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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Rembrandt alcanza una expresión artística del movimiento vital hasta entonces desconocida: una expresión que no puede traducirse en un método o un estilo sinoque depende por entero de su genio. Como demuestran sus retratos, el problema ''pictórico'' de Rembrandt es sencillamente la representación de una totalidad humana viva, justamente en tanto problema pictórico, yno psicológico, metafísico o anecdótico: su pintura plasma la movilidad de la vida interior.
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Desde que, en las paredes de cuevas y abrigos rocosos, el ser humano plasmó los primeros signos pintados, se inició una historia que hoy día se sigue escribiendo de la mano de los modernos medios digitales. En este largo devenir siempre se ha prestado especial atención a sus artífices, a la evolución de los estilos, pero otras cuestiones fundamentales, como los avances técnicos, los nuevos materiales y colores, a veces han quedado en un segundo plano, y sin ellos dicha historia resulta incompleta.Con su original perspectiva sobre la forma en que el arte se ha ido desarrollando a lo largo del tiempo, el presente libro pone de manifiesto el proceso que guio a los artistas a la hora de innovar y crear sus grandes obras. Ricamente ilustrado y con un diseño en el que texto e imagen constituyen un todo indisoluble, no sólo cambiará el modo de entender las creaciones artísticas, sino también la manera de disfrutarlas.
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Por mucho que conozcamos la genialidad de los grandes artistas del pasado, a menudo, cuando vemos una obra maestra, nos resulta difícil conectar con ella y captar su grandeza. Ossian Ward se enfrenta directamente a este vacío comunicativo y nos brinda algunas de las claves y parámetros con los que volver a mirar las pinturas de los maestros antiguos.El crítico británico toma diversos conceptos que han sido una constante en la historia del arte -como la paradoja, la belleza o el horror- y los convierte en el hilo conductor que conecta nuestra capacidad interpretativa con las mejores obras de la historia de la pintura. Una cautivadora experiencia inmersiva que nos invita no solo a saber de la espectacular teatralidad de El Bosco o de la armonía y simplicidad de Paul Cézanne, sino a aprehenderlas verdaderamente.
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Dos filósofos conversan sobre la situación del arte en la actualidad: lo que quiere decir de hoy en adelante, lo que, lejos de ser una palabra anticuada, nos permite reflexionar de nuevo. El elaborado pensamientode Jean-Luc Nancy sobre este tema es retomado y también continuado en el curso de una discusión en la queLèbre se interroga con él sobre la mejor manera de aprehender el compromiso del cuerpo sensible en la actividad artística y la aproximación a las obras, la relación del arte con la técnica, la historia, su modulación en las artes tradicionales y nuevas, su posición actual frente a la religión, la política y la literatura. Este texto, un diálogo en el más pleno sentido filosófico del término, constituye en sí una introducción al pensamiento de Nancy en torno al hecho artístico: qué es el arte, su significación y finalidad en nuestro tiempo, su polimorfismo, la responsabilidadque tiene para con el mundo, su interacción con él…
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Colección de ensayos en torno a conocidas obras del arte occidental, quetienen en común la seducción de su misterio. Ante la ventana abierta delos lienzos, Siri Hustvedt propone al lector no sólo un paseo por lahistoria de la pintura, sino también por la vida. Unos textosesclarecedores y plenos de sensibilidad.
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Formas, tipos y estilos son los conceptos más habituales a la hora de estudiar la historia de la arquitectura, pero esta también puede abordarse desde la energía, el clima, los recursos materiales y la experiencia corporal. Tal es el propósito de esta '' Historiamedioambiental de la arquitectura '' (la primera ensu género), que presenta edificios, ciudades y territorios a través de su relación con los cuatro elementos de la tradición clásica: el fuego, la tierra, el agua y el aire. Por sus páginas desfilan tanto ejemplos populares (la casa en torno al fuego, los palafitostropicales, los hórreos o la casa patio) como modelos cultos (la '' domus '' romana, el monasterio cisterciense o el palacio islámico), acompañados por la historia, paralela pero no menos importante, de las técnicas (chimenea, calefacción centralizada, aire acondicionado), las infraestructuras (acueductos, canales, cloacas) y las ideologías (higienismo, helioterapia, naturopatía) que han moldeado nuestras ciudades y nuestra idea del confort y la salud. El resultado es un relato apasionante donde arquitectura, ciencia, filosofía, medicina y antropología se entreveran de unamanera inédita y fructífera.
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Contra Florencia es una ironía y un testamento, un inicio y un final. Un juego de palabras tras el que se oculta un cuaderno de viajes compuesto por paseos, anécdotas o acontecimientos singulares. En él se dan cita la épica de Dante o la elegancia de la dinastía Medici, el heroísmo de Giovanni Papini, la elocuencia bifronte de Vernon Lee o el ocaso de la ciudad como la Nueva Atenas de Europa. Nos sumergimos entre sus páginas como testigos de un mundo que dormita bajo piedras encharcadas de sangre, esplendor y memoria.
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El orgullo nacional, la disciplina y la sensibilidad, son principios característicos que tienen su origenen la vida religiosa, que estructuran la vida socialy que han armado al arte japonés con energías y hermosas rarezas que se desarrollan plenamente en la vidadel espíritu. El culmen de este magnífico edificio moral es, de hecho, una cultura de un orden superior.
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Towapo. Ethics for survivors & aliens es una publicación que recoge el trabajo visual de los últimos 20 años del colectivo Un Mundo Feliz. El contenido es predominantemente visual con más de 300 imágenes. Un Mundo Feliz ya ha publicado anteriormente su trabajo (pictogramas de libre uso) en la Editorial Promopress conuna tirada de 5000 ejemplares. En este caso, se presentan y recopilan muchas imágenes que hasta el momento han aparecido diseminadas en diferentes libros y catálogos.
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Desde la publicación en 1961 de su obra mítica Muerte y vida de lasgrandes ciudades, el respeto y la fascinación por la mirada lúcida eincisiva de Jane Jacobs acompañó para siempre a la intelectualnorteamericana. Este libro recoge cuatro entrevistas, inéditas encastellano, en las que descubrimos la cara más humana y vivencial deJacobs: desde los años de precariedad laboral, el descubrimiento de lametrópolis o sus paseos aleatorios y sin rumbo por el Manhattan de ladécada de 1930, hasta su incursión en el activismo político y susreflexiones más afiladas contra la planificación urbana y los grandesdogmas de la modernidad.Una lectura imprescindible de una de las grandes voces del siglo xx.
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Tras la gran exposición en Ginebra de los fondosdel Museo del Prado evacuados el Gobierno republicano durante la Guerra Civil, las obras volvieron a España amenazadas, en esta ocasión, por el inicio de la Segunda Guerra Mundial, hechos narrados magníficamenteen el libro de Arturo Colorado,Éxodo y exilio delarte. La odisea del Museo del Prado durante la Guerra Civil.Pero en la inmediata posguerra, en su campaña antirrepublicana, el franquismo pivotó sus mensajes sobre dos comparaciones históricas, ladel robo de los ''rojos'' con el saqueo napoleónicoy la de la ''nueva España'' con la vuelta a las glorias del imperio. Era el irredentismo patrimonial, de ''rescate de las obras robadas'' durante la guerra o de reparaciones revanchistas de viejas deudas del enemigo francés, ahora vencido por los amigos nazis. La acusación franquista del saqueo del patrimonio tuvo sucontinuación en la búsqueda de obras de arte, salidas unas por vía oficial hacia Suiza o Francia, por decisión del Gobierno de la República o de los Gobiernosde Cataluña y del País Vasco, y otras por vía del robo. El ''rescate'' franquista no diferenciaba entre una u otra salida, pero como bien sabían los responsables, las facilidades para cado caso eran muy diferentes. Las primera fueron prácticamente entregadas por los republicanos, comunicando dónde se encontraban, las segundas, sin embargo, dependían de las detencionesde la policía francesa, de la colaboración de la Gestapo o de las denuncias llegadas a la Embajada.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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Tradiciones inventadas. Pintores que no existen. Libros que debieran haber existido. Identidades tomadas en préstamo. La rica cultura de lo falso se ha tejido a la sombra de diferentes regulaciones de la verdad destinadas a delimitar qué es ficción y qué realidad. Hoy sabemos que son la misma cosa, y que la ficción funda realidades, que tiene voluntad pública, cuestionando la común interpretación de lo verdadero. La gestión de la verdad y de sus formatos es la base de toda autoridad. El «fake» surge precisamente para cortocircuitarla, explorando sus quimeras lingüísticas.
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En Artesanía de China podemos encontrar la larga historia de los objetos artesanos, desde las piezas laqueadas, pasando por hermosos ropajes y adornos con piel de pescado, elegantes cerámicas tricolor hasta las espléndidas telas estampadas al índigo, bolsas perfumadas... Paseo por los cuatro puntos cardinales.
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Desde que nuestros antepasados dibujaran los primerosbisontes sobre una piedra o hicieran sonar por primera vez una flauta de hueso, no hemos dejado de cuestionar qué es y para qué sirve realmente el arte. Milesde años después, la pregunta sigue en el air
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El 18 de julio de 1573 Veronese compareció ante la Inquisición acusado de herejía por una pintura de la santa cena. La acusación, que denunciaba la presencia de elementos profanos en un cuadro religioso, ponía sobre la mesa el debate sobre la interpretación de las escenas bíblicas. Obligado por las circunstancias, pero empujado por la astucia, Veronese encontró una salida con un procedimiento inusual en la época: titular el cuadro Cena en casa de Leví, remitiéndose a un episodio menor de los evangelios, de modo que la blasfemia se diluía. Así, por la magia del texto escrito, el cuadro cambiaba totalmente de sentido sin retocar nada de lo que se representaba en él. En el siglo XIX, esta colisión de Veronese con la Inquisición se convirtió en un modelo del enfrentamiento entre el artista y el poder eclesiástico, lo cual permitía abordar el diálogo entre lo sagrado y lo profano. Ahora sabemos que la solución que Veronese halló para satisfacer a los inquisidores significó una innovación a la hora de resolver los conflictos dogmáticos con la Iglesia, además de un cambio sustancial en el ámbito de la interpretación artística.
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El autor explora treinta y tres películas importantes, influyentes y populares que permitieron una creación y proliferación de las imágenes queer. Constituye un repaso a la historia política, social y cultural de gays, lesbianas, bisexuales, travestis y transexuales. Desde películas hollywoodianas hasta las experimentales. De las de culto a las nacionales o pertenecientes a otras nacionalidades.
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Esta obra pretende ser unha recompilación das composicións de Xesús Vaamonde Manteiga para gaita (nas versións de dúo e solista). O libro acompaña as partituras e comentarios do autor sobre as mesmas, unha pequena «Guía de Audición» e un CD onde se poden escoitar os temas.
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Este número de la revista ''Cuadernos de la Alhambra'' presenta un conjunto de estudios sobre la labor restauradora emprendida por el Patronato de la Alhambra y Generalife, en colaboración con otras instituciones, y las tareas de gestión necesarias para la correcta administración del Conjunto Monumental. A estos trabajos hay que sumar distintas investigaciones históricas que abordan el periodo hispano-musulmán desde diferentes perspectivas.
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La Historia del arte ha sido un éxito de ventas mundial que en este 2023 cumple 70 años desde su primera publicación. Es la introducción al arte mejor y más popular jamás escrita, publicada en todo el mundo en más de 30 idiomas. Atraídos por la sencillez y claridad de su escritura, lectores de todas las edades y procedencias han encontrado en el profesor Gombrich a un verdadero maestro, que combina conocimiento y sabiduría con un don único para comunicar su profundo amor por la materia.Actualizado con una nueva portada impresionante y un prefacio escrito especialmente por la nieta del profesor Gombrich, Leonie, este formato de bolsillo permite que la obra clásica de Gombrich continúe su progreso triunfal para otra generación y siga siendo el título de primera elección para todos los recién llegados al arte y su historia.La posición de Sir Ernst Gombrich en el mundo del arte y su popularidad entre los expertos y un gran número de lectores en general no tienen rival. Nacido en Viena, llegó a Londres en 1936 para trabajar en el Instituto Warburg, donde se convirtió en director desde 1959 hasta su jubilación en 1976. Ganó numerosos honores, incluido el título de caballero, la Orden del Mérito y el Goethe, Hegel y Premios Erasmo.
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Una publicación imprescindible para entender las claves del coleccionismo de arte.Dani Levinas reúne, en este libro, treinta y cuatro entrevistas a las grandes figuras del coleccionismo contemporáneo, heterogéneas personalidades que hablan de sus motivaciones para coleccionar y de sus maneras de compartir generosamente con el público su pasión por el arte. Levinas es, a su vez, un gran coleccionista que, en este contexto, se nos presenta como un coleccionista de coleccionistas. En sus palabras, lo que distingue a estos hombres y mujeres es su forma de ver el mundo.
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Las poderosas ideas de Bang respecto al efecto que tiene la composición de las imágenes sobre nuestras emociones y la manera como una obra de arte logra contar una historia, permanecen insuperables por su simplicidad y genialidad. ¿Por qué las diagonales transmiten tensión? ¿Por qué las curvas tranquilizan? ¿Por qué el rojo se siente cálido y el azul frío? Publicado inicialmente en 1991, Imagínatelo ha cambiado la manera en que ilustradores, especialistas, críticos y lectores observan y comprenden el arte visual.
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¡Domina los fundamentos: luz y forma, color, composición, perspectiva, profundidad y anatomía humana! Más consejos de expertos, más técnicas clave y obras instructivas mejoran este best seller, título que no puede faltar en la estantería de ningún artista. Tanto si trabajamos con medios tradicionales como si usamos medios digitales, entender la base del arte en sí mismo es esencial para conseguir resultados atractivos y sólidos. Las reglas del mundo real hacen que el arte conceptual sea mucho más creíble, mientras que una comprensión clara de los principios de larga tradición puede elevar un tema clásico a nuevos niveles de éxito. Esta imprescindible edición actualizada está escrita e ilustrada por expertos pertenecientes a una amplia variedad de entornos creativos. Desmitifica los elementos cruciales del arte, al mismo tiempo que una selección especialmente elegida de obras artísticas detalla la forma en que artistas increíblemente profesionales han aplicado estos fundamentos sobre el lienzo con ingenio. Mantén cerca este recurso de alta calidad, tanto si eres un principiante que busca un libro que tenga de todo como si eres un artista experimentado que quiere repasar la teoría y las técnicas. Aprende de algunos de los artistas profesionales de mayor talento pertenecientes a las industrias del arte y el entretenimiento, que ofrecerán consejos, conocimientos y métodos de sus áreas de trabajo. Observa cómo se ponen en práctica los principios, con obras en proceso de elaboración, diagramas encargados especialmente y casos prácticos muy esclarecedores en «Fundamentos aplicados...».
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Al llarg de la seva prolífica trajectòria, Vicenç Altaió ha impulsat el reconeixement als nostres poetes avantguardistes mitjançant exposicions, publicacions i homenatges, com un deure generacional amb els pares de la modernitat artística catalana: J.V. Foix, Josep Palau i Fabre, Joan Perucho, Cirlot, Joan Brossa, Salvat-Papasseit... Ara correspon als seus contemporanis reconèixer i celebrar la seva aportació a l'agermanament de la poesia i les arts visuals, tot seguint la tradició que ens han llegat aquests poetes, o artistes com Joan Miró, Salvador Dalí i Antoni Tàpies. Tot i haver dedicat una bona part de la seva obra a prologar, escriure o promoure artistes, ha estat en la bibliofília on ha desenvolupat un projecte que aquesta exposició certifica. Du per títol Ulls Fèrtils com un homenatge a Paul Éluard, figura que va jugar un paper similar al seu molts anys abans, i en un altre context. Ell va ser al dadaisme i al surrealisme allò que Vicenç Altaió ha significat i significa pels artistes catalans del canvi de segle. El poeta, a la fi, és un mitjancer que incita amb les paraules i les idees.
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* Cincuenta movimientos pioneros del arte moderno y contemporáneo nacidos del compromiso político, la descolonización, la marginación o el conflicto. * Una obra que da vida a materiales inusuales a través de la exploración de las peculiaridades del contexto histórico de cada movimiento artístico, de los eventos culturales y las interconexiones clave y de los principales protagonistas en la evolución de dichos movimientos. * Presenta el trabajo de artistas de movimientos que han tenido como objetivo la revitalización de la sociedad mediante el desafío al statu quo. Aunque no son tan conocidas como el pop art, el dadaísmo o el futurismo, las asociaciones de arte global, como la escuela Saqqa-kana, de Irán, el Estridentismo, de México, el Jikken K?b?, de Japón, o el AfriCOBRA, de Estados Unidos, han dado fuerza y voz a sus miembros. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensablede términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los quedisfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con unmarcado componente visual y redactados y concebidospor expertos.
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Lilith, la que según los textos hebreos fuera la primera esposa de Adán, no fue “concebida” por él como encierto modo lo fue Eva al ser extraída de una de suscostillas. Lilith, como Adán, fue creada del polvo de la tierra, por eso ella siempre se consideró su igual y no quiso someterse a su dominio. En consecuencia, se rebeló, lo abandonó y, libre, gozó de las relaciones en el mundo de Lucifer, muchas veces transmutadoen serpiente y otros malignos seres de la nocturnidad. Fue la primera mujer que se emancipó. La primera 'femme fatale'.
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El miedo al futuro, la angustia ante el presente, lacultura de la culpa, la textura ilusoria de la realidad, los laberintos de la identidad, son algunos síntomas atrabiliosos que observamos en el mundo actual. Este ensayo los deshila, a la par que ausculta el latido social a través de un pensamiento crítico salpicado de metáforas artísticas y paseos literarios.La metadel arte, escribía Michel Leiris, es explorar los demonios interiores. ¿Y que hay de los demonios exteriores? Lo cierto es que se engendran unos a otros, lossíntomas individuales y los signos culturales de malestar se entrelazan como una doble hélice en el ADN dela humanidad.
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En una acepción un tanto indeterminada, casi siemprecoincide con lo angustiante en general. Sin embargo,podemos suponer que el uso del término específico –losiniestro– sirve para denotar un núcleo particular de lo angustiante: un sentido esencial y propio que permite discernir, en lo angustioso, algo que además essiniestro. E. T. A. Hoffmann es, en la literatura, el maestro sin par de lo siniestro, cuyas características nos ayudará a identificar gracias a su cuento delarenero: ''Ese hombre malo que viene a ver a los niños cuando no quieren dormir, les arroja puñados de arena a los ojos, haciéndolos saltar ensangrentados desus órbitas
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'En Ruskin, la paradoja, el capricho, el gusto personal y exclusivo se hace convincente, se eleva y se hace hasta inspiración celeste a fuerza de dominar el procedimiento demostrativo, con sedicencias y seducciones.''''Ruskin no es nunca un teórico, cuenta con pisar el paisaje que alaba, con entrar en él, lo ve todovivo, asequible, tibio, móvil y por eso en las cosasmás petrificadas encuentra la brisa que fuera con ellas, la luz que las anima y las adentra.ö
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Per mitjà de breus anotacions -sovint tan sols per mitjà d'enginyosos aforismes-, Valéry ens convida en aquest llibre a una festa per a l'intel·lecte, un lluminós estat de la qüestió sobre la nostra civilització,sobre l'evolució o el retrocés intel·lectual de la humanitat i, principalment, sobre el paper de la literatura en la formació de l'esperit de les persones.
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La crisis provocada por el coronavirus amenaza con desestabilizar nuestros hábitos a nivel global y estructural, pero desde el arte y la educación siempre vamos a disponer de mecanismos críticos con los que transformar e intentar mejorar la sociedad. Huerta incorpora el neologismo tecnoinmersión para definirlo, ya que alumnado y profesorado somos carne de cañón de la deriva digital. Apasionado por las artes desde lo educativo, incorpora originales modelos de lucha, defendiendo la tecnología, el diseño y la cultura popular como esencia de nuevas reivindicaciones sociales y culturales. La educación digital es una realidad que habita en cualquier modelo educativo, por lo que las cuestiones de género y diversidad deben abordarse abiertamente, sin tapujos ni hipocresías. Las ideas que aquí se exponen pueden resultar muy atractivas para docentes, artistas y profesionales de las humanidades, para todas las personas que estén interesadas por las tecnologías digitales, incidiendo en la mirada crítica, la seducción comunicativa, la educación online, y la ironía, elementos sugerentes que caracterizan los textos del autor.
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''La urgencia de escribir MDA [Método Diana Aisenberg] es la misma que me impulsa a pintar, dar una clase, producir eventos colectivos o poner en marcha cualquier otra faceta de mi obra. Hace más de tres décadasque me dedico a la formación de artistas, acompañándolos en elproceso de aprender a mirar la producción propia y ajena. Mi saber está ligado a la experimentación, a la tarea docente, al trabajo juntoa otros artistas y al oficio de pintar. Creo que ser artista y ser maestra son dos actividades inseparables que se alimentan mutuamente. De esa combinatoria nace este método de enseñanza.ö
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Assegurava Richard Hamilton que no s'entén res en un quadre aïllat. ?Només quan les coses s'ajunten i es relacionen com a seqüències d'idees, comencen a adquirir sentit.?La llarga quimera de pensar que l'art ens pot ajudar a entendre el món. Andy Warhol i aquelles llaunes de la sopa Campbell. L'esmentat Hamilton i la seua torradora de pa amb disseny alemany. L'obstinada quimera de pensar que l'art pot transformar el món. L'antimilitarisme de l'Equip Crònica. La reivindicació feminista d'Isabel Oliver i d'Eulàlia Grau. Les vidrieres virolades de Chus García-Fraile. El Banksy més subversiu i el més integrat. Les interactives ampolles de detergent que col·lecciona l'altra Eulàlia, Valldosera. Les vanitas de la societat de consum en les miniatures de Gurt Swanenberg. La vigilància activa dels estereotips i dels tòpics publicitaris de Yolanda Domínguez. Mirar l'art i voler entendre el món. Mirar l'art i desitjar que puga transformar la vida. Les nostres vides.
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El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión ''bellas artes'', pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.
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¿Qué convierte a algo en una obra de arte? ¿Cómo dieron forma los antiguos griegos a la belleza ideal? ¿Ejerce el color una influencia directa en el alma? Este libro analiza estas y otras muchas cuestiones revisando los movimientos, estilos y temas artísticos clave a través de más de 200 obras de muy diversos géneros. Con un lenguaje claro, El libro del arte descifra la terminología de la historia y la teoría del arte y ofrece imágenes de las grandes obras del mundo e ingeniosos diagramas que explican las ideas subyacentes. Desde las figurillas de fertilidad prehistóricas a las videoinstalaciones, este es el manual perfecto para iniciarse en el conocimiento del arte. Tanto el estudiante de arte como el ávido visitante de museos y galerías hallarán en este libro sugerentes ideas sobre joyas artísticas de todas las épocas y procedencias.
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Moriremos mirando recoge todos los textos del fotógrafo Alberto García-Alix, escritos entre 1987 y 2020, que abarcan diferentes géneros e intenciones: guiones, ensayos, cuentos, reflexiones y artículos sobre las grandes pasiones que le han acompañado la fotografía, los amigos, las motos, los tatuajes, la música, que conforman una obra marcada por un sangrante carácter autobiográfico. Más de 50 textos que van desde su primera colaboración en la revista Sur Exprés hasta el guion del vídeo De donde no se vuelve, pasando por los ensayos escritos para sus libros o sus textos para la revista El canto de la Tripulación. Un volumen imprescindible para conocer esta faceta del artista, un pacto con la palabra que corre paralelo a su evolución como fotógrafo.
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