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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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Mirar a la cartografía desde las disidencias sexuales posibilita un proceso de resignificación que habla en otros términos, trata otros territorios y rompe con los ideales hegemónicos de lo cartográfico. Busca encontrar un potencial que permita cuestionar, remover e imaginar otras vivencias posibles, dar cuenta de lo subjetivo y activar herramientas que denotan una voluntad política. El trabajo de Kyle Lasky, nucbeade y Lucas Larochelle forman esta primera aproximación cartográfica acompañados de un texto de Yera Moreno. Son mapas que están construidos con argamasa de memoria colectiva, experiencias personales, deseos entrelazados y relatos ficcionados. Hacen referencia a las diferentes formas de vivir y habitar el espacio a través de testimonios, fotografías u otros registros que cuentan historias, historias que hablan desde la memoria, la intimidad y la ficción, desde lugares de resistencia y de vulnerabilidad.
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Articulado sobre cinco conversaciones entre David Bestué y personas vinculadas a Madrid desde muy diversos ámbitos —los arquitectos María Langarita y Víctor Navarro, el arqueólogo Alfredo González-Ruibal, el periodista Borja Casani, el cineasta y escritor Luis López Carrasco y la poeta Olvido García Valdés—, este trabajo complementa la exposición FLOR HISPANIA, comisariada por Bestué y enmarcada dentro del programa del Museo Centro de Arte Dos de Mayo que invita a artistas a realizar lecturas personales en torno a la colección del museo.Tanto en el planteamiento curatorial como en las piezas de su propia autoría, David Bestué descompone y reinterpreta símbolos, iconos y elementos históricos de Madrid, buscando nuevas formas de reflexión y diálogo con la tradición y las narrativas visuales. El conjunto convierte FLOR HISPANIA en un espacio de interrelación que revela las múltiples facetas, tensiones y riquezas del contexto urbano y cultural madrileño, y sus constantes contradicciones y transformaciones. El catálogo incluye, además de una selección de obras, objetos e imágenes, una entrevista de los editores a Bestué.Madrid es centro geográfico, político, económico y simbólico de España. Hay quien piensa que esa cualidad vincula la ciudad a la pureza de unos valores, de una tradición, y hay quien, sin embargo, cree que su posición la obliga a ejercer de motor de cambio del país. Estas visiones contrapuestas tienen un correlato físico entre los que entienden Madrid como algo estable, invariable, y los que, por el contrario, la conciben como una trama de fuerzas en conflicto.David Bestué
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Pintora francesa muy celebrada en su época, especializada en pintura de animalesNacida en Burdeos pero crecida en París, Rosa Bonheur tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente, pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales.Rosa Bonheur acabará convirtiéndose en la más destacada pintora de animales de la pintura francesa de todos los tiempos, y su éxito será tal que cuanto cuadro completaba era de inmediato adquirido por coleccionistas, sobre todo, de Inglaterra y de los Estados Unidos.Pintora pionera, Rosa Bonheur fue también mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera.
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“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant...“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant, Modigliani fut élève à Livourne de Guglielmo Micheli, peintre de paysage dans la tradition des Macchiaoli italiens. Et pourtant avec Modigliani, de par ses nombreux portraits, c’est aussi l’Italie, le Midi et surtout Paris qui parlent.
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Un texto para reivindicar una literatura que levante las banderas de las viejas vanguardias y una crítica sagaz a la industria editorial. Un ensayo donde nada sobra.Durante el siglo XX las vanguardias estéticas y políticas soñaron con traer al centro a lo que sobra: restos, desechos, mingitorios, pero también el proletariado, los marginados. En la actualidad, bajo el régimen de acumulación neoliberal, ya nada de eso ocurre: lo que sobra está librado a su suerte. Solo. No tiene ni siquiera nombre. En la estela de Literatura de izquierda y Fantasma de la vanguardia, Damián Tabarovsky, transita en Lo que sobra de la literatura a la filosofía contemporánea, de la teoría estética al ensayo de crítica cultural, para pensar los riesgos del vanguardismo académico, la posibilidad de estar viviendo una guerra civil solapada, la necesidad de una justicia radical y las posibilidades de la literatura y el arte en este escenario.
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¿Qué tienen en común estas seis mujeres, aparte de haber vivido en un mundo y una época extraordinarios? Todas ellas fueron musas ala manera clásica, inspiradoras de artistas y escritores, pero fueron también las primeras musas de la modernidad debido a
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Está claro, con un lápiz, David Hockney hace lo que quiere. Pero no hace aquello que no sabe desear. Cualquier conocimiento, cualquier técnica, le descubre un nuevo método, se lanza a él ávidamente y lo hace suyo. El resultado es siempre Hockney, rec
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Durante la Guerra de Sucesión española, el humanista,empresario y tesorero real Juan de Goyeneche (1656-1735) y el arquitecto José Benito de Churriguera (1665-1725) levantaron la ciudad industrial de Nuevo Baztán, cerca de Madrid. Impulsada por el espíritu reformista de los novatores , como el propio Goyeneche, einspirada en el modelo económico que desarrolló en Francia Jean Baptiste Colbert, ministro de finanzas deLuis XIV, la Grande Fabrique de Nuevo Baztán supusola introducción en España de un moderno sistema de producción de objetos suntuarios (textiles, vidrios, licores, papel, etc.) destinados no sólo a satisfacerla demanda de la corte sino también a la exportacióny comercio internacional, anticipándose a las RealesFábricas españolas y constituyendo una experiencia pionera en Europa por su dimensión territorial y su impacto demográfico y económico en la comarca, al tiempoque añadía una nueva ciudad al mapa de España. El triunfo de la Ilustración marcó el fin de esta utopía yel cese de toda actividad industrial, convirtiéndoseNuevo Baztán en un pueblo agrícola y residencial, que todavía sorprende por el rigor de su trazado y la belleza y monumentalidad de sus edificios principales,testigos elocuentes de esta portentosa iniciativa, cuyo alcance sólo podemos entender conociendo a sus artífices, Goyeneche y Churriguera, las distintas fábricas y sus productos, la vida cotidiana del Lugar, sucuidada arquitectura y su impecable forma urbana.
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Las plantas han estado presentes a lo largo de los siglos en el arte. El Museo del Prado aloja obras con algunas de las representaciones botánicas más bellas de grandes maestros. El Bosco, Tiziano, Botticelli, Velázquez o Goya nos deleitan con claveles, caléndulas y milenramas.Eduardo Barba nos las muestra en un relato de identidad, de memoria y de tiempo, aspectos enraizados en la historia del arte. Pero en estas páginas también encontraremos viajes, museos y jardines de otros países y experiencias vitales, seducidos por el atractivo de una mirada atenta.
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'En Ruskin, la paradoja, el capricho, el gusto personal y exclusivo se hace convincente, se eleva y se hace hasta inspiración celeste a fuerza de dominar el procedimiento demostrativo, con sedicencias y seducciones.''''Ruskin no es nunca un teórico, cuenta con pisar el paisaje que alaba, con entrar en él, lo ve todovivo, asequible, tibio, móvil y por eso en las cosasmás petrificadas encuentra la brisa que fuera con ellas, la luz que las anima y las adentra.ö
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En colaboración con el Museo Nacional del Prado, estelibro estudia las obras de contenido mitológico másimportantes de nuestra universal pinacoteca. La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado. Las partes en las que se divide el libro (entre lasque sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas deVelázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores. Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realizaciónde estas obras.
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El viaje de Aby Warburg a Nuevo México es un hito enla biografía del historiador alemán siendo muchos losestudios que lo han analizado en relación a su pensamiento y a su legado intelectual. Sin embargo, son escasísimos los trabajos que han mostrado una actitud crítica hacia el mismo y el encuentro que Warburg tuvocon los indios pueblo. Los estudios de David Freedberg que aquí se presentan, inéditos en castellano, plantean el viaje de Warburg a Nuevo México como nunca antes se había hecho. Si la historiografía del arte había alabado el acercamiento de Warburg a la antropología, los textos de Freedberg, empleando una expresiónde Walter Benjamin, pasan la historia de este viajea contrapelo, para ver en ese movimiento lo que los relatos sobre el mismo han silenciado.
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En la televisión, en la cabina de los jets, en las salas de cine, en los quirófanos, los estudios de arquitectura y los laboratorios de física, las imágenes digitales son omnipresentes. Han revolucionado las formas de representación del mundo y la mirada que ponemos sobre las cosas y nuestro entorno. Transforman las artes plásticas, el cine... Este libro nos enfrenta a cuestiones sobre el modo de fabricación de las imágenes digitales y sus campos de aplicación. Su lectura no requiere de conocimientos en informática y su ambición es la de otorgar las claves necesarias para ayudar a comprender la nueva cultura visual, y permitir una reflexión estética y epistemológica.
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Publicar
Publicar inaugura una línia editorial del departament d’Educació del MACBA sorgida del dia a dia de les pràctiques educatives en relació amb l’art contemporani i els museus. Aquest primer número del Quadern d’educació obre un temps per pensar en el que s’ha viscut, distribuir els aprenentatges i interpretar l’edició com una pràctica artística i pedagògica. D’aquesta manera, fanzins, adhesius, mapes conceptuals, llibres-àlbum i etiquetes emergeixen en forma de gestos que ens fan reflexionar sobre com, per què i per a qui es fa pública la dimensió educativa. Per què cal publicar? Com ens podem fer públics? Què s’ha publicat fins ara? Un conjunt d’assajos proposa possibles respostes a aquestes preguntes. Aida Sánchez de Serdio Martín rastreja l’educació en museus mitjançant una genealogia de pensament i referències, Macarena García i Belén Soto exploren canals concrets per al «publicar». La primera, amb un text que indaga sobre un artefacte singular, el llibre-àlbum desafiador i, la segona, obre el significat del «publicar» en el context d’internet i les xarxes socials, Lluc Mayol i Alba Oller fan un recorregut per l’experiència de Massa Salvatge amb processos editorials entesos com a treballs educatius o a la inversa, processos educatius que també són editorials, i Camila González Simon centra la mirada sobre els fanzins com a mitjà que construeix comunitat a través de la creació i la pedagogia. Finalment, un conjunt d’imatges amb notes al peu, que utilitzen com a pretext diferents activitats del departament d’Educació del MACBA, s’intercalen en el quadern com una eina de treball per pensar aquestes mateixes preguntes.
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Obra maestra de Sandro Botticelli (Florencia, 1445-1510), el Nacimiento de Venus es uno de los iconos más importantes de la cultura occidental, recreado en tantas imágenes como expresión de la belleza femenina sublime. Pintado en 1485, el Nacimiento de Venus es también una síntesis de elementos muy diversos: visuales (retoma esquemas compositivos propios del Quattrocento), mitológicos (recrea fábulas de la Antigüedad sobre el origen del mundo) o filosóficos (se inspira directamente en conceptos platónicos).
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Un libro de geopolítica cultural y de historioterapia «Occidente ha olvidado el alma hispana que lo vio nacer. Ya es hora de que reencuentre sus raíces y con él todos aquellos que vivimos divididos y de espaldas a los demás y a la verdad. Este libro contribuye decididamente a esa tarea». Marcelo Gullo, profesor argentino. «El Sacro Imperio Romano Hispano, que describe con acierto Alberto G. Ibáñez, nos incluye a todos: indígenas del norte al sur, españoles, criollos, negros mestizos y mulatos. Es un homenaje merecido a la primera operación civilizatoria multicultural de la Historia». Alfonso Borrrego, biznieto del último caudillo apache Gerónimo. «Ibáñez es un intelectual de gran talla: su lectura es urgente e importante. En el Sacro Imperio Romano Hispánico (SIRH), nos hace palpar la grandeza de nuestro legado y abre vías hacia un futuro pleno». Carlos Leáñez, profesor venezolano. «El autor, tras sus exitosos ensayos anteriores, no defrauda con un nuevo estudio serio, innovador y, sobre todo, fascinante. Con este libro el modelo hispano recupera su trayectoria y avanza una vez más hacia el Plus Ultra»
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Recuperamos no de los libros más significativos del filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, una crítica radical de la naturaleza del arte de nuestro tiempo.Hace más de dos décadas, Arthur C. Danto anunció que la llegada del fin del arte se había dado en los años sesenta, y fue precisamente tras esa declaración cuando se situó a la vanguardia en la crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Esta obra presenta la primera reformulación a gran escala de esta original percepción y muestra cómo, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vasari definió para él en el Renacimiento.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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El director de cine, crí tico y escritor irlandé s Mark Cousins ha creado un libro magní fico y un artefacto de granvalor artí stico que repasa la historia de la mirada humana a lo largo de los siglos. Desde las civilizaciones antigua
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¿Por qué escriben novelas los artistas? ¿Qué efecto tiene la novela de artista en las artes visuales? ¿Cómo se debería experimentar una novela de este tipo? En la actualidad, existe una proliferación de artistas visuales que crean novelas como parte de proyectos artísticos más amplios, favoreciendo un tipo de arte basado en el proceso y la subjetividad, introduciendo nociones como la ficción, la narración y la imaginación. En este sentido, es posible hablar de un nuevo medio en las artes visuales. La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales es una obra en dos volúmenes: Un nuevo medio, ensayo de enfoque teórico, y La fantasía de la novela, proyecto de investigación en forma de novela. Un nuevo medio tiene como objetivo esclarecer las cuestiones planteadas por la aparición de un nuevo medio artístico, con un enfoque teórico a través de una serie de casos de estudio que examinan críticamente las diferentes formas en que los artistas contemporáneos han empleado la novela de artista. La intención no es establecer una definición categórica de la novela de artista, sino más bien situar este fenómeno dentro del campo de las artes visuales, con la esperanza de iniciar un muy necesario debate sobre una práctica que, durante mucho tiempo, ha sido ignorada por las principales corrientes críticas del discurso artístico. Un ensayo acompañado de entrevistas con Benjamin Seror, Cally Spooner, Mai-Thu Perret, Goldin+Senneby, Francis McKee, Vivian Ziherl, Natasha Soobramanien, Clive Phillpot, Alex Cecchetti, Lukasz Gorczyca y Jan Jasinski. La fantasía de la novela es un proyecto de investigación en forma de novela que examina el proceso de creación de una novela de artista, la cual se desarrolló a través de cinco performances episódicas y una exposición. El protagonista se encuentra en la posición de un detective que intenta comprender las condiciones bajo las cuales un artista decide escribir, y cómo eso es posible dentro de un entorno artístico. Sus descubrimientos aparecen en forma de pistas que conectan las diferentes capas de la investigación. La fantasía de la novela cuenta la historia de cada una de las seis entregas y cómo fueron producto de un esfuerzo colectivo. El proceso creativo de la novela de artista se vio afectado por las condiciones bajo las cuales fue producida, incluidas las relaciones intersubjetivas usualmente invisibles para el público. Este libro narra la trayectoria desde la fantasía del artista (cómo el artista imaginó inicialmente que su novela existiría en el mundo) hasta la realidad de la obra (cómo se lee y recibe realmente). La narrativa se vuelve cada vez más compleja capítulo tras capítulo, conectando imágenes, referencias e ideas recurrentes que reflejan la rica composición del proyecto general.
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El libro, en diálogo con Cassirer, se aproxima a los asuntos de lo bello y el arte en los diálogos de Platón y llega en un momento esencial para la construcción de los cimientos de la Historia del arte que empieza a consolidarse de la mano de Riegl, Wölfflin y Warburg (este último decisivo para Panofsky), quienesentre mediados de los 80 y finales de los 90 del 1800elaboran los principios fundacionales de la disciplina tal y como se la conoce.Aunque lo más interesante del autor, cuyo vastísimo conocimiento que despliega frente al apabullado lector contemporáneo queaspira a empaparse de la cultura prodigiosa de la cual hace gala, es una forma de trabajo desjerarquizadaque parece aplicarse de igual manera a todas las obras sin tener en cuenta la ''calidad'' de las mismas. Esa mirada desjerarquizada plantea una idea muy contemporánea, próxima a los ''estudios visuales'': a cadaépoca le corresponde un sistema de representación visual que facilita la lectura de cualquier imagen que surge dentro del mismo. Es esa particularidad de su pensamiento la que preludia una mirada actual que vuelve a situar a Panofsky en el centro de una indudable discusión moderna.
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Este estudio, completamente novedoso en el ámbito de la investigación, ahonda en la visión del arte ilustrado y en la necesidad de proporcionar al viajero y curioso un sinfín de datos y lugares que pudieran ser reconocidos por sus colecciones y bellezas a
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El arte es considerado habitualmente como una actividad solitaria. Pero los artistas visuales, escritores y músicos a menudo encuentran su energía a través de un entorno colectivo. Compartir ideas alrededor de una mesa siempre ha dado lugar a intercambios fructíferos entre artistas de todo tipo. En estélibro, Mary Ann Caws explora una rica variedad délugares de reunión, pasados y presentes, que han sido propicios para la liberación y el sustento necesario délas energías creativas. Encuentros creativos habla de estos lugares en Europa y Estados Unidos, desde paisajes urbanos hasta refugios en islas, desde casas privadas hasta cafés públicos y colonias de artistas. Los ejemplos incluyen la casa de Florence Griswold en Old Lyme, Connecticut, lugar de reunión déla antigua colonia de arte de Lyme, el Café Louvre de Praga, lugar de reunión de Kafka y Einstein, el café modernista de Picasso en Barcelona, Els Quatre Gats, Charleston Farmehouse, lugar de reunión de Virginia Woolf y Vanessa y Duncan Bél, y los cafés de Saint-Germain¡-des-Prés y Montparnasse: los lugares de reunión de Apollinaire, Sartre y Patti Smith.
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Para el franquismo, la República era la enemiga del patrimonio y de la religión, cuyo poder estaba controlado por los ''rojos'', y en su territorio dominabala barbarie, el caos, la iconoclasia y el robo de los bienes patrimoniales. Sin embargo, esta acusación,que mantendría con insistencia machacona durante todasu existencia, escondió durante décadas la labor desalvaguarda republicana de las obras de arte y su destino en la inmediata posguerra.El autor de este libro(reconocido experto en el estudio del devenir del patrimonio durante la guerra y la posguerra en España ydirector de varios congresos internacionales sobre el tema, el último celebrado en el Museo del Prado en2019) llevaba años planteándose cuál había sido el destino durante el primer franquismo de las miles de obras salvadas y almacenadas por la República durante la guerra. Tras la concesión de dos proyectos de I + Ddedicados a este ámbito y después de cinco años de investigación, vierte aquí los sorprendentes resultados.Parte del estudio de las políticas republicana y franquista durante la guerra para centrarse en el destino que los gestores franquistas les depararon a estasobras en la inmediata posguerra. El núcleo esencialdel libro analiza la gestión franquista de aproximadamente 17.000 obras almacenadas por la República, quefueron devueltas en muchos casos a sus propietarios,aunque una gran cantidad fueron desviadas hacia otrosdestinatarios, que sin embargo reconocían en muchoscasos como suyas. Supone una novedad investigadora inédita el estudio de las entregas en depósito de milesde estas piezas a museos, a organismos, a la Iglesiae incluso a particulares, lo que produjo el expolio,la diáspora y la desaparición de numerosas obras. Enmuchos sentidos, este expolio franquista tiene paralelismos indudables con el realizado por los nazis enlos mismos años. Es el arte como botín de guerra.
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El autor nos ofrece un recorrido por múltiples obrasde Bataille, haciendo especial hincapié en la revistaDocuments. Su posición con respecto al arte, nos dice, será siempre dialéctica, inextricablemente contradictoria, de modo que le exigirá invariablemente al arte dar forma a una experiencia que sea, a la vez, ejercicio de crueldad o sacrificio y fruto de una inquietud cercana a la inocencia de la infancia
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Tras recibir importantes exposiciones individualesen Japón y Corea, Fundación MAPFRE presentará la primera exposición en Europa con la obra de Tomoko Yoneda.Tomoko Yoneda realiza obras complejas con referencias a la historia contemporánea y al conflictohumano. Busca hechos pasados con un enfoque casi antropológico, hechos que no presenció y utiliza la fotografía para traerlos al presente. Sus imágenes de paisajes e interiores pueden parecer a primera vista lugares hermosos sin ningún significado. Sin embargo, después de leer las leyendas, estas fotografías se vuelven algo más complejas y preocupantes: son sitios de catástrofes humanas. Yoneda ha optado por representarlugares asociados con la guerra y, en particular, sitios vinculados con la Primera y Segunda Guerra Mundial, la Segunda Guerra Sino-Japonesa y la Guerra Fría.Nacida en Akashi en la prefectura de Hyogo, Japón en 1965, Tomoko Yoneda estudió fotografía en la Universidad de Illinois en Chicago (1989) y más tarde en el Royal College of Art de Londres (1991). Actualmente vive en Londres y Helsinki.
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Ofrece una visión integral de la vasta colección de obras de Pedro Reyes, uno de los artistas contemporáneos más innovadores y comprometidos socialmente de México.Presenta impresionantes imágenes y textos provocadores que ofrecen una exploración intelectual del impacto de Reyes en el arte contemporáneo y la sociedad.Muestra una fusión única de arte y activismo: Reyes combina escultura, arquitectura, psicoterapia, teatro, literatura y activismo, ofreciendo una singular intersección entre la investigación estética y la práctica social.Este libro fue publicado con motivo de la exposición Pedro Reyes: Escultura Social, realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en Nuevo León, México. Reúne una amplia selección de obras del artista mexicano Pedro Reyes, cuya práctica vincula la exploración estética con el compromiso social. Reyes transita sin esfuerzo por los campos de la escultura, la arquitectura, la psicoterapia, el teatro, la literatura y el activismo. Invita al público a convertirse en participantes activos, transformando espacios más allá de los muros del museo. La publicación resalta las diversas estrategias que Reyes implementa, desde la exploración del potencial terapéutico de la dinámica grupal hasta los esfuerzos de desarme, redefiniendo la escultura como un medio expandido y participativo: una escultura social.
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Barcelona i l'antic Egipte
Una història de la fascinació a Europa per l'antic Egipte des del segle XVIII fins al segle XX.L'antic Egipte evoca un món de ressonàncies màgiques, de dinasties llegendàries i de saviesa oculta darrere de jeroglífics incomprensibles. A Europa, després de les especulacions esotèriques de l'egiptomania al segle XVIII, al segle XIX les audiències s'apropen a l'antic Egipte a través de l'òpera i de visites al museu, on admiren els objectes arqueològics i el repertori d'imatges de l'estil neogipci. Al segle XX l'interès per Egipte forma part de la cultura de masses i apel·la a un univers simbòlic que interpreta de manera nova i sorprenent les deïtats, els rituals funeraris o l'escriptura jeroglífica.Aquest llibre ens obre els ulls als nombrosos vestigis que la seducció pel mon egipci ha deixat a Barcelona. En trobarem als cementiris, en edificis públics, en obeliscs commemoratius, en arquitectures efímeres, però també en objectes quotidians, en la literatura de viatges, en escenografies teatrals i en pel·lícules projectades a Barcelona. Tots aquests elements, expressió local d'un somni universal, van associats a noms com ara Josep Vilaseca, Francesc Soler i Rovirosa, Eduard Toda o Oleguer Junyent, inspiradors de l'egiptomania que encara es viu avui a Barcelona.
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Este número doble de la revista ''Cuadernos de la Alhambra'' reúne los trabajos relativos al extenso programa de intervención en el patio de los Leones. Este proceso, necesario por el delicado estado de conservación en que se encontraba, se inició en 2002 con la restauración del león número 4, tras una profunda investigación histórico-documental del espacio y la aplicación de una metodología científica, que permite garantizar su preservación.La nueva entrega de la revista parte de una exposición del proceso de intervención, a la que complementan un estudio de la evolución de la imagen de la fuente de los Leones, y de su iconografía e iconología, que tiene en la documentación gráfica histórica y en las fuentes escritas un fiel testigo de la transformación de su fisonomía.
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La nostalgia de la belleza reúne varios ensayos del escritor napolitano Raffaele La Capria, recientemente fallecido a los 99 años. El derecho a no renunciar a un ideal de Belleza en el arte, a reivindicar cierto sentido del límite, junto a su defensa apasionada de la nostalgia por una Belleza natural maltratada, desaparecida, arrasada, constituyen el núcleo sensible del libro.Porque la de La Capria no es la vieja añoranza de los románticos: «Es una nostalgia que sirve para armar la memoria contra la resignación, es un combustible para alimentar la no adaptación. Es una nostalgia que sabeque las ciudades, las costas, los ríos, los paisajes, los cielos, los mares y las tierras han cambiado y se han degradado, y que la vulgar adaptación de los no-nostálgicos encuentra normal esta catástrofe. Contra este desencanto empuño mi nostalgia».
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L'ombra de la Dora
La relació de Dora Maar i Pablo Picasso va ser una història tortuosa. Picasso va immortalitzar la Dora en les seves pintures. De fet, la va caricaturitzar, ja que, en comptes de ser reconeguda com a artista -una de les fotògrafes més importants del surrealisme-, va esdevenir per a molta gent la musa dissortada, la dona que plora. Aquest llibre és un homenatge il·lustrat i una bella reivindicació d'una fotògrafa meravellosa.
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L'artista en el laboratori
Art i ciència, que per a molta gent poden semblar dues activitats ben separades, han tingut i tenen molts punts en comú. Al llarg de la història, artistes i científics s'han proporcionat mútuament eines¬ de treball, nous materials o motius d'inspiració. En aquesta obra, s'expliquen de manera amena i assequible temes com el descobriment de nous pigments gràcies a l'evolució de la química o les tècniques modernes que permeten conèixer molts detalls sobre obres pictòriques, estudiar estils i detectar fraus o datacions equivocades. A més a més, s'explora la visió del món que es desprèn de diverses obres a partir de la influència mútua entre l'art, d'una banda, i l'astronomia, la biologia, les matemàtiques o la física, de l'altra. L'artista en el laboratori, finalista del Premi Europeu de Divulgació Científica Estudi General 2006, posa en relació personatges com Newton, Boyle, Van Eyck, Turner, Chevreul, Seurat, Galileu, Einstein, Dalí, Gaudí, Leonardo, Mandelbrot, Vermeer, Leeuwenhoek, Duchamp, Pollock i molts altres.
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Giotto Rothko en 35 etapes
L'autor F. Xavier Martí, arquitecte apassionat de l'art, descriu l'evolució de la pintura des de Giotto fins a Rothko. Estructurada com a guia de viatge, analitza una obra de cada autor, els precedents, les influències rebudes, les repercussions posteriors i les característiques iconogràfiques i iconològiques, tot aprofitant per traslladar-nos al moment de la seva realització i conèixer l'entorn social de l'època. El llibre ens dona una visió dinàmica de l'evolució de la pintura durant els sis segles i mig que separen les obres d'en Giotto i d'en Rothko, analitza els factors més rellevants presents en el procés evolutiu de la pintura i palesa la relació directa existent entre la producció artística i els canvis que ha anat experimentant la societat en aquest mateix període, per deixar al descobert el fil conductor que uneix i explica de forma coherent les etapes successives. Giotto di Bondone · Masaccio · Piero della Francesca · Leonardo da Vinci · Raffaello Sanzio · Michelangelo Buonarroti · Agnolo Bronzino · Pieter Brueghel el Vell · Michelangelo Merisi da Caravaggio · Peter Paul Rubens · Rembrandt Van Rijn · Giambattista Tiepolo · Jacques-Louis David · Francisco de Goya y Lucientes · Caspar David Friedrich · F. V. Eugène Delacroix · J. M. William Turner · Jean-François Millet · Utagawa Hiroshige · Édouard Manet · Claude Monet · Paul Cézanne · Vincent Van Gogh · Henri Matisse · Pablo Ruiz Picasso · Georges Braque · Ernst Ludwig Kirchner · Vassili V. Kandinsky · Kazimir Malévich · Piet Mondrian · Marcel Duchamp · André Masson · Jackson Pollock · Mark Rothko
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Un altre fi. La resta
L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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