pluma de PARDO BAZÁN, feminista avant la lettre, o la locura/inimputabilidad, en las quiméricas ensoñaciones de EL BOSCO.
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Las intuiciones de Diderot sobre los problemas expresivos y compositivos, sobre el dibujo y el color o sobre el claroscuro reflejan poderosamente el debate dela segunda mitad del siglo XVIII en torno a las artesfigurativas, tanto que su Ensayo sobre la pintura impresionó profundamente a los pensadores alemanes másdestacado de su siglo -Lessing, Schiller y especialmente Goethe, que los traducirá añadiendo sus propios comentarios-, y anticipan muchas de las cuestiones queabordará la crítica de arte posterior, influyendo notablemente sobre los escritos de arte de autores comoBaudelaire, Zola o Apollinaire.
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Una pila de caramels acumulats en una cantonada, una piscina plena d'oli de motor, un terra de fusta per on passejar-hi, quadres enigmàtics amb mil i una interpretacions però amb només una història real al darrere... L'art -especialment el contemporani- pot sorprendre, deixar-nos indiferents o, fins i tot, indignar-nos quan creiem que té una simplicitat poc justificada. L'art d'explicar l'Art acosta obres d'art de tots els temps i, amb una explicació, pot fer que en gaudim, ens emocionem, ens posem tristos o, fins i tot, deixem anar alguna llàgrima de felicitat. El llibre explica els motius pels quals un artista fa el que fa i el missatge que vol transmetre, de manera que davant d'una obra d'aparença senzilla, potser no cal afirmar amb tanta rotunditat «El meu fill petit ho fa millor!», tot i que no dubtem gens ni mica de les enormes possibilitats de tots els fills petits.
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El catàleg presenta la diversitat dels universos creatius de les joves il·lustradores i comiqueres Bàrbara Alca, Marta Cartu, Genie Espinosa, Ana Galvañ, Nadia Hafid, Conxita Herrero, María Medem, Miriampersand i Roberta Vázquez. En la seva obra, i a partir de l´ús de diferents lllenguatges, registres estètics o de referents culturals, així com a través de l´ús del color, el grafisme o l’experimentació estilística i narrativa, les nou creadores han posat en qüestió les formes canòniques del còmic. Sovint tracten, amb mirada crítica i humor, temes de la realitat millenial com ara la precarietat econòmica i laboral, la desaparició de l’estabilitat, la relació amb la tecnologia, la sororitat o les relacions a Internet, etc.
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Un ensayo magnífico, riguroso y muy completo sobre los objetos hermosos, nuestra relación con ellos, y lo que esconde su producción.En esta colección de ensayos lúcidos y contundentes, en los que ciencia, historia y memorias se combinan magistralmente, Kelleher sale en busca de los secretos más inconfesables de nuestros productos favoritos. Con una prosa tan deslumbrante como los objetos que describe, Kelleher nos invita a examinar la relación que mantenemos con los objetos que adornan nuestro cuerpo y decoran nuestros hogares. Y al mismo tiempo argumenta que, aunque tengamos el imperativo moral de comprender nuestra relación con el deseo, tampoco somos malvados por anhelar la belleza. Esta terrible historia de las cosas bellas nos abre los ojos ante las cosas que nos rodean, nos ayuda a comprender cómo surgió, qué precio se pagó y cómo podemos participar de la belleza del mundo de una manera ética.
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Aquest és sens dubte l’assaig estètic més influent enels estudis d’humanitats i d’història de l’art de Walter Benjamin. Parteix d’un diagnòstic de la crisi que comença a afectar una Europa amenaçada ja a finalsde la dècada de 1920 per l’ascens dels feixismes ambl’objectiu d’analitzar la decadència de la cultura dela societat capitalista de masses.
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