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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Raimundo, un niño de posguerra no conoce a sus auténticos padres y la familia que lo adopta responde a sus preguntas con odio. Precuela de Ventolino.En La Quinta encontramos a Raimundo, un niño de posguerra. No conoce a sus auténticos padres y la familia que lo adopta responde a sus preguntas por medio del odio. Tan solo Diana y el encuentro con un hombre misterioso que vive en una vieja quinta, a las afueras del pueblo, parecen atender al enigma de su identidad, a la incertidumbre sobre su futuro.La obra nace como precuela de la saga Ventolino, de títulos como Las aventuras de Ventolino y La era del Oricuerno, obra ganadora del III Premio Liliput de Narrativa Joven.El amor del autor por las leyendas del Cantábrico, Galicia, Asturias, norte de Castilla y León le llevó a crear a Ventolino y los libros en los que disfrutamos de esta saga formada por siete historias. En ellas se dan cita personajes como xanas, trasgos y ventolinos, seres de nuestra tradición que entran en relación con los jóvenes actuales. Ahora, en La Quinta, tenemos de fondo una cuestión: el origen de Pueritia: el terreno mágico que Asier Aparicio inventó para los lectores. Esta obra está influida por Buero Vallejo. Hay cosas muy reales que no existen porque no deseamos verlas (los olvidados, los invisibles… como el refugiado de la Quinta o los niños sin padres) y otras que cobran realidad solo porque nos empeñamos en verlas (como el amor, el odio, los sueños y las sospechas).
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Se incorpora a esta colección uno de los más importantes autores de la literatura dramática contemporánea. Jean Anouilh (1910-1987) pertenece a la corriente de renovación teatral que en su país surgió al término de la Segunda Guerra Mundial, y es uno de sus representantes más conspicuos. Su teatro, que incursiona preferentemente en la comedia, se caracteriza siempre por excepcionales cualidades de brillantez y frescura, encuadradas dentro de un marco de auténtica maestría de la estructura dramática y dominio de la situación escénica.
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Las dos obras que integran este libro son, sin duda, en la producción teatral del autor de El retrato de Dorian Gray, de las más significativas y definitorias. Se caracterixza por su brillante animación, fluidez en los diálogos, acción rápida y una corriente subterránea de amarga conciencia de sí. Esto último abre la via para una crítica de orden social y moral, que si bien otros concretaron más, en ninguno estuvo acompañado de la calidad que Wilde le imprime.
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Esquilo (h. 525-456 a. C.) es el autor más antiguo del que conservamos tragedias completas. Además de dramaturgo, fue también soldado en una época difícil para Atenas y participó en algunos de los combates determinantes de las Guerras Médicas. Esa experiencia personal emerge con fuerza en una pieza de trasfondo bélico como Los siete contra Tebas.Situada en el tiempo mítico justo antes de la Antígona de Sófocles, Los siete contra Tebas narra el asedio de la ciudad defendida por Eteocles ante el ataque de su hermano Polinices y sus aliados de Argos. Esquilo despliega en esta obra sorprendentemente realista un conflicto entre hermanos que se ve enriquecido con una adversidad superior: la de una ciudad que teme la derrota y sus terribles consecuencias. Quizá fue eso lo que convirtió a Los siete contra Tebas en una de las tragedias favoritas de sus contemporáneos.
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Dos escriptors passen dos dies a Teià, durant el festival Lletrescena, de literatura i dramatúrgia, entrant en contacte amb una comunitat, amb un paisatge. A posteriori, escriuen una ficció posant el poble com a escenari. A La cua del dromedari fabula una història a partir d'una pintura mural escrita en català i La Ventafocs de Teià és una història coral de personatges curiosos, amb les seves històries i desitjos amagats.
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Ocho testimonios reales, recopilados por Amnistia Internacional, de mujeres que ha sufrido la violencia machista, convertidas en piezas teatrales por la italiana más traducida del mundo.
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La Academia concedió en 1997 el Premio Nobel de Literatura a Dario Fo «por mofarse del poder y restaurar la dignidad a los oprimidos en la más pura tradición de la juglaría medieval». Misterio bufo, la obra más famosa de Dario Fo, es precisamente el texto más significativo de su investigaciónsobre las raíces del teatro popular. Las piezas que lo componen retoman, en clave grotesca, las representaciones sacras en las que la figura del bufón sirve a Fo para exponer la podredumbreo corrupción moral en la que vivía el clero durante el papado de Bonifacio VIII, o bien para parodiar la resurrección de Lázaro o el milagro de las bodas de Caná, que se convierten aquí en metáforas de nuestra realidad actual.Los pintores no tienen recuerdos, No hay ladrón que por bien no venga, El hombre desnudo y el hombre de frac, Los muertos se facturan y las mujeres se desnudan y A donde el corazón se inclina, el pie camina son farsas escritas en la década de los cincuenta del siglo pasado, al comienzo de la carrera de Fo, y con las cuales el entonces actor cómico se impuso como dramaturgo, director e intérprete de sus obras en la compañía que fundó con su mujer Franca Rame. Partiendo de la tradición francesa de comedia y de vodevil, basada en equívocos y gags, Dario Fo introduce su personal bagaje, extraído de la comedia popular italiana, creando un nuevo género de farsa surrealista llena de personajes delirantes.
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En el teatro de Mauricio Kartun se entrelazan la micro y la macropolítica. Las dos obras incluidas en este tomo son una muestra cabal de esa búsqueda y dos puntos de inflexión en su carrera.La Madonnita marca su primera experiencia como director de sus propios textos. A principios del siglo xx, en un estudio fotográfico en un caluroso altillo de Parque Lezama, Hertz toma fotos pornográficas a su propia mujer para luego venderlas. El cuerpo callado de Filomena, sometido al deseo de los varones, nos permite una mirada íntima de la opresión patriarcal del pasado y atisbar sus continuidades en el presente.El niño Argentino, por su parte, señala un cambio radical en la poética del dramaturgo. El viaje en barco de Buenos Aires al puerto de Le Havre que hacen un joven aristócrata, su peón y una vaca holando-argentina es una alegoría de la evolución de la historia política argentina: un ciclo de tragedias y farsas movido por la desigual distribución de la riqueza, la ambición y la traición.Prologadas por el especialista en teatro Jorge Dubatti y seguidas de una entrevista que les da marco, estas obras son un “ladrillazo a la vidriera”: un teatro que diseña una cartografía del mal en sus múltiples máscaras con la secreta esperanza de que esa visión despierte la conciencia de los espectadores hacia la utopía de un mundo mejor.
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¿Qué relación guarda Lope de Vega con la inteligencia artificial? ¿O el sobrepeso con la obra más emblemática de Velázquez? ¿Y qué papel juega el perro como animal de compañía en los tiempos que corren? Sergio Adillo ha sabido articular tres historias recurriendo a la entelequia irónica propia de las situaciones hilarantes. Inteligencia artificial para hacer comedias en este tiempo es una crítica a los generadores informáticos de contenido y su uso en la industria cultural, con las consecuencias que todos imaginamos, pero también una fotografía de los enfermos de alzhéimer, sin recurrir al dramatismo que entraña la enfermedad pero sí al drama propio de la representación escénica. Menina y gorda es una obra compleja con una única lectura. Sergio Adillo plantea, en la piel de una niña, la necesidad de que la sociedad vea más allá de los cuerpos normativos y acepte la pluralidad de físicos como modo de superar el acoso delirante que sufren aquellos que no tienen un cuerpo que sigue los estándares de la moda. Por último, Un tiempo de perros es un texto que recurre a la figura del perro como sujeto activo para presentar la evolución de las relaciones interpersonales y de nosotros con los animales.
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La Glòria demana a la seva filla Sílvia que torni a Mallorca per acomiadar-se de la seva àvia, que està a punt de morir. Amb aquest retorn a l'illa, hauran de confrontar la distància emocional i aprendre a respirar en un silenci que inunda tot allò que es diuen. Poc després de l'arribada de la Sílvia, apareixerà la Lola, una al·lota sorda amb qui serà capaç d'observar la dansa de les falzies i reconèixer les dificultats d'arrelar-se i estimar(-se). Una història que parla a la maternitat des dels dos punts de vista, el d'una mare i el d'una filla, amb la voluntat de representar personatges femenins imperfectes i els abismes que s'obren entre allò que volem i allò que podem expressar.
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Dos homes sols en una barca travessen un oceà immens. Parlen del que veuen, del que recorden, del que temen, potser també d'allò que està a punt d'esdevenir-se. Entre la boira, el balanceig de l'aigua i una conversa feta d'interrupcions i silencis, la travessa es converteix en l'espai fràgil des del qual una relació s'acosta a un límit difícil d'anomenar. Jon Fosse construeix a partir d'aquesta situació mínima una peça commovedora sobre la soledat, l'absència i la dificultat de ser. L'obra reprèn un dels nuclis fonamentals de la seva escriptura: dos amics abocats a la separació, a l'absència i al record.
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Un ensayo que aborda en conjunto la dramaturgia de Lorca a fin de comprender la verdadera dimensión de su revolución teatral.«La poesía que se hace humana». El teatro de Federico García Lorca es una monografía que supone la culminación de los más de cuarenta trabajos previos que Emilio Peral Vega ha dedicado al autor. Se concibe, pues, como un recorrido integral, desde un plano histórico y hermenéutico, por toda la obra dramática del autor granadino. Dividido en tres partes («las ideas teatrales», «las obras» y «los montajes») persigue dar cuenta de las bases conceptuales y estéticas de su variada paleta teatral, desarrollar un análisis exhaustivo, centrado en una clave interpretativa, de toda su producción, y presentar, por último, las realizaciones escénicas que, desde su asesinato hasta la actualidad, mejor han sabido traducir en las tablas la compleja revolución teatral pergeñada por Federico. A pesar de la inabarcable bibliografía generada por García Lorca, son muy pocos los ensayos que, desde esta triple perspectiva, hayan abordado el estudio de su teatro en conjunto.
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Aunque la vida se ponga difícil, siempre hay un amigo dispuesto a tenderte una mano (o una pata).Qué complicado es para un gato lidiar con los seres humanos. Son inestables, irracionales, indecisos, una especie a observar con desconfianza. Richard Gold no es la excepción: lo tiene todo, pero pasa el tiempo en el sofá en bata, bebiendo, mientras ve torneos de dardos. Hasta el día en que aparece Frankie, un gato callejero, feo y descarado que pone su vida patas arriba. A pesar de que Gold es insoportable, Frankie lo elige: Richard será su humano. Tal vez sea porque tiene un televisor enorme, una cama muy cómoda y mucha comida. O, tal vez, porque ambos necesitan un amigo y comparten algo profundo y extraordinario, aunque todavía no lo sepan. «Una novela increíble que contagia las ganas de vivir», STERN.
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La obra de Zorrilla no fue tanto fuente sino catarata que inspiró a docenas de autores dramáticos a lo largo del siglo XIX y bien entrado el siglo XX. (...)Desde el principio el autor concibió una obra profundamente cristiana, una obra que marcara el contraste entre el pagano mundo romántico que dominaba las tablas españolas de su época y una nueva visión armónica del mundo.(...)Zorrilla adoptó brillantemente, para su obra, elementos de otros dramas y de otros géneros literarios.
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En 1895 se estrena en el teatro St. James La importancia de llamarse Ernesto, la pieza más brillante de Oscar Wilde (1854-1900) y también la última. De ritmo vertiginoso y parlamentos agudos, la obra aparenta ser una comedia de enredos y costumbres, pero deja entrever, como es típico en el dramaturgo irlandés, un trasfondo dramático, de donde emerge el retrato de una sociedad falaz, prejuiciosa y de doble moral.Pero las convicciones quedan expuestas, y ya no podrán permanecer soterradas bajo los buenos modales, respuestas displicentes y perezosas costumbres. Vera o los nihilistas, primera pieza teatral de Wilde, se representó en agosto de 1883, en Nueva York, en el transcurso de su gira por los Estados Unidos.
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Puig Ferrer, adreça postal on mai no arriben, certificades, les besades urgents. Del cim estant, hemorràgies de nostàlgia inunden les garangoles.
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Perteneciente a una generación de grandes dramaturgos españoles, como Juan Mayorga, Borja Ortiz de Gondra, Itziar Pascual, entre otros, el teatro de José Ramón Fernández ha alcanzado el reconocimiento y la celebración mediante numerosos premios, como el Premio Lope de Vega o el Premio Nacional de Literatura Dramática. Destaca por desarrollar un teatro comprometido donde los personajes tienen siempre una sensibilidad particular que les ofrece una visión distinta del mundo. En este libro se recopilan catorce de sus mejores obras de teatro, en las cuales el lector podrá encontrar un abanico variopinto de temas: mujeres que luchan por la memoria, por defender su convicción y por consagrar su identidad (Mariana, Nina, El que fue mi hermano, Babilonia) los estragos que dejan tras de sí las guerras (J'attendrai, Monólogo de la perra roja que habla con el muerto sonriente) o personajes que compiten por mantener la memoria familiar (Para quemar la memoria, Mi piedra Rosetta, El minuto del payaso). «Lo hice sin pensarlo. En París. En el Hotel Lutecia, el centro de acogida, me preguntaron si conocía a alguien. Los españoles llegamos los últimos. [...] Habíamos servido a Francia y llevábamos el uniforme de Francia cuando nos metieron presos. [...] El Hotel Lutecia era la puerta de la salida del infierno. En el centro del Hotel Lutecia mencioné tu nombre, dije que tenías familia. Me dieron un billete de tren. Caminé por tu ciudad. Llegué a su puerta, porque me habías hecho aprender de memoria su dirección. Parece algo idiota, pero estuve todo el día andando por las calles. [...] Me encontré a Prieto, ¿te acuerdas? Me dijo que se iba para Toulouse y me fui con él. Me daba vergüenza llegar a la casa de una muchacha para decirle que estabas muerto y yo no». J'attendrai
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A cien años de la primera publicación en español de la novela Peter Pan y Wendy, el presente volumen ofrece las cuatro únicas obrassobre el niño eterno que han permanecido inéditas en nuestra lengua: la versión teatral primigenia, las anotaciones del dra
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De inspiración becqueriana, rescatando al autor sevillano como maestro de la tradición moderna, este libro nos cuenta una historia de desamor, soledad y pérdida en dos actos: El canto de los azulejos y Pétalos al viento. Desde las voces dispares de sus protagonistas, Reinaldo de Fernández propone una obra híbrida, a medio camino entre la narrativa, el teatro y la poesía, donde se exploran las entrañas de todo lo que nos hace humanos: el primer amor, el camino hacia la construcción de la ilusión, la esperanza y la falta de ella.
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En 1728, The Beggar's Opera de John Gay escandalizó Inglaterra al poner en escena ladrones, prostitutas y políticos corruptos cantando melodías populares. Cuando se estrenó, la obra se convirtió en un éxito masivo en Londres. Estuvo en cartel durante más de 60 funciones seguidas. Dos siglos más tarde, Bertolt Brecht refundió esta obra y la convirtió en una de las más influyentes del siglo XX: La ópera de tres centavos, una sátira musical con música de Kurt Weill. Ambientado en el Londres victoriano, sus protagonistas Peachum, el rey de los mendigos, y Mackie Messer (Mackie el Navaja), un gánster con pocos escrúpulos, dirigen su actividad criminal con la profesionalidad de cualquier negocio: uno controla la mendicidad como una próspera franquicia, el otro domina el hurto y el robo callejero. Cuando Polly, la hija de Peachum, se casa con Mackie, se desencadena un intrincado juego de traición, dinero y moralidad, en el que nadie es realmente inocente. En el 70º aniversario de la muerte de Brecht, Libros del Zorro Rojo presenta esta edición de La ópera de tres centavos profusamente ilustrada por Katja Spitzer, cuyas ilustraciones presentan la obra bajo una nueva luz, con frescura, audacia, fuerza y vitalidad. Una entrada perfecta a la obra de uno de los principales dramaturgos del siglo XX.
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Presentamos en este pequeño volumen la adaptación teatral que de El guitón Onofre de Gregorio González (Rincón de Soto, La Rioja, 1575) han realizado Bernardo Sánchez y Pepe Viyuela. Y que está siendo puesta en escena por este último en compañía de Sara Águeda.Una pieza que da a conocer las andanzas de Onofre, un buscavidas que vagó por numerosas poblaciones españolas «aspirando a una vida respetable». Un hombre de vida libre que afirmaba que «la mayor felicidad es no servir a ninguno», y que narra «la manera de vivir que tomó por no servir y cómo lo prendieron por ella».A pesar de ser considerada como la tercera novela picaresca española, tras el Lazarillo de Tormes (1554) y la primera parte del Guzmán de Alfarache (1599), El guitón Onofre no se publicó en su época, y el manuscrito estuvo perdido durante casi cuatro siglos, hasta que en 1927 fue encontrado en París en una librería de viejo. La Biblioteca Riojana la difundió en los años noventa en edición de Fernando Cabo, pero el texto original —que data del año 1604— no es muy conocido. No tardaremos en publicar también dicho original, según el manuscrito que se pudo recuperar.
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Georg Büchner (1813-1837), en su corta vida y con su mínima obra, produjo en la historia del teatro europeo una honda conmoción, una luminosa tempestad, una gran profecía revolucionaria, proyectándose en el futuro hasta habitarlo todavía en el día de hoy con su enorme, inacabable vitalidad. Así es que La muerte de Dantón, Woyzeck y Leonce y Lena son obras que siguen resplandeciendo en todos los grandes repertorios teatrales del mundo, y manifestando, sobre los escenarios, las más lúcidas interrogaciones de los seres humanos ante su existencia. El “,teatro político”,, el “,drama expresionista”, y la “,comedia del absurdo”, son formas teatrales del siglo XX, que amanecieron ya entonces, prefiguradas respectivamente en estos tres dramas, por el genio de su autor. Dos de ellos –,los más destacados–, recoge este volumen, que permitirá una vez más, a sus afortunados lectores, entrar en el mundo trágico de la revolución francesa, hondamente expresado por Büchner, y en la patética historia de aquel pobre barbero y soldado, Woyzeck, extraño en un mundo que para él fue como una sucursal terrorífica del infierno.
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La urbanización. R. BELLO: El amor y la muerte encarnados en una escritura españolísima y hermosa. 56 verdes diferentes. B. BERGAMÍN: Una mujer que vive en carne propia los cambios que el tiempo pinta en su cuerpo y en la naturaleza emprende y aprende el camino hacia lo inevitable. La obra del mar. A GARCÍA: poema escénico que apuesta desde la forma y la memoria por repensar la escritura. Un castaño, un almendro o un árbol que dé fruta. L. MIHON: ¿Cómo gestionamos la muerte, la propia y la ajena, en un mundo diseñado para ignorarla? Hay un perro que camina en la niebla. S. SERRANO: La palabra como herramienta de emancipación. Ídolo. Episodios de mutismo selectivo. A. TORRES PEÑALVER: una obra de teatro que se resiste a ser escrita. También hay un diario. Y un manual de clases.
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La realitat virtual ens aïlla de la realitat física? Les relacions són alguna cosa que neix, creix i madura en el nostre cap? Els processos d´enamora-ment s´activen en l´absència de l´objecte o la persona estimada? Amb aquesta història de robots que ofereixen companyia a les solituds humanes, el dramaturg Marc Artigau reflexiona entorn de les noves maneres de relacio-nar-se i de gestionar la situació -sovint aïllada- de l´individu dins la societat. Com funcionen els mecanismes de l´amor, l´amistat, la família i la fe en la societat que estem construint?
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este duodécimo y últimovolumen de la serie que recoge su «Teatro completo»incluye ocho piezas en un acto escritas entre 1919 y1939. Traducción de Miguel Sáenz
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Christopher Marlowe (Cambridge, 1564) falleció a los veintinueve años dejando escritos siete dramas. Suvida fue turbulenta, y con las conjeturas sobre suspuntos oscuros se podrían llenar volúmenes. Fue acusado de blasfemo, ateo y homosexual. Tuvo un fin tráfico.A partir del personaje histórico de Jorge Fausto se crearon diversas leyendas que pasaron a la imprenta en 1587. Inmediatamente traducidas al inglés, sirvieron de inspiración al joven Marlowe, con lo queempezó la serie literaria de lo que había de constituir uno de los mitos de nuestra era: el sueño renacentista del hombre universal.
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Erich Kästner fue uno de los pocos autores literariosalemanes que vivieron el exilio interior por voluntad propia. Durante doce años se le prohibió escribir ypublicar, no solo en Alemania, sino que los tentáculos del régimen nazi extendieron su prohibición a otros países. En '' La Escuela de los Dictadores '' , un pequeño equipo de personas, comandadas por un ingenioso catedrático con ínfulas, se hace con el poder omnímodo, pretendiendo supervisar y dirigir toda la actividad del pueblo, pero también la de los políticos,de manera que el presidente de esa dictadura imaginaria sea la perfecta marioneta que obedezca a todos losmovimientos previstos por los '' manejantes '' profesionales. Una advertencia para el futuro, ante eseteatro que siempre puede volver a convertirse en un cruel teatro del mundo.
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Peter Weiss hizo este drama propio, en homenaje a Franz Kafka, cuando ya le quedaba muy poco tiempo de vida, a los pocos años de haber hecho él mismo una adaptación teatral de la famosa novela ''El proceso''. La lectura actual de este nuevo proceso es un placer, pero tambien puede formar parte de ese homenaje debido a los grandes escritores revolucionarios, como Peter Weiss.
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«Los sueños de mi prima Aurelia» es una de las obras dramáticas más extraordinarias de Federico García Lorca.Se trata de la última que el poeta escribió, en 1936, antes de su asesinato. Por esta razón, es una obra inacabada, de la que se conservan un acto y un diálogo poético suelto. Pero hay algo más que la hace única: se trata de una autoficción, en la que un niño cuir llamado Federico García Lorca agita «la habitación propia» donde su prima Aurelia (personaje basado en su prima carnal, Aurelia González García) se reúne con sus vecinas para leer novelas durante las fiestas de carnaval del pueblo. Aurelia sueña con un amor libre del yugo del patriarcado. Federico muestra un deseo incontenible.Esta edición parte del manuscrito lorquiano, explica el texto y su contexto, e incluye dos dibujos del pintor Gregorio Prieto basados en la pieza dramática.
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El teatro de Borja Ortiz de Gondra se caracteriza por su exploración de la memoria, la identidad y los conflictos familiares e históricos a través de una escritura reflexiva y una estructura narrativa compleja. Sus obras rompen la linealidad temporal, alternando tiempos, superponiendo acciones y mezclando realidad con imaginación, lo que refuerza la subjetividad del recuerdo y la tensión entre pasado y presente. «El barbero de Picasso» es una comedia sobre la amistad entre Picasso y su peluquero Eugenio Arias durante el exilio, marcada por choques culturales, humor y reflexiones sobre arte, política y la dificultad de entendimiento. En «Miguel de Molina, la copla quebrada», un periodista entrevista a Miguel de Molina en su exilio en Buenos Aires, donde el artista repasa su vida marcada por el éxito, la represión y el exilio, sin entender aún la violencia y el rechazo que sufrió por ser homosexual. «Prodigios» narra la conflictiva relación entre Aurora Rodríguez y su hija Hildegart, marcada por la lucha por el control, la independencia y la reconciliación en medio de tensiones políticas y familiares en la España de los años 1930. «Duda razonable» cuenta la historia de una periodista que recibe una llamada con amenazas en el móvil olvidado de la chica de la limpieza, al intentar ayudarla, se ve envuelta en una red de secretos y dilemas éticos sobre la intervención ante la violencia ajena. En «Memento mori (cámara oscura)», tres mujeres de una misma familia enfrentan heridas personales mientras sus profesiones las llevan a un conflicto en África, donde una fotografía reveladora destapa secretos y cuestiona los límites entre la ética, la verdad y la protección familiar. En «Calpurnia (sueño, premonición y muerte)», Calpurnia, esposa de Julio César, presiente en un sueño la muerte de su marido, en un viaje íntimo entre la realidad y el deseo de detener el tiempo para evitar que lo temido se vuelva realidad. «Identidad» sigue las reflexiones y encuentros de varias mujeres a lo largo de sus vidas, explorando maternidad, secretos, arrepentimientos y búsquedas personales en el contexto de sus relaciones familiares. «Tres días de diciembre» narra las intrigas políticas y las tensiones de poder en la España de 1870, entre lealtades, traiciones y conspiraciones en torno a la transición del régimen.
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Aunque incomprendido en su tiempo, el teatro de Valle-Inclán es una creación genial su obra teatral lo convierte en uno de los mejores dramaturgos en lengua castellana del siglo xx. Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte agrupa cinco piezas que c
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La más bonita historia de amor de la literatura universal vuelve a estar de moda y el texto íntegro de William Shakespeare es de absoluta actualidad. Romeo y Julieta son dos jóvenes pertenecientes a dos familias que se odian desde hace mucho tiempo, los Capuleto y los Montesco. Tan intensa es la enemistad que su amor parece imposible, aunque los jóvenes no pueden evitar sentir lo que sienten. Sin embargo, la forma en que la joven pareja afronta la dificultad es muy distinta a nuestra visión actual. El amor es eterno, la conducta y las costumbres no. Las ilustraciones de Raquel Martín han elevado esta obra impresa a la categoría de joya, al poner en comunicación el texto clásico con unas ilustraciones modernas, sensibles y bellísimas. Esta edición está concebida para fomentar las sesiones de los Clubes de Lectura y los foros literarios de los apasionados por la literatura. Descarga la Guía de Lectura en el QR adjunto.
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Valle-Inclán escribió esta historia siguiendo una idea de Jacinto Benavente: que los grandes autores escribieran teatro infantil que atrajera también a los mayores, algo que se ve plasmado efectivamente en esta obra maravillosa para lectores y espectadores de cualquier edad. Según el crítico Harold Bloom, una obra maestra en literatura suele caracterizarse por una belleza extraña.
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.
