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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Escrita por Federico García Lorca en 1936, poco antes de ser asesinado, La casa de Bernarda Alba es una de las grandes obras del teatro español y universal. La fuerza y el simbolismo de sus personajes femeninos es uno de los rasgos de este texto en el que se ofrece una dolorosa reflexión sobre la libertad, la necesidad de rebeldía y el peso de los límites y prejuicios ajenos. Una obra que aúna lo realista, lo poético e incluso lo mítico y que constituye uno de los más claros ejemplos de la labor renovadora que llevó a cabo Lorca con respecto al teatro de su tiempo. Esta edición, cuidadosamente anotada, ofrece todas las claves para que los lectores más jóvenes puedan adentrarse en el universo lorquiano y emocionarse con su lúcido retrato de las pasiones humanas.¿A qui va dirigit el llibre ?La casa de Bernarda Alba s'adreça a un públic ampli interessat en la literatura dramàtica espanyola, especialment a aquells que aprecien les obres amb un fort component social i psicològic. És adequat per a estudiants de literatura, amants del teatre clàssic i qualsevol lector que desitgi explorar temes com l'opressió femenina, la repressió social i la lluita per la llibertat individual en un context històric específic. L'obra, per la seva complexitat temàtica i riquesa lingüística, també resulta atractiva per a lectors amb un nivell de comprensió lectora avançat. El seu caràcter universal, però, permet que sigui gaudit per un públic divers, independentment de la seva formació acadèmica o experiència amb la literatura.Temes que tracta el llibre La casa de Bernarda Alba explora una sèrie de temes interconnectats que reflecteixen la societat espanyola de principis del segle XX, però que també posseeixen una ressonància universal. Entre els temes més rellevants es troben:L'opressió de la dona: L'obra presenta una crítica ferotge a la societat patriarcal que limita i reprimeix les dones, imposant-los rols socials restrictius i negant-los la seva autonomia. El dol imposat per Bernarda es converteix en un símbol d'aquesta opressió, confinant les filles en un ambient de silenci i submissió.La repressió sexual: El control estricte que Bernarda exerceix sobre la sexualitat de les seves filles és un element central de l'obra. La repressió dels desitjos i la impossibilitat de trobar la llibertat sexual condueixen a la frustració, el conflicte i la tragèdia.La lluita per la llibertat individual: Malgrat l'opressió que les envolta, les filles de Bernarda mostren diferents formes de rebel·lia i cerca d'autonomia. Els seus intents per desafiar les normes socials, encara que amb conseqüències devastadores, revelen la força del desig de llibertat individual.La hipocresia social: La societat retratada a l'obra es caracteritza per la hipocresia i la doble moral. Les aparences i la reputació social es anteposen a la veritat i a l'autenticitat, creant un ambient de tensió i conflicte.La violència social i familiar: La violència no només es manifesta en l'opressió de les dones, sinó també en les relacions familiars. La tirànica Bernarda exerceix un control absolut sobre les seves filles, generant un ambient de por i tensió que desemboca en la tragèdia.El poder i l'autoritat: La figura de Bernarda Alba representa el poder absolut i l'autoritat implacable. El seu domini sobre la seva família i el seu entorn reflecteix l'estructura de poder de la societat en què viu.La mort i la frustració: La mort, tant física com metafòrica, és un tema recurrent a l'obra. La frustració dels desitjos i la impossibilitat d'aconseguir la felicitat condueixen a un desenllaç tràgic.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Encara no hi ha opinions o crítiques sobre La casa de Bernarda Alba.
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La estanquera de Vallecas es el primer gran éxito en la línea de un teatro popular y humorístico en la trayectoria de Alonso de Santos, sin duda, uno de los nombres más importantes del teatro español actual. Basada en un hecho real que terminó de forma tr
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Hamlet traza el admirable retrato de un legendario príncipe de Dinamarca soñador, contemplativo, sumido en dudas e irresoluciones, que, obligado a esclarecer los motivos que llevaron a la muerte de su padre, sucumbe ante la fatalidad de las circunstancias. Su ambigüedad, su ambivalencia y su desorientación lo aproximan notablemente a la sensibilidad de nuestra época.
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Planteada como una crónica sentimental de la guerra civil desde la memoria republicana, tiene mucho de ajuste de cuentas con la Historia, pero también con nuestra propia época, con el teatro español y con la trayectoria personal de su autor. Esta edición
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Elogiada en su día por la mejor crítica, desde Unamuno a E. Díez-Canedo, «Yerma» (1934) es, tal como la definiera el propio Federico García Lorca (1898-1936), «la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad» dentro de ese dramático juego universal en el que se mueven las criaturas lorquianas: la oposición entre las fuerzas de la vida, con su destino de libertad, y la opresión que sobre esas fuerzas se vuelca incluso hasta llegar a la muerte. A cargo de Mario Hernández, la presente edición de esta obra dramática fija su texto de forma escrupulosa y se enriquece con una serie de entrevistas con el poeta rescatadas de la prensa española de los años 1934 y 1935.
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És un matí de setembre i fa una calor insuportable als arrossars. Quan el cotxe se’ls avaria en una carretera de terra, Isabel i Gerard no podran esquivar els problemes que els acacen. Tots dos són professors d’Art Dramàtic d’una de les escoles d’interpretació més prestigioses del país, i també figures importants i referents de l’escena teatral. Aquesta setmana, però, s’han fet públiques unes denúncies que canviaran les seues vides per sempre. La veritat esclatarà en aquella carretera solitària i perduda en el laberint de camps d’arròs daurats llestos per a la sega.Una carretera sense arbres és la poderosa obra de teatre amb què Clàudia Serra ha captivat crítica i públic. Un text carregat de veritat, però també de matisos, que s’endinsa en les diferents cares de l’abús de poder per parlar-nos de les conseqüències dels silencis i les complicitats que l’acompanyen. Una premiada creació escènica que, estrenada per la companyia Lluna Plena, ha recorregut el territori agitant emocions i removent consciències. Una història necessària sobre supèrbies i violències quotidianes, que ens posa davant l’espill d’uns personatges que esdevenen dues bèsties a punt d’explotar.
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Luces de bohemia, escrita en 1920, es una obra clave en la historia del teatro español y universal. Su singularidad impidió que fuera escenificada hasta 1963 (en París) y, posteriormente, en Valencia de forma comercial (1970). El teatro español no supo comprender un texto que planteaba conflictos éticos, estéticos y técnicos de difícil representación. La obra es una denuncia moral, cultural, ideológica y estética de la sociedad española de la época (extensible a la sociedad actual y a otros países) por razón de los abusos del poder político y económico, la mediatización de la cultura y de la información, el conflicto religioso, las diferencias de clase y la pobreza cultural y artística. Un mundo en que reinan la miseria, el egoísmo y la falsedad. La variedad de espacios resultó en 1920 desconcertante: trece distintos para quince escenas. La lista de personajes se desboca, pues aparecen unos cincuenta, además de grupos de poetas modernistas, guardias e incluso diversos animales. Luces de bohemia no se adscribe a ningún género convencional, pues crea un nuevo modelo: el esperpento. El innovador lenguaje, derivado del modernismo y del simbolismo, y personalizado con la estética del esperpento, dota, en fin, a las acotaciones y a los diálogos de una gran elevación literaria por su riqueza de registros y originalidad.El texto editado sigue fielmente la impresión de 1924, aunque se han corregido algunas erratas evidentes, se acompaña con notas y orientaciones para ayudar a los lectores a entender pasajes oscuros y de difícil comprensión, y se completa con un comentario de texto del famoso fragmento en que Valle-Inclán define el esperpento. El volumen incluye una detallada Introducción, Bibliografía, Tabla cronológica, Textos complementarios y una cuidadosa Guía de actividades, que abarca numerosas destrezas y facilita el entendimiento del texto y la reflexión sobre la educación en valores. Contiene asimismo un Glosario que explica el significado de los nombres de los personajes.
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UN CLÀSSIC DEL TEATRE CATALÀ PER A ESTUDIANTSL'arribada d'un circ ambulant a un poble vulgar i ensopit trasbalsa la vida d'en Joanet, el fill de l'alcalde, que ja somiava amb una vida lliure i sense lligams. A L'alegria que passa Rusiñol reelabora un dels temes centrals de la literatura modernista: el conflicte entre l'artista i la societat. En aquesta edició presentem el text amb notes i un estudi introductori a càrrec de Joan Oriol i Giralt, i també unes activitats adreçades especialment a l'alumnat de Batxillerat.
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Bajo la apariencia de un matrimonio idél en el que todo acontece según lo convenido por la sociedad, se esconden los anhelos de rélización de Nora, la protagonista, de dejar de vivir como una muñeca en esa casa de mentira que, entre todos, han construido para éla. Un alegato a favor déla libertad délas mujeres y en contra déla hipocresía y los roles impuestos en las aparentemente perfectas familias burguesas.
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Una colla d’amics es reuneix per celebrar un sopar de benvinguda el dia que la Beth torna a casa després d'haver estat ingressada per un trastorn psiquiàtric durant dos mesos. Però la festa sorpresa es complica quan un dels amics confessa un secret inesperat i acaben sortint els draps bruts de tots els personatges. En un to de comèdia realista, l’obra posa en dubte els valors de l’amistat i la sinceritat en una història d'egos i enveges que constata que la soledat i la necessitat d’afecte poden fer que tots plegats ens convertim en animals de companyia.
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Drama rural considerado una de las cumbres delteatro español del siglo XX.Edición connotas explicativas y de vocabulario, introducción, apéndice y actividades.Federico García Lorca terminó La casa de Bernarda Alba el 19 de junio de 1936, es decir, dos meses antes de ser asesinado. El escritor granadino estaba convencido de haberhecho una de sus mejores obras, un ''drama rural'' que se ocupa de temas graves como el sufrimiento y la muerte de los seres humanos, pero también aborda el amor imposible, el atávico deseo de conservar el honor,el libre albedrío de la mujer ante el varón dominante... De esta obra afirmó Gonzalo Torrente Ballester en su momento que era ''la pieza más importantede nuestro teatro contemporáneo''.(Edición deAntonio A. Gómez Yebra)
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La fecha de composición de Macbeth puede fijarse con bastante certeza en la segunda mitad del año 1606. Como en otros de sus dramas históricos, Shakespeare se sirvió de antiguas crónicas para crear unatragedia en que no cabe duda sobre dónde se sitúa elbien y dónde el mal. En el culpable siempre se trasluce el ser humano que sufre también con el mal, transmitiendo la inquietud que provoca la relación entre fatalidad, voluntad personal y culpabilidad.
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Cuando baja el telón, el espectador de 'Bodas de sangre' siente que ha asistido a la representación de un rito antiquísimo y renovado, casi a un sacrificio, cuyo significado último es simple y terrible: el amor más intenso solo es posible a costa de la vida, quienes se ven envueltos en el torbellino del amor acaban siendo sus víctimas. En 'La casa de Bernarda Alba' no hay cabida para los buenos sentimientos. La dictadura de la madre ha envenenado la convivencia para siempre. La obra se cierra, como se abrió, con un luto: ¡Nos hundiremos todas en un mar de luto!, ella, la hija menor de Bernarda Alba, ha muerto virgen. La dictadora es incapaz de aceptar que la realidad, a su alrededor, siga un curso distinto del que ella le ha marcado. Es necesario seguir fingiendo que allí no ocurre nada anormal, que nada ha perturbado, ni con su cara risueña -el hijo que probablemente esperaba Adela- ni con su cara oscura -el suicidio-, el orden impuesto por la autoridad indiscutible.
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Una de las mejores tragedias de William Shakespeare y de la literatura universal. Introducción de Carol Chillington Rutter, catedrática de la Universidad de Warwick Versión y epílogo de Agustín García Calvo, catedrático en Francia y España La tragedia de Macbeth, un violento y sanguinario mapa de la ambición humana, empieza en el preciso instante en que las hermanas fatídicas le revelan el esplendoroso futuro que le aguarda. Sus palabras parecen un canto de sirena surgido de las profundidades del infierno, una seducción que cualquier hombre sensato desoiría. Pero cuando se cumple la primera predicción y el rey Duncan le nombra barón de Cáudor para recompensar su inteligencia y destreza en el campo de batalla, las dudas, la codicia y la obsesión se apoderan de Macbeth y de su ávida esposa. Frente al magnífico texto original presentamos la versión rítmica de Agustín García Calvo, uno de los humanistas más destacados del panorama español. Asimismo, viene acompañada de una introducción de Carol Chillington Rutter, catedrática de literatura inglesa de la Universidad de Warwick.
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YERMA, cuerpo de tragedia típica que yo he vestido con ropajes modernos es, sobre todas las cosas, la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad. Un alma en la que se cebó el Destino, señalándola para víctima de lo infecundo. Y es de ahí, del contraste de lo estéril y lo vivificante, de donde extraigo el perfil trágico de la obra.Federico García Lorca(Entrevista a Alfredo Muñiz, 1934)Vista desde el ángulo más directo y más humano, YERMA está incompleta porque no tiene, ni va a tener, un hijo. Sin embargo, le falta mucho más que un hijo: le falta todo lo que lo haría posible: el amor, la ternura, la compasión, la pasión, la liberación, la curiosidad de explorar “la experiencia que se encuentra más allá de los límites familiares”.
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Una obra curta i deliciosa sobre el lloc de cadascú al món, l'èxit i el fracàs i la relació amb els altres«Sempre m'han fascinat els figurants. Quan miro una pel·lícula arriba un moment en què un rostre, un gest, una silueta, em crida l'atenció. Els figurants apareixen d'esquena o només de passada. Invisibles i essencials alhora, formen part indiscutible de l'escena, però han de fondre's. Semblar reals tot passant desapercebuts.»En el seu debut com a dramaturga, Delphine de Vigan ens planteja un dia en la vida de cinc figurants en un plató de rodatge. Qui són? Per què van triar aquesta feina? A mesura que s'obren i parlen ens van revelant els seus desitjos, les seves pors i la necessitat d'atrapar, ni que sigui per un instant, la llum dels focus.
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Jordi Camps venia d'una nissaga de pagesos. Amb una branca provinent de l'Alt Berguedà i una altra del Lluçanès, la família Camps-Domènech va començar el seu camí l'any 1934 a Sagàs (Berguedà). El fet d'haver nascut en plena Guerra Civil va comportar que copsés,amb ulls de nen, les conseqüències de tenir el pare al front i del fet que,acabada la guerra i amb el pare empresonat durant anys, tota la família patís a causa de pertànyer al bàndol republicà. En aquest context va passar la infantesa i la primera adolescència, període en què començà a forjar internament la necessitat de deixar constància escrita d'allò viscut. Aquest objectiu, al qual dona resposta aquest llibre pòstum, l'acompanyaria al llarg de tota la vida. L'obra és, doncs, com l'espiga vermella que cercava amb afany comuna cosa preuada quan, en els hiverns de postguerra, s'ajuntava amb la família per espellofar les espigues de blat de moro collides a la tardor.
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Pedro Muñoz Seca (1881-1936) recogió los últimos restos del género chico para crear el astracán , género teatral con un fuerte acento sobre el componente humorístico. La venganza de Don Mendo , estrenada en el Teatro de la Comedia en 1918, es su obra más famosa, y une a una divertidísima trama un recorrido por casi todos los metros y formas estróficas de la poesía castellana. Completan esta edición las páginas conservadas de El pendón de Don Fruela , obra inédita que parodia también un drama histórico.
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Mort accidental d'un anarquista és una obra de teatre satiricopolítica de Dario Fo que va estrenar-se el desembre del 1970, coincidint amb el primer aniversari de la mort de Giuseppe Pinelli, un anarquista que va ser detingut per la policia i acusat de l'atemptat de la Piazza Fontana de Milà i que va morir després de precipitar-se des del quart pis de la comissaria on estava sent interrogat. Oficialment, es va tractar primer d'un suïcidi i després d'una caiguda accidental.L'obra de Fo s'inspira en aquests fets i en una situació semblant que havia ocorregut a Nova York el 1921, i ens convida a reflexionar sobre la repressió policial i la distorsió de la realitat per part dels poders públics mitjançant el personatge d'un «boig entenimentat» que es troba detingut a la comissaria de policia per impostor i que, amb el seu enginy i lucidesa, acaba desmuntant el fals relat policial del suïcidi de l'anarquista.
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Macbeth cuenta una historia de crimen y castigo entreverada de brujería y elementos sobrenaturales. Amparado en las engañosas profecías délas Hermanas Fatídías, brujas o diosas del destino, Macbeth decide asesinar a su rey y tomar la corona. Consciente del horror al que se entrega, forja su terrible destino y se deja poseer por el mal que nace del ansia de poder, creyéndose invencible y eterno.Esta obra tenebrosa e inquietante, de acción vertiginosa, es también profundamente introspectiva. A través de un lenguaje metafórico y señorial, la obra indaga en lo prohibido, explora la transgresión y ofrecéla oportunidad única de compartir la vida interior de un asesino, con su horror y su misterio.
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NUEVO FORMATO DE LA COLECCIÓN La condesa Diana de Belflor padece una lucha interior entre el amor que siente hacia su secretario, Teodoro, y los convencionalismos sociales que le impiden contraer matrimonio con él. Pero, a la vez, Diana tampoco acepta
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En 1634, un año antes de su muerte, Lope de Vega publicó ''La Gatomaquia'', una epopeya burlesca en siete silvas sobre amores gatunos en los tejados de Madrid. La obrita fue un éxito y los lectores reconocieron en ella la mejor épica cómica de nuestras letras. una pareja de amantes se rompe por la intromisión de un galán pudiente. Las escenas incluyen una célebre batalla de gatos, graciosas bravatas y tremendos desafíos. ''La Gatomaquia'' ofrece este humor (cándido y negro) y mucho más: sátira social y literaria, comentarios metapoéticos sobre la digresión o el ornato, y muchas ácidas reflexiones sobre las ambiciones cortesanas del viejo Lope.
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Denise Despeyroux ha construido en los últimos años una de las trayectorias más singulares de la dramaturgia contemporánea. Su teatro, traducido, representado y estudiado en numerosos países, se caracteriza por esa mezcla de humor inquietante, hondura filosófica y ternura inesperada que lo hace inconfundible. «Teatro denisíaco» reúne siete piezas fundamentales escritas entre 2015 y 2025, precedidas por un prólogo que funciona como confesión íntima y manifiesto estético. Allí, la autora evoca el mito de Ariadna y el laberinto como metáforas de la creación y la vida, invitando al lector y al espectador a perderse en un territorio donde la verdad aparece disfrazada de paradoja, y la comedia convive con la herida. Las obras aquí reunidas —«La tentación de vivir», «El planeta añil», «Paciencia debe morir», «Tiempos mezquinos», «La omisión del si bemol tres», «Salvar a Apollinaire» y «Misericordia»— componen un mosaico de personajes que buscan, tropiezan y a veces se reinventan. Desde la comedia romántica teñida de desesperación hasta los juegos de la memoria y la traición, el teatro de Despeyroux se sostiene en un pulso verbal deslumbrante y en una estructura dramática que sorprende por su libertad. Lo que comienza como una situación reconocible -una conversación de pareja, una reunión de terapia, una sala de hospital- se transforma pronto en un territorio de extrañeza, donde lo cotidiano roza lo absurdo y lo fantástico para revelar el fondo de la experiencia humana. Su teatro interroga la identidad, el deseo, la fragilidad y la esperanza con una escritura que no teme a la confesión ni a la ironía, a la ternura ni a la crueldad. Como el hilo de Ariadna, estas obras trazan un recorrido posible para escapar del laberinto y, al mismo tiempo, enseñan que quizás el verdadero viaje consista en aprender a habitarlo. «Teatro denisíaco» es, así, una invitación a entrar en un universo propio, donde el amor y la traición, la memoria y el olvido, lo sagrado y lo cómico, se entrelazan en un mismo gesto teatral.
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La historia de Romeo y Julieta puede que sea la historia de amor por excelencia. Pero también es una historia de odio y muerte, de trágicos presagios, fatalesmalentendidos y violencia. Shakespeare nos sumerge enlas calles de una Verona indefinida donde el amor esprohibido e inmortal, las sombras de la noche son cómplices de los amantes frente a la luz traicionera del alba, los caminos se tiñen con el rojo amargo y crepuscular de la sangre, y el odio y la ira entre familias arrastran a los personajes a rendir cuentas antesu irónico y trágico destino.
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Sobre un cantar de gran difusión e intrigante origen que sirve de lugar de encuentro del autor y su público, amor, muerte y destino son los pilares de la ironía trágica en ", El Caballero de Olmedo ", . Pocas tramas de Lope son más límpidas y sencillas y, sin embargo, más ricas. En la presente edición el profesor Francisco Rico hace un estudio muy documentado del núcleo literario de la comedia y aporta conclusiones nuevas sobre la génesis e historia de la leyenda del Caballero, situando en esas coordenadas la que muchos consideran la obra maestra del teatro de Lope.
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'El enfermo imaginario'' es la obra por antonomasia de Molière, así como una de las más famosas y representadas de la historia del teatro. Escrita en el periodo de máxima madurez creativa de su autor, esta comedia, que critica y satiriza a los médicos de su tiempo, se centra en la irónica situación vital de su protagonista, Argán, un hipocondriaco a quien el miedo a las enfermedades y a la muerte le impide disfrutar de la vida.
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Cuando Tartufo aún estaba prohibido, al día siguiente del estreno de Don Juan o el Festín de piedra (1665), la censura empezó por eliminar algunas frases. Tras la séptima función, se le indicó discretamente a Molière que echase definitivamente el telón sobre la obra. El seductor les parecía un hombre sin costumbres, sin conciencia ni religión, capaz de creer únicamente en que ''dos y dos son cuatro''. En Anfitrión los cortesanos vieron los escarceos iniciales de Luis XIV tras una dama de compañía de la reina. La anécdota no es un reproche de Molièrea su protector: la incrusta de forma natural en el esquema heredado de Plauto para construir una comedia galante.
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George Bernard Shaw predicó con convicción que la controversia y la polémica (que abundaban en su teatro) eran un requisito previo para el progreso social, político y cultural. Fue defensor de muchas causas que en su época (y algunas aún hoy) parecían adelantadas a su tiempo: el vegetarianismo, la reforma del alfabeto... y también el sufragio femenino y la independencia de las mujeres. Vivió casi cien años y acabó convirtiéndose en el escritor inglés más prolífico de todos los tiempos. Murió en 1950, después de haber ganado el Nobel en 1925 y el Óscar por su participación en la redacción del guion de la adaptación cinematográfica de Pigmalión de 1938. Pigmalión satiriza el sistema de clases inglés y la artificiosidad con el que este dividía a las personas, a la vez que celebra el individualismo que es capaz de romper con esas cadenas, personificado en Liza, la florista protagonista. Shaw critica la rigidez de un sistema en el que la brecha entre los pobres y la alta sociedad no solo se debe a una cuestión económica, sino también a diferencias estructurales imposibles, en un principio, de sortear. El protagonista, Henry Higgins, un afamado y peculiar fonetista, se embarca en una apuesta y acoge a Liza para, a través de clases de fonética, poder hacerla pasar por una duquesa en una fiesta. Shaw reescribe así el mito latino recogido en las Metamorfosis de Ovidio: Higgins, un misógino irredento, será su peculiar Pigmalión, y Eliza Doolittle su Galatea.
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''El rey Lear ''se basa en un cuento popular que aparece incorporado a la historia antigua de Inglaterra desde el siglo XII. Cuentan las crónicas que el viejo Lear quiso conocer el grado de afecto de sus treshijas para designar sucesora a quien más le quisiera.Dos se deshicieron en halagos y la menor le contestóque le quería como padre y nada más. Le pareció pocoal rey, que la castigó. El tiempo vendría a demostrar más tarde que era la única digna del trono que, porfin, tras una guerra con las hermanas, consiguió. Shakespeare amplía la trama e infunde a la historia unavisión muy personal. Lo que en definitiva presenta es una experiencia extrema de dolor, locura y destrucción expresada crudamente y sin reservas. Traducción yedición de Ángel-Luis Pujante, premio Nacional de Traducción.
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Luces de bohemia es un esperpento trágico de la vida literaria de la época. Al degradarse la realidad aparece la farsa y, en un segundo nivel, el esperpento, «Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento». Max Estrella, soñador perdido en un Madrid absurdo y hambriento. Mª Luisa Sotelo, profesora de Filología Hispánica de la Universidad de Barcelona, presenta las claves principales de esta obra en esta edición educativa.
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Una cuidada edición bilingüe de la tragedia más célebre de la literatura. Introducción de Adrian Poole, catedrático del Trinity College de Cambridge Edición de Josep María Jaumà, catedrático de la Universitat Autònoma de Barcelona El tiempo no ha cerrado las heridas de los Montesco y los Capuleto, dos familias de Verona enemistadas por antiguos pleitos cuyo origen ya casi nadie alcanza a recordar. Con el odio llegó la violencia, y con la violencia, las primeras víctimas inocentes. Pero del odio nació también el amor entre dos jóvenes predestinados a la desventura: Romeo y Julieta. La suya es una de las historias más populares de todos los tiempos, a la vez que su trágico desenlace se ha convertido en un hito de la literatura universal, «pues jamás hubo tan triste suceso como este de Julieta y de Romeo». Presentada en la extraordinaria versión del traductor Josep Maria Jaumà, esta edición bilingüe se abre con la esclarecedora introducción de Adrian Poole, catedrático del Trinity College de Cambridge, quien nos acerca a este gran canto a la juventud, a la pasión, al amor y a los peligros insoslayables del odio.
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Teatre reunit (1985-2018). La trentena i escaig de títols escrits per Sergi Belbel al llarg de trenta-set anys de dedicació -dels quals aquest volum aplega una mostra ben significativa- informen d'un dramaturg que ha tocat gairebé totes les tecles des del punt de vista textual i formal, entorn de qüestions i obsessions personals tractades segons les formes més diverses en el moment de la creació artística. No és un autor que s'hagi limitat a oferir un únic registre o un model teatral determinat. Tot hi pot cabre en els seus interessos com a autor, els mateixos que té com a director. Una actitud oberta, que es refia molt de la seva capacitat d'oferir al lector/espectador més amatent l'oportunitat de amb les històries, els personatges per representar i el llenguatge teatral.
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Max Estrella, un anciano poeta ciego, recorre las calles de un Madrid decadente acompañado por su fiel amigo don Latino de Hispalis. Max se enfrentará a la dureza de la vida en una ciudad donde abunda la miseria. En su camino, mantendrá conversaciones que revelarán las injusticias y contradicciones de la sociedad de principios del siglo XX.Una obra cumbre de la literatura española que inaugura el género del «esperpento», caracterizado por una representación deformada y grotesca de la realidad. Esta edición escolar, con análisis del profesor Jesús Peris Llorca, invita a los estudiantes a explorar el estilo único de Valle-Inclán y a comprender su incisiva crítica social.
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Los mejores libros jamás escritos. «Tú vivirás -mi pluma es garantía-en tanto haya una boca que respira.»Soneto LXXXI El mayor dramaturgo de todos los tiemposfue también un extraordinario poeta, y como tal ya habría pasado a la posteridad. La fluidez que muestra al enlazar versos sobre el escenario encuentra su vertiente más íntima en la lírica. Las cuestiones inherentes a la condición humana son perfiladas por un Shakespeare que, sin ocultarse detrás de personajes ficcionales, descubre sus más profundas inquietudes sobre el amor, la muerte, la pervivencia y el inexorable paso del tiempo. Poesías es el último volumen de una colección de cinco que reúne la obra completa de Shakespeare. Aquí se incluyen Venus y Adonis, La violación de Lucrecia, los Sonetos, Lamento de una amante y El fénix y el tórtolo. Esta edición bilingüe, a cargo de Andreu Jaume, quien firma también la introducción, presenta las mejores traducciones contemporáneas, respectando el verso original. Un festín para los amantes de las buenas letras.
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Cuando en 1953 se estrenó en París Esperando a Godot, pocos sabían quién era Samuel Beckett, salvo, quizá, los que ya lo conocías como ex secretario de otro irlandés no menos genial: James Joyce. Por aquellas fechas, Beckett tenía escrita ya gran parte de
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.