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Libros de arte
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¿Qué es un comisario de arte? Una aproximación lúdica y divulgativa a partir de la vida y la obra de algunos de los artistas más destacados del siglo XX. Si como decía Joseph Beuys todo el mundo es artista, ¿también todo el mundo es curator? ¿Qué es un curator, un comisario de exposiciones? ¿El comisario es un autor? ¿Y qué tipo de autor es?David G. Torrres, profesor y comisario, propone diversos recorridos por el arte contemporáneo desde el advenimiento de la modernidad en un libro ameno y sugerente en forma de collage de historias e itinerarios. Y desvela que tal vez todos han sido comisarios.En sus páginas van asomando Baudelaire el paseante de la ciudad, Marcel Duchamp frente a Picasso, Joseph Beuys desnudo en una playa africana, Michel Foucault consumiendo LSD en el Death Valley, Guy Debord el visionario alcoholizado, un Pollock enfadadísimo y Niki de Saint Phalle disparando alegremente a sus pinturas, el rostro siniestro de Carl Andre frente a Ana Mendieta, Carolee Schneemann, Marjorie Strider, Tracey Emin, Chiara Fumai y un Francis Bacon que dijo aquello de que pintar es una forma de comunicarse y una forma de hacer amigos a través del tiempo y el espacio.
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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¿Qué prácticas e historias convocan aquellos espacios ni del todo funcionales ni olvidados del todo, suspendidos entre el abandono y la finalización? Allí donde se interrumpe la secuencia planificación-construccióninauguración, proliferan las promesas, la especulación, el desánimo o el activismo. Estos espacios inacabados pueden cobrar una nueva vida en forma de proyecciones de futuro, recuerdos nostálgicos o formas varias de reapropiación. Lejos de un simple fracaso, cabe pensar la suspensión como un estado de contingencia y posibilidad. Su futuro es desconocido e incognoscible, pero no por ello menos material o experienciable. El carácter incierto de los espacios en suspensión —urbanizaciones truncadas, infraestructuras a medias, proyectos anunciados, pero nunca construidos— puede, de hecho, convertirse en una plataforma para la experimentación e invención de nuevos usos, significados, afectos o colectividades.
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Edición en inglés.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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Me he perdido en Venecia, pero ¿hay algo más mágico que perderse aquí? En el cielo veo una bandada de palomas, por lo que no debo de estar muy lejos de la plaza de San Marcos. Los gatos venecianos me guían por los canales y siento que la realidad va quedando fuera de este laberinto que se disfraza de ciudad... La isla de Burano, el puente de Rialto, Campo San Polo, la plaza de San Marcos… cae el sol sobre Venecia, desde sus edificios más emblemáticos hasta los rincones más desapercibidos, pasando por sus encantadoras plazas. David Pintor está ahí para captar con su lápiz y su paleta de colores cómo la luz languidece. Pero la mirada que nos ofrece está tocada por una suerte de magia que hace que las sombras fluyan sobre el agua de los canales, que los balcones y las terrazas dancen sobre los tejados.
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¿Explora el arte del dibujo con lápices de colores Nathalie Ravier, artista y profesora de dibujo, te revela todos sus secretos para dominar los lápices de colores. Aprenderás diferentes técnicas siguiendo modelos paso a paso, agrupados en cuatro grandes temas: plantas y vegetales, mundo animal, paisajes de aquí y de allá, y el huerto y el vergel. Tengas o no experiencia, este libro te enseñará todo lo necesario para transformar tus dibujos en auténticas obras de arte. En este libro encontrarás: una guía de materiales y de técnicas básicas: aprovecha la experiencia de una artista para equiparte con las mejores herramientas prácticas y teóricas, 34 modelos paso a paso: para crear dibujos desde cero hasta los retoques finales, detalle a detalle, y consejos prácticos: aprende a combinar colores, a jugar con las luces y las sombras, y a dar relieve a tus creaciones. c
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Por su gracia, su belleza y su aire de misterio, los gatos han sido venerados por artistas de todos por los tiempos. Estas fascinantes criaturas han sido musas de grandes pintores como Andy Warhol, Leonardo Da Vinci o David Hockney, y protagonistas de formidables historias, como los cuentos que Mark Twain contaba a sus hijas a la hora de dormir o la fascinación que sentía Edwar Lear por su gatito Foss.Entre ilustraciones, pinturas, anécdota y frases, este libro no es solo una compilación de las obras de motivos felinos más formidables, es también una oda al carisma y el carácter de estos seres asombrosos y nuestra relación con ellos.
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« Vélasquez à lui seul vaut le voyage : c’est le peintre des peintres [...] Je vais demain faire une excursion à Tolède. Là, je verrai Gréco et Goya très bienreprésentés, m’a-t-on dit. Madrid est une ville agréable, pleine de distractions. Le Prado, charmante promenade couverte de très jolies femmes toutes en mantilles, ce qui est d’un aspect très original, dans les rues encore beaucoup de costumes, les toreros qui euxaussi ont un costume de ville curieux. »
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Nadia Scit desvela en este libro las claves alquímicas para poder entender las metáforas de cada una de las escenas de este cuadro del Bosco. El jardín alquímico de las delicias es un libro basado en los principios alquímicos que el Bosco conocía muy bien, cuya interpretación ha dado lugar a controversias que han perdurado más de quinientos años
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La historia del siglo XX, contada a través de una pintura. La novela gráfica más premiada de la temporada en Francia: la obra maestra de un autor de culto, superviviente a los atentados de Charlie Hebdo. Todo comenzó en 1919 en un bosque a las afueras de Berlín, cuando un joven pintor expresionista de origen gitano pintó el cuadro Dos mujeres desnudas. El pintor existió realmente y se llamaba Otto Müller. Todo lo que vemos en esta novela gráfica está contado desde el punto de vista de ese cuadro. Desde el estudio del artista hasta las paredes de la oficina de su primer propietario, la pintura observa la vida cotidiana antes de ser arrastrada por las tribulaciones de este periodo oscuro: el ascenso de Hitler al poder, el arte moderno calificado de «degenerado» por los nazis, el expolio de las familias judías, exposiciones y ventas, incendios...
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Desde pequeños carboneros, petirrojos o jilgueros hasta imponentes ejemplares de cuervos o búhos, AVES EN EL ARTE ofrece una variada selección de obras en las que el ave es el gran protagonista. Artistas como Picasso, Klimt, Dürer, Degas o Magritte, entre muchos otros, rindieron homenaje a estos curiosos y distantes animales, cuyo simbolismo es hoy más potente que nunca y cuyas representaciones incluyen elementos tan dispares como lo salvaje y lo doméstico, lo depredador y lo bello, la tierra y el aire.
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![Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd527d740/images/large/1575831.10.jpg?sh=240 "Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]")
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Edición a cargo de Andrés Úbeda, Jefe de Colección de Pintura Italiana del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado, y Javier Jordán de Urríes, Conservador de Patrimonio Nacional.Inglés (también disponible en español). Rústica. 24 x 30 cm. 488 páginas.Catálogo publicado con motivo de la exposición Antonio Raphael Mengs (1728-1779), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 25 de noviembre de 2025 y el 1 de marzo de 2026.
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Conviene volver a mirar y, especial mente, disfrutar (una vez más) de los “maestros antiguos”, sin miedo a ser tildado de “viejuno”. Flaubert decía que el primer propósito del arte era hacer que vieras (faire voir) y después hacerte soñar (faire rêver). No importa que la “mano del arte” no agarre nada, porque su “cacería” lo que hace es revelar el fondo.
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Publicado con motivo de la exposición Del lapicero al buril. El dibujo para grabar en tiempos de Goya, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 17 de octubre de 2023 y el 14 de enero de 2024.En la segunda mitad del siglo XVIII España se liberó de la dependencia que había tenido del extranjero en el ámbito del grabado. La formación de dibujantes y grabadores cualificados, encabezados por Manuel Salvador Carmona, permitió acompañar con estampas los importantes proyectos culturales y científicos promovidos por el pensamiento ilustrado, cuyo epílogo será la publicación de los Caprichos de Francisco de Goya en 1799. Si las estampas de esa época son bien conocidas, no lo son tanto los dibujos para grabar que les sirvieron de punto de partida. Su carácter utilitario los ha relegado a un segundo plano en la historia del arte. Y, sin embargo, de sus cualidades depende absolutamente la calidad del grabado, sin un buen dibujo es imposible obtener una buena estampa.En Del lapicero al buril —dos de los instrumentos más utilizados por dibujantes y grabadores— se muestran los distintos usos que tuvieron los dibujos en el proceso de creación del grabado, desde los que realizaban los artistas que inventaban las imágenes hasta los elaborados por los propios grabadores en sus talleres. La variedad de técnicas utilizadas así como su adecuación a los temas que representan sirven también para ofrecer un recorrido sobre el dibujo español en tiempos de Goya
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Las mariposas han cautivado a la gente durante miles de años, cautivando la imaginación humana durante tanto tiempo que están profundamente entrelazadas con nuestra cultura e historia. Butterfly profundiza en este amor perdurable por las mariposas, polillas y orugas, llevando a los lectores en un viaje a través de continentes y culturas para descubrir las infinitas maneras en que artistas e imágenes a lo largo de la historia, desde el antiguo Egipto hace más de 4000 años hasta la actualidad, se han inspirado en estos etéreos insectos.Con más de 250 entradas, cada una representada con una magnífica imagen a gran escala, este extenso estudio visual abarca una amplia gama de estilos y medios, incluyendo pinturas, ilustraciones botánicas, esculturas, fotografía de naturaleza, libros infantiles, textiles y joyería. Combinadas ingeniosamente para resaltar los contrastes y similitudes que invitan a la reflexión, independientemente de la época, las imágenes muestran mariposas y polillas —desde la morfo azul y la monarca hasta la polilla calavera— en todas las etapas de su ciclo vital. Los vibrantes colores del clásico infantil de Eric Carle, La oruga muy hambrienta, complementan la alegría de un collage de mariposas del artista pop británico Peter Blake, mientras que la figura de la diosa Mariposa de Obsidiana, tallada en piedra en el México del siglo XIV, coincide a la perfección con la de una polilla al caer, capturada en una hermosa fotografía en blanco y negro del artista japonés Chuji Yasui.Los artistas destacados incluyen: María Berrio, Peter Blake, Lee Bontecou, ??Alexander Calder, Caroline Cheng, Rebecca Coles, Salvador Dalí, Mat Collishaw, Jean Dubuffet, M. C. Escher, Gyoshu Hayami, Sheila Hicks, Damien Hirst, Frida Kahlo, René Lalique, Iela Mari, Wardell Milan, Berthe Morisot, Maria van Oosterwijck, Gabriel Orozco, Man Ray, Yinka Shonibare y Vincent van Gogh, entre otros.Los asesores incluyen: Dr. Giovanni Aloi, Dr. David G. James, Dra. Ivonne Garzón Orduña, Profesora Naomi Pierce, Tamar van Riessen y Nate MossIncluye textos de Dr. David G. James, Tamar van Riessen y Nate Moss y textos adicionales de: Dr. Giovanni Aloi, Sara Bader, Matthew Biggs, Anita Croy, Jennifer Elias, Diane Fortenberry, Carolyn Fry, Catherine Ingram, Rebecca Morrill, Nate Moss, Tamar van Riessen, Hannah Silver, James Smith, David Trigg y Martin Walters
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Manual de referencia para artistas y diseñadores, esta nueva edición de este clásico sobre combinación cromática revisa todas las bases de la teoría del color y se actualiza con nuevos colores, paletas y herramientas que te permitirán ganar seguridad en tus elecciones cromáticas. Contenidos principales: El círculo cromático Cómo usar el color La carta de colores El proceso Aspectos del color Combinaciones cromáticas ¿Cuál es tu color? Efectos especiales para colores Estados de ánimo y color Psicología del color Tendencias cromáticas Tabla de conversión de cuatricromía Muestras de color
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¿Te apetece pintar con acuarelas? No es difícil pintar preciosos motivos con acuarelas. Con algunos trucos, un poco de práctica y los colores adecuados podemos crear motivos realmente mágicos. Este nuevo libro de la exitosa autora Tanja Geier te brinda inspiración a raudales, para que puedas aplicarla en todos tus trabajos. Las explicaciones y el material te aportarán los conocimientos necesarios para poder pintar con acuarelas todo tipo de frutas, flores, animales y objetos. Y lo mejor de todo es que podrás crear estos motivos en unos pocos pasos. Solo nos queda buscar los pinceles y ponernos a pintar.
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Razones y sin razones por las que el mejor torero que hemos visto se convirtió en fenómeno de masas, en ídolo contracultural y en representación artística extrema.Morante de la Puebla no es solo un torero. Es un acontecimiento. Una categoría. Una religión civil. Un artista que ha atravesado el tiempo y el toreo hasta convertirse en una figura social, política, estética y cultural de primer orden. La conversión de Morante de la Puebla en fenómeno de masas, en ídolo contracultural, en icono transversal ha coincidido con su temporada más arrebatadora, la de 2025. Rubén Amón ha querido capturar el instante antes de que se disuelva. Narrar lo que ha pasado sin que nadie haya sido capaz de explicarlo del todo. Porque el morantismo no es una moda: es un síntoma, un misterio, una forma de entender el arte, la identidad y la nostalgia. El resultado es una obra viva, literaria, crítica y apasionada, que no pretende domesticar a Morante, sino acompañar su enigma. Hay reflexión pero también urgencia informativa. Morante, punto y aparte es una sugestiva y trepidante mezcla de crónica periodística y de ensayo concienzudo.
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John Berger deia que l'art no serveix per explicar el que és misteriós, però sí que serveix per descobrir-ho. En aquest llibre Josep M. Fonalleras comparteix amb el lector el que ha vist abans i després de la mirada a les obres d'art que l'acompanyen. «El Pantheon és una construcció humana, com aquell art de Rafael que suplanta la natura, va més enllà de l'evidència, crea un nou referent. S'interroga i ens interroga, forma part de les nostres vides i ens obliga a una mirada diferent. Compartida o solitària. Sortint del Pantheon, em penso que encara es pot anar al Settimio a menjar uns espaguetis amb sostre de tòfona blanca i un polsim de pecorino. No es pot exigir res més. Ni a l'art ni a la vida»
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Una entretenida y esencial colección de datos, cifras, ratios y conclusiones sobre el arte, los artistas y el mundo del arte, de ayer y de hoy-Con esta divertida recopilación de curiosidades, datos e informaciones sobre todo lo referente al mundo del arte aprenderás cosas como: ¿Cuál es el artista del que se roban más obras? PicassoNombres de mascotas algunas de algunos artistas: Fat Fat Cous Cous son los gatos de Louise Nevelson, Giotto y Goya son los perros de John BaldessariPareja s de artistas: Nancy Rubins y Chris Burden, Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely, Dorothea Tanning y Max ErnstCosas que coleccionan los artistas: Brazos y piernas prostéticos, Sophie Calle, ojos de Cristal, Hiroshi SugimotoArtistas que fueron rechazados por escuelas de arte: Judy Chicago, Francisco Goya, Auguste RodinEl libro se ha diseñado con especial atención a la tipografía y los gráficos para hacer su lectura y consulta fácil
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Man Ray (1890-1976) fue un artista modernista y erudito que cultivó artes tan diversas como la pintura, la escultura, el cine, la confección de grabados y la poesía. Pero fue su obra fotográfica, con sus desnudos, imágenes de moda y retratos, la que escribió un nuevo capítulo en la historia de la fotografía.A través de una extensa colección, tanto de sus obras más famosas como de otras menos conocidas, esta monografía ofrece una vívida perspectiva de la polifacética práctica de Man Ray y su legado fotográfico. Siga la trayectoria de Man Ray desde sus inicios artísticos en Nueva York hasta su papel protagonista en la vanguardia parisiense. Allí participó en la primera exposición surrealista con Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró y Pablo Picasso, y creó obras tan emblemáticas como Noire et blanche (Negra y blanca) y Le Violon d'Ingres (El violín de Ingres). Mediante numerosos ejemplos de naturaleza muerta y retratos, entre otros, observamos cómo Man Ray experimentaba constantemente con nuevas técnicas, convirtiendo la fotografía, más allá de su dominio documental, en una expresión etérea y poética a través de la exposición múltiple, la solarización y su particular marca de fotogramas que bautizó con ingenio como ''rayogramas''.
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Este libro está ordenado por palabras claves temáticas (Parejas, Comida, Arte Moderno) y no en orden cronológico o geográfico (Prehistoria, Greciaà / España, Japón) que se conectan entre sí potenciando tantas lecturas de este libro como lectores se enfrenten a él. Repasa más de 800 obras maestras de la pintura, arquitectura, escultura, caligrafía y orfebrería de todas las partes del mundoContiene más de 160 ensayos comisionados para contextualizar las piezas que además se incluyen en una línea temporal desplegable que se puede separar del libro.La publicación coincide con el 150 Aniversario del museo
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¿Una maga que vuela en una escoba? ¿Una hereje condenada a la hoguera? ¿Una mujer fatal que extravía a los hombres? ¿Una experta en el arte de los venenos? La bruja, una figura odiada en la Edad Media, se ha convertido en un icono feminista que encarna el poder y la independencia. Este libro bellamente ilustrado ofrece una colección única de obras de arte en las que las brujas son las protagonistas. Déjate hechizar por la sorprendente selección y descubre las historias míticas sobre las brujas. - Una combinación magistral de obras artísticas y literarias. - Referencias visuales claras, como cronologías y mapas. - Información adicional: anécdotas, contexto e influencias.
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El artista y profesor Rod Judkins incorpora en esta segunda edición nuevas historias de grandes mentes creativas que no dejan de sorprendernos e inspirarnos. Una empresa de buceo se enfrenta a la quiebra porque los tiburones han infestado el área, ¿la solución? Abrir la primera escuela de buceo extremo del mundo. Conocer cómo Robert de Niro convenció a Martin Scorsese para rodar una nueva película, el desconcierto que causó Salvador Dalí en el programa televisivo 'What's My Line?' o por qué es técnicamente imposible ser tan bueno como Miguel Ángel, entre muchas otras historias increíbles, nos permitirá acceder a las claves de las grandes mentes y convertir la creatividad en nuestra forma de vida.
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Sirva Picasso para recorrerlo con la pregunta que rige estas páginas: la que indaga en las fuerzas con las que la pintura conquista su saber más propio —ni recibido ni transferible—, el que consiste en resistirse con furia y determinación al sentido verbalizado. ¿Qué saben, entonces, las obras de Picasso de tal modo que su voluntad de poder radique en no prestarse a decirse? Saben poseerse en sus fuerzas páthicas, trágicas, plásticas. Tres nociones —y tres regímenes sucesivos en el conjunto de su obra— referidas a cómo aprenden a hacerse presencias. Para confrontarse con las mañas del usurpador, para «quitarse de encima» —pintar para quitar— cuanto no contribuya a la culminación plástica de las líneas, las formas, los colores, arrancando las figuras a la figuración, para conseguir que los profanadores permanezcamos fascinados y ofuscados, rebajados a no poder entender. Las imágenes emergen, así, plenas de insolencia, soberbias, vengadoras, dionisíacas, demoníacas, destructoras del sentido y sus distancias. Enloquecedoras de todo atisbo de racionalidad definitoria. Heráclito, Aristóteles, Kant, Nietzsche, Bachelard, Deleuze, Lyotard…, nos prestarán sus útiles para merodear el corpus ingente de Picasso, resultando de estos encuentros entre lo plástico y los teóricos una potencia inexpugnable, dichosamente ajena a las retóricas del museo. Un Picasso imprevisto.
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Una valiosa y estimulante colección de ensayos, críticas y entrevistas de la influyente autora de Todo sobre el amor.«Debe haber una revolución en nuestra forma de ver, en nuestra forma de mirar». En esta colección de ensayos, críticas y entrevistas, bell hooks responde a los diálogos vigentes sobre la producción, la exposición y la crítica del arte y de la estética en un mundo cada vez más preocupado por la política de identidad. La autora comparte su propia experiencia con el poder transformador del arte a la vez que explora temas que van desde el arte en la educación hasta la política del espacio o la imaginación como herramienta revolucionaria, y desde su perenne preocupación por la lucha liberadora, hooks analiza la política visual en el marco de cómo el arte puede ser una fuerza empoderadora y revolucionaria dentro de la comunidad negra. A través de diálogos con artistas como Carrie Mae Weems y Alison Saar, y del estudio de la obra de Jean-Michel Basquiat y Félix González-Torres, Pensar el arte se presenta como una obra generosa y expansiva que no deja de cobrar relevancia desde su primera publicación en 1995. Esta obra es una guía esencial para comprender la contemporaneidad, y un texto fundamental para cualquier lector interesado en crear y fomentar una cultura artística democrática.
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![Paolo Veronese [1528-1588]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwa4bd515c/images/large/1552097.77.jpg?sh=240 "Paolo Veronese [1528-1588]")
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Publicado con motivo de la exposición Paolo Veronese (1528-1588), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 27 de mayo y el 21 de septiembre de 2025.Tras las muestras dedicadas a los Bassano (2001), Tiziano (2003), Tintoretto (2007) y Lotto (2018), el Museo del Prado cierra con Paolo Veronese el ciclo expositivo dedicado a la pintura veneciana del Renacimiento, piedra angular de su colección.El catálogo propone un exhaustivo análisis en torno a la figura de Paolo Veronese (Verona, 1528 – Venecia, 1588), un pintor extraordinariamente reconocido y auténtico heredero de Tiziano. Ahonda en las líneas de investigación en torno a Veronese desarrolladas en las últimas décadas, como el afán por situarlo en contextos más amplios (Rafael, Tiziano, Tintoretto, Palladio, etc.), la relación con la clientela (pública o privada), con la arquitectura y la escenografía, el interés por el proceso creativo y el funcionamiento de la bottega, o su legado artístico.Para el Prado, Veronese es más que uno de los grandes nombres de la historia del arte, es un eslabón fundamental en una forma de entender la pintura veneciana, aquella que primó el color sobre el diseño y que constituyó el ADN de la antigua colección real y del actual museo.El catálogo se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la muestra, Enrico Maria Dal Pozzolo, profesor de la Università di Verona, y Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, seguida de once ensayos escritos por especialistas internacionales en la figura del pintor que analizan aspectos de su vida, su proceso creativo y su influencia cultural. Entre los ensayistas están Francesca Trivellato, Ana González Mozo, Michel Hochmann o Deborah Howard. A continuación, una extensa sección dividida en seis partes, precedida cada una de un texto introductorio, en las que se reproducen las 103 obras de la exposición y que recorren cronológicamente la trayectoria del pintor, situando a este además en relación con otros maestros de su tiempo. El libro se cierra con una extensa y precisa Cronología, una Bibliografía y un índice onomástico.
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La cerámica es, quizá, el tipo de objeto que más representa la evolución cultural del ser humano, que a lo largo de los milenios ha ido plasmando en ella sus necesidades, sus conocimientos técnicos y sus ideales estéticos. A lo largo de este trabajo intentaremos desentrañar las causas que impelían a una persona a decidir uno u otro destino para sus recipientes de cocina agrietados o su vajilla de lujo rota o desportillada. También desvelaremos las distintas técnicas y materiales que han llegado hasta nosotros, estableciendo una clasificación y tipología mediante la que podamos comparar e identificar nuevos hallazgos.
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Nuestra casa debería ser siempre nuestro hogar, transmitir lo que somos y aportarnos esa seguridad de estar en nuestra ''zona de confort''. Sin embargo, a veces vivimos en continua pelea con nuestro lugar de descanso, intentando adaptarnos a sus limitaciones y deseando otro espacio mejor o más grande. Este libro te enseña todos los trucos para conectarte emocionalmente con tu hogar y crear espacios adecuados y perfectos para ti partiendo de distintos supuestos. Partiremos de todos los casos, desde cómo elegir el lugar donde construir una casa, qué mirar cuando vas a comprar algo ya construido o cómo modificar tu propio hogar, cuando ya lo tienes. Con sencillos pasos y trucos, Kike te da las claves para que algo tan sencillo como cambiar un mueble o usar un color en un espacio concreto, pueda cambiar la percepción de las cosas y hacerte sentir más feliz y a gusto en tu casa.
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40 mensajes de arte urbano Al igual que los antiguos jeroglíficos egipcios, el arte de Banksy comunica mensajes complejos a través de imágenes icónicas. La obra de Banksy invita a reflexionar a quienes la encuentran: sobre los acontecimientos actuales, el papel de una persona en la sociedad, a observar la realidad con un ojo crítico y a hacerse preguntas sobre uno mismo y los demás. Así, este kit de Banksy ofrece 40 símbolos divertidos, relevantes y modernos con los cuales extrapolar mensajes de oráculo. Un kit innovador, que incluye un mazo de cartas y un libro, para plantear las preguntas más amplias y matizadas sobre la vida y nuestro lugar en ella.
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Edited by the project curator Noelia García Pérez, Professor and Director of the Art Department at the University of Murcia.English (also available in Spanish). Paperback with dust jacket. 12 x 17 cm. 148 pages. This publication accompanies the exhibition The Female Perspective III: Queen Isabella Farnese (1692–1766), which will be on display at the Museo del Prado from 1 December 2025 to 24 May 2026. In the two previous editions (2022 and 2024), El Prado en femenino has addressed the collecting activities of these women from the late Middle Ages to 1700, starting with Isabella the Catholic and focusing particularly on the Habsburgs, among whom we find such prominent figures as Mary of Hungary and Isabella Clara Eugenia. With this third edition, we begin a new century, the 18th, and a new dynasty, the Bourbons, focusing on Queen Isabel de Farnesio (Parma, 1692-Aranjuez, 1766), the second wife of Philip V, without whom the Prado Museum would be very different from what we know today, given the quantity and variety of masterpieces in its galleries that bear her mark (the Farnese fleur-de-lis), testimony to her sophistication but also to her autonomy from the collecting interests of her royal husband.
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Continúa la saga Dragonlance (D&D).Han pasado los años. Caramon y Raistlin han entablado amistad con personajes tan dispares como un kender, un enano y un semielfo, quien, a su vez, conoce a Kitiara, hermanastra de los jóvenes Majere. Una primavera, Raistlin recibe una misiva del Cónclave de Hechiceros en la que lo emplazan a acudir a la Torre de la Alta Hechicería de Wayreth, donde deberá someterse a la Prueba. Los dioses requieren una espada bien templada para la guerra que se avecina contra las fuerzas del Mal, y Par-Salian quiere que esa espada sea Raistlin.
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Sopa de tomate contra un Van Gogh, manos pegadas a los marcos de un Goya. ¿Vandalismo ciego o el acto de protesta más lúcido de nuestro tiempo? En este ensayo tan deslumbrante como provocador, el historiador del arte Manu Martín argumenta con una contundencia arrolladora que la profanación de los símbolos no es un sacrilegio, sino una herramienta histórica de protesta y crítica sin parangón. «Una herejía ilustrada» que demuestra que, para rescatar el arte, a veces hay que «atacarlo». Con la precisión de un bisturí, Martín disecciona el concepto de «Patrimonio» para revelarlo como lo que a menudo es: una poderosa «religión civil». Una fe que nos enseña a venerar una cultura de élites mientras esteriliza las obras en templos-museo. Frente a esta liturgia, reivindica un patrimonio vivo, y por lo tanto político, que lejos de ser un panfleto se muestra como un riguroso recorrido histórico que va desde las «hogueras de las vanidades» del florentino Savonarola, hasta las sufragistas que acuchillaron la «Venus del espejo» para defender los cuerpos reales de las mujeres, llegando a los activistas que hoy usan el Prado y otros museos como altavoces globales. Martín demuestra que estas acciones no atacan el arte, sino que lo utilizan -además, sin dañarlo de manera real- para devolverle la vida que la institución les ha arrebatado. «Contra el patrimonio» es un manifiesto que nos invita a cometer el acto más liberador: dejar de rezar ante la cultura para empezar a usarla. Una obra valiente, polémica y destinada a convertirse en una referencia ineludible para entender las batallas culturales de nuestro presente.
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¿De qué se ocupa la historia del arte, con qué medios y cómo se interpreta? Estas son algunas de las preguntas que se plantea el autor y a las que da respuesta en este ensayo profundo y necesario.Este libro no está pensado como una suma de conocimientos para ser memorizados sobre cómo hacer historia del arte, sino para entender cómo se ha hecho esa ordenación de objetos y fenómenos extraordinarios y para ahondar más en su placer.El autor invita a ejercitarnos mediante la visita a los museos para desarrollar una gimnasia visual, consistente en mirar sin prejuicios las obras de arte y preguntarse por qué el hombre es el único animal que deja huellas visuales que traspasan el tiempo.Esta obra no elude una visión crítica sobre cómo en España y en el mundo de la historia del arte ''después de cuarenta años de cerramiento al arte contemporáneo, han desembarcado frecuentemente amas de casa y literatos, ingenieros y arquitectos fracasados, siendo consagrados en su nuevo oficio por gacetilleros sin empleo fijo''.
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El libro que presentamos ahora, Con ojos de niño, tiene su origen, precisamente, en la exposición «En el aire conmovido», que tuvo lugar muy recientemente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2024) y en el CCCB (Barcelona, 2025). Sus dos capítulos, «La infancia expuesta» y «Poetas en tiempos de miseria», corresponden a las respectivas conferencias inaugurales y son inéditos en castellano.
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Un ensayo fascinante sobre cómo ''el año terrible'' de París desembocó en el nacimiento del impresionismo. Entre el verano de 1870 y la primavera de 1871, un periodo que Victor Hugo bautizó como el ''Año Terrible'', París fue sitiada, padeció una hambruna y hubo de rendirse al ejército alemán. A continuación, los republicanos radicales establecieron la Comuna, que fue aplastada tras sangrientas batallas callejeras y el incendio del centro de la ciudad. Como demuestra el prestigioso crítico de arte Sebastian Smee, ganador del Premio Pulitzer, fue durante estos tiempos tumultuosos cuando nació el movimiento impresionista, como respuesta a la violencia, la guerra civil y la intriga política. Smee relata la historia de aquellos días dramáticos a través de los ojos de las grandes figuras del impresionismo. Édouard Manet, Berthe Morisot y Edgar Degas quedaron atrapados en París durante el sitio. Otros, como Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille, se unieron a regimientos fuera de la capital, mientras que Claude Monet y Camille Pissarro huyeron del país justo a tiempo. En el periodo posterior, estos artistas desarrollaron una nueva conciencia sobre la fragilidad de la vida. Esa sensación de transitoriedad -reflejada en el énfasis en la luz fugitiva, las estaciones cambiantes, las escenas callejeras fugaces y la impermanencia de todas las cosas- se convirtió en la gran aportación del movimiento a la historia del arte. En el corazón de todo ello hay una historia de amor: la de Manet, considerado por todos el padre del impresionismo, y Morisot, la única mujer que desempeñó un papel central en el movimiento desde sus inicios. Smee describe con gran sensibilidad su compleja relación, la influencia mutua que ejercieron y su inmenso legado, al tiempo que otorga el merecido reconocimiento a la mujer en el corazón del impresionismo. Penetrante y absorbente, París en ruinas capta las pasiones y políticas cambiantes del mundo del arte y explica el profundo impacto que tuvieron las presiones del sitio y el caos de la Comuna en el arte moderno, y cómo el genio artístico puede surgir de la oscuridad y la catástrofe.La crítica ha dicho: «Smee se basa en una gran cantidad de fuentes históricas y biográficas para examinar el nacimiento del impresionismo durante una época de feroz agitación política y social en Francia... Transmite vívidamente el terror de la época, los tensos enfrentamientos militares y las conspiraciones, y las pasiones inflamadas... Su descripción de las obras de los impresionistas es perspicaz, como lo es su sensibilidad hacia las complicadas relaciones entre los artistas. Historia cultural hábil y vibrante».Kirkus Reviews«Persuasivo y vívido El arte de la rivalidad se enraíza en la teoría de primera mano, pero está dirigido a lectores no especializados, se trata en parte de minibiografías y en parte de una historia del arte más amplia».John Williams, The New York Times (Sobre El arte de la rivalidad)«Con detalles e incisividad propios de una novela y una prosa vívida y ágil El arte de la rivalidad es una delicia pura y cargada de información, escrita con astuta autoridad».Michael Upchurch, The Boston Globe (Sobre El arte de la rivalidad)«La brillante biografía de grupo de Sebastian Smee es única en su género».Ann Hulbert, The Atlantic (Sobre El arte de la rivalidad)«Uno de esos raros libros que consiguen mostrar, de forma convincente, laexcelsa materia del genio emergiendo del bajo caos de la vida».The Economist (Sobre El arte de la rivalidad)
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.