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Libros de arte
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Oro y estiércol reúne una selección de textos -traducidos por primera vez al castellano- en torno a la retablística, el barroco y la forestalidad. El autor no cree posible el culto a una imagen tallada en madera sin venerar al árbol que la encarna. Y es así como nace este libro de escritura arbórea en que la palabra y la madera se suplantan constantemente. El nacimiento sucede en el intersticio que implica todo encuentro, el del sujeto y el árbol, el del sujeto y el retablo recubierto con el oro que vistió la madera y que nos alerta acerca de su encarnación. No es este un estudio sobre retablística. Es un ejercicio de escritura en el que, del mismo modo que la madera encarna la imagen, la palabra encarna al bosque que está «detrás» del retablo. El autor dice que el libro gira fértil y exhausto a la vez sobre estas dos certezas y es que, en efecto, la exuberancia y la extremosidad de la palabra lo caracterizan. Pero se trata de palabras «rumiadas», como quería san Bernardo que sucediera en la meditación. Nos encontramos ante un ensayo -en el sentido etimológico de «acto de sopesar»- en el que se mide el valor de la palabra: no es un retablo, no es un bosque, sino un libro, aunque estas tres realidades se encuentran en una relación de perfecta equivalencia. El lector paseará entre los árboles de un bosque, entre las molduras doradas de los retablos y entre las palabras que dan nueva vida a bosques y retablos.
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La Modernitat Cauta: 1942-1963. Resistència, resignació, restauració
LA CULTURA I L'ART EN EL PURITÀ I AÏLLAT PRIMER FRANQUISME Ara fa cinquanta anys, Barcelona inaugurava el Museu Picasso, fet que certificava la voluntat col·lectiva de reprendre el projecte cultural i de país anterior a la Guerra Civil. Enrere quedaven dues dècades en què, superada la immediata postguerra, la voluntat de modernització cultural del país havia maldat per sobreviure, adaptant-se a unes circumstàncies profundament adverses, en forma d'una modernitat no sempre visible que va sobreviure amb cautela durant els primers anys del franquisme fins a l'arribada de la nova atmosfera aperturista dels anys 60. Els autors reflexionen sobre les polítiques culturals, les orientacions estètiques, les circumstàncies històriques i els protagonistes més significatius entre 1942 i 1963, d'acord amb les úniques estratègies possibles aleshores: resignació, restauració o resistència. REPÀS DE LES MANIFESTACIONS ARTÍSTIQUES I LA VIDA CULTURAL AL LLARG DEL PRIMER FRANQUISME, EN QUÈ LA RECERCA DE LA MODERNITAT ARTÍSTICA QUEDA LATENT. ARTICLES DELS MILLORS EXPERTS EN L'ART DE L'ÈPOCA, QUE S'ESTÀ REVALORANT. ES TRACTEN SOBRETOT TRES DISCIPLINES ARTÍSTIQUES: ARQUITECTURA, PINTURA I LITERATURA.
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Pintora francesa muy celebrada en su época, especializada en pintura de animalesNacida en Burdeos pero crecida en París, Rosa Bonheur tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente, pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales.Rosa Bonheur acabará convirtiéndose en la más destacada pintora de animales de la pintura francesa de todos los tiempos, y su éxito será tal que cuanto cuadro completaba era de inmediato adquirido por coleccionistas, sobre todo, de Inglaterra y de los Estados Unidos.Pintora pionera, Rosa Bonheur fue también mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera.
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“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant...“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant, Modigliani fut élève à Livourne de Guglielmo Micheli, peintre de paysage dans la tradition des Macchiaoli italiens. Et pourtant avec Modigliani, de par ses nombreux portraits, c’est aussi l’Italie, le Midi et surtout Paris qui parlent.
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Un texto para reivindicar una literatura que levante las banderas de las viejas vanguardias y una crítica sagaz a la industria editorial. Un ensayo donde nada sobra.Durante el siglo XX las vanguardias estéticas y políticas soñaron con traer al centro a lo que sobra: restos, desechos, mingitorios, pero también el proletariado, los marginados. En la actualidad, bajo el régimen de acumulación neoliberal, ya nada de eso ocurre: lo que sobra está librado a su suerte. Solo. No tiene ni siquiera nombre. En la estela de Literatura de izquierda y Fantasma de la vanguardia, Damián Tabarovsky, transita en Lo que sobra de la literatura a la filosofía contemporánea, de la teoría estética al ensayo de crítica cultural, para pensar los riesgos del vanguardismo académico, la posibilidad de estar viviendo una guerra civil solapada, la necesidad de una justicia radical y las posibilidades de la literatura y el arte en este escenario.
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El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras desde la Antigüedad hasta el siglo XVII.Hablemos de los artistas desde el siglo VI a. C hasta el XVII: son muchos siglos de historia, seguro que recuerdas algún nombre. Pero ¿quién te vienen a la mente? ¿Cuántos hombres? ¿Cuántas mujeres? PintorAs vol. 1 surge de la necesidad de encontrar a las mujeres de la historia del arte para poder pintar una imagen completa del desarrollo artístico a lo largo de los años. Desde la premisa «todas dentro y ninguna fuera», Sara Rubayo y Ana Gállego arrojan luz sobre todas aquellas mujeres que se dedicaron al arte. Si bien la historia del arte solo parece contemplar a las mujeres como musas o como pintoras de poco talento, este tomo tiene como objetivo dar la vuelta al saber convencional: recuperan del olvido a artistas de las que apenas hemos oído hablar porque hay muy poca información sobre ellas. Porque por breve que haya sido su historia, cada artista se merece el debido reconocimiento y su obra debe tener su lugar en el conocimiento popular.
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Un brillante y meditado alegato contra el estado actual del arte, sometido a las tramposas leyes del mercado, la banalización de lacultura del espectáculo, y la perniciosa influencia del progreso tecnológico. Este joven escritor y premiado director
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¿Qué tienen en común estas seis mujeres, aparte de haber vivido en un mundo y una época extraordinarios? Todas ellas fueron musas ala manera clásica, inspiradoras de artistas y escritores, pero fueron también las primeras musas de la modernidad debido a
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Está claro, con un lápiz, David Hockney hace lo que quiere. Pero no hace aquello que no sabe desear. Cualquier conocimiento, cualquier técnica, le descubre un nuevo método, se lanza a él ávidamente y lo hace suyo. El resultado es siempre Hockney, rec
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Durante la Guerra de Sucesión española, el humanista,empresario y tesorero real Juan de Goyeneche (1656-1735) y el arquitecto José Benito de Churriguera (1665-1725) levantaron la ciudad industrial de Nuevo Baztán, cerca de Madrid. Impulsada por el espíritu reformista de los novatores , como el propio Goyeneche, einspirada en el modelo económico que desarrolló en Francia Jean Baptiste Colbert, ministro de finanzas deLuis XIV, la Grande Fabrique de Nuevo Baztán supusola introducción en España de un moderno sistema de producción de objetos suntuarios (textiles, vidrios, licores, papel, etc.) destinados no sólo a satisfacerla demanda de la corte sino también a la exportacióny comercio internacional, anticipándose a las RealesFábricas españolas y constituyendo una experiencia pionera en Europa por su dimensión territorial y su impacto demográfico y económico en la comarca, al tiempoque añadía una nueva ciudad al mapa de España. El triunfo de la Ilustración marcó el fin de esta utopía yel cese de toda actividad industrial, convirtiéndoseNuevo Baztán en un pueblo agrícola y residencial, que todavía sorprende por el rigor de su trazado y la belleza y monumentalidad de sus edificios principales,testigos elocuentes de esta portentosa iniciativa, cuyo alcance sólo podemos entender conociendo a sus artífices, Goyeneche y Churriguera, las distintas fábricas y sus productos, la vida cotidiana del Lugar, sucuidada arquitectura y su impecable forma urbana.
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En este lúcido ensayo, el erudito ensayista francés analiza la obra de Élisabeth Louise Vigée Le Brun, una de las pintoras más brillantes e ignoradas de las últimas décadas prerrevolucionarias en Francia. Retratista magistral «capaz de conjugar el parecido fiel con la idealización impalpable», Vigée Le Brun fue la aliada a la que escogió María Antonieta para ofrecer una imagen humana y digna de ese mundus muliebris que ella representaba y que, supuestamente, corrompía el prestigio y la autoridad de los monarcas a fuerza de afeminarlos. Un relato fascinante que recrea con magnífica precisión el virulento despertar de una misoginia política, moral y social que hizo de la reina María Antonieta y su retratista oficial sus chivos expiatorios.
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Un libro de geopolítica cultural y de historioterapia «Occidente ha olvidado el alma hispana que lo vio nacer. Ya es hora de que reencuentre sus raíces y con él todos aquellos que vivimos divididos y de espaldas a los demás y a la verdad. Este libro contribuye decididamente a esa tarea». Marcelo Gullo, profesor argentino. «El Sacro Imperio Romano Hispano, que describe con acierto Alberto G. Ibáñez, nos incluye a todos: indígenas del norte al sur, españoles, criollos, negros mestizos y mulatos. Es un homenaje merecido a la primera operación civilizatoria multicultural de la Historia». Alfonso Borrrego, biznieto del último caudillo apache Gerónimo. «Ibáñez es un intelectual de gran talla: su lectura es urgente e importante. En el Sacro Imperio Romano Hispánico (SIRH), nos hace palpar la grandeza de nuestro legado y abre vías hacia un futuro pleno». Carlos Leáñez, profesor venezolano. «El autor, tras sus exitosos ensayos anteriores, no defrauda con un nuevo estudio serio, innovador y, sobre todo, fascinante. Con este libro el modelo hispano recupera su trayectoria y avanza una vez más hacia el Plus Ultra»
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¿Es el arrepentimiento una forma de memoria?, ¿una manera de narrarnos a nosotros mismos?, ¿un acto de imaginación? Alejandro Cesarco ha desarrollado una práctica artística heterodoxa a partir de recursos como la repetición, la narratividad, la lectura o la traducción. Con este libro, en el que cuestiona un devenir del arte regido por el principio de producción y orientado hacia el éxito, transita el arrepentimiento como modo estético y como herramienta metodológica. Lo contempla como una fuerza creadora que se sitúa entre quienes somos y quienes aspiramos a ser, o entre lo que hacemos y nuestras deficiencias.De la mano de pensadores y artistas como Louise Lawler, Sturtevant, Lauren Berlant, Jorge Luis Borges o Macedonio Fernández, Cesarco rastrea la doble función de este sentimiento: no solo una manera de mirar atrás sino también de proyectarnos hacia delante, de (re)evaluar lo que nos impulsa. Bajo el signo del arrepentimiento refleja una particular tonalidad a través de la cual imaginamos y construimos nuestra historia mientras volvemos a contarla.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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El color informa, seduce, narra, ordena, camufla... «Para comprender el color debemosescuchar la voz de filósofos y tintoreros, biólogos yartistas, escritores y empresarios, físicos y astrólogos, y también vendedores, pasteleros y otros.»RICCARDO FALCINELLI ¿Por qué Mondrian nunca emplea el verde y Hitchcock lo usa en abundancia? ¿Por qué tienen más éxito los lápices amarillos?¿Por qué Flaubert viste de azul a madame Bovary? Aunque nos parezca obvio, hablar de colores planos o considerar el azul un color frío son invenciones muy recientes. Tal vez no nos demos cuenta, pero incluso cuando estamos ante un cuadro renacentista, tenemos en mente el amarillo de los Simpson. Quien conoce el color de la televisión ya no puede ver el mundo con los ojos del pasado. Las historias y ejemplos que recoge Cromorama nos descubren hasta qué punto el color es un filtro con el que contemplamos la realidad. En un libro tan colorido como divertido, que estambién una historia de nuestra mirada moderna y decómo se ha formado, Falcinelli recorre un fascinanteuniverso de imágenes procedentes de la pintura, la literatura, el cine, los cómics y los objetos cotidianos, que se nos muestran de un modo inusual y sorprendente. Todas las sociedades han construido sistemas simbólicos en los que el color desempeñaba un papel central -el negro para el luto, el rojo para el comunismo, el azul del manto de la Virgen-, pero la tecnologíay el mercado nos han acostumbrado a nuevas percepciones y han modificado nuestro modo de ver el mundo. La crítica ha dicho«Un libro hermoso,particular. Falcinelli ha logrado escribir un librosobre los colores que cubre los aspectos técnicos sinabandonar diversión que rara vez sucede. Un milagro.»Corrado Augias «De una belleza deslumbrante. Un objeto que desencadena el deseo, lleno de encantadoras imágenes.»Elena Stancanelli, La Repubblica
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El director de cine, crí tico y escritor irlandé s Mark Cousins ha creado un libro magní fico y un artefacto de granvalor artí stico que repasa la historia de la mirada humana a lo largo de los siglos. Desde las civilizaciones antigua
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L'Art de les Ics
Les arts i les escriptures de la Barcelona més innovadora de la fi del segle xx no es poden explicar sense les revistes Àrtics (1985-1990) i Cave Canis (1995-2000). Amb textos de Vicenç Altaió, Manuel Guerrero i Oriol Pibernat, i obres de Brossa, Tàpies, Llopis, Colomer, Perejaume, Duran, Benito, Borrell, Llena, Amat, Evru, Serrahima, Esclusa i tants altres del llegat de Joaquim Pibernat a la Fundació Palau.
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“Sus locos y sus bufones tienen menos de deformes que de profundamente humanos, a tal grado el sufrimiento y la desgracia no parecen ser, en verdad, para Velázquez, más que motivo supletorio para esquivar lo contingente y profundizar en uno mismo, traspasándose hasta la misma esencia.”René Schwob (1895-1946), escritor y crítico de arte francés de origen judío convertido al catolicismo reúne aquí sus impresiones sobre Madrid, especialmente sobre los cuadros que ahí pudo ver de los grandes maestros de la pintura española: Velázquez, El Greco y Goya.
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¿Por qué escriben novelas los artistas? ¿Qué efecto tiene la novela de artista en las artes visuales? ¿Cómo se debería experimentar una novela de este tipo? En la actualidad, existe una proliferación de artistas visuales que crean novelas como parte de proyectos artísticos más amplios, favoreciendo un tipo de arte basado en el proceso y la subjetividad, introduciendo nociones como la ficción, la narración y la imaginación. En este sentido, es posible hablar de un nuevo medio en las artes visuales. La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales es una obra en dos volúmenes: Un nuevo medio, ensayo de enfoque teórico, y La fantasía de la novela, proyecto de investigación en forma de novela. Un nuevo medio tiene como objetivo esclarecer las cuestiones planteadas por la aparición de un nuevo medio artístico, con un enfoque teórico a través de una serie de casos de estudio que examinan críticamente las diferentes formas en que los artistas contemporáneos han empleado la novela de artista. La intención no es establecer una definición categórica de la novela de artista, sino más bien situar este fenómeno dentro del campo de las artes visuales, con la esperanza de iniciar un muy necesario debate sobre una práctica que, durante mucho tiempo, ha sido ignorada por las principales corrientes críticas del discurso artístico. Un ensayo acompañado de entrevistas con Benjamin Seror, Cally Spooner, Mai-Thu Perret, Goldin+Senneby, Francis McKee, Vivian Ziherl, Natasha Soobramanien, Clive Phillpot, Alex Cecchetti, Lukasz Gorczyca y Jan Jasinski. La fantasía de la novela es un proyecto de investigación en forma de novela que examina el proceso de creación de una novela de artista, la cual se desarrolló a través de cinco performances episódicas y una exposición. El protagonista se encuentra en la posición de un detective que intenta comprender las condiciones bajo las cuales un artista decide escribir, y cómo eso es posible dentro de un entorno artístico. Sus descubrimientos aparecen en forma de pistas que conectan las diferentes capas de la investigación. La fantasía de la novela cuenta la historia de cada una de las seis entregas y cómo fueron producto de un esfuerzo colectivo. El proceso creativo de la novela de artista se vio afectado por las condiciones bajo las cuales fue producida, incluidas las relaciones intersubjetivas usualmente invisibles para el público. Este libro narra la trayectoria desde la fantasía del artista (cómo el artista imaginó inicialmente que su novela existiría en el mundo) hasta la realidad de la obra (cómo se lee y recibe realmente). La narrativa se vuelve cada vez más compleja capítulo tras capítulo, conectando imágenes, referencias e ideas recurrentes que reflejan la rica composición del proyecto general.
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El libro, en diálogo con Cassirer, se aproxima a los asuntos de lo bello y el arte en los diálogos de Platón y llega en un momento esencial para la construcción de los cimientos de la Historia del arte que empieza a consolidarse de la mano de Riegl, Wölfflin y Warburg (este último decisivo para Panofsky), quienesentre mediados de los 80 y finales de los 90 del 1800elaboran los principios fundacionales de la disciplina tal y como se la conoce.Aunque lo más interesante del autor, cuyo vastísimo conocimiento que despliega frente al apabullado lector contemporáneo queaspira a empaparse de la cultura prodigiosa de la cual hace gala, es una forma de trabajo desjerarquizadaque parece aplicarse de igual manera a todas las obras sin tener en cuenta la ''calidad'' de las mismas. Esa mirada desjerarquizada plantea una idea muy contemporánea, próxima a los ''estudios visuales'': a cadaépoca le corresponde un sistema de representación visual que facilita la lectura de cualquier imagen que surge dentro del mismo. Es esa particularidad de su pensamiento la que preludia una mirada actual que vuelve a situar a Panofsky en el centro de una indudable discusión moderna.
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Una nueva forma de crítica literaria.“¿Cómo es que el arte se ha vuelto tan poderoso que ni siquiera podamos imaginar una realidad que no esté gobernada por sus parámetros?”. El joven académico alemán Markus Gabriel, autor de varias obras renovadoras del panorama filosófico contemporáneo, como Por qué no existe el mundo y Yo no soy mi cerebro, intenta responder en este breve ensayo un tópico ampliamente discutido en la historia del pensamiento: la naturaleza del arte.En El poder del arte, junto con desplegar un audaz cruce entre epistemología, cultura popular y contingencia social, Gabriel sostiene que el arte ostenta un poder incontrolable. Por eso nadie, ni el observador ni el artista, están en posición de dirigir y dominar su destino. Cada obra de arte genera su propio juicio estético y, así, es capaz de juzgarse a sí misma.Al mismo tiempo, junto con dar luces sobre el vínculo entre la estética y su propuesta filosófica, el Nuevo Realismo, El poder del arte es una perfecta puerta de entrada al corpus filosófico de uno de los pensadores más influyentes de la actualidad.
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El arte es considerado habitualmente como una actividad solitaria. Pero los artistas visuales, escritores y músicos a menudo encuentran su energía a través de un entorno colectivo. Compartir ideas alrededor de una mesa siempre ha dado lugar a intercambios fructíferos entre artistas de todo tipo. En estélibro, Mary Ann Caws explora una rica variedad délugares de reunión, pasados y presentes, que han sido propicios para la liberación y el sustento necesario délas energías creativas. Encuentros creativos habla de estos lugares en Europa y Estados Unidos, desde paisajes urbanos hasta refugios en islas, desde casas privadas hasta cafés públicos y colonias de artistas. Los ejemplos incluyen la casa de Florence Griswold en Old Lyme, Connecticut, lugar de reunión déla antigua colonia de arte de Lyme, el Café Louvre de Praga, lugar de reunión de Kafka y Einstein, el café modernista de Picasso en Barcelona, Els Quatre Gats, Charleston Farmehouse, lugar de reunión de Virginia Woolf y Vanessa y Duncan Bél, y los cafés de Saint-Germain¡-des-Prés y Montparnasse: los lugares de reunión de Apollinaire, Sartre y Patti Smith.
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Para el franquismo, la República era la enemiga del patrimonio y de la religión, cuyo poder estaba controlado por los ''rojos'', y en su territorio dominabala barbarie, el caos, la iconoclasia y el robo de los bienes patrimoniales. Sin embargo, esta acusación,que mantendría con insistencia machacona durante todasu existencia, escondió durante décadas la labor desalvaguarda republicana de las obras de arte y su destino en la inmediata posguerra.El autor de este libro(reconocido experto en el estudio del devenir del patrimonio durante la guerra y la posguerra en España ydirector de varios congresos internacionales sobre el tema, el último celebrado en el Museo del Prado en2019) llevaba años planteándose cuál había sido el destino durante el primer franquismo de las miles de obras salvadas y almacenadas por la República durante la guerra. Tras la concesión de dos proyectos de I + Ddedicados a este ámbito y después de cinco años de investigación, vierte aquí los sorprendentes resultados.Parte del estudio de las políticas republicana y franquista durante la guerra para centrarse en el destino que los gestores franquistas les depararon a estasobras en la inmediata posguerra. El núcleo esencialdel libro analiza la gestión franquista de aproximadamente 17.000 obras almacenadas por la República, quefueron devueltas en muchos casos a sus propietarios,aunque una gran cantidad fueron desviadas hacia otrosdestinatarios, que sin embargo reconocían en muchoscasos como suyas. Supone una novedad investigadora inédita el estudio de las entregas en depósito de milesde estas piezas a museos, a organismos, a la Iglesiae incluso a particulares, lo que produjo el expolio,la diáspora y la desaparición de numerosas obras. Enmuchos sentidos, este expolio franquista tiene paralelismos indudables con el realizado por los nazis enlos mismos años. Es el arte como botín de guerra.
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El autor nos ofrece un recorrido por múltiples obrasde Bataille, haciendo especial hincapié en la revistaDocuments. Su posición con respecto al arte, nos dice, será siempre dialéctica, inextricablemente contradictoria, de modo que le exigirá invariablemente al arte dar forma a una experiencia que sea, a la vez, ejercicio de crueldad o sacrificio y fruto de una inquietud cercana a la inocencia de la infancia
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Tras recibir importantes exposiciones individualesen Japón y Corea, Fundación MAPFRE presentará la primera exposición en Europa con la obra de Tomoko Yoneda.Tomoko Yoneda realiza obras complejas con referencias a la historia contemporánea y al conflictohumano. Busca hechos pasados con un enfoque casi antropológico, hechos que no presenció y utiliza la fotografía para traerlos al presente. Sus imágenes de paisajes e interiores pueden parecer a primera vista lugares hermosos sin ningún significado. Sin embargo, después de leer las leyendas, estas fotografías se vuelven algo más complejas y preocupantes: son sitios de catástrofes humanas. Yoneda ha optado por representarlugares asociados con la guerra y, en particular, sitios vinculados con la Primera y Segunda Guerra Mundial, la Segunda Guerra Sino-Japonesa y la Guerra Fría.Nacida en Akashi en la prefectura de Hyogo, Japón en 1965, Tomoko Yoneda estudió fotografía en la Universidad de Illinois en Chicago (1989) y más tarde en el Royal College of Art de Londres (1991). Actualmente vive en Londres y Helsinki.
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''La urgencia de escribir MDA [Método Diana Aisenberg] es la misma que me impulsa a pintar, dar una clase, producir eventos colectivos o poner en marcha cualquier otra faceta de mi obra. Hace más de tres décadasque me dedico a la formación de artistas, acompañándolos en elproceso de aprender a mirar la producción propia y ajena. Mi saber está ligado a la experimentación, a la tarea docente, al trabajo juntoa otros artistas y al oficio de pintar. Creo que ser artista y ser maestra son dos actividades inseparables que se alimentan mutuamente. De esa combinatoria nace este método de enseñanza.ö
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Escritos en las últimas tres décadas, los ensayos de Boris Groys sobre la lógica entrópica de la cultura, el arte y el museo, sobre la colección, la política de la vanguardia y el carácter medial del hombre y lo real -la teoría de los medios es la ideología de nuestro tiempo- constituyen brillantes ejercicios de esgrima intelectual: combinan el rigor del conocimiento, un estilo claro y elegante y argumentos punzantes suministrados con sutileza. Groys se mide en ellos con el contrincante más difícil de un ensayista: su propio presente. Casi cada texto comienza con una respetuosa inclinación de cabeza a los modos de pensar al uso, para acabar cada lance dejando al lector tan tocado como para continuar reflexionando y empezar a imaginarse las cosas de otros modos.
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Ofrece una visión integral de la vasta colección de obras de Pedro Reyes, uno de los artistas contemporáneos más innovadores y comprometidos socialmente de México.Presenta impresionantes imágenes y textos provocadores que ofrecen una exploración intelectual del impacto de Reyes en el arte contemporáneo y la sociedad.Muestra una fusión única de arte y activismo: Reyes combina escultura, arquitectura, psicoterapia, teatro, literatura y activismo, ofreciendo una singular intersección entre la investigación estética y la práctica social.Este libro fue publicado con motivo de la exposición Pedro Reyes: Escultura Social, realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en Nuevo León, México. Reúne una amplia selección de obras del artista mexicano Pedro Reyes, cuya práctica vincula la exploración estética con el compromiso social. Reyes transita sin esfuerzo por los campos de la escultura, la arquitectura, la psicoterapia, el teatro, la literatura y el activismo. Invita al público a convertirse en participantes activos, transformando espacios más allá de los muros del museo. La publicación resalta las diversas estrategias que Reyes implementa, desde la exploración del potencial terapéutico de la dinámica grupal hasta los esfuerzos de desarme, redefiniendo la escultura como un medio expandido y participativo: una escultura social.
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Unión Radio fue el primer gran proyecto radiofónico español, nacido en 1924 y respaldado por las principales compañías internacionales, de la británica Marconi a las americanas General Electric y RCA, la Tudorfrancesa o la AFA alemana. Su objetivo, que cumplióen sus 14 años de existencia, fue crear una cadena deemisoras locales en torno a una cabecera potente, suemisora principal, la madrileña Unión Radio, que comenzó a emitir en junio de 1925.Desde su nacimiento, Unión Radio, instalada en la Gran Vía, fue la voz y elreflejo de una época apasionante, de gran efervescencia creativa, de cambios políticos y sociales. En susestudios coincidieron Gómez de la Serna, Benavente,Jardiel Poncela, García Lorca, Alberti, Joaquín Turina, Igor Stravinsky, Miguel Fleta, los Halffter, Victoria Kent, Clara Campoamor, La Argentinita y muchos otros, pero también personajes ahora olvidados que concibieron muchos de los géneros de la radio de hoy. Sumicrófono recogió en directo la llegada de la SegundaRepública, y ni un solo día faltó a la cita con losoyentes, cada vez más numerosos, durante los tres años de la Guerra Civil. Este libro cuenta la peripeciade Unión Radio, reconstruye su programación, los momentos trascendentales que narró y las anécdotas cotidianas. En suma, recupera su memoria y su nombre para la historia de la radio española.
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La regulación de las corridas de toros en España es, desde hace más de veinte años, un ejemplo más de ese binomio normativo que ha resultado del llamado Estado autonómico que diseñara la Constitución de 1978. Porque aunque exista en la materia una legislación estatal consolidada, suficiente y para nada obsoleta (la Ley 10/1991 y, sobre todo, su Reglamento, aprobado por Real Decreto 145/1996), son varias las Comunidades Autónomas que, en uso de sus competencias estatutarias sobre los espectáculos públicos, se han dotado de una legislación taurina propia. Y mientras que unas (Cantabria, Castilla-La Mancha, Comunidad Valenciana, Extremadura, La Rioja y Madrid) se han limitado, como parece acertado y hasta lo más oportuno, a regular sus festejos populares o tradicionales (igual ha hecho Cataluña, en paralelo a la prohibición allí de los toros), otras Comunidades (Navarra, País Vasco, Aragón, Andalucía y Castilla y León) también han reglamentado las propias corridas a celebrar en sus territorios, no sólo en cuanto a los trámites administrativos exigidos para organizarlas, los requisitos de las plazas o los derechos de los espectadores, sino también en lo que se refiere a su misma interioridad, como el sorteo de las reses, el desarrollo de los tercios o los trofeos para los diestros. Esta eidición actualizada de la Legislación taurina '' contiene, pues, toda esta regulación específica de las corridas de toros, completada con otras disposiciones con incidencia en ellas, como son, por ejemplo, el Real Decreto 60/2001, sobre Prototipo Racial de la Raza Bovina de Lidia, o el Convenio Colectivo Nacional Taurino, que, a su manera, también en mucho las condiciona. Esta nueva edición está totalmente actualizada y puesta al día.
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Un recorrido por toda la trayectoria vital y artística de Miró durante su época parisina entre 1920 y 1945. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Museo Guggenheim de Bilbao y comisariado por Enrique Juncosa. Coincidiendo con el 40º aniversario del fallecimiento del artista catalán, trazamos un fascinante recorrido por una de las época de mayor efervescencia creativa de Miró. Al pintor, París se le antojó un lugar donde la vida se transformaba en imágenes nacidas del encantamiento y predeterminadas del ambiento colectivo de la época. Miró se hizo con el imaginario artístico que le rodeaba y lo incorporó en su obra que podemos ver a lo largo de esta fantástica edición.
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Esta edición recopila algunas de las entrevistas realizadas por Djuna Barnes, para renombradas revistas como Vanity Fair y McCalls, durante el convulso periodo transcurrEsta edición recopila algunas de las entrevistas realizadas por Djuna Barnes, para renombradas revistas como Vanity Fair y McCalls, durante el convulso periodo transcurrido entre 1914 y 1931. En ellas la prestigiosa autora de El bosque de la noche despliega su estilo inimitable y su característica mirada, irónica e ingeniosa, para acercarnos a personajes de la talla de Coco Chanel, David W. Griffith, Yvette Guilbert, James Joyce, Kiki de Montparnasse, Alfred Stieglitz y Franz Harris, entre otros.
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Atento a la vieja tradición filosófica que pone el cuerpo en lo aparente, lo que aquí se escribe se inserta en esa tradición, pero al tiempo, y en rigor, la lee de otra manera. Porque, efectivamente, el cuerpo es ficción, y como tal se esconde en la apariencia, cambia continuamente, se presenta como lo que no es. El parecer marca su realidad, y parecer es estar en relación con otro, para otro, para el otro. Un cuerpo no tiene en sí. Siempre que se da lo hace en apariencia, aparentando, en imagen, si bien, y dicho de un modo más preciso, ese presentarse no oculta ninguna verdad eludida, ningún ser cierto en otro lugar bajo el camuflaje de la apariencia. Visto así, es una invención. También esto vale para todo cuanto se dice y se pinta sobre él, para este discurso sobre el cuerpo, para estos Corporales que envuelven y se añaden al cuerpo, que lo recogen de algún modo, pero que también lo cubren, lo tapan sin saber jamás lo que encubren. Y todo ello por más lucidez que les obligue y por mucho que el cuerpo sobre el que escriben sea un cuerpo completamente abierto.
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Puede que conozca la cita de 1889 de Oscar Wilde, ''La vida imita al arte mucho más de lo que el arte imita a la vida.'' Puede ser así, pero cuando el arte imita a la vida, se llama mímesis. Mímesis -derivado del verbo griego mimeisthai- es un término que conlleva una amplia gama de significa dos, que incluyen representación, mimetismo, el acto de expresión, el acto de semejarse, y la presentación del yo. En la antigua Grecia, la mimesis era una idea que regía la creación de obras de arte, especialmente en lo que respecta al mundo físico que se identificaba como el paradigma de la verdad y la belleza. Hoy en día este término se utiliza principalmente en la crítica literaria y la filosofía, pero a propósito de esta exposición reconoceremos el significado original de mimesis, el acto de representar la realidad en el arte.
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Maya Goded Colichio es una reconocida fotógrafa y cineasta documental mexicana, cuyo trabajo se centra en temas como la violencia de género y la vida de comunidades marginadas. A través de su obra, explora las complejidades y desafíos que enfrentan las mujeres en la sociedad mexicana.El rastro de la serpiente combina fotografía, poesía, testimonio y ensayo para dar forma a un viaje íntimo, político y espiritual.A través de imágenes, relatos orales, archivos históricos y reflexiones filosóficas, El rastro de la serpiente se convierte en un canto colectivo de resistencia. Entre sus páginas resuenan las voces de mujeres que, a pesar del despojo, cuidan la vida, sanan, cantan y recuerdan.El diseño del libro es verdaderamente único, compuesto por tres cuadernillos que se entrelazan. Los dos primeros están diseñados para ser leídos simultáneamente, guiando al lector hasta el tercer cuadernillo en el centro.Maya Goded nos conduce por territorios heridos—desde el desierto de Atacama hasta las selvas de Chiapas—donde el cuerpo de la tierra y los cuerpos de las mujeres son escenario y testigo de violencias históricas, extractivismo y olvido. Este proyecto nace de una búsqueda personal: la autora explora su linaje materno y su historia familiar, marcada por guerras, migraciones y abusos, estableciendo paralelismos con las experiencias de mujeres indígenas, mineras, curanderas y defensoras del territorio. La serpiente, símbolo ancestral de transformación y sabiduría femenina, se convierte en el hilo conductor de esta narrativa en espiral, que abraza lo cíclico frente a la lógica lineal y patriarcal del progreso destructivo. El libro es un acto ritual de memoria, duelo y renacimiento—una propuesta ecofeminista que reimagina la relación entre humanidad y naturaleza desde la raíz, desde lo femenino, desde la serpiente.
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Descubre la historia del arte contemporáneo como nunca antes te la habían contado. ¿Cómo se convirtió en arte una lata de sopa de tomate? ¿Y una tienda de campaña? ¿Y una cama deshecha o un tiburón en formol? ¿Cómo se desafía a uno de los gobiernos más poderosos del mundo rompiendo un jarrón antiguo? ¡BOOOM! La explosión del arte contemporáneo es una novela gráfica que recorre un siglo del arte más revolucionario. Desde el escandaloso urinario que Marcel Duchamp intervino en 1917 hasta el provocador plátano pegado a la pared por Maurizio Cattelan en 2019, este libro explica cómo el arte contemporáneo ha roto continuamente con las normas establecidas. A partir de un contexto de transición entre guerras mundiales, reflejando los cambios sociales y afrontando retos como el de la globalización, estas páginas repasan las vidas de los artistas clave y sus obras más impactantes o emblemáticas, y ponen de manifiesto su legado e influencia cultural. Una guía visual y accesible que te sorprenderá y te hará reflexionar.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.