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Libros de arte
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En este breve tratado, Paul Klee analiza el procesocreativo con una agudeza y una precisión raras en lostextos sobre arte contemporáneo. En opinión de HerbertRead, que firma la presentación, constituye ''la declaración más profunda y esclarecedora de las basesestéticas sobre las que se fundamenta el movimiento del arte moderno que haya hecho nunca ningún artista en activo''.
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A lo largo de la Historia de Arte, desde la Grecia Arcaica hasta hoy, ha sido recurrente el uso de temas míticos e históricos nacidos en la Hélade y en Roma. Esculturas clásicas antiguas y cuadros renacentistas, frescos barrocos y filmografía actual han recreado, una y otra vez, las imágenes de los dioses del Olimpo -Zeus, Afrodita, Atenea, Apolo y tantos otros-, o se han interesado por las hazañas de Hércules, Aquiles o Ulises. Incluso los grandes hombres de la Antigüedad -Alejandro Magno, César o Cleopatra- han sido imaginados de una u otra forma, siguiendo la evolución de las mentalidades. Este libro aborda este amplio campo de conocimientos, saber qué textos griegos y latinos se han leído en cada época, cuándo ha interesado más un tema concreto, qué significado alegórico tienen aún hoy los distintos dioses y qué enfoque admite una leyenda o un tema histórico para cada artista.
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Una compilación de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pequeños, frágiles, a veces criminales, casi siempre salvadores. Un maestro que nos enseñó a entrelazar la sabiduría y el juego con su estilo sagaz y lúdico, con su asombrosa inventiva y certera lucidez.»Irene Vallejo El concepto de «estética» nace en Europa en el siglo XVII y, por lo tanto, muchas historias de la estética tomaron en escasa consideración las teorías de la belleza y del arte elaboradas antes de estas fechas. Ahora bien, desde hace muchos años la actitud de los historiadores ha cambiado y la Edad Media se ha valorizado como una época rica en especulaciones fascinantes sobre la belleza, el placer estético, el gusto, la belleza natural y la artificial, las relaciones entre el arte y las demás actividades humanas. En este compendio de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era, Eco reconoce, de forma accesible para el lector no especializado, las etapas de un debate que presenta aspectos dramáticos y apasionantes, y nos permite entender mejor la mentalidad y el gusto artístico del hombre medieval.Reseña:«Un estudio delicioso... Tremendamente lúcido y fácil de leer, el ensayo de Eco está cargado de excelencia y de la energía de un hombre enamorado de la materia.»Boston Globe
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En el principio era el Verbo y en la Edad Media fueron los reyes, los príncipes y los personajes religiosos de alto rango quienes produjeron biblias ilustradas con un extraordinario trabajo artesanal mediante su riqueza e influencia. Esta edición recopila 50 de los mejores manuscritos medievales de la Biblia depositados en la Biblioteca Nacional Austriaca. Con ejemplos de todas las épocas de la Edad Media, esta colección estudia representaciones de la Biblia en diversos contextos teológicos e históricos. Con una calidad de reproducción impecable, estas increíbles imágenes destacan por ser tanto tesoros artísticos históricos como importantes objetos religiosos. Los textos de Andreas Fingernagel, Stephan Füssel, Christian Gastgeber y un equipo de 15 autores científicos describen al detalle cada manuscrito: estudian tanto la evolución de la Biblia como la interpretación medieval de la historia. Además, se incluye un glosario de términos fundamentales para que los lectores no versados en la historia bíblica puedan disfrutar también de los textos.
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La historia del color azul en la cultura occidental es la de una auténtica transformación. Para los griegos y los romanos, este color contaba poco e incluso era desagradable a la vista, se le consideraba un color bárbaro. Pero hoy en día, el azul es, con gran diferencia, el color favorito para una gran parte de la población. Toda historia del color es, ante todo, una historia social, y Michel Pastoureau cuenta la historia de esta transformación, enfatizando las prácticas sociales del azul (léxico, tejidos y vestimenta, vida cotidiana, simbolismo...) y su lugar en la creación literaria y artística. Esta edición aporta la representación de distintas tonalidades de azul para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color.
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El patrimonio cultural constituye uno de los ámbitos científicos más complejos de abordar, ya que, además de la diversidad de bienes que lo conforman, confluyen en torno a él numerosos intereses y efectos de tipo social, político, ideológico, económico, urbanístico, etc. Esta multidimensionalidad del patrimonio cultural ha propiciado que toda clase de agentes, disciplinas y colectivos se acerquen a él para extraer del mismo aquellos objetivos o beneficios que consideran legítimos a sus particulares intereses. Este hecho está dando lugar en la actualidad al desarrollo de una serie de tendencias que pueden ser muy peligrosas para el patrimonio cultural, para el mantenimiento y la sostenibilidad de un adecuado sistema de reconocimiento y tutela del mismo. Tendencias como las relacionadas con la utilización de la memoria y la identidad como referentes para la patrimonialización de un bien, la expansión incontrolada del patrimonio cultural inmaterial, la suplantación de la tutela por la gestión, la simplista apelación a la participación ciudadana, la desconsideración de los procesos formales de declaración de bienes, y las implicaciones jurídicas que ellos implican, especialmente en los de carácter paisajístico. Para poder transitar correctamente por este desconcierto patrimonial el autor nos induce a acudir a la seguridad de los límites de la ciencia (y la de sus profesionales), que otorga, en este caso, los principios y fundamentos de la disciplina de la tutela del patrimonio cultural, haciendo valer así el armazón científico construido a lo largo de siglos con el objetivo de disponer de un instrumento poderoso, universal, democrático, legítimo, justo, solidario, inclusivo... para defender uno de los más preciados (y apreciados) tesoros de la humanidad, su propia historia, su propia existencia. Evitar dilapidar este excepcional y universal logro es el objetivo de esta publicación.
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¿Te gusta el arte? Sea cual sea la respuesta, este libro es para ti. Es más que probable que seas de los que piensa que el arte clásico es tan bonito como aburrido. Y del arte contemporáneo mejor ni hablamos... Todo parece secuestrado por una «élite selecta y académica» con la que no te identificas. Pero, en realidad, la historia del arte tiene más que ver con tu vida y tus problemas de lo que te imaginas, y responde a muchos de los porqués de la historia, pasada y presente. A veces al arte le da por ser refinado y exquisito, y se propone cumplir normas, igual que nosotros cuando empieza un nuevo año, pero otras veces explora caminos nuevos y se salta las reglas. Los grafitis, por ejemplo, ¡existen desde la época de los egipcios! Sara Rubayo, historiadora del arte y divulgadora cultural, nos propone en Te gusta el arte aunque no lo sepas una visión de la historia del arte que no conocías, en la que descubrirás que, efectivamente, aunque todavía no lo sepas, te gusta el arte, y que su historia es tu historia.
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Todos podemos dibujar, y con este libro... ¡lo dibujaremos absolutamente todo! En esta extensa y simpática guía, la ilustradora japonesa Kamo te enseña a dibujar de forma fácil y divertida todo tipo de motivos de la vida cotidiana: desde animales, personas, insectos y flores hasta alimentos, muebles, vehículos y todo tipo de edificios (¡también los más famosos del mundo!). Con breves y facilísimas instrucciones paso a paso, consejos sobre la práctica del dibujo y un sinfín de trucos de valor inestimable, esta enciclopedia de dibujo es una herramienta ideal para ponerte manos a la obra y empezar a crear todo aquello que se te pase por la cabeza.
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A guide to the art, artists, and culture of graffiti from the 1970s to today, as told by the taggers themselves.This major co-publication with the Museum of Graffiti chronicles the worldwide graffiti movement from its birth in the 1970s, through the street and train painting of the 1980s, to its emergence as an artistic genre admired in museums and sold at auction. With hundreds of never-before-seen photographs of graffiti art from the 1970s to today, many of which have been provided exclusively for this volume by the artists themselves, the book gives an insider’s view through multiple interviews with celebrated graffiti artists, including Roger Smith of Sane Smith, Hotboy Hert, DESA, Shirt King Phade, RIME, MadC, Saber, AURA, and others.Told through essays, hundreds of images, and interviews with the artists – both the underground outlaws and the writers who went mainstream – The Wide World of Graffiti will become the standard-bearer of the art form’s history and life today, a unique contribution from the first and only museum dedicated to graffiti as an art form.
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Pintura catalana d'avantguardes
Amb les primeres avantguardes, Catalunya surt al món i transforma la història universal de l'art amb pintors com Picasso, Miró o Dalí. Però també molts altres artistes de gran nivell, com Togores, Torres-García o Barradas, que assoliran un prestigi majúscul en els centres de decisió de l'art europeu i nord-americà. Dirigit pel doctor Joan Maria Minguet i amb textos dels principals especialistes, Pintura catalana. Primeres avantguardes, reuneix, per primera vegada, una amplíssima selecció d'obres de 40 pintors i pintores avantguardistes de Catalunya, actualitzant els coneixements sobre els artistes més coneguts i reivindicant-ne molts d'altres que també van participar d'aquella gran revolució cultural: Garcia Lamolla, Ángeles Santos, Joan Massanet, Àngel Planells, Artur Carbonell o Joan Sandalinas, entre d'altres.
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Mirarás el arte con otros ojos: las claves para comprender los símbolos* La comprensión de los símbolos, ya sean animales, objetos, plantas, formas o gestos, es crucial en la apreciación del arte. * Una acreditada guía que aborda más de cincuenta de los símbolos visuales más comunes e interesantes de todo el mundo desde el año 2300 a. C. hasta la actualidad. * Si bien los símbolos atraviesan dialectos y fronteras nacionales, sus significados pueden variar y suelen ser complejos y culturalmente específicos, por lo que esta vibrante introducción, de clara redacción y bien documentada, posee un incalculable valor. Accesible y absorbente, el amplio enfoque de este libro demuestra con destreza la evolución de los símbolos utilizados por los artistas a lo largo de miles de años. Un análisis de las sutiles implicaciones y los significados explícitos y encubiertos del simbolismo, que nos proporciona una indispensable herramienta para la interpretación. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Història de l'art a Catalunya
Aquesta obra ens ofereix una visió planera, personal i rigorosa, de l'evolució de l'art català a través dels segles, des de la Prehistòria fins avui. Per ajudar a entendre la creació d'ara i dels darrers decennis, l'autor dedica una atenció especial a l'art del segle XX i els inicis del XXI. El lector trobarà en aquest llibre, a més de les claus per entendre l'art i l'arquitectura que l'envolten quotidianament, l'explicació de molts altres aspectes del patrimoni, des de les transformacions de la natura degudes a l'home fins a les festes populars, la fotografia, el cinema, el disseny industrial o les arts gràfiques. L'autor, un dels més reconeguts especialistes europeus en la matèria, ens lliura un assaig personal en el qual l'art és entès en un sentit molt ampli i en què l'acte creatiu és examinat en funció dels condicionants socials que l'acompanyen, amb una atenció especial al paper que representa el paisatge i l'environament històric en l'obra d'art de cada època.
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Paco Robles firma un libro inédito que ofrece una mirada personal, profunda y literaria sobre la Semana Santa de Sevilla. Alejado de tópicos y lugares comunes, este volumen reúne una serie de textos nuevos que iluminan la esencia de la fiesta grande de la ciudad con sensibilidad y oficio narrativo. Con una prosa limpia y emocionada, Paco Robles —una de las voces más reconocidas del panorama literario andaluz— construye un retrato íntimo de la Semana Santa como experiencia vital, cultural y espiritual. A través de estampas, recuerdos, intuiciones y escenas grabadas en la memoria, el autor nos guía por un itinerario lleno de símbolos, silencios y devociones compartidas. «Este libro es una ofrenda escrita desde dentro, sin artificios ni atajos, con la serenidad de quien sabe lo que ama.» Rosa García Perea
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El monte Fuji ha sido durante mucho tiempo un elemento central del imaginario cultural japonés, y nada lo ha representado con más virtuosismo que la histórica serie de xilografías Treinta y seis vistas del monte Fuji de Katsushika Hokusai (1760-1849). El famoso grabador documenta el Japón del siglo XIX con un talento y devoción excepcionales, y rinde homenaje al campo, a las ciudades, a la gente y a su serena belleza natural. Producida en la cima de la ambición artística de Hokusai, la serie es una obra fundamental del ukiyo-e que le valió el reconocimiento mundial como maestro indiscutible de su oficio.Los grabados ilustran la obsesión de Hokusai con el monte Fuji y el florecimiento del turismo doméstico a finales del período Edo. Del mismo modo que la vista de la montaña era muy apreciada por los viajeros que se dirigían por la carretera Tōkaidō a la capital Edo (Tokio en la actualidad), el monte Fuji se erige como telón de fondo infalible de cada una de las escenas de la serie. Hokusai captura el paisaje distintivo y el encanto provincial de cada escenario con colores vívidos y detalles exquisitos. La serie, que incluye la famosa estampa La gran ola de Kanagawa (también conocida como La gran ola), es un tesoro de la historia del arte internacional apreciado en todo el mundo.Esta edición XL, una de las pocas reimpresiones de toda la serie, rinde homenaje a los llamativos colores y las composiciones de Hokusai con un cuidado y magnitud sin precedentes. Encuadernada siguiendo la tradición japonesa, Treinta y seis vistas del monte Fuji reúne las 36 estampas originales y otras 10 que el propio artista añadió posteriormente. El presente volumen presenta una imagen encantadora del Japón preindustrial y es un monumento impresionante al arte de la xilografía.
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En las páginas de esta práctica guía encontrarás, además de 33 propuestas especialmente indicadas para que los más pequeños se adentren progresivamente en el mundo de la montaña, un completo manual con información práctica, recomendaciones, curiosidades, consejos, juegos, actividades y datos útiles para convertir cada excursión en una pequeña gran aventura. Planos y descripciones de las rutas con más de 300 imágenes a todo color para no perder ningún detalle. Incluye tracks descargables a través de códigos QR.
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Con el estallido de la Guerra Civil española, Latinoamérica se convirtió en el principal refugio de los exiliados que huían del horror que asolaba el país. Entre ellos se hallaban las artistas republicanas españolas y sobre ellas versa este libro. En sus páginas encontramos creadoras como Maruja Mallo, Remedios Varo,Roser Bru o Marta Palau, junto a otras como Elvira Gascón, Manuela Ballester, Victorina Durán o Mary Martín. A través del estudio de las condiciones socioculturales en que las mujeres desarrollaron su actividadartística y las complejidades que estos procesos conllevaron para ellas, este trabajo propone nuevos relatos que enriquezcan los discursos sobre nuestra historia artística reciente y los estudios en torno a la diáspora republicana. Dentro de sus producciones, a menudo fuera de los parámetros impuestos por las bellasartes, se dan cita la ilustración de revistas y libros, el diseño de moda, la decoración y la docencia delarte, pero también el muralismo y la escenografía, la pintura y el grabado. Aunque compartieron la mismacausa política, estas artistas tuvieron trayectoriasmuy diversas que conformaron diferentes maneras de ver el exilio, la familia, el arte y, en definitiva, lavida.
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Acceder al profundo simbolismo del Tarot de Mantegnasólo es posible adentrándonos de lleno en la riquezacultural de la sociedad en la que fue creado: el Renacimiento italiano. Este libro se propone viajar al corazón del humanismo florentino de la mano de pensadores como Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola o el bizantino Plethon. Las estampas del tarot de Mantegna fueron creadas bajo la inspiración de las propuestas mágicas y filosóficas de estos autores. Un halo de misterio ha rodeado desde hace siglos a esta colección de cincuenta grabados: no se sabe cuál es sulugar de origen, la fecha en la que se crearon, ni siquiera quiénes fueron en realidad sus creadores. Estanueva edición del especialista en simbología sagraday tradición hermética Raimon Arola nos permitirá conocer algunos de los secretos de este sorprendente juego de cartas que no sólo servía para el divertimento,sino que podía predecir el futuro y lanzar herméticas profecías.
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Madelman la verdadera historia.
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No queda más que una salida del laberinto en el que andamos tropezando a ciegas: seguir la tenue luz de la razón, que nos devolveráal compromiso entre ver y saber, entre las percepciones de la retina y las visiones conceptuales, que constituyen la b
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Art crea cada dia
L'artista i dissenyadora Marion Deuchars et convida a endinsar- te en el seu imaginatiu món amb aquest llibre inspirador, replet d'idees genials perquè pensis, imaginis i visquis d'una manera més creativa. Vessa una mica de tinta, dibuixa amb un pal, dissenya un estampat. Prova de pintar amb un pal de fregar, crea un cercle cromàtic de fulles, fes fotografia de carrer... Amb més de 100 projectes i moltes idees ràpides per descobrir els teus talents ocults i fomentar la teva creativitat, Art, crea cada dia t'encoratja a deixar de banda la por, i a descobrir l'artista que portes a dins i veure el món d'una manera totalment nova, tinguis l'edat que tinguis. Marion Deuchars ens mostra la seva maduresa i generositat aportant la seva dilatada experiència. És el resultat d'un treball de 4 anys intermitents amb intervals de reflexió i recopilació d'idees que li han permès trobar una bonica fórmula ordenada per capítols que conviden a llançar-te, a fer callar aquella veu crítica i a crear. És un llibre excel·lent, impecable i per gaudir-lo.
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Esta guía es el resultado de una investigación llevada a cabo en más de 150 museos de todo el mundo con el objetivo de analizar el grado de sostenibilidad de las instituciones museísticas.Con un enfoque esencialmente práctico, este compendio recoge un total de 33 medidas, agrupadas en fichas, que cubren la práctica totalidad de la dimensión medioambiental y social de la sostenibilidad, y cuyo objetivo es mostrar un camino inspirador a los museos. Acercarse a ellas, conocerlas, nos lleva a apreciar las enormes posibilidades que se despliegan ante cada institución, así como el reto que supone implantarlas.
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Un método original y ameno para aprender a dibujar personajes que estimula la creatividad y la confianza en nuestras capacidades. * Un libro para aprender conmétodos de enseñanza probados, ya seamos novatos o manitas, empezar por lo fundamental, para pasar enseguida al dibujo de figuras humanas, expresiones, movimientos y animales, y experimentar con diferentes técnicas, usando pinceles, lápices y bolígrafos. * ¡No haymotivo alguno para tener miedo a probar, porque cadauno establece sus propias reglas! Si piensa que no sabe dibujar, ¡este es el libro que debe leer! ¿Por qué hay tanta gente que piensa que no sabe dibujar? Peng ha conseguido convencer a muchas personas que no son dibujantes de que pueden crear imágenes sencillas yatractivas sobre papel. Cuando se usan las técnicasadecuadas, los resultados serán excelentes. Uno de los grandes placeres de la vida es descubrir que puedehacer algo que pensaba que no podía.
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Este libro es un ensayo de fenomenología y de antropología –y hasta una poética– de los gestos de levantamiento. Interroga a los cuerpos con la psique a través del vínculo profundo, paradójico, dialéctico, que se instaura entre el deseo y la memoria. Al igual quehay un «lo que nos mira» más allá de «lo que creemosser», hay quizás también un «lo que nos levanta» másallá de «lo que creemos ser». Se trata de una cuestión planteada al principio –o en el interior– de nuestras opiniones o acciones partidarias: una cuestión planteada, pues, a los gestos y a las imaginaciones políticas. Una cuestión planteada a la potencia de levantarse, incluso cuando el poder no está a la vista. Esapotencia es indestructible, como el deseo mismo. Esuna potencia de desobedecer. Es tan inventiva que merece una atención a la vez precisa (porque lo singular, en este caso, nos dice más que lo universal) y errática (porque los levantamientos surgen en tiempos, enlugares y a escalas en los que no se los esperaba).
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* Cincuenta movimientos pioneros del arte moderno y contemporáneo nacidos del compromiso político, la descolonización, la marginación o el conflicto. * Una obra que da vida a materiales inusuales a través de la exploración de las peculiaridades del contexto histórico de cada movimiento artístico, de los eventos culturales y las interconexiones clave y de los principales protagonistas en la evolución de dichos movimientos. * Presenta el trabajo de artistas de movimientos que han tenido como objetivo la revitalización de la sociedad mediante el desafío al statu quo. Aunque no son tan conocidas como el pop art, el dadaísmo o el futurismo, las asociaciones de arte global, como la escuela Saqqa-kana, de Irán, el Estridentismo, de México, el Jikken K?b?, de Japón, o el AfriCOBRA, de Estados Unidos, han dado fuerza y voz a sus miembros. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensablede términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los quedisfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con unmarcado componente visual y redactados y concebidospor expertos.
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Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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Nadie quiere que le digan “cerdo”, ¿por qué? Los cerdos encarnan lo ominoso que anida en los rincones de lo familiar: lo reprimido, oculto, escondido. Quien haya visto faenar cerdos, nunca olvidará sus gritos casi humanos. A diferencia de los pescados y los pollos, por lo general, los cerdos que terminan en nuestros platos como embutidos o jamones no nos recuerdan la forma del animal. Constantemente comemos cerdos sin percibirlos. Este libro nos cuenta también el extenso espacio imaginario que han ocupado los cerdos: desde mitos y fábulas, poemas, teatro y novelas, cuadros, películas y proyectos artísticos, hasta carteles de publicidad, juguetes y utensilios cotidianos un poco kitsch.
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Sófocles murió a causa de una alegría, los habitantesde la isla de Delos se afeitaban la cabeza a la muerte de sus parientes y el luto duraba hasta que los cabellos habían recuperado su longitud habitual, el guardia del cementerio marino de Sète adiestró a su perro para que acompañase a los visitantes hasta la tumbade Paul Valéry, el emperador Adriano hizo matar a suarquitecto porque sabía más que él sobre arquitectura y los indios de la Guayana bebían un licor elaborado con la ceniza de sus muertos. A lo largo de la historia, la muerte ha generado a su alrededor una rica constelación de anécdotas, datos y extravagancias. Desde argots, epitafios, jurisdicciones y últimas palabras hasta rituales, condenas, alegorías y tradiciones,este diccionario reúne una amplia selección de palabras vinculadas a la muerte que abarcan temas tan diversos como la filosofía, el arte, la antropología, lademografía o la moral.
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De la cuenta de X @culturaltutor nos llega... Una fascinante mirada a nuestra cultura que nos invita a comprender mejor el mundo que nos rodea. ¿Por qué es necesario el arte y qué nos dice de nosotros mismos?¿Cuál es la diferencia entre impresionismo y postimpresionismo? ¿Qué distingue la ciencia de la mitología? ¿Por qué la bandera argentina es azul y blanca? Con una cuenta de X con más de 1,7 millones de seguidores internacionalmente, de los cuales más de 40K están en España, @culturaltutor nos ofrece un alegato a «la bella educación» y un apasionante viaje a través de la historia, el arte y la cultura occidentales, del que no se sale igual de cómo se ha entrado. Sheehan Quirke es un joven autodidacta de 25 años, con una curiosidad infinita, licenciado en derecho pero que nunca quiso ser abogado y que en la actualidad se ha convertido en uno de los divulgadores culturales más importantes en redes del Reino Unido, seguido por personalidades mundialmente famosas de todo el espectro cultural y político, desde Elon Musk a Jordan Peterson y desde JK Rowling a Trevor Noah. «Para cualquiera que haya disfrutado con la cuenta de X de El Tutor Cultural, este libro supone más del mismo deleite. Pepitas de conocimiento y sabiduría envueltas en la calidez e ingenio característicos del autor.» ALAIN DE BOTTON
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“Si Maillol a veces se aproxima a los griegos del tiempo de Fidias no es que los comprenda por alguna elucubración intelectual, por el intermedio de un razonamiento, o que los copie, es que siente directamente como ellos, su perfección es la suya, responde a la verdad de su instinto. Es un primitivo clásico.”
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La artista y diseñadora Marion Deuchars te invita a adentrarte en su imaginativo mundo con este libro inspirador, repleto de ideas geniales para que pienses, imagines y vivas de forma más creativa. Derrama un poco de tinta, dibuja con un palo, diseña un estampado. Prueba a pintar con una fregona, crea un círculo cromático de hojas, haz fotografía callejera... Con más de 100 proyectos y muchas ideas rápidas para descubrir tus talentos ocultos y fomentar tu creatividad, Arte, crea cada día te anima a dejar a un lado el miedo, y a descubrir al artista que llevas dentro y ver el mundo de una forma totalmente nueva, tengas la edad que tengas. Marion Deuchars nos muestra su madurez y generosidad aportando su dilatada experiencia. Es el resultado de un trabajo de 4 años intermitentes con intervalos de reflexión y recopilación de ideas que le han permitido encontrar una bonita fórmula ordenada por capítulos que invitan a lanzarse, a acallar esa voz crítica y a crear. Es un libro excelente, impecable y para disfrutar.
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«Una mirada espléndida no solo al arte estadounidense, sino también a la historia del siglo». – The Times Completamente revisada y actualizada, esta nueva edición del influyente volumen de Phaidon, The American Art Book, ofrece una mirada inigualable a la riqueza y diversidad del arte estadounidense.Abarcando más de tres siglos, este impresionante estudio narra la historia de un país a través de sus artistas más destacados, cada uno de los cuales ha sido cuidadosamente seleccionado por un equipo asesor de destacados curadores, historiadores y directores institucionales. Desde los primeros retratistas coloniales, las figuras más destacadas del impresionismo, los gigantes del modernismo, los innovadores del arte de la tierra y los íconos del arte pop hasta los visionarios contemporáneos actuales, cada artista está representado por una obra clave, un texto introductorio escrito por un experto en la materia y referencias cruzadas a otros artistas, lo que inspira nuevas conexiones a través de la historia del arte.Entre los artistas destacados se encuentran: Ansel Adams, Josef Albers, Diane Arbus, Ruth Asawa, Richard Avedon, Matthew Barney, Jean-Michel Basquiat, Romare Bearden, Alexander Calder, Vija Celmins, Frederic Edwin Church, John Singleton Copley, Gregory Crewdson, Helen Frankenthaler, Jared French, Felix Gonzalez-Torres, Robert Gwathmey, Keith Haring, Barkley L. Hendricks, Jenny Holzer, Arthur Jafa, Joshua Johnson, Henrietta Johnston, Alex Katz, Gaston Lachaise, Jacob Lawrence, Edmonia Lewis, Maya Lin, Man Ray, Ana Mendieta, Senga Nengudi, Nam June Paik, Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Jaune Quick-to-See Smith, Andy Warhol y Carrie Mae Weems.Asesores: Aleesa Pitchamarn Alexander, Kathleen Ash-Milby, Horace D. Ballard, David Breslin, Mel Buchanan, JR Henneman, Rujeko Hockley, Jonathan D. Katz, Franklin Kelly, Harper Montgomery, Lowery Stokes Sims, Juliet Sperling, Bradley Sumrall y Leslie Umberger
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Mucho más deprisa de lo que imaginamos, Picasso dominó su época con su genio polifacético y el revuelo que generó. A su muerte todos los periódicos hablaron a coro del «siglo de Picasso». Lejos tanto de la demonización actual como de la hagiografía de antaño, Stéphane Guégan arroja una luz contrastada sobre el hombre, su vida, sus compromisos políticos y su inmensa obra. Aunque es imposible decirlo todo, era importante identificar sus puntos fuertes y débiles, aislar una continuidad estética. Stéphane Guégan lo hace de manera brillante en este libro ilustrado con más de cien obras maestras y numerosos documentos, que se lee como una novela y puede admirarse como un suntuoso libro de arte.
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Blender es el principal software 3D de código abierto del mundo, y ha sido creado por algunos de los mejores artistas digitales de todo el planeta. Dado que Blender es gratuito, para iniciarse en él solo necesitará este libro. Gracias a esta lectura, adquirirá las destrezas para crear personajes increíbles, incluso si es un neófito. Los proyectos, detallados paso a paso, cuentan con una extensa presentación, escrita en gran parte por el formador certificado de Blender, Pierrick Picaut, que lo irán guiando por el apasionante mundo de la creación de distintos personajes. Sin duda, en este libro encontrará toda la información necesaria de la versión 3.4.1 de Blender, para lanzarse con éxito a la aventura de la creación de personajes en 3D. Si quiere profundizar aún más en el tema, el libro incluye los siguientes recursos descargables CONTENIDOS WEB: - Vídeos paso a paso - Archivos de Blender - Texturas - Tutoriales adicionales TEMAS PRINCIPALES DEL LIBRO: - Introducción: presentación del diseño 3D y configuración - La interfaz de Blender: personalización, editores, espacios de trabajo y mucho más - Modelado: objetos, modificadores y topología - Escultura: pinceles, resolución y retopología (reconstrucción de modelos) - Renderizado: luz, UV, materiales y posproducción
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Edición de Servando Rocha. Hubo un tiempo, no hace mucho, en que el tatuaje estaba reservado a una tropa formada por criminales, apaches, presidiarios, legionarios, prostitutas, anarquistas o marineros. Aunque también se puso de moda entre la realeza europea o exhibía en circos y espectáculos de fenómenos. Su uso, un código secreto en manos de fueras de la ley, despertó la fascinación e interés de numerosos antropólogos, criminólogos y médicos que, siguiendo las ideas del italiano Cesare Lombroso –padre de la antropología criminal–, veían en el tatuaje un signo de atavismo y predisposición a la locura, violencia y asesinato, y los tatuados rarezas y seres misteriosos.En España, desde que en 1888 Rafael Salillas, nuestro «pequeño Lombroso», mostrase su colección de tatuajes de delincuentes patrios, los tatuados, que fueron fotografiados y estudiados, sembraron el terror y desconcierto: oleadas de apaches con el cuerpo cubierto de dibujos obscenos y llamadas a la venganza, llegaban a ciudades como Madrid, Barcelona o Bilbao, entre otras, al tiempo que defendían la bohemia más hampona. Más tarde, milicianos y falangistas ocultaban –o directamente se arrancaban– aquellas marcas delatoras (hoces y martillos, yugos y flechas en brazos y pechos) que podían costarles la vida y los legionarios –una auténtica subcultura tatuada–llenaban sus cuerpos con cruces, vírgenes y nombres de sus amadas. También quinquis, pandilleros, motoristas y rockers fueron pioneros en mostrar aquellas «cicatrices parlantes», como llamaron al tatuaje los mandos policiales y militares.Durante un siglo el tatuaje fue «criminal» y marginal, hasta que en 1989, el fotógrafo y tatuado Alberto García-Alix abrió las puertas de la tienda y estudio de tatuajes El Martillo de Lucifer, donde comenzaría su imparable popularización con Mao, legendario tatuador que en los ochenta tatuaba a la marina estadounidense en Rota, como una de sus grandes estrellas. Lo que vino a continuación ya lo sabemos: el tatuaje y aquel sorprendente estilo de la «vieja escuela» se convirtieron en masivos, elevándose a la categoría de arte y perdiendo el aura de peligro del pasado.Servando Rocha, editor de esta obra única en nuestro país, investigó y rescató antiguos tratados médico-legales, fichas policiales y numerosas fotografías «perdidas» en el tiempo prácticamente nunca vistas, para construir un relato visual de un siglo de «ángeles bellos» y «bárbaros tatuados», junto a espectaculares colecciones criminológicas francesas, mexicanas o alemanas, haciendo de CRIMINAL el gran libro ilustrado del tatuaje de aquella España brutalista, esa que mostró con orgullo y desafío puñales, calaveras y corazones sangrantes.
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En esta obra presentamos las dos series de ‘Treinta yseis vistas del monte Fuji’ creadas por Utagawa Hiroshige y Katsushika Hokusai, los más reputados dibujantes y artistas del género ukiyo-e. Los dos son los intérpretes más importantes de la ilustración nipona, con un control sutil del cromatismo —con el dominio del verde y del azul— y su sentido del grabado, que sería imitado, más tarde, por la fotografía y el cine.Este libro es una gran novedad porque muestra las visiones enfrentadas y al mismo tiempo compenetradas del monte Fuji, el pico más alto de la isla de Honshu, considerado sagrado desde la Antigüedad y al quelas mujeres tuvieron prohibido el acceso a la cima hasta la era Meiji (finales del siglo XIX).Los dos mejores autores del ukiyo-e en una obra inédita ycon edición limitada de 2.000 unidades.Esta edición incluye una fabulosa lámina que se despliega enun tríptico para su exposición y decoración en cualquier pared. Desde The Galobart Books hemos seleccionado la más espectacular para que forme parte de una colección privada y exclusiva de arte japonés.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.