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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Desde 1989, el año en que nació la World Wide Web, el mundo del arte ha lidiado con el auge de la cultura en red. Esta encuesta sin precedentes de los artistas e innovadores en esta área desde 1989 hasta la actualidad se entrelaza con la narrativa personal de una de las principales voces del mundo digital. En este libro, Omar Kholeif, cuya prolífica carrera es paralela al crecimiento de Internet, cuenta la historia de este medio masivo y cómo ha fomentado nuevas posibilidades para los artistas, tanto analógicos como digitales. El libro muestra el trabajo que abarca una variedad de medios de artistas legendarios como Lawrence Abu Hamdan, Lynn Hershman Leeson, Nam June Paik, Heather Phillipson y Wu Tsang. Esta es una historia para el presente y el futuro, que rastrea a los artistas e innovadores clave desde el surgimiento del arte basado en navegador hasta los albores de las NFT.n Sudjic es Director Emérito del Museo del Diseño de Londres y Profesor Distinguido de Estudios de Arquitectura y Diseño en la Universidad de Lancaster. Cofundador de la revista Blueprint, Sudjic también editó la revista Domus y ha sido cr¡tico de arquitectura para The Sunday Times, The Guardian y The Observer. Fue director de la Bienal de Arquitectura de Venecia y ha comisariado exposiciones en Copenhague, Estambul y Seúl.han, Tom Colicchio, Nina Compton, Wylie Dufresne, Suzanne Goin, Enrique Olvera, Eric Ripert, Clare Smyth, Jean-Georges Vongerichten y Alice Waters, entre otros.
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Este libro se adentra en los entresijos del cuento de tradición oral La Barbe Bleue, fijado por Charles Perrault en 1697. La intención que rige la interpretación del profesor Puelles ha sido la de tomarlo como umbral de un modo del horror moderno irreductible al género «goticista» que a partir del siglo XVIII ostentará la hegemonía del miedo literario. Publicado en el gozne entre el clasicismo y el rococó, y llevándonos al paroxismo del terror visual, Barbazul abre el camino a una narrativa traumática, testimonial, de pura supervivencia, cuyos extremos alcanzan a Primo Levi, entre otros muchos. El macabro cuento que nos ocupa es también la ocasión para situarnos en un enclave en el que la experiencia del lector u oyente transita -quizá por primera vez- hacia territorios como lo sublime y lo siniestro en la ambivalencia entre el placer estético de la representación del horror y el conocimiento -más «antropológico» que estético- de la pura crueldad humana. Barbazul es, además, un espléndido contrapunto a la doctrina del cogito cartesiano, dándosele prevalencia al terror propio (y no lo hay más atroz que el de «verse morir») sobre aquellas otras condiciones en las que sí será posible ganar la distancia reflexiva. «Tengo miedo, luego existo», escribió Roland Barthes.
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En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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¿Sabías que el diseño gráfico es hijo de un poeta que fracasó como pintor pero se casó con su modelo?, ¿y que la mítica Bauhaus lo instituyó como disciplina artística? ¿Cuándo la música se vistió de color para venderse? ¿Cómo llegó a parar un pingüino a la biblioteca de tu casa?, ¿te han contado que la tipografía de esos libros, que es la del logo del Gobierno de España, es obra de un pederasta zoofílico? ¿Por qué las cajetillas de Lucky Strike en «Mad Men» era blancas y no verdes? ¿Cuánto tardó en diseñarse el «Iy#9829,NY»? ¡Bienvenido a la más desconocida y apasionante historia del diseño gráfico! Entrar en ella es sumergirse en un universo infinito de luces y sombras, de colores, contornos, ideas y emociones que a lo largo de los años han moldeado el arte de la comunicación visual y, con él, nuestra forma más poderosa de pensar y transmitir. Fascinantes peripecias, asombrosas genialidades, estrepitosos fracasos y alucinantes azares se han traducido en los símbolos más icónicos del mundo del cine, la literatura, la publicidad y la empresa: ¿cómo surgieron?, ¿de dónde vienen? El diseñador Carlos Cubeiro ha investigado a fondo el trabajo de los mejores y más heterodoxos e ignorados artistas gráficos del mundo, y ha conocido a un buen número de ellos a lo largo de su trayectoria. Tras su «Manual de fundamentos del diseño gráfico», ahora nos embarca en una fantástica aventura narrativa para acercarnos la revolución de la monja Corita Kent, la de Grapus o la de Carles Fontserè, para presentarnos los carteles de Saul Bass o Mac y Jano, los discos de Jim Flora y Reid Miles, para hablarnos de la primera identidad corporativa y de la que dibujó un simple tenedor, para hacernos partícipes de una historia extraordinaria del diseño gráfico, forjada a través de muchas que nadie nos ha contado y merece la pena descubrir y disfrutar.
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Puede que conozca la cita de 1889 de Oscar Wilde, ''La vida imita al arte mucho más de lo que el arte imita a la vida.'' Puede ser así, pero cuando el arte imita a la vida, se llama mímesis. Mímesis -derivado del verbo griego mimeisthai- es un término que conlleva una amplia gama de significa dos, que incluyen representación, mimetismo, el acto de expresión, el acto de semejarse, y la presentación del yo. En la antigua Grecia, la mimesis era una idea que regía la creación de obras de arte, especialmente en lo que respecta al mundo físico que se identificaba como el paradigma de la verdad y la belleza. Hoy en día este término se utiliza principalmente en la crítica literaria y la filosofía, pero a propósito de esta exposición reconoceremos el significado original de mimesis, el acto de representar la realidad en el arte.
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Una recopilación de pensamientos e investigaciones sobre las prácticas perfomativas y el mundo de la cultura contemporánea. Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas.Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias incluso antes, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades.No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural.¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma.¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable? Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.
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La innovación es un proceso. También es una actitud. Es igualmente un desafío. Y se ha ido consolidando, década a década, como una de las asignaturas pendientes de nuestras sociedades. La universidad se sumergió hace tiempo en el desafío de ser permanentemente innovadora. El ''I Congreso Innovacom: Nuevos y viejos desafíos del periodismo'', iniciativa del Departamento de Periodismo y Ciencias de la Comunicación de la Universidad Autónoma de Barcelona, inaugura un espacio para la reflexión que busca renovar procesos, temáticas y enfoques. Este libro recoge una selección de las contribuciones de diferentes profesores, investigadores y profesionales iberoamericanos que compartieron ideas y propuestas alrededor de cuatro grandes bloques temáticos: docencia, investigación, profesión e innovación. Los trabajos ofrecen ideas y caminos para los que buscan aprender, investigar o crear en el terreno de la comunicación y el periodismo. Sus aportes son muy valiosos. Desde diferentes enfoques y perspectivas, suman miradas y voces a la acción de innovar.En un contexto impactado por la pandemia planetaria del coronavirus, el congreso ha tratado de generar espacios de intercambio de ideas ante los grandes desafíos informativos y formativos que introduce la nueva coyuntura marcada por el rol protagónico de las plataformas, los medios y los contenidos. Así, en una sociedad que ha pasado de ser ''informativa'' a ''infoxicada'', la universidad ha de ser capaz de erigirse como un punto de encuentro y debate multidisciplinar que aborde ?desde la criticidad y la ética? los desafíos que emergen, cada vez, de forma más acelerada en nuestras sociedades. En este entorno, la conexión entre la academia, la industria y la sociedad se torna insoslayable y, a la vez, urgente. Es necesario que la institución educativa responda a los problemas que existen en el mercado y en el conjunto de escenarios que edifica la cotidianeidad. Pero es igualmente provechoso e importante que se anticipe a ellos. Esto es: la universidad ha de asumir el reto de buscar, describir, explicar, comparar, analizar, identificar?, pero también el estimulante desafío de predecir, anticipar y proponer. Este libro reúne una colección de textos que reflexionan sobre la importancia de la innovación y algunos posibles caminos para alcanzarla.
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Como podrá comprobarse con echar un rápido vistazo al índice, el lazo que anuda la diversidad de artículos recogidos en el presente libro no se limita a su temática. Lo que, y, sobre todo, anuda, son ciertos motivos y motivaciones. Y es que el empeño que destilan las páginas que el lector tiene frente a sí no es otro que el de seguir pensando nuestras instituciones, esforzándose por proponer formas de institucionalidad que respondan a las transformaciones de la época en que vivimos y a los retos que ella conlleva. En este sentido, el objetivo que el libro se impone es el de profundizar en el conocimiento de las transformaciones y alteraciones que sufren las instituciones contemporáneas, las profesiones (tan ligadas a formas de institucionalidad), el estado de derecho y de bienestar o las políticas públicas, sociales y educativas. Profundizar en el conocimiento de lo que (nos) acontece, como no puede ser de otro modo, para extraer todas sus consecuencias y, en última instancia, orientar otras concepciones y otros modos de acción.Desde distintas disciplinas científicas, las y los autores de cada uno de los textos aquí recogidos apuestan por una investigación de las prácticas sociales en y desde las mismas prácticas, articulando el trabajo de problematización teórica y la orientación de la intervención en instituciones y organizaciones sociales y educativas.
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Memento mori. En los momentos victoriosos, años se recordaba al militar romano su finitud. Sentimos a diario los avisos de la muerte y del (paso del) tiempo sobre ellos se edifica buena parte de la actividad artística, filosófica y narrativa del ser humano a la largo de la Historia. El propio transcurso del tiempo es capaz de provocar tristeza, pero la memoria es el proceso mental que activa el dolor, ese sufrimiento provoncado por la dificultad para olvidar y borrar, y que convierte a muchos personajes cinematográficos en seres anclados en el pasado, con el que se torturan morbosamente, incapaces de vivir en el presente o entrever un futuro esperanzador.
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La evidencia científica de fenómenos como el cambio climático, el agotamiento de recursos (comenzando por los combustibles fósiles) y la acelerada pérdida de biodiversidad revela que estamos chocando con la realidad impuesta por los límites biofísicos del crecimiento. Pero, a pesar de ello, continuamos sin emprender el camino de la transformación social necesaria para evitar un cada vez más probable colapso civilizatorio a escala planetaria. Lo que de aquí se desprende es que esta crisis no es un problema meramente ''técnico'': en su origen encontramos factores sociales, culturales y políticos que la convierten en una crisis que más bien deberíamos denominar ''sociecológica'' o ''ecosocial''. En este sentido, las Humanidades ecológicas aportan visiones transdisciplinares que, en el marco de un diálogo constante con las ciencias naturales y sociales, permitan pensar las diferentes dimensiones de la crisis -filosóficas, éticas, estéticas, económicas, sociales y culturales- con el fin de abordar los difíciles pero necesarios procesos de transición hacia formas de organización social de verdad sustentables: una humanidad justa integrada en una biosfera próspera.
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Representar el ropaje para perfeccionar la técnica del dibujo. Este libro, estudio del dibujo del ropaje, potencia su aprendizaje técnico y manual, y sobre todo mejora las capacidades de observación y de síntesis que se derivan de tal estudio. Guía para el aprendizaje de la técnica del dibujo del ropaje: • Anatomía de los pliegues • Iluminación • Perspectiva • Formas fundamentales de los pliegues • Desnudo y vestido
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Lo que percibimos no es algo dado. Máquinas fotográficas, cinematográficas, ordenadores, no son solo modos técnicos para distribuir lo sensible a domicilio, sino también objetos rituales que prescriben el límite de la experiencia en el mundo contemporáneo.El autor analiza así los modos en que se organiza el común estético occidental, y la dimensión política de este fenómeno, a través de lo que llama rituales de la percepción. Con una perspectiva latinoamericana como alternativa, traza un recorrido por el trabajo de varios artistas para mostrar los mecanismos con los cuales las artes desarticulan ese patrón estético develando formas de existir que no se dejan programar y que los devenires técnicos no pueden imaginar.
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El revolucionario de la escultura, el precursor de Rodin.La emoción es un instante, se vislumbra y enseguida huye, y el artista la persigue y la llama para que no se vaya, como hace el niño que va tras su madre.Mi obra es una concepción de luz, de emoción, de una perspectiva móvil, ilimitada, no es algo estatuario, muerto, sino que está marcada por la vibración del estado de ánimo y por las diferentes coloraciones de la naturaleza.
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Este libro es relato y ensayo a la vez. O colección de relatos que no sólo «refieren lo sucedido», sino que también «desarrollan ideas». Y lo hacen a partir de cientos de personajes: para algunos lectores éstos sólo serán nombres y más nombres, pero otros reconocerán enseguida a los protagonistas de esta época de estupor, donde (casi) todo el mundo quiere ser otro o, como mínimo, ser distinto. Y es confesión al mismo tiempo que reflexión, pues su preguntar es un preguntarse a la vez, y su discurrir (en esas seis partes dobles en que simétricamente se articula y concatena) no es tanto el de la averiguación (alcanzar una respuesta) como el de la deambulación (ver dónde están las preguntas que importan, aquí y allá, dentro y fuera).
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Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final.
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Este libro analiza las implicaciones estético-políticas de la presencia del cuerpo en las prácticas performáticas de los últimos años de la dictadura franquista. La performance, como estrategia estética, puede convertirse en un espacio de resistencia desde el que torcer la lengua para interrumpir la literalidad del discurso e imaginar visualidades periféricas. El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que lo circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les «da cuerpo». Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unos actos y el relato de quienes los cometieron. Citar implica recuperarlos y repensarlos desde posicionamientos feministas que contribuyan a cuestionar la historiografía del arte contemporáneo en el Estado español.
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Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente, lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización -por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales-. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.
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'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Mientras tenía lugar la producción y estreno de ''Bienvenido Mr. Marshall'' (Luis García Berlanga, 1953), otros insignes representantes norteamericanos visitaban la pequeña localidad segoviana de Fuentidueña con un objetivo: adquirir su iglesia románica de San Martín. El ábside del templo era una excelente construcción idónea para completar una de las salas del museo The Cloisters (la sección de arte medieval del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, erigida gracias a John D. Rockefeller Jr.). El director del citado museo, James J. Rorimer (integrante durante la II Guerra Mundial del conocido grupo Monuments Men del ejército estadounidense), retomó en 1952 una idea de 1935: adquirir y trasladar a Manhattan aquel ábside románico español. Halló entonces condiciones óptimas para llevar a cabo una iniciativa que en los años treinta resultó inviable. El nuevo horizonte venía dado por la dictadura franquista, en un momento en el cual esta trataba de salir del aislamiento internacional, contando para ello con el apoyo de Estados Unidos. ¿Cómo fue posible la exportación de un monumento nacional? Esa es la pregunta a la que tratan de dar respuesta las páginas de este libro. El acceso a documentación inédita, tanto en España como en Estados Unidos, ha permitido reconstruir los episodios que se sucedieron hasta la firma del acuerdo en 1957 y la final presentación del monumento en Nueva York en 1961, como una cesión absolutamente excepcional en el ámbito internacional. Los agentes que promovieron y facilitaron la operación, los pagos de diversa naturaleza que mediaron en el acuerdo, las fórmulas para sortear la legislación, los hilos movidos por representantes públicos y por respetados miembros de la élite cultural, así como las voces críticas, constituyen piezas clave de una historia que hasta ahora desconocíamos y era preciso desvelar.
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Se denominaba Caja de Reparaciones al conjunto de bienes requisados a los golpistas con el objetivo de poder afrontar con ellos los quebrantos que la guerra había provocado al país. La mayoría eran de carácter económico, pero la cuestión es si también podían encontrarse piezas de valor patrimonial, como ha podido comprobarse. De hecho, habían sido entregadas en 1938 a la Junta del Tesoro Artístico, encargada de la labor de salvamento patrimonial-artístico. Las más importantes serán evacuadas al final de la guerra a Ginebra, a la sede de la Sociedad de Naciones. Llegados a principios de 1939 Juan Negrín, previendo lo peor, había dado orden de comenzar a embalar y enviar los bienes procedentes de la Caja de Reparaciones con destino a México para sufragar los gastos del exilio. Esta es la primera parte de este libro. La segunda está centrada en el viaje del yate ''Vita'' a México con bienes fundamentalmente de la Caja de Reparaciones. Sobre este yate se ha escrito mucho, pero son también numerosas las incógnitas, especialmente en lo concerniente a su carga y si en la misma había bienes de carácter patrimonial. El hecho de que fuera Indalecio Prieto, en abierta beligerancia con Negrín, el que tomara posesión del yate, ahonda más el problema por la falta evidente de inventario del cargamento. La clave de esta investigación radica en no aislar el estudio del ''Vita'', sino relacionarlo y cotejarlo con la evacuación de las obras de arte a Ginebra. La tercera parte se centra en la gestión franquista en la inmediata posguerra de los bienes de la Caja de Reparaciones. Se trata de analizar el destino de estas piezas, con pinturas de primera importancia, sus devoluciones, entregas en depósito y desvíos. A partir de una estancia de investigación en México, el autor ha podido acceder a numerosa documentación de archivo, en gran parte inédita, con lo que el objetivo de este libro es aportar nueva información con el ánimo de poder esclarecer este enigma histórico.
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Un joven que atraviesa una profunda crisis de salud mental escribe un poderoso libro iniciático desde la lucidez de cabalgar la ola que separa los mundos visible e invisible. Su nombre es Elías, y como el profeta del mismo nombre, tiene la capacidad de erigirse en la voz de la conciencia de aquello que, de tan obvio, ya hemos olvidado: la aspiración a la unidad como fin último del viaje de la vida. Por tanto, la vibración del amor, la felicidad del espíritu, la revolución de la conciencia o la epojé son raíces de este libro que convergen en el recuerdo no-dual de que la unión de lo dividido provoca la sonrisa de Dios.El misterio de existir, la locura, la muerte, la búsqueda de sabiduría o las leyes del karma son aspectos recurrentes en la escritura de Elías, cuya prosa transita de la poesía a la cultura pop y del budismo a la contracultura en un todo integrado. Su sencillez, pureza y espontaneidad recordarán al escéptico que tal vez sea hora de regresar al corazón, mientras que podremos ver cada una de nuestras certezas puesta en duda en honor a una dimensión más grande: la verdad desnuda del corazón.
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La pregunta: ¿Existen nuevas formas de abrir la caricatura a cualquier persona a la que le guste dibujar? La respuesta: ¡Por supuesto! En este libro encontrarás métodos testados y demostrados capaces de simplificar los procesos y enseñar a cualquiera, con independencia de su edad, el arte de la caricatura. ¡Incluye sencillas instrucciones paso a paso y más de 3.000 ilustraciones! Un estudio exhaustivo de emociones y expresiones · Cómo dibujar la caricatura de deportes Caricaturas para publicidad · La caricatura explicada · Desglose completo de personajes caricaturizados Animación para TV · Técnicas de dibujo para caricatura política y de prensa Cientos de estilos nuevos y variados de caricatura · Más de 500 manos caricaturizadas Bocetado de caricaturas · Dibujar multitudes con facilidad · Cómo caricaturizar chicas Montones de preciosas cabezas caricaturizadas · Caricaturas libres e informales · Cientos de rasgos faciales que, combinados, dan lugar a más rostros divertidos que personas hay en el mundo · Cómo crear personajes para chistes y tiras cómicas · Disfraces e indumentaria para caricaturas · Cientos de problemas de cabezas y figuras resueltos
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Cuatro grandes pintoras.Ramón Gómez de la Serna glosa aquí las figuras de cuatro destacadas pintoras del siglo XX.La santanderina María Blanchard (1881-1932) y su arte magnífico, hecho a la misteriosa luz de sus tiernos sentimientos.La parisina Marie Laurencin (1883-1956), aristocrática en el plasmar la femineidad.La porteña Norah Borges (1901-1998), con la simbólica profundidad de sus obras.La gallega Maruja Mallo (1902-1995), que supo dar con su pintura el mordisco al mundo.
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Una guía de referencia sobre elegancia masculina ¿Qué diferencia hay entre un frac y un chaqué?¿Cuándo y dónde se perdió el hábito de llevar sombrero a diario?¿Cómo consiguieron las zapatillas saltar de las canchas deportivas a los despachos? Para responder a estas y otras muchas preguntas, una guía definitiva de la elegancia masculina que combina el análisis de la evolución histórica del vestir, las anécdotas y la información práctica. La estructura parte de cuatro grandes bloques (sastrería, deportivo, complementos y zapatos) que son presentados con una introducción y una imagen histórica para después desglosarse en apartados específicos, solo aparentemente enciclopédicos, para cada una de las prendas más significativas.La guía, elegantemente ilustrada, tiene una voluntad atemporal y trasciende de las tendencias del momento para convertirse en una referencia clásica a la vez que amena. «Sea tu vestido tan costoso cuanto tus facultades lo permitan, pero no afectado en su hechura, rico, no extravagante, porque el traje dice por lo común quién es el sujeto,y los caballeros y principales señores franceses tienen el gusto muy delicado en esta materia.»Shakespeare, Hamlet
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