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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Álbum que recoge el trabajo poético experimental o visual de Ferran Fernández y donde queda fijado su imaginario en torno al abecedario, la tipografía y la señalética, con las que dialoga desde el humor, la reflexión, la sátira o la crítica política. Inspirándose en maestros como Apollinaire o Brossa, el autor crea un maravilloso campo de entrenamiento donde poner a prueba nuestra capacidad para descifrar y traducir las visiones que nos ofrece (ingeniosos juegos tipográficos, fragmentos de realidad, mundos dentro de mundos…). Es este un libro sin ataduras y lleno de sorpresas, que nos sacude de la modorra de la vida automatizada y nos invita a jugar, a soltar amarras.
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Una relectura de la intimidad en la Edad Media a través del arte románico.Vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito pueblan las iglesias románicas de nuestra geografía repartidos por portadas, capiteles y canecillos. Estas imágenes sexuales, algunas de ellas muy explícitas, han generado estupor, sorpresa e incluso rechazo en nuestra contemporaneidad, dando lugar a todo tipo de explicaciones sobre sus intenciones y significado. Sin embargo, su proliferación y espontaneidad indican que, lejos de tratarse de una representación del pecado, como a menudo se han interpretado, mostraban una sexualidad mucho más abierta y acorde con la mentalidad de quienes promovieron la construcción de estos templos. El libro demuestra cómo, entre los siglos XI y XIII, tuvo lugar una intensa lucha por el poder político en la que el sexo (o su ausencia) se convirtió en uno de los principales argumentos legitimadores de las élites sociales. Una batalla ideológica que dejó su huella en las imágenes sexuales románicas que desafían nuestra lógica actual.¿A quién va dirigido el libro El sexo en tiempos del románico?Este libro está dirigido a un público amplio interesado en la historia, el arte y la cultura medieval, especialmente en el periodo románico. Se dirige a lectores que deseen explorar una nueva perspectiva sobre la sexualidad en la Edad Media, desafiando las interpretaciones tradicionales y ofreciendo una visión más compleja y matizada. Es de interés para estudiantes, investigadores, aficionados a la historia del arte y a cualquier persona curiosa por conocer una faceta poco explorada de la sociedad medieval. La obra se presenta como un ensayo accesible, aunque también puede ser de utilidad para estudiosos del tema.Temas que trata el libro El sexo en tiempos del románicoEl libro El sexo en tiempos del románico se centra en el análisis de las representaciones sexuales presentes en el arte románico, específicamente en las iglesias y sus elementos arquitectónicos. Se exploran las siguientes temáticas:Representaciones explícitas de la sexualidad en el arte románico: Se examinan las imágenes de vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito que aparecen en portadas, capiteles y canecillos de las iglesias románicas. Se analiza la frecuencia y la variedad de estas representaciones, así como su contexto artístico y cultural.Interpretaciones históricas de las imágenes sexuales: Se cuestionan las interpretaciones tradicionales que ven estas imágenes como simples representaciones del pecado, proponiendo una lectura alternativa que las sitúa dentro de una visión más abierta y compleja de la sexualidad medieval.El sexo como herramienta de poder político: El libro argumenta que la sexualidad (o su ausencia) jugó un papel crucial en las luchas de poder político entre las élites sociales durante los siglos XI y XIII. Se analiza cómo las representaciones sexuales se utilizaron para legitimar el poder y las relaciones sociales.La perspectiva de género en el arte románico: Se considera el papel de las mujeres en la creación y el significado de las imágenes sexuales románicas, explorando la participación femenina en la construcción de las iglesias y su influencia en la iconografía.Desafío a la lógica actual: El libro invita a replantear la forma en que entendemos la sexualidad en la Edad Media, confrontando las interpretaciones modernas con la evidencia proporcionada por el arte románico.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro El sexo en tiempos del románicoSe han encontrado algunas opiniones positivas que destacan la amenidad y la documentación del libro, así como su capacidad para sorprender al lector y cambiar su percepción de la sexualidad en la Edad Media. Otras opiniones señalan la originalidad del enfoque y la rigurosidad de la investigación. Sin embargo, se precisa de más información para ofrecer un resumen completo de las críticas y valoraciones.
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La representación del cuerpo humano en todo su realismo y majestuosidad es un precepto fundacional de ese momento trascendental para el Arte que fue el Renacimiento. Hoy vemos con fascinación el tema de la obra de Shane Wolf: El cuerpo, nuestro cuerpo. Nosotros mismos. Shane Wolf es un heredero directo de ese mismo ''Renacimiento'', de la representación artística e intelectual del cuerpo femenino y masculino. A través de él podemos captar claramente el poder de varios siglos de herencia pictórica. El estilo del pintor está inspirado en el clasicismo académico que venera tanto la belleza como el equilibrio.
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Exposición Sorolla, cien años de modernidad: es un proyecto de Light Art Exhibitions en colaboración con Patrimonio Nacional, que tendrá lugar en la Galería de las Colecciones Reales, desde el16 de octubre de 2024 hasta el 16 de febrero de 2025.
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A través de retratos, escenas sociales, fotografías, esculturas e instalaciones inmersivas, Derrick Adams ha desarrollado una práctica artística que visualiza con alegría la vida moderna de los afroamericanos.Influido tanto por la cultura popular como por la historia del arte moderno, la obra de Adams pone en primer plano las experiencias cotidianas de los afroamericanos, capturando momentos de moda de alegría, resiliencia y celebración. Su arte está lleno de color, energía y complejidad, ya sea que represente momentos íntimos y cotidianos o grandes e impactantes declaraciones.La primera monografía de Adams incluye 150 de las obras más significativas de sus treinta años de carrera, junto con cuatro textos recién comisionados a figuras culturales. Repleto de imágenes bellamente reproducidas y presentado en un estuche de tela con una pintura en la portada, este impresionante libro consolida a Derrick Adams como uno de los artistas figurativos más importantes de la actualidad.Ensayos de Hallie Ringle, Salamishah Tillet y Dexter Wimberly, y una entrevista de Sandra Jackson-Dumont
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1937, Belo Horizonte, Brasil. Tras tres meses sin jornal, pequeñas huelgas estallan aquí y allá en las minas del patriarca Oswaldo Wallace, quien ha amasado su fortuna dirigiendo el negocio con mano de hierro. Para liquidar las insurgencias, Wallace recurrirá a los camisas verdes, organización paramilitar fascista que pugna por limpiar la nación de la hipotética amenaza roja. “¿No me diréis que os da reparo apalizar a un sucio comunista?”. Este ambiente marcará la vida de Severino y Ramires, hijos de Wallace, de manera antagónica: el uno, comprometido con la izquierda, ejercerá de periodista, el segundo mutará en ferviente partidario de la dictadura militar brasileña durante los Años de Plomo (“o chumbo” en portugués). En casa aguardan la esposa de Oswaldo, Maria-Augusta, y sus hijas Adélia, Úrsula y Berenice, víctimas a su vez de sus propias aspiraciones. Inspirada en su propia historia familiar, Matthias Lehmann relata el declive de la familia Wallace en una conmovedora saga mitad documental mitad fi cción, donde los destinos de los personajes se entrelazan con los devenires de la dictadura brasileña. Sesenta años de historia de un país tan impetuoso como convulso, narrados a través de la encrucijada del diseño gráfi co y la publicidad brasileños, el naturalismo de Zola y un trazo inspirado en autores como Robert Crumb, Flavio Colin o Art Spiegelman. Dibujante, ilustrador y pintor ocasional de raíces francobrasileñas, Matthias Lehmann nació en la región de París en 1978 y ya en la adolescencia empezó a foguearse en la historieta breve y el mundo de la autoedición. Ha colaborado de manera regular en revistas y periódicos como Fluide Glacial, Le Monde o Libération. Especialista en la técnica del linograbado, tiene en su haber cerca de diez álbumes entre los que destaca La favorita (2015), que mereció el reconocimiento de diversos festivales internacionales y forma parte del catálogo de Ediciones La Cúpula. Con Chumbo, monumental trabajo que ha ido desarrollando con la ayuda de residencias como la Maison des Auteurs de Angulema, la Villa Médicis de Roma y la Drawing Factory de París, se alza defi nitivamente como uno de los nombres fundamentales del tebeo actual.
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Este libro es útil para los principiantes que se plantean usar el pastel por primera vez, para los artistas experimentados que tal vez se sientan faltos de inspiración ypara cualquier persona que se encuentre entre estas dos categorías. Las técnicas que
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Jardines históricos y palaciegos, jardines que responden a modernas remodelaciones urbanísticas y jardines románticos... Este libro describe a través de los pinceles de Pablo Rubén López y de los textos de Pepo Paz Saz una serie de jardines de la capital madrileña que, en el pasado, disfrutaron reyes, aristócratas y personajes de las artes y la cultura, y que hoy se han convertido en auténticos oasis de naturaleza en el entramado de asfalto.
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Andy Warhol (1928-1987) pintó el glamour de las estrellas de Hollywood, los productos de la sociedad de consumo, como sopas enlatadas y Coca-Cola, y los héroes del cómic y la televisión, pero también pintó el horror de la pena de muerte, la bomba atómica y la violencia, dejándonos un importante documento que nosenfrenta a la realidad. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia
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Un estudio clave sobre el lugar que ocupa la fotografía en la historia del arte reciente. Artistas internacionales de las últimas cuatro décadas representados por una obra o una colección significativas, con pies de foto descriptivos. Textos de algunas de las figuras más destacadas del siglo xx, incluidos los teóricos Roland Barthes, Jean Baudrillard, y los artistas Victor Burgin y Jeff Wall. Una obra esencial para estudiantes, profesionales y lectores interesados en la fotografía y los medios.
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El modernisme perdut IV. Sarrià i Vallvidrera
Barcelona és famosa arreu del món per la seva arquitectura modernista, però allò que no és tan conegut és que moltes construccions modernistes han anat desapareixent. En aquest quart volum es rescaten de l'oblit edificis i establiments de gran valor arquitectònic desapareguts de Sarrià i Vallvidrera.
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• Tarsila do Amaral es una artista injustamente olvidada en nuestras latitudes, a pesar de que permaneció en la capital francesa diversos (e influyentes) periodos de su vida y participó activamente en los ambientes artísticos de la ciudad europea.• Tarsila sigue siendo una figura incontestable, unánimemente reconocida como una de las protagonistas de la modernidad artística de Brasil y creadora de un lenguaje pictórico icónico.• Se la considera como la introductora del artemoderno en América Latina, y desarrolló un estilo único para su país.• Exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao en febrero de 2025.
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Dones de paraula
Catàleg de l'exposició temporal 'Dones de paraula', que té com objectiu reivindicar l'ús de la paraula des d'un univers femení i a partir d'una proposta que té com a marc cronològic l'època moderna, amb diàlegs amb la contemporaneïtat. Aquesta tesi i algunes dones que ''van prendre la paraula'' són les protagonistes de l'exposició: l'escriptura de Santa Teresa de Jesús, la transmissió de la paraula i el coneixement de Santa Anna a Maria, la Immaculada com a símbol de saviesa, l'ocultació i negació de la paraula exemplificada en la figura de Maria Magdalena i la mediació de la paraula en boca de les sibil·les clàssiques i d'algunes artistes contemporànies.
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Entre la semblanza personal y el ensayo, el «relato biográfico» que Agustina Bessa-Luís dedicó a su compatriota y amiga la gran artista María Helena Vieira da Silva es un libro excepcional que reúne a dos creadoras incontestables del siglo XX. Publicado por primera vez en 1982 e inédito hasta ahora en español, Tiempo al tiempo (el título original, Longos dias têm cem anos, alude a lo dilatado de su gestación, de acuerdo con el adagio portugués) es fruto de la estrecha relación que mantuvieron desde que se conocieron a comienzos de los sesenta en la casa lisboeta de otra figura capital, la poeta Sophia de Mello. Tres décadas de trato íntimo y un profundo afecto mutuo le dan especial intensidad a este hermoso texto que refleja dos o incluso tres presencias, pues tanto el marido de la pintora, el también artista Arpad Szenes, como la propia escritora (tan unida a ambos) comparecen igualmente en el retrato. Las reflexiones sobre el arte y la vida de Vieira da Silva se ven reforzadas por la fina inteligencia y el original estilo de Bessa-Luís, siempre denso y elíptico, que persigue a menudo la sorpresa o el salto, el giro inesperado o misterioso en el desarrollo del pensamiento. Su discurso es comentado en los márgenes por la protagonista y a veces replicado por la biógrafa, en una especie de irónico y bienhumorado duelo que reproduce los términos de una conversación memorable.
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Acompaña a 21 perros en un paseo por la historia del arte. Desde los bustos del antiguo Egipto hasta las serigrafías de los años sesenta, el retrato es una forma de arte muy querida por pintores, escultores y fotógrafos. Esta guía divertida y atractiva presenta 21 de las obras maestras más importantes y reconocibles de la historia, reimaginadas con elegantes temas caninos. Con una perspectiva única y creativa, este homenaje canino es perfecto para los amantes de los perros y del arte.
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La monografía más completa sobre el enigmático artista francés, actualizada para incluir obras completamente nuevas.Llena de fotografías impresionantes, esta extraordinaria monografía muestra una variedad de proyectos colaborativos de JR ejecutados en todo el mundo. Creado en estrecha colaboración con el artista, presenta capítulos sobre cada una de las principales obras de JR, desde Expo2Rue, que utiliza la calle como lienzo para lanzar su carrera como artista, hasta The Chronicles of Miami, que se inauguró en noviembre de 2023.También incluye sus colaboraciones con otros artistas e instituciones como el New York City Ballet, la directora de cine Agnès Varda y la revista Time.Un prólogo de la leyenda de Hollywood George Lucas, una novela gráfica encargada especialmente por el dibujante de cómics Joseph Remnant, un ensayo actualizado de Nato Thompson y un breve artículo de la directora de cine italiana Alice Rohrwacher se unen para contar la fascinante historia de JR.Una inspiración para quienes intentan crear arte socialmente comprometido y marcar la diferencia en comunidades marginadas. – Revista Smithsonian
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Las obras maestras de un destino dramático: Lirios, Girasoles y Noche estrellada, Campo de trigo de Arlés y Amberes, Autorretratos con sombrero gris, con sombrero de paja, con la oreja vendada. Ilustraciones y numerosos fragmentos de sus cartas nos descubren la «conciencia» de Vincent van Gogh. Una interesante colección con un cómodo formato que aborda un gran número de temas, desde arqueología y arte pasando por cultura, historia y literatura hasta ciencia y religión, con un punto de vista ameno. La narración se acompaña de ilustraciones y cuadros sinópticos con rigurosos datos históricos. Una documentada colección para todos aquellos que buscan una introducción exhaustiva al tema que se expone.
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Con penetrante lucidez y una aguda capacidad de observación y exégesis, Strand viaja al origen del hipnótico misterio que late en las telas del pintor. Pocos pintores hay en la historia del arte del siglo tan icónicos, reconocibles y comentados como Edward Hopper. Su obra refleja la extrañeza de nuestro entorno cotidiano y urbano. A pesar de que sus pinturas constituyen ya un tópico visual, hay en su callada belleza mucho silencio que pugna por ser verbalizado. Y ahí es donde Mark Strand ensaya sus variaciones en torno a la obra del maestro norteamericano. Strand, uno de los grandes poetas de nuestro tiempo, nos invita a mirar con él esas escenas desoladas, esos relatos esbozados, esos interiores despojados de nuestra humanidad. Sus comentarios -organizados en torno a una amplia selección de pinturas- se convierten en verdaderas traducciones del universo plástico de Hopper. Si bien no estamos ante un libro de poemas, es indudable que el trabajo de Strand debe mucho a la poesía y a la forma de mirar que nutre el ejercicio poético. Y a esa labor se le añade en esta edición -ilustrada con las pinturas que originan los textos- la espléndida traducción de Juan Antonio Montiel, capaz de preservar en castellano la minuciosa riqueza de matices y acentos del original inglés.Críticas:«De las muchas obras escritas sobre Hopper ninguna es más serena y misteriosamente cercana que el brillante librito de Mark Strand.»John Updike
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¡UNA GUÍA IMPRESCINDIBLE PARA DIBUJAR A LAS CHICAS MÁS ADORABLES! Si tu sueño es ser mangaka o que tus ilustraciones tengan un estilo manga, ¿qué mejor manera que acudir a los maestros? En este volumen tres ilustradores japoneses nos ofrecen trucos, técnicas y diferentes modos de abordar cómo dibujar chicas expresando diferentes estilos, sentimientos o posturas, desde su vasta experiencia en el campo.
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Desde que Vasari en la primera edición de sus ''Vite'' (1550) denominase Renacimiento al periodo artístico que comienza al despuntar el siglo XV en Florencia, y posteriormente en otras partes de Italia, el término ha sido sinónimo de ''buen arte''. Incluso en nuestros días, el Renacimiento permanece como un hito que se erige sobre otros momentos, estilos, alejados de sus principios. No obstante, con frecuencia se sigue el rígido planteamiento vasariano que no ve más allá del arte italiano. Sin duda fue excepcional, pero los Alpes no definen la frontera del Renacimiento. El arte de la época en los Países Bajos y en otros estados no es ni la continuación de lo medieval ni un mero sucedáneo de lo italiano. Este libro, abierto a diferentes interpretaciones más allá de la italocéntrica, resalta las principales obras, los grandes creadores, los comitentes y las teorías que sustentaron el arte de un periodo que hoy sigue siendo considerado excepcional, y que cuanto más se profundiza en su estudio parece engrandecerse.
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Con esta completa introducción a la pintura al óleo, aprenderá todo lo que necesita saber para ponerse manos a la obra. La artista profesional Estelle Day explica todas las técnicas principales con detalle, desde la mezcla de colores hasta el método del glaseado. Se incluyen dibujos para calcar de los 9 proyectos de bodegones clásicos a escala reducida, de manera que pueda empezar a pintar de inmediato. Cada uno se trabaja en un lienzo de 10 cm, perfecto para perfeccionar sus habilidades. Déjese seducir por el luminoso y vibrante mundo de la pintura al óleo.
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Los cuatro ensayos recogidos en este libro proponen reflexionar sobre el arte de la Edad Media presente en museos e iglesias planteando un viaje de ida y vuelta entre el Museo del Prado y algunos de los miles de templos de ese período que salpican el paisaje español y europeo. Con el objetivo de ofrecer una lectura contextual de los distintos elementos que integran las llamadas «artes del altar», como frontales, tabernáculos y ciborios, se presta especial atención al retablo, cumbre del arte hispano medieval, rastreando para ello su desarrollo en los siglos xiv y xv y analizando su ubicación en el interior de las iglesias. Además de estudiar el entorno original de las piezas, se ponen en relación con otros ejemplos europeos y se encuadran así en un paisaje artístico más amplio.
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Las mujeres, protagonistas de la historia del arte Las artistas con talento siempre han tenido que luchar por abrirse paso en un mundo de hombres que las ha subestimado o ignorado. Las mujeres en la historia del arte nos guía en un viaje apasionante para descubrir las vidas, obras y legados de mujeres artistas excepcionales que en muchas ocasiones no han recibido el reconocimiento que merecen. Desde la monja ilustradora Ende, que dejó su huella en el siglo x, hasta Iaia de Cícico, autora del primer autorretrato documentado, pasando por la icónica Artemisia Gentileschi, ejemplo de resiliencia en el barroco, o Frida Kahlo y Maruja Mallo, símbolos de modernidad y valentía, María José Noain Maura recorre la historia del arte y describe magistralmente los tiempos y entornos que moldearon las carreras de las más extraordinarias creadoras. Las mujeres en la historia del arte es una invitación a redescubrir el talento femenino y ver la historia del arte de una forma nueva, más justa y más inclusiva.
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Dibujo e imagen impresa ofrece al lector un texto sucinto y riguroso donde se muestra una panorámica del papel del dibujante en la ilustración impresa atendiendo a sus procesos y desarrollos técnicos. La gran abundancia de libros editados permite a los autores conformar un corpus donde nos encontramos con el manuscrito ilustrado, en los orígenes, para continuar con las ilustraciones de la literatura clásica, con la denominada ilustración infantil o, más tarde, con el cartel publicitario, en un recorrido que nos conducirá hasta el cómic, el álbum ilustrado o el ''concept art''. El dibujo es el motor intelectual de todos estos procesos, como medio de conocimiento, para mostrar y materializar narraciones, fijar las palabras y dar pie a la imaginación y creación de mundos posibles e imposibles en justa correspondencia con las evocaciones de la palabra escrita. Esta comunión de palabras e imágenes hace evidente una clara interdependencia, en ocasiones asimétrica en función de los requerimientos de elaborados lenguajes de comunicación que, desde tiempos inmemoriales, se hallan en continua evolución y sobre los que repercuten los propios condicionantes del medio impreso, de los públicos a quienes va dirigida la obra y los contextos de dónde nacen.
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Manuel cuenta la gestación de una escultura a partir de la emoción surgida del encuentro entre dos personas: el propio Rodrigo y Manuel. La historia, dibujada sin texto, fue publicada por primera vez en la revista La Luna de Madrid en capítulos de cuatro páginas mensuales durante el año 1984. Su publicación supuso un hito histórico en el incipiente proceso de liberación de las relaciones afectivas que tuvo lugar en aquellos trepidantes años y que hoy continúa siendo un momento culminante de esa representación. La exhibición de la escultura de Manuel en la segunda edición de Arco en 1983 produjo en este mismo sentido una verdadera conmoción.En esta edición se incluye, acompañando a la narración visual original, la transcripción del relato oral de Rodrigo de aquella intensa y romántica aventura, así como materiales inéditos de la obra tanto de su versión gráfica como escultórica: bocetos preparatorios, fotografías y maquetas previas, así como otros elementos que contextualizan al artista y a la época: diarios y agendas, artículos aparecidos en prensa y materiales diversos, que completan de manera definitiva la historia de Manuel. La edición se cierra con un dibujo desplegable de seis páginas. Con la colaboración de Arturo Arnalte, Pepe Murciego y Mery Cuesta.
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La publicación definitiva sobre la artista internacionalmente aclamada Shahzia Sikander, una de las artistas feministas más influyentes que trabajan en la actualidad.Nacida en Pakistán y activa en Nueva York desde la década de 1990, Shahzia Sikander navega por la interacción de múltiples identidades, abarcando una variedad de disciplinas artísticas en su trabajo y reinterpretando críticamente la historia material del sur de Asia.La iconografía claramente feminista de Sikander se centra en las narrativas de mujeres inmigrantes para desafiar las historias del arte eurocéntricas y contrarrestar la erudición orientalista.Este volumen, publicado coincidiendo con una importante retrospectiva de mitad de carrera que se estrenó durante la Bienal de Arte de Venecia y que se llevará a cabo simultáneamente en el Museo de Arte de Cincinnati y el Museo de Arte de Cleveland, es la primera exploración exhaustiva de las ideas y el arte de Sikander. Con cientos de imágenes, muchas presentadas en una página completa o en una extensión completa, el libro ricamente ilustrado sumerge a los lectores en el arte vibrante y subversivo de Sikander.Incluye textos de Manan Ahmed, Aruna DSouza, Bhanu Kapil, Rosalind C. Morris, Fred Moten, y Victoria Sung
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La moda española en la epoca de Velazquez reconstruye la vida y obra de Mateo Aguado, el hasta la fecha desconocido sastre que creo los llamativos vestidos que confirieron a la corte espa ñola su aspecto caracteristico durante el reinado de Felipe IV. Como sastre de camara de la reina desde 1630 hasta su muerte en 1672, Aguado diseño las iconicas prendas inmortalizadas en los retratos pintados por Diego Velazquez de las reinas Isabel de Borbon y Mariana de Austria, y de las infantas Maria Teresa y Margarita. Basado en una meticulosa investigacion en el Archivo General de Palacio de Madrid, este libro, profusamente ilustrado, da vida al mundo de los artesanos de la corte y detalla por primera vez las prendas y accesorios que con feccionaron para sus patronos reales. Los trajes que Mateo Aguado diseño para la Casa Real dieron forma a una nueva vision del estilo español -y de la españolidad- que sigue siendo re conocible al instante y continua inspi rando a diseñadores de moda y artistas en la actualidad.
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« L’impression première que produit une toile d’Édouard Manet est un peu dure. On n’est pas habitué à voir des traductions aussi simples et aussi sincères de la réalité. Il y a là quelques raideurs élégantes qui surprennent. L’œil n’aperçoit d’abord que des teintes plaquées largement. Mais bientôt les objets se dessinent et se mettent à leur place , au bout de quelques secondes, l’ensemble apparaît, vigoureux, et l’on goûte un véritable charme à contempler cette peinture claire et grave, qui rend la nature avec une brutalité douce, si je puis m’exprimer ainsi. [...] Cet audacieux, dont on s’est moqué, a des procédés fort sages, et si ses œuvres ont un aspect particulier, elles ne le doivent qu’à la façon toute personnelle dont il aperçoit et traduit les objets. »
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Bajo el mecenazgo de la poderosa familia Medici, con un importante catálogo de obras religiosas y seglares, y contribuciones a la célebre Capilla Sixtina, Sandro Botticelli (1444/1445-1510) tenía asegurada la fama. Aún así, tras su muerte su obra quedó en el olvido durante cuatrocientos años. Fue en el siglo XIX cuando el pintor empezó a obtener un importante reconocimiento histórico y artístico. En la actualidad, Botticelli está considerado una figura destacada del Renacimiento temprano florentino. Sus obras seglares El nacimiento de Venus y Primavera, sobre todo interpretadas como alegorías de la primavera, se encuentran entre las pinturas más célebres del mundo, espléndidas con sus delicados detalles, líneas elegantes y equilibrio compositivo. Sus disposiciones son fluidas pero preparadas, sus figuras, serenas pero sensuales. Venus, en particular, está considerada como un icono histórico-artístico de la belleza: de tez pálida y rasgos delicados, con una tenue promesa de fecundidad. Esta introducción esencial presenta obras clave de Botticelli para comprender el nacimiento de una leyenda del Renacimiento. A través de las escenas alegóricas y mitológicas más famosas del pintor, así como de sus brillantes obras religiosas, exploramos su maestría en figuración, movimiento y las líneas que ha inspirado a artistas como Edgar Degas, Andy Warhol, René Magritte o Cindy Sherman.
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¿Te apetece empezar a dibujar pero nunca encuentras el momento? El dibujo es una magnífica herramienta para relacionarte con el mundo y al mismo tiempo para abstraerte de él, pero no siempre es fácil encontrar tiempo para aprender y sumergirte en su magia. Mike Daikubara lo sabe bien y precisamente por ello ha creado esta guía práctica que conseguirá que incorpores el dibujo en tu día a día sin que apenas te des cuenta. Dibuja primero, piensa después te ofrece los consejos, técnicas y recursos que necesitas para dibujar a diario. Desde sugerencias sobre los útiles o las técnicas de trazado y coloreado, hasta cómo crear dibujos interesantes y atractivos con pocos materiales y, sobre todo, con poco tiempo libre, aquí encontrarás todas las claves para lanzarte de una vez a dibujar. íTodos los días hay tiempo para practicar! Solo tienes que aprender a incorporar el dibujo a las rutinas de la vida cotidiana y con este pequeño libro te enseñamos por dónde empezar.
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Un retrato esencial de la figura que cambió el arte para siempre. «Quiero ser tan famoso como la reina de Inglaterra», comenta Warhol. Esta frase, banal en apariencia, podría estar cargada de significados. No quiere ser el presidente de Estados Unidos, ni un millonario, ni una estrella: aspira a ser la reina de Inglaterra. Quiere, en suma, tener un pasado no solo con testamento, sino con testamento ante notario. No quiere ser únicamente famoso o rico: aspira a crear un pasado lleno de pasado -el que reproduce en su casa- y quiere, además, ser inglés, ajustándose al mito por excelencia de glamur en América.¿Quién era en realidad Andy Warhol? ¿Fue el más célebre representante de la cultura pop, alguien fascinado por la publicidad y el éxito -quintaesencia de lo «americano»-, un comprador y consumidor compulsivo, un artista polifacético y admirado? ¿O fue acaso el último gran pintor de la tradición europea del retrato y el bodegón, un ser consumido por lo que poseía, melancólico, nostálgico, que vivió la vida como una carrera hacia la muerte?Recuperamos en la colección «Argumentos» Tristísimo Warhol, un particularísimo ensayo que da respuesta a estas preguntas en forma de relato que comienza un día de agosto de 1956, cuando el último pintor romántico, Jackson Pollock, se estrella con su coche en Long Island. Artistas como David Hockney, Jasper Johns o Tom Wesselmann aparecen y desaparecen en esta historia, configurándose, también alrededor de ellos, toda una serie de conceptos de la modernidad, actuales síndromes de nuestro tiempo: la nostalgia, la melancolía y la muerte.Tristísimo Warhol finaliza con la muerte del artista. Pero, más que un libro sobre él o el arte pop, esta es una historia osada y reveladora que habla de todos nosotros, al fin y al cabo, atrapados en esos síndromes modernos.
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* Técnicas de pintura inspiradas por los artistas másinfluyentes. * Aprenda a pintar con el fantástico medio que es el óleo. Inspirándose en pinturas pertenecientes a la colección de la Tate, descubra las técnicas de los maestros de la pintura al óleo y mejore suspropias habilidades. * Domine las técnicas y los estilos de destacados artistas con la ayuda de la original serie de la Tate. Centrado en el óleo, constituye una invitación para los lectores a seguir el ejemplo de artistas muy influyentes a través de 30 trabajos icónicos pertenecientes a la colección. Entre losartistas presentados en este libro se encuentran PaulCézanne, Walter Sickert, Lucian Freud, Stanley Spencer, Francis Bacon, Meredith Frampton, Lisa Milroy, Raoul Dufy, Gerhard Richter y Claude Monet.
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El retrato del «matrimonio Arnolfini», que Jan van Eyck pintó en 1434, es uno de los cuadros más fascinantes de la historia del arte: admirado a lo largo de los siglos, objeto de innumerables estudios, esconde sin embargo un secreto, un significado oculto que se hurta aún hoy incluso a la mirada más atenta. ¿Quiénes son realmente el hombre y la mujer retratados en el cuadro?, ¿qué vínculo los unía? y, especialmente, ¿qué pistas pueden ofrecernos al respecto los objetos que los rodean? En este extraordinario ensayo, Jean-Philippe Postel observa con ojo clínico el lienzo para desvelar uno a uno los misterios que Van Eyck planteó en esta singular obra, como si se tratara del análisis forense en un relato policíaco. ¿Resolverá el misterio de una de las obras de arte más enigmáticas de todos los tiempos?
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Según la interpretación que Hans Belting ofrece del tríptico El jardín de las delicias de El Bosco, ésta no es una obra secretamente herética, ni representa una concepción personal de los dogmas de la Iglesia, ni es una singular y opulenta ilustración del relato bíblico de la Creación, según él, no se trata sino de la pintura de una utopía, que sólo pudo brotar del «espíritu de la época» y que es necesario relacionar con las teorías humanistas de Tomás Moro y Willibald Pirckheimer.
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Edward Weston (Català)
Fortament vinculada al paisatge i a la història cultural nord-americana, l'obra d'Edward Weston (Illinois, 1886 – Califòrnia, 1958) permet discernir una perspectiva única en el procés de consolidació de la fotografia com mig artístic i el seu rellevant paper en el context del modernisme en les arts visuals. L'exposició Edward Weston, està concebuda com una antològica que recorre les diferents fases de la producció fotogràfica de l'artista, des del seu interès inicial pels plantejaments pictorialistes, fins a la seva consolidació com una de les figures centrals en l'afirmació del valor poètic i especulatiu de la fotografia directa. Pioner en l'ús d'un estil fotogràfic modernista, el seu treball es caracteritza per l'ús de càmera de gran format, donant lloc imatges en blanc i negre ricament detallades i d'una extraordinària nitidesa.
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Captura los vibrantes colores de la jungla con 25 proyectos sin tener que dibujar los bocetos. ¡Coge tu pincel y tu sombrero de explorador y prepárate para pintar en la selva! Dana Fox (autora de los superventas El bosque. Pintura a la acuarela y El océano. Pintura a la acuarela) regresa ahora con 25 nuevos proyectos de acuarela para principiantes que capturan toda la belleza y vitalidad de los paisajes selváticos, sin necesidad de hacer los dibujos. Estos adorables proyectos de peludos y exóticos amiguitos y coloridas flores y frutas tropicales te ayudarán a perfeccionar tus habilidades para pintar a la acuarela con unos sencillos pasos. Y podrás realizar cada proyecto directamente sobre sus páginas de papel de alta calidad, especial para pintar a la acuarela. El enfoque directo de Dana y sus instrucciones fáciles de seguir sirven de guía a través de cada paso del proceso, por lo que, sin importar el nivel, se obtendrán resultados dignos de enmarcar. Los proyectos se han dividido en dos grupos que abarcan las técnicas de mojado sobre mojado y mojado sobre seco, y se ha acompañado cada sección con ejemplos prácticos para entender los conceptos básicos. Aprende a pintar el pelaje de lindas criaturas como perezosos y monos, y a superponer colores para crear los increíbles patrones del tigre de Bengala y la rana dardo venenosa, así como hermosas mezclas de color para papayas, hibiscos y otra fauna silvestre. Gracias al arte animado y a las sencillas instrucciones de Dana, pintarás obras maestras en poco tiempo.
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