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Llibres d'art
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La exposición organizada por Acción Cultural Española (AC/E), el Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática y la Biblioteca Nacional de España.
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Des de fa dotze mil anys, la guerra ha donat forma a la majoria dels aspectes de la vida social i continua tenint una gran força modeladora en els comportaments humans. La guerra és omnipresent en el món actual i no és aliena a l'economia imperant. Mai no ha estat tan visible com ara i, alhora, tan difícil de discernir-ne l'essencialitat i les causes. La guerra deteriora la democràcia i la justícia i envileix la memòria, és la norma enmig de la desregulació creixent que és inherent al món de la globalització contemporània. Entre d'altres, nodreix estructures culturals anacròniques com el patriarcat i obre escenaris de devastació, com les crisis humanitàries. La guerra provoca seqüeles profundes -traumàtiques- en tots els àmbits i, alhora, és un «lloc» que desperta fascinació. La regeix l'ambivalència i no hi ha cap camí fàcil per deixar-la enrere. Davant d'aquesta situació, la pregunta vigent és: per què la guerra? La present publicació recull les reflexions d'un grup d'autores i autors a l'entorn de les guerres i les ferides que provoquen a persones, espais i paisatges. Al mateix temps mostra les obres d'art contemporani exposades a l'exposició «Per què la guerra?», celebrada a El Born CCM entre el 15 de març i el 29 de setembre de 2024, que interroguen el fenomen polièdric de la guerra i, des d'experiències estètiques diverses, plantegen l'obertura d'espais de claredat i pensament que qüestionen la persistència de les violències bèl·liques.
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DE LA AUTORA DE EL CAMINO DEL ARTISTA, CON MÁS DE 5 MILLONES DE EJEMPLARES VENDIDOS EN TODO EL MUNDO. «La reina de la transformación». The New York Times UN AÑO DE INSPIRACIÓN CREATIVA. El camino del artista para cada día reúne 366 propuestas para acompañarte diariamente hacia una vida más creativa. A partir de sus propias enseñanzas, que han transformado la vida de millones de personas, Julia Cameron te invita a descubrir nuevas maneras de poner en práctica los principios de su libro El camino del artista a través de reflexiones, ejercicios y dosis diarias de inspiración. En cada página encontrarás una idea reveladora, una afirmación para fortalecer tu confianza creativa y una reflexión para despertar tu imaginación. Este es un recorrido que te invita a dar espacio, día a día, a tu artista interior. Ya sea que sueñes con escribir una novela o simplemente quieras incorporar más creatividad a tu vida, este diario se convertirá en un compañero imprescindible para cultivar y enriquecer tu proceso creativo, un día tras otro. En estas páginas encontrarás: * Ideas para inspirarte cada día. * Propuestas de escritura para reflexionar y crear. * Citas inspiradoras de grandes artistas. * Afirmaciones de El camino del artista. * Herramientas prácticas para medir tu progreso.Elogios para El camino del artista: «Este libro me cambió». Natalia Lafourcade «Sin El Camino del Artista, no existiría Come, Reza, Ama». Elizabeth Gilbert
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Tras la gran exposición en Ginebra de los fondosdel Museo del Prado evacuados el Gobierno republicano durante la Guerra Civil, las obras volvieron a España amenazadas, en esta ocasión, por el inicio de la Segunda Guerra Mundial, hechos narrados magníficamenteen el libro de Arturo Colorado,Éxodo y exilio delarte. La odisea del Museo del Prado durante la Guerra Civil.Pero en la inmediata posguerra, en su campaña antirrepublicana, el franquismo pivotó sus mensajes sobre dos comparaciones históricas, ladel robo de los ''rojos'' con el saqueo napoleónicoy la de la ''nueva España'' con la vuelta a las glorias del imperio. Era el irredentismo patrimonial, de ''rescate de las obras robadas'' durante la guerra o de reparaciones revanchistas de viejas deudas del enemigo francés, ahora vencido por los amigos nazis. La acusación franquista del saqueo del patrimonio tuvo sucontinuación en la búsqueda de obras de arte, salidas unas por vía oficial hacia Suiza o Francia, por decisión del Gobierno de la República o de los Gobiernosde Cataluña y del País Vasco, y otras por vía del robo. El ''rescate'' franquista no diferenciaba entre una u otra salida, pero como bien sabían los responsables, las facilidades para cado caso eran muy diferentes. Las primera fueron prácticamente entregadas por los republicanos, comunicando dónde se encontraban, las segundas, sin embargo, dependían de las detencionesde la policía francesa, de la colaboración de la Gestapo o de las denuncias llegadas a la Embajada.
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La estructura transparente de acrílico con aspecto de cristal es lo bastante robusta para sostener nuestros libros de tamaño XL (excluidos los libros de formato horizontal y las Ediciones de Coleccionista) y se pliega para ser transportada o almacenada. ¡Es el modo perfecto de dar a tus libros favoritos de TASCHEN el pedestal que se merecen!
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* ''¿Le importan la belleza desgarradora, las ideas novedosas, las destrezas asombrosas, las soluciones ingeniosas o el estremecimiento de una imagen impactante? ¿Crearía arte, aunque no fuese su trabajo? Si es así, este libro es para usted''. Grayson Perry. Artista y ceramista * Para los pensadores visuales, los creadores, los soñadores y los provocadores. * Conozcay amplíe sus capacidades creativas, a través de lecciones fundamentales impartidas por tutores de la facultad (UAL:Central Saint Martins). Desarrolle su propio lenguaje visual y amplíe su talento creativo con estos proyectos exclusivos del Diploma en Arte y Diseñodel prestigioso Central Saint Martins Foundation, que inspirarán sus experimentos y liberarán su potencial en diversos ámbitos: diseño de comunicación, moda ytextiles, bellas artes y diseño tridimensional. Seacual sea la disciplina que decida desarrollar, estelibro le ayudará a descubrir quién quiere ser y le situará en el camino para conseguirlo.
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El relato más sincero, desinhibido y adictivo nuncaescrito sobre lo que sucede entre bambalinas en una subasta de arte. Pury nos guía a través de este mundosecreto a través de su historia, sus anécdotas, sus coleccionistas, sus momentos de esplendor y de oscuridad. ?Yo y el barón? se titula uno de sus capítulos más fascinantes, en el que narra su larga y feliz relación de negocios con el barón Thyssen y las peripeciasde la compra de su colección.
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El presente libro aborda acercamientos al campo de la mediación cultural, la educación, la investigación artística, los museos y la tecnología desde el contexto latinoamericano y europeo. La mediación funciona como eje transversal para abrir un espacio comunicacional y de praxis cultural liberadora, con sentido de lo propio y lo actual. Este conjunto de textos propicia una reflexión crítica sobre la integración de saberes, conocimientos y modos de hacer en las prácticas de mediación sociocultural.
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Durante el siglo XVIII se empezó a forjar un nuevo y creciente interés sobre las bellas artes que estimuló su conocimiento y estudio. En toda Europa se crearon instituciones como las academias y los museos, que pretendieron cuidar el desarrollo de las artes y salvaguardar sus más distinguidas creaciones, un legado patrimonial que conformó irremisiblemente la identidad cultural de los distintos países del continente. El estudio de su pasado, su desarrollo y su historia, se convirtió, poco a poco, en una nueva disciplina humanística. Este libro estudia este proceso tal y como se produjo en España, desde los estudios eruditos del siglo XVIII hasta su llegada a la universidad a comienzos del XX. A él han contribuido, con sus novedosas investigaciones, una serie de distinguidos especialistas que debatieron recientemente sobre esta temática en el Museo Nacional del Prado. Joaquín Álvarez Barrientos, Luis Arciniega, Beatriz Blasco Esquivias, Adrián Fernández Almoguera, David García López, Javier González Santos, Hilary Macartney, Concepción Lomba Serrano, Jonatan Jair López Muñoz, Jesús Pedro Lorente Lorente, Jorge Maier Allende, Carlos Sambricio, Carmen de Tena.
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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Museo del Prado
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Durante la llamada Belle Époque, París se convirtió en el centro cultural del mundo. Un período en el que la relativa paz, los avances científicos, tecnológicos y las nuevas obras de ingeniería invadían un mundo en el que la ociosa burguesía buscaba sali
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En este trabajo sobre arte y naturaleza humana, Alva Noë, trata de contestar a las siguientes preguntas sobre el problema del arte: Qué es, cómo funciona, por qué importa y, especialmente, sobre la cuestión de la experiencia estética, qué es exactamente y porqué es un problema central para la teoría de la mente. El arte y la vida están enredados, ya sea a la hora de bailar, escribir, pensar, o dibujar, entre otras experiencias, sabemos cómo hacer estas cosas, pero lo importante es como pensamos en ellas y las reorganizamos para crear algo nuevo: el placer estético, donde entramos en un debate filosófico e incluso antropológico, ¿Cómo hemos llegado a aprender a hacer las cosas que hacemos?
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Un álbum sobre la luz y el tiempo para los amantes del arte, con un brillante epílogo del escritor Manuel Rivas. La luz, en su origen un punto en la negrura de la noche, crece hasta hacerse luminaria. Itinera, habita espacios y recupera elementos olvidados, haciéndolos reconocibles. En su lento recorrido, alumbra lugares, descubre formas, crea penumbras, penetra en los sueños y, a la vez, genera un tiempo. Un tiempo lento. No hay movimiento sin tiempo, y la luz en esta historia se desplaza de la mano de su tiempo. Ambos generan silencio y misterio. El silencio de la ausencia y el misterio de las sombras y de las penumbras. La luz primitiva, llegado el momento, se debilita poco a poco y da paso a una nueva luz. Pero el tiempo, inflexible, continuará su andar lento e inmutable. El artista Xosé Cobas es capaz de crear en este libro una historia que avanza al ritmo de la luz, a través de unas ilustraciones pictóricas de gran valor simbólico en las que se aprecia su perfecto dominio de la técnica. El álbum se completa con un epílogo sorprendente de Manuel Rivas, que enmarca las ilustraciones y establece paralelismos con la obra de diversos referentes de la cultura universal, reforzando así su dimensión artística.
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L'art romànic és considerat el primer gran estil artístic europeu. Els regnes occidentals (des de Noruega fins a la península Ibèrica i d'Anglaterra a Hongria) van ser testimonis de la implantació d'una nova arquitectura i d'una renovació de les arts plàstiques sense precedents a l'Europa cristiana. El romànic català, que va perviure des del segle XI fins als primers dos decennis del XIII, és especialment significatiu tant per la riquesa de l'arquitectura monàstica i catedralícia que ha arribat fins als nostres dies com per l'excepcionalitat dels testimonis de pintura mural i sobre taula conservats. Aquest llibre vol resseguir les diferents etapes i manifestacions artístiques més importants al nostre país, les innovacions, les grans portalades esculpides, els claustres, els programes iconogràfics, el paper de l'artista i els promotors, el fenomen del pelegrinatge, la vida als monestirs i la redescoberta del romànic des del segle XIX fins a l'actualitat. Un conjunt de temes que ens ajuden a entendre per què l'art romànic català continua sent, encara avui, objecte d'estudi i interès.
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El nombre de Walter Otero es sinónimo de éxito, pero también de trabajo y honestidad. Fundador de la Walter Otero Contemporary Art (WOCA) en San Juan, Puerto Rico, es un hombre hecho a sí mismo y uno de los galeristas latinoamericanos de más prestigio internacional. Este estatus le llegó tras tres décadas de un trato respetuoso, mano a mano, con aquellos con quienes ha tenido el lujo de trabajar: artistas consolidados y noveles, galeristas, comisarios y coleccionistas. De este mundo y de este recorrido hablan Walter y Omar, de una manera distendida, evaluando los momentos y las personas decisivas en su devenir profesional y salpicando la conversación de anécdotas, enseñanzas y claves para entender el ecosistema del arte actual.
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Aquest volum reuneix sis estudis sobre la relació dels Borja amb el món de l'art durant els segles XV-XVII, redactats al llarg d'una trentena d'anys per l'historiador de l'art Marià Carbonell. El lector hi trobarà des d'un retrat clàssic de Roderic de Borja / Alexandre VI com a promotor artístic –amb protagonisme de l'Apartament Borja del Vaticà–, actualitzat amb una extensa addenda escrita expressament per a aquest llibre, fins a un estudi sobre l'activitat col·leccionista dels ducs borgians de Gandia recolzat en la recerca arxivística. També articles monogràfics sobre algunes individualitats borgianes: el cèlebre Cèsar Borja, al costat de noms menys coneguts de qui es desvela una destacada faceta com a comitents i consumidors d'art –les oblidades Charlotte d'Albret i Louise Borgia, muller i filla de Cèsar, i el cardenal Joan de Borja el Major, home de confiança del segon papa Borja. La descripció i l'anàlisi de les obres artístiques, l'aproximació prosopogràfica als comitents i als artistes implicats i la contextualització historicocultural es complementen amb una àmplia selecció d'il·lustracions.
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Hilma af Klint pintaba como si canalizara el universo. Fascinada desde niña por la botánica y las matemáticas, comenzó su carrera pintando paisajes y retratos, pero en su interior bullían otras inquietudes: preguntas sobre el espíritu, energías invisibles, patrones demasiado vastos para el ojo humano.Su arte es inseparable de su práctica espiritual. Junto a un círculo de mujeres artistas llamado Las Cinco, celebraba sesiones de espiritismo, escuchaba voces de los ''Maestros Superiores'' y se inspiraba en la Sociedad Teosófica y en las teorías de Rudolf Steiner. Trabajó incansablemente para cartografiar las dimensiones ocultas de la vida, pintando hasta el agotamiento físico. Ya en 1906, sus lienzos mostraban geometrías radiantes de espirales y orbes, impregnadas de símbolos, letras y palabras, que se anticiparon a la posterior abstracción de Kandinsky, Malevich o Mondrian, entre otros. Sus vastos ciclos pictóricos -como las Pinturas para el templo y Los diez mayores- representaban con frecuencia dualidades: interior y exterior, lo terrenal y lo esotérico, hombre y mujer, bien y mal.Af Klint, que fue vegetariana y cuestionó la rigidez de las identidades de género, fue una adelantada a su tiempo, pero también vivió profundamente inserta en él y fue prácticamente ignorada en vida. Su prodigiosa producción permaneció oculta durante décadas, guardada bajo llave por voluntad propia. No fue hasta la década de 1980 cuando el mundo comenzó a reconocerla como una auténtica pionera del arte abstracto.Este libro se adentra en su universo visionario a través de una luminosa selección de obras y un ensayo detallado que destila su complejidad. Su universo, antes secreto, se revela así ante nuestros ojos.
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Beyoncé is a force of nature. Her iconic songs, viral dance moves and daring acts of defiance are always delivered in sensational style. In the words of fashion legend Thierry Mugler, she represents ‘the duality between being a woman and a warrior’. Strutting and sashaying in Valentino leopard-print catsuits and her signature thigh-high boots, Queen B is more than just a glamour puss extraordinaire. She’s a leader and an inspiration. Messages of self-empowerment and inner strength define her wardrobe as much as they electrify her songs. Her fashion connoisseurship has led to partnerships with numerous big names. Versace, Bottega, Balenciaga, Givenchy and Louis Vuitton are just a few of the brands saluted in her 2022 Renaissance album, and Anna Wintour even handed Bey creative control of the September 2018 issue of American Vogue. Perfect for fans and fashionistas, Beyoncé and the clothes she wears charts her sartorial journey, from Destiny’s Child to the present day, in glorious visual detail.
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Dragons, mermaids, centaurs and more, Library of Esoterica's seventh volume celebrates the divine creatures of mythology and modern fantasy. Through essays, interviews and over 400 works of contemporary and historic art, Mystical Beasts offers an expansive global bestiary exploring the deep connection between humans and the wild animal realms.
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Formar un artista circense significa formar un artista del riesgo. Ayudarlo a desarrollar la técnica implica también suministrarle herramientas de seguridad.El material que aquí se presenta tiene el propósito de orientar la enseñanza del trapecio fijo conformando una guía de apoyo para la formación práctica: el conocimiento del cuerpo y su ubicación en el espacio, los procesos de aprendizaje y transferencia, los distintos recursos para alternar posibilidades y la profesionalización.
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Unforgettable highlights over forty female artists from the seventeenth-century Low Countries, challenging their historical obscurity and showcasing their diverse contributions to art.The catalogue will spotlight the overlooked contributions of female artists in the seventeenth-century Low Countries. While renowned male artists like Rembrandt and Vermeer have long dominated art history, female artists such as Clara Peeters and Michaelina Wautier have received limited recognition.This books challenges the notion that women were exceptions in the art world, showcasing works by over forty artists across diverse media, including painting, sculpture, embroidery, and glass etching. It also highlights the socio-economic contexts that shaped their careers, exploring themes of identity, ambition, social expectations, and artistic networks. By reevaluating the hierarchy between ''fine'' and ''applied'' arts, the book underscores the significant role women played in the artistic economy. Through a thematic approach, Unforgettable aims to restore long-overdue recognition to these artists.Featuring works by: Maria Monincx, Johanna Koerten, Anna Maria De Koker, Maria Verelst, Maria De Grebber, Maria Strick, Elisabeth Rijberg, Josina Margareta Weenix, Anna Maria Janssens Cornelia Van Der Mijn e.a.
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Es imposible abstraerse del tiempo que vivimos, de esta época compleja donde no hay más interpretaciones aceptadas que la evidenciadel colapso ecológico, de esta asfixia en la que andamos sumidos. Esta obra es unbreve ensayo que trata de ahondar en la c
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David Roberts (1796-1864) y Genaro Pérez Villaamil (1807-1854) fueron dos de los grandes paisajistas del Romanticismo europeo. A través de sus vistas de monumentos, ciudades y paisajes, animadas a menudo con escenas costumbristas, contribuyeron a forjar una imagen romántica de España que puede rastrearse hasta nuestros días.
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Miró-Picasso aborde depuis différents angles les affinités artistiques entre Joan Miró et Pablo Picasso, deux artistes incontournables du XXe siècle, avec, en toile de fond, lamitié quils partagèrent pendant 50 ans.
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A book that studies Spanish art of the Modern Age ''in the first person'', that is, through the eyes and opinions of its protagonists. Among them, the artists themselves, who were more and more inclined to include personal information in their works.Through self-portraits, portraits of their colleagues and artistic allegories, the reader can get an insight into what El Greco, Velázquez, Zurbarán, Murillo and Goya thought about themselves and the nature of their art. And through the writings of Lope de Vega, Paravicino, Calderón and Jovellanos, the reader will come into contact with the expectations generated by works of art in the society for which they were created.
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ANUARIO ARTIZAR 2022Libro anuario de la Galería Artizar que reúne todas las exposiciones y proyectos de la galería durante 2022, incluyendo su participación en ferias internacionales. Perteneciente a la colección de anuarios de la galería iniciada en el 2017.
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Le grand dandy parle de mode et de vêtements.Texte inédit en français '' Être bien habillé est convenable et nécessaire, avoir un but dans la vie, non.'' '' La mode est une forme de laideur si intolérable qu'il faut en changer tous les six mois.''
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Indis i negres catalans de santes Creus a Santo domingo (9788494233425) és un assaig de Jordi Peñarroja sobre la memòria d'Àfrica i Amèrica en l'Art Romànic. Els pedrapiquers catalans van més enllà de la mestria en cisellar la pedra i deixen una interessant visió del seu món plantada a l'arquitectura del seu temps. Aquest testimoni que guarda l'escultura ornamental esdevé memòria de pedra d'un país i la seva gent. Hi ha memòria d'Àfrica al Romànic? Per què hi ha negres escampats arreu de la geografia catalana en edificis dels segles XIV al XVI? Hi ha testimoni dels indis que Colom troba a la Hispaniola? Com es construeix al segle XVI una còpia d'una església gòtica catalana que serà la primera catedral d'Amèrica? Pedres que ens parlen de tot això es mostren a la nostra mirada. Aquest llibre en recull una bona mostra que permet en poc més de set-centes imatges una insòlita aproximació a l'art català com a document per a la història.
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Este volumen se propone reflexionar sobre una transnación kitsch, cursi, camp/trans* en lo tocante a la literatura y las artes en Iberoamérica. Para ello, en su primera parte se pregunta hasta qué punto lo kitsch, lo cursi y lo camp forman parte intrínseca de las estéticas queer y en qué medida los movimientos gais, lesbianos y queer han sido el motor principal de estas. El afianzamiento de la estética camp y la adopción de este término por críticos y creadores van de la mano tanto del proceso de masificación de la cultura como de los movimientos de liberación gay, que extienden sus efectos a Latinoamérica. Por ello, este libro hace especial hincapié en la existencia de un «kitsch tropical», que comienza a difundirse a partir de los años setenta.Los ensayos incluidos en su segunda parte, que muestran la riqueza del enfoque trans/queer, parten del término trans*, con asterisco, propuesto por Jack Halberstam, para analizar cómo se han ido configurando a través de la literatura y la performance diferentes identidades de género. Estas identidades se encarnan en personajes que se transforman en posibles e infinitos «devenires»: travestís, transexuales, transgéneros, queers, delirantes, en crisis, enfermos, vulnerables, excéntricos, desertores, subalternos, espectros, fantasmas...
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Los divertidos y sencillos libros de la serie Dibujar en 10 pasos están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte. Ayudarán a los nuevos artistas a familiarizarse con las nociones de dibujo básicas para que puedan aprender a hacer obras de arte con soltura. Dibujar en 10 pasos: Flores y plantas silvestres enseña a dibujar más de 50 especies botánicas diferentes paso a paso, desde plantas de interior y frutas hasta flores silvestres, plantas del bosque y hongos. La explicación básica sobre los materiales necesarios y el repaso general de las técnicas para colorear completan esta magnífica introducción al dibujo de una gran variedad de plantas.
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Para saber pintar, primero hay que saber mirar. Y a mirar se aprende. Esto creía Fernando Zóbel (Manila, 1924–Roma, 1984), y así lo puso en práctica en una fascinante investigación pictórica, tan sistemática como creativa, que desarrolló a lo largo de más de cuatro décadas. Formado en Filipinas, Europa y América, graduado en Harvard e instalado en España desde finales de los años cincuenta, Zóbel fue al mismo tiempo pintor, estudioso, profesor, traductor, coleccionista y, entre otras iniciativas insólitas, el fundador de dos museos: la Ateneo Art Gallery en Manila (1961) y el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca (1966). La pintura de Zóbel constituye un caso singular –si no único, desde luego extremo– de la vanguardia del siglo XX. Para él, provisto de un conocimiento profundo y brillante de las tradiciones artísticas y literarias de Occidente y de Asia, la modernidad no significaba la ruptura con la figuración y con la historia de la pintura, sino su redescubrimiento, no el olvido del pasado, sino el desvelamiento del futuro que encierra la obra de los grandes maestros. Zóbel. El futuro del pasado reconstruye el itinerario poético y artístico de un pintor guiado por un doble principio: Enseñar a ver y aprender a ver .
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Edición de lujo e ilustraciones inéditas. La riqueza e importancia de los demonios y fantasmas japoneses no tiene parangón en la cultura de ningún otro país. En tiempos modernos, los papeles que desempeñaban estas criaturas en el folclore y las tradiciones se han adaptado en algunos casos a los medios populares, con lo que se ha dado continuidad a la fascinación por estos seres sobrenaturales. Andreas Marks, máxima autoridad en xilografías japonesas, reúne en este libro un increíble catálogo de criaturas sobrenaturales del Japón mitológico compuesto por obras de arte, grabados y artefactos provenientes de bibliotecas, museos y colecciones privadas de todo el mundo. También se incluyen dos largos manuscritos del Instituto de Arte de Minneapolis (Una colección de monstruos y Desfile nocturno de cien demonios) que se reproducen aquí por primera vez. La edición de este libro está cosida en hilo rojo y tiene una tapa corta despegada en el lomo que permite que la ilustración de cubierta se despliegue por la contracubierta.
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« La singularité de Berthe Morisot (1841-1895) fut de vivre sa peinture et de peindre sa vie. Elle prenait, laissait, reprenait le pinceau, comme nous prend, s’efface et nous revient une pensée. C’est là ce qui confère à ses ouvrages le charme très particulier d’une étroite, presque indissoluble relation entre un idéal d’artiste et l’intimité d’une existence. »
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El presente libro versa sobre uno de los aspectos más importantes de las prácticas artísticas recientes en el ámbito latinoamericano y en la Península Ibérica: la implicación por parte de los creadores y los promotores culturales de, cada vez, más actores sociales en los procesos de producción simbólica con la mira puesta en la regeneración urbana y comunitaria de toda clase. El desarrollo de esos proyectos situados y la invención de estrategias para la colaboración que cuestionan la idea autoral tradicional nos parapetan contra los monocultivos de la mente a los que se refiere Vandana Shiva, quien compara la imposición del saber especializado occidental con la práctica de los monocultivos de plantas que desplazan y destruyen las variedades autóctonas aniquilando la diversidad local en muchas partes del planeta.
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Aquest llibre vol escenificar la importància del galerisme a la Barcelona dels anys setanta i vuitanta, i fer-ho amb un doble objectiu: d’una banda, que el volum suposi el rescat i l’estudi d’allò que va succeir a la Galeria Ciento i del període cultural de la ciutat en què s’inscriu, d’altra banda, convertir-se en un explícit homenatge a la Marisa, la Marisa de la Ciento. Alguns dels millors artistes del pais han ofert obres inèdites creades especialment per a aquesta edició. Hi participen: Perejaume, Joan Fontcuberta, Carles Pazos, Antoni Muntadas, Carles Hac Mor, America Sanchez, Rosa Queralt, Chus Roig, Àngels Ribé, Teresa Blanch Malet, Gloria Picazo, Ferran Garcia Sevilla, Juan José Lahuerta, Mireia Sentís, Victoria Combalía, Esther Ferrer, Eulàlia Grau, Eva Lootz, Germán López, Yamandú Canosa, Erich Weiss, Vicenç Altaió, Eugènia Balcells, Patricio Vélez, Joaquim Chancho, Joan M. Minguet, Marta Sentís, Josep Miquel Garcia, Enric Mauri, Carles Poy, Luísa Ortínez, Luis Ros, i Víctor Pérez Ballesteros.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.