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Libros de arte
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De la mano de las impresionantes pinturas botánicas de Sushma Hegde, esta completa guía es ideal para adentrarse en el arte de la creación floral. A partir de sencillas instrucciones e ilustraciones, encontrarás todo lo necesario para introducirte en esta práctica artística: desde cómo mezclar los colores para obtener matices sorprendentes o cómo jugar con las pinceladas, hasta cómo aprender a observar e interpretar artísticamente la naturaleza para plasmarla sobre el papel.
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En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la secciónde referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo
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La artista y diseñadora Marion Deuchars te invita a adentrarte en su imaginativo mundo con este libro inspirador, repleto de ideas geniales para que pienses, imagines y vivas de forma más creativa. Derrama un poco de tinta, dibuja con un palo, diseña un estampado. Prueba a pintar con una fregona, crea un círculo cromático de hojas, haz fotografía callejera... Con más de 100 proyectos y muchas ideas rápidas para descubrir tus talentos ocultos y fomentar tu creatividad, Arte, crea cada día te anima a dejar a un lado el miedo, y a descubrir al artista que llevas dentro y ver el mundo de una forma totalmente nueva, tengas la edad que tengas. Marion Deuchars nos muestra su madurez y generosidad aportando su dilatada experiencia. Es el resultado de un trabajo de 4 años intermitentes con intervalos de reflexión y recopilación de ideas que le han permitido encontrar una bonita fórmula ordenada por capítulos que invitan a lanzarse, a acallar esa voz crítica y a crear. Es un libro excelente, impecable y para disfrutar.
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«Una mirada espléndida no solo al arte estadounidense, sino también a la historia del siglo». – The Times Completamente revisada y actualizada, esta nueva edición del influyente volumen de Phaidon, The American Art Book, ofrece una mirada inigualable a la riqueza y diversidad del arte estadounidense.Abarcando más de tres siglos, este impresionante estudio narra la historia de un país a través de sus artistas más destacados, cada uno de los cuales ha sido cuidadosamente seleccionado por un equipo asesor de destacados curadores, historiadores y directores institucionales. Desde los primeros retratistas coloniales, las figuras más destacadas del impresionismo, los gigantes del modernismo, los innovadores del arte de la tierra y los íconos del arte pop hasta los visionarios contemporáneos actuales, cada artista está representado por una obra clave, un texto introductorio escrito por un experto en la materia y referencias cruzadas a otros artistas, lo que inspira nuevas conexiones a través de la historia del arte.Entre los artistas destacados se encuentran: Ansel Adams, Josef Albers, Diane Arbus, Ruth Asawa, Richard Avedon, Matthew Barney, Jean-Michel Basquiat, Romare Bearden, Alexander Calder, Vija Celmins, Frederic Edwin Church, John Singleton Copley, Gregory Crewdson, Helen Frankenthaler, Jared French, Felix Gonzalez-Torres, Robert Gwathmey, Keith Haring, Barkley L. Hendricks, Jenny Holzer, Arthur Jafa, Joshua Johnson, Henrietta Johnston, Alex Katz, Gaston Lachaise, Jacob Lawrence, Edmonia Lewis, Maya Lin, Man Ray, Ana Mendieta, Senga Nengudi, Nam June Paik, Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Jaune Quick-to-See Smith, Andy Warhol y Carrie Mae Weems.Asesores: Aleesa Pitchamarn Alexander, Kathleen Ash-Milby, Horace D. Ballard, David Breslin, Mel Buchanan, JR Henneman, Rujeko Hockley, Jonathan D. Katz, Franklin Kelly, Harper Montgomery, Lowery Stokes Sims, Juliet Sperling, Bradley Sumrall y Leslie Umberger
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Una lectura absorbente que arroja luz sobre uno de los delitos más lucrativos y desconocidos del mundo: el robo de arte. Casi tan antiguos como la propia humanidad, los robos de arte se remontan hasta los orígenes de los primeros grandes imperios. Desde entonces, nos fascinan y repelen por igual, pero, ¿qué se esconde tras ellos? ¿Por qué se roba el arte? ¿Qué ocurre con las piezas robadas? ¿Existen realmente los robos por encargo? ¿Cómo funciona el mercado negro del arte? Encontraremos respuesta en este apasionante recorrido a través de cincuenta robos y saqueos que han determinado el rumbo de la historia. Pero, sobre todo, intentaremos dar respuesta al mayor enigma de todos, ¿por qué, a pesar de que la mayoría de nosotros nos encontramos del lado bueno de la historia, nos resultan tan fascinantes?
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Aprenda a dibujar la figura humana en distintas poses y actividades. Hombres, mujeres, niños y adultos toman forma en esta guía paso a paso. Incluso los principiantes podrán crear grandes dibujos y los artistas con experiencia encontrarán mucho en lo que inspirarse. SUSIE HODGE es una apasionada de la enseñanza del arte e imparte talleres y da clases de Historia del Arte desde hace más de 17 años. Ha escrito e ilustrado numerosos libros de dibujo. También trabaja para la Royal Academy, la Tate (National Gallery of British Art) y el Victoria and Albert Museum realizando folletos y catálogos para visitantes, profesores y estudiantes. Vive en Westcliff-on-Sea, Essex.
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Escrito por un reconocido artista y profesor experto, The art of Still Life ofrece un enfoque integral y contemporáneo que enseña a los artistas los fundamentos y las técnicas avanzadas necesarias para dibujar y pintar con éxito.Además de las impresionantes pinturas de Casey, se incluye la obra de más de cincuenta maestros, tanto del pasado como del presente, lo que convierte al libro en un práctico manual práctico y un tesoro visual de algunas de las mejores obras de bodegón de la historia y de la actualidad.
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Desde la prehistoria, el ser humano ha sido un creador de símbolos, que constituyen un puente hacia sus orígenes, el cosmos y el destino. Las entradas de este Diccionario de los símbolos, seleccionadas del vasto repertorio en dieciséis volúmenes de The encyclopedia of religion, dirigida por Mircea Eliade en colaboración con Ioan Petru Couliano y redactada por destacados expertos internacionales, subrayan la emergencia y la persistencia de esta creatividad. Durante siglos, los símbolos se han vivido como portadores de un sentido capaz de romper los horizontes de los límites humanos para proyectarse más allá. Así, resulta que incluso los objetos más habituales -una llave, un tejido, un espejo, una joya- o los gestos más banales -comer, dormir, ofrecer un regalo, jugar- no son aspectos evidentes de nuestra vida: de hecho, en la historia de la humanidad se han cargado de una densidad que quizás hemos olvidado, pero que atestigua hasta qué punto la búsqueda de sentido está impresa en las profundidades del deseo humano.
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Este libro tiene como objetivo analizar experiencias museales no tradicionales que eclosionan partir de los años 2000 en Latinoamérica, impulsadas por agentes culturales no especialistas en museología, sino en el campo artístico. La investigación, que se circunscribe en la línea de la museología alternativa, aborda estas experiencias autonombradas de manera crítica museos. Son musealidades que toman diversos formatos, generan diferentes actividades y proponen metodologías interdisciplinares, se organizan en torno a demandas que el museo tradicional ni ha atendido, ni atiende, y adquieren una forma mutable y flexible. No tienen vocación de permanencia y aspiran a una interacción con su comunidad más cercana y personalizada. El museo, como dispositivo incorporado durante el periodo colonial, fue, desde su implementación en el continente americano, una institución transmisora de los valores civilizatorios europeos. En este contexto, estas experiencias museales se analizan desde el marco poscolonial, y los antecedentes de los que se nutren se rastrean en la museología alternativa latinoamericana de los años noventa. Esta investigación analiza cuatro casos de estudio y se adentra en sus referencias prácticas y teóricas: el NuMU de Guatemala, Puno-MoCA de Perú, Museu das Remoçoes de Brasil, y el Museo del Cerro de Puerto Rico, experiencias que trabajan dentro y fuera de la institución, y que friccionan con el museo tradicional con espíritu cuestionador pero propositivo.
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El pincel de Hiroshige captó como ningún otro el encanto del paisaje japonés, en el que con frecuencia se asoma el monte Fuji, la cumbre más elevada del archipiélago nipón. Este volcán, cercano a la capital Edo (actual Tokio), era visible desde numerosas poblaciones y desde las principales carreteras del país. Por esta razón, tanto en sus vistas de Edo como en sus paisajes por las provincias, Hiroshige dibujó innumerables veces la inconfundible silueta del monte Fuji.Este libro presenta las estampas más destacadas de la producción de Hiroshige que tienen al monte Fuji como protagonista y, también, de manera integra, las dos series que el artista publicó bajo el título Vistas del monte Fuji en 1852 y 1858. En conjunto, este libro es una magnífica manera de adentrarse en el universo artístico de Hiroshige y conocer sus grandes obras maestras, que se elevan a la altura del monte Fuji.
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Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuale
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Luchon Saint-Lary -2 Mapes 1:30000 + Carpeta Desplegable
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* 30 dibujos para colorear a partir de las sublimes fotografías de Thomas Pesquet, para reproducir con fidelidad o utilizar los modelos originales a modo de inspiración. * Muchos universos para crear y elegir: hermoso azul, volutas acuáticas, geometrías variables o territorios conocidos. * ¡La magia de la terapia a través del arte para recuperar la calma y la concentración! «Ahora tienes la ocasión de unir tus trazos a los de la naturaleza...». Los derechos de autor de este libro se donan a la organización humanitaria Aviation Sans Frontières
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El firmament
Ambientada en l'Ànglia de l'Est del 1759, l'obra comença quan una dona jove, desapareguda durant un temps, torna una nit a casa, on el seu marit la troba coberta de sang. Després de ser condemnada per assassinat i sentenciada a mort, ella afirma estar embarassada. Kirkwood es va sentir atreta per la pràctica històrica real que consistia a convocar un jurat de dones per examinar el cos de l'acusada i determinar si realment estava embarassada. Si declaraven que ho estava, l'enviaven a l'exili a Amèrica. Si no, l'executaven immediatament.
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Inteligentes, calculadores y amantes de los juegos, la cultura humana se desarrolla bajo la observación de los cuervos. El retrato de la más tenebrosa de las aves.Los cuervos viven por casi todo el planeta y siempre han buscado la compañía de los seres humanos. Seguían a los vikingos para después hastiarse con los restos de la batalla, y desde entonces se los asoció con la muerte. Los córvidos son magníficos observadores: establecen a su modo cálculos de probabilidades y conductas acerca de sus presas, y se van mudando a las ciudades escapando de la explotación industrializada del campo. En cuanto a la presencia del cuervo en el arte y la cultura, este libro va desde la cueva de Lascaux, pasando por uno de los últimos cuadros de van Gogh, o el poema de Edgar Allan Poe, hasta llegar a la película Los pájaros, de Alfred Hitchcock así como a las representaciones del cuervo en la cultura contemporánea.
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Este libro recoge, por primera vez y con investigación rigurosa, el mapa vivo y actual de las mujeres que cargan pasos a costal en España: dónde lo hacen, desde cuándo, cómo lo sienten y qué les impulsa a seguir. Más de cuatrocientas voces —costaleras, capataces, familias, responsables de hermandades y personas que acompañan el ritual— comparten su experiencia íntima: la tensión muscular, la técnica estudiada, la emoción que nace del hombro hacia la piel, los nervios que hormiguean en la antesala del paso, la fe, la entrega y la ilusión que atraviesa la noche. Estas páginas revelan un fenómeno lleno de raíz y de futuro: identidad, misión, cultura viva, sociología, psicología y memoria espiritual de nuestra religiosidad popular. Es un viaje humano y cercano, contado con respeto y escucha, que invita a comprender y sentir desde dentro. El latido de este libro toca algo profundo: bajo el costal hay cervicales, hay columna, hay respiración contenida… y hay un corazón que sueña en plural. Ellas ya caminan bajo los pasos, con paso corto y alma alta. Y su huella avanza, palmo a palmo, como la trabajadera: firme, consciente, compartida.
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Una pequeña joya de la literatura dramática actual, (casi) un monólogo en el que no es difícil reconocer rasgos y gestos de los poderosos de nuestro tiempo. La Política ensaya para el retrato oficial que será el símbolo de su mandato. Aunque ha sido elegida democráticamente, preferiría ser una monarca con poder absoluto otorgado directamente por la mano de Dios. Sueña con la impunidad de sus acciones y con ser venerada incondicionalmente. Pero el pueblo se agolpa ante las puertas de su casa. Le piden explicaciones sobre la guerra, sobre los muertos de la costa, sobre la economía. Ella no está dispuesta a rendir cuentas, no cree que deba hacerlo, pero debe contener a la masa que amenaza su poder. La Política de Patricia Benedicto es un texto teatral que se lee como una novela, un relato que desvela las contradicciones de los líderes y que revela cómo el sueño del poder produce monstruos.
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Del lienzo al plato: la historia del arte contada a través de la gastronomía. Una naranja en un bodegón puede contar un conflicto geopolítico y la imagen de una copa de vino tiene la capacidad de convertirse en la puerta de entrada a un mundo de significados simbólicos antiguos. La representación de una sopa puede explicar un mundo, una cosmogonía, una forma de vida. La gastronomía ha impregnado toda la historia del arte. Lo que comemos y cómo lo hacemos habla de nosotros, al igual que los platos, los ingredientes y los utensilios que encontramos en las pinturas o el hecho de que el cocinero lleve una chaquetilla blanca, un delantal de rayas o una camiseta negra. Ahí están nuestra historia y nuestra cultura, como lo ha estado en otros tiempos y otros lugares en los que la comida, la bebida y la forma de relacionarse alrededor de la mesa estuvieron siempre presentes, cargados de la capacidad de contar historias.
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Publicado con motivo de la exposición Juan Muñoz. Historias de arte, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de noviembre de 2025 y el 8 de marzo de 2026. Juan Muñoz fue un artista que constantemente dialogó con la historia del arte.
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¿A quién pertenecen los mármoles del Partenón o el busto de Nefertiti? La historia de cómo el imperialismo y el colonialismo llenaron nuestros museos. Detrás de muchas de las obras que admiramos cuando visitamos el Louvre, el Museo Británico o el Met de Nueva York se oculta un pasado incómodo. Son piezas que desaparecieron de su lugar de origen, arrancadas de templos, tumbas o palacios, y que hoy se siguen reclamando. Durante siglos, los grandes museos reunieron objetos procedentes de todos los rincones del planeta convencidos de estar preservando el patrimonio de la humanidad. Pero tras esa apariencia de universalidad se esconde una historia de conquistas, expolios y apropiaciones que todavía proyecta su sombra sobre nuestras instituciones culturales. Este libro sigue el rastro de seis piezas emblemáticas —de los mármoles del Partenón al penacho de Moctezuma, los bronces de Benín y el busto de Nefertiti— para contar, con rigor y claridad, cómo llegaron a las salas de exposición en las que reposan y para abrir el debate sobre su restitución. «¿Y si la identidad de los museos más importantes del planeta descansara sobre piezas que no deberían custodiar? El temblor que sacude a una de nuestras instituciones clave amenaza con alterar para siempre la visión que tenemos de nosotros mismos. Este libro lo cuenta. Y sus conclusiones son perturbadoras.» Javier Sierra, escritor «Estas historias relatadas con maestría revelan un panorama muy inquietante: una letanía de codicia, deshonestidad, manipulación y apropiación indebida a escala internacional. Arte secuestrado lanza una llamada clara y apremiante: ¡por favor, devolved lo antes posible estas obras maestras a los lugares a los que realmente pertenecen!» Paul Cartledge, catedrático emérito de Cultura Griega de la Universidad de Cambridge «Arte secuestrado ofrece, a partir de casos de estudio, un panorama problemático sobre la cultura que ''nos pertenece'' y la necesidad de lo que podríamos llamar una justicia post-patrimonial. Rastrear los olvidos usurpadores del Museo contribuye, como ejemplarmente hacen Catharine Titi y Katia Fach Gómez en este lúcido y riguroso libro, a tener una memoria crítica y a respetar otras formas de mirar.» Fernando Castro Flórez, crítico de arte y profesor de la Universidad Autónoma de Madrid
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Camins amb història
Alpina Edicions
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Les vides
Per primera vegada en català, una obra fonamental de la cultura europea, de la història de l'art i del Renaixement.El conjunt de vora 200 biografies de pintors, escultors i arquitectes del Renaixement, escrites pel pintor i arquitecte italià del segle XVI Giorgio Vasari, considerada «potser l'obra més famosa, i fins i tot actualment la més llegida entre la literatura antiga sobre art», «una de les obres més influents sobre art del Renaixement italià», i «un dels textos fonamentals de la història de l'art». Escrita al segle XVI, és la font principal que hi ha sobre els artistes del Renaixement italià i una obra que ha influenciat qualsevol biografia d'artista que s'hagi fet després. I és una obra literària, a més, plena de vida: amb infinits detalls, anècdotes, comentaris i valoracions personals de Vasari. La presentem en estoig amb tres volums en cartoné. Traducció de Martí Domínguez Pérez, que segueix l'estil sinuós i elegant de Vasari. Edició i introducció a cura de Martí Domínguez Romero.
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Edmund de Waal ha creado un libro sobre archivos que es a su vez un archivo, una reunión de sus reflexiones sobre archivos a lo largo de una década dispuestos en orden cronológico. El libro es también cíclico, comienza en Odesa en 2009 y termina en París en 2021 encontrándose con archivos familiares en ambos lugares. Entre medias aparecen sus reacciones a archivos de poetas, artistas y lugares que ama.An Archive ofrece la oportunidad de leer textos de de Waal originalmente incluidos en publicaciones que ya no están disponibles para el lector. El esfuerzo de reunir todo este material no es únicamente un trabajo archivístico sino que compone un ensayo sobre este tema, ofreciendo distintos acercamientos a la definición y la experimentación de un archivo tanto por el observador como por su creador.Como la mayoría de los trabajos de de Waal, este libro se acerca a su interés sobre el coleccionismo y las colecciones: cómo los objetos son reunidos, se pierden, son robados o se dispersan. Este libro forma parte de la serie Ivorypress Archives, cuyo objetivo es poner a disposición del público material inédito, perdido o descatalogado.
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Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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Las luchas del pasado aún contienen plusvalía partisana para hoy.Cuando el fascismo no era una amenaza parlamentaria, sino el sistema de gobierno, tomar las armas resultó la opción elegida por miles de personas. De aquella lucha total nos quedan sus fotografías desfilando, posando armadas o merendando en la clandestinidad, sus panfletos representándose como un verdadero ejército, con sus enemigos arrodillados, o realizando sabotajes y emboscadas. Las imágenes de este libro fueron producidas por quienes lucharon contra el fascismo, y hoy resultan relevantes dada la criminalización a la que se les sometió. Fueron acusados de bandoleros y terroristas, sus cadáveres eran mostrados públicamente y se reproducían las fotografías de sus rostros desfiguradosen la prensa. Décadas después, el horror ha vuelto con las imágenes de sus esqueletos exhumados de las fosas comunes, como sus verdugos lo hubieran deseado. No son esas las imágenes que se encontrarán en este libro, que rompe tanto con la criminalización como con el victimismo y apuesta por rescatar las imágenes de la guerrilla hoy olvidadas en los archivos. No es un ejercicio de memoria sino de conciencia histórica. Pero cuidado, recordar la guerrilla no es hacer la guerrilla. Los caminos del antifascismo y de la revolución no son los de elucubrar con dibujos, fotografías ni obras de arte, convirtiendo melancólicamente las luchas sociales en luchas por la memoria. Al contrario, con este libro se cuestiona si estas imágenes aún tienen la capacidad de servir como recursos de inspiración y esperanza, frente a la institucionalización y la neutralización del recuerdo.
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Una invitación poderosa y emocionante a participar en uno de los grandes debates culturales de nuestro tiempo.Quizá la belleza no pertenezca a nadie. Pero ¿qué pasa con los objetos que los museos han elevado al rango de grandes obras de arte y que son su orgullo? ¿Pertenecen al lugar donde nacieron, a la cultura cuyo genio encarnan, a quienes se los apropiaron, o a la humanidad entera, que solo accede a ellos a través de instituciones dedicadas a su conservación? Y si es lo último, ¿cómo justificar que solo algunos puedan disfrutar de este patrimonio universal?Bénédicte Savoy nos propone empezar por el principio: seguir el rastro concreto de esos objetos, preguntándose cómo llegaron hasta nosotros y qué revelan sus trayectos sobre nuestra historia. Del busto de Nefertiti al retrato de Adele Bloch-Bauer de Klimt, pasando por el altar de Pérgamo, la Madonna Sixtina o los tesoros reales de Benín. ¿Quién se conmovió ante estas confiscaciones, cuándo y por qué? En las peripecias de estas obras emblemáticas se entrelazan historias sobre violencia, asimetrías, archivos, cine, memoria familiar, curiosidad científica, diplomacia y política internacional.Una lectura emocionante y placentera, este poderoso ensayo nos invita a participar en una de las grandes discusiones políticas y culturales de nuestro tiempo. Si estas piezas provocaron, allí donde llegaron, fecundaciones estéticas inesperadas, también abrieron, allí donde faltan, heridas aún vivas.
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Y, por otro lado, ¿qué revela el poshumanismo sobre la arquitectura que hacemos? Este libro documenta un proceso de investigación alrededor de estas cuestiones, y sugiere una hipótesis para pensar sobre ellas. Defiende que estamos ante un nuevo Romanticismo, un espíritu de trabajo y posicionamiento crítico que reconoce las interdependencias entre personas, animales, astros, tecnologías y minerales, entre otras y todas las partes que constituyen el cosmos, y que este espíritu se articula en una práctica interespecie. Los artefactos compilados en este libro —proyectos de arquitectura, textos literarios, aparatos tecnológicos, réplicas de fenómenos naturales, materiales de construcción, productos, obras de arte o de diseño, maquetas o prototipos— reflexionan sobre nuestra interdependencia con otros lugares, especies, materias e inteligencias.Textos de Mariana Pestana, Anna Bertmark, Bernardo Gaeiras, Carlos Pastor, Fernanda Costa, Katerina Iglezaki, Mariana Simões, Mathilde Gouin, Valentina Demarchi, Coletivo FIELD, Coletivo Frame, KWY.studio, Studio Ossidiana, SUPERFLEX
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Repensar el museu
Esta guía es obra del grupo de trabajo Museus i Gènere, que tiene como objetivo transmitir una socialización de los géneros que elimine los aspectos negativos y las jerarquías de los modelos vigentes y abra camino al pleno desarrollo de una sociedad igualitaria, democrática y justa en el mundo del patrimonio y de los museos. Así, la guía ofrece algunas pistas de reflexión y algunas propuestas de actuación para aplicar la perspectiva feminista en el trabajo diario en el museo.
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Acceder al profundo simbolismo del Tarot de Mantegnasólo es posible adentrándonos de lleno en la riquezacultural de la sociedad en la que fue creado: el Renacimiento italiano. Este libro se propone viajar al corazón del humanismo florentino de la mano de pensadores como Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola o el bizantino Plethon. Las estampas del tarot de Mantegna fueron creadas bajo la inspiración de las propuestas mágicas y filosóficas de estos autores. Un halo de misterio ha rodeado desde hace siglos a esta colección de cincuenta grabados: no se sabe cuál es sulugar de origen, la fecha en la que se crearon, ni siquiera quiénes fueron en realidad sus creadores. Estanueva edición del especialista en simbología sagraday tradición hermética Raimon Arola nos permitirá conocer algunos de los secretos de este sorprendente juego de cartas que no sólo servía para el divertimento,sino que podía predecir el futuro y lanzar herméticas profecías.
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El monte Fuji ha sido durante mucho tiempo un elemento central del imaginario cultural japonés, y nada lo ha representado con más virtuosismo que la histórica serie de xilografías Treinta y seis vistas del monte Fuji de Katsushika Hokusai (1760-1849). El famoso grabador documenta el Japón del siglo XIX con un talento y devoción excepcionales, y rinde homenaje al campo, a las ciudades, a la gente y a su serena belleza natural. Producida en la cima de la ambición artística de Hokusai, la serie es una obra fundamental del ukiyo-e que le valió el reconocimiento mundial como maestro indiscutible de su oficio.Los grabados ilustran la obsesión de Hokusai con el monte Fuji y el florecimiento del turismo doméstico a finales del período Edo. Del mismo modo que la vista de la montaña era muy apreciada por los viajeros que se dirigían por la carretera Tōkaidō a la capital Edo (Tokio en la actualidad), el monte Fuji se erige como telón de fondo infalible de cada una de las escenas de la serie. Hokusai captura el paisaje distintivo y el encanto provincial de cada escenario con colores vívidos y detalles exquisitos. La serie, que incluye la famosa estampa La gran ola de Kanagawa (también conocida como La gran ola), es un tesoro de la historia del arte internacional apreciado en todo el mundo.Esta edición XL, una de las pocas reimpresiones de toda la serie, rinde homenaje a los llamativos colores y las composiciones de Hokusai con un cuidado y magnitud sin precedentes. Encuadernada siguiendo la tradición japonesa, Treinta y seis vistas del monte Fuji reúne las 36 estampas originales y otras 10 que el propio artista añadió posteriormente. El presente volumen presenta una imagen encantadora del Japón preindustrial y es un monumento impresionante al arte de la xilografía.
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Conviene volver a mirar y, especial mente, disfrutar (una vez más) de los “maestros antiguos”, sin miedo a ser tildado de “viejuno”. Flaubert decía que el primer propósito del arte era hacer que vieras (faire voir) y después hacerte soñar (faire rêver). No importa que la “mano del arte” no agarre nada, porque su “cacería” lo que hace es revelar el fondo.
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El MACBA publica Panáfrica. Arte e imaginarios políticos para la construcción de un planeta negro, una recopilación de textos de diversos autores que abordan el panafricanismo desde diferentes perspectivas con la voluntad de crear un imaginario sociopolítico y cultural vinculado no solo a la raza sino también a la solidaridad. El objetivo es desvelar el carácter plural del proyecto panafricano que es también una parte ineludible -aunque tangencial- de la historia y el imaginario sociopolítico de la ciudad de Barcelona y de la historia de España.El libro incluye textos históricos, contemporáneos y nuevos ensayos que reivindican el panafricanismo parar entender parte de nuestra historia.La publicación consta de dos ediciones separadas en catalán y en castellano.
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L'art de musicar la fusta
L'artista Sergi Mas s'acosta en aquest volum a l'art de musicar la fusta o, dit d'una altra manera, a l'art popular de decorar objectes quotidians mitjançant la tècnica de gravar i tallar principalment figures geomètriques a la seva superfície. Un tema sobre el qual s'ha escrit ben poc i que, malgrat ser una forma d'expressió artística popular, no ha gaudit de l'interès dels estudiosos. I, tanmateix, les musicadures -d'origen remot, però universals i compartides per moltes cultures- són part de l'art del poble, sobretot del d'aquelles persones més en contacte amb la natura. Tot i que han arribat a l'actualitat, la producció industrial en sèrie les ha fet pràcticament desaparèixer. D'aquí ve l'interès de l'autor per fer un estudi el més ampli possible sobre les musicadures a Andorra, al Pirineu i al món europeu a través de la documentació i les làmines que ha recopilat durant anys. Amb més de dues-centes il·lustracions del mateix artista, Mas recull els principals tipus de musicadura i fa una aproximació a la seva presència en objectes quotidians com salers, escudelles, esclops, formatgeres o collars d'ovella, entre d'altres. El volum el clou un petit manual sobre talla per a tot aquell que vulgui iniciar-se en les musicadures. Un llibre sobre art popular que és, també per si sol, una obra d'art.
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¿Para qué sirve un museo? Durante años multitud de activistas y gestores culturales han experimentado, también desde lo institucional, con las respuestas posibles a esa pregunta, explorando los límites del arte, su función política en sociedad y los condicionantes que impone ese particular marco que llamamos museo. Este ensayo nos ayudará a profundizar en la reflexión tomando como sujeto de estudio la práctica desarrollada en el Museo Reina Sofía durante el mandato de Manuel Borja-Villel. Durante algo más de una década se desarrollaron allí programas, proyectos y dispositivos de relación y negociación con comunidades y movimientos sociales que partían de un cuestionamiento crítico de los marcos institucionales. Se pretendía con ellos desbordar los lazos que vinculan al museo con la sociedad en la búsqueda de una profundización de sus fundamentos democráticos.Aunque estos procesos son en buena medida una singularidad, casi una anomalía, dentro del marco del museo neoliberal que se impuso en España desde la década de los 90, sin embargo, como se narra aquí, tiene sus raíces en el rol que se otorgó al arte.
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¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberíamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relación que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona cómo conciliar nuestra indignación y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va más allá: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es también madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran éxito de crítica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una época en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razón de serlo, pero plantea también importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepción misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos más oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es más, ¿qué ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo víctima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.
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No pensis, mira
Entre la memòria íntima, l'observació culta i l'anàlisi social, Ibarz condensa un conjunt d'idees per establir una relació directa amb les obres d'art, siguin del tipus que siguin. Intel·ligència, sensibilitat i claredat expositiva en un llibre exquisit. Professora d'art i cronista d'exposicions durant una bona colla d'anys, els punts de vista de Mercè Ibarz sobre qüestions artístiques són sempre personals, fonamentats i d'una gran lucidesa. En aquest llibre convida el lector a enfocar la mirada i establir una relació directa amb les obres.Entre la memòria íntima, l'observació culta i l'anàlisi social, No pensis, mira és un assaig exquisit i estimulant, una mostra més de la intel·ligència, la sensibilitat i la claredat expositiva que defineixen l'autora.¿A quién va dirigido el libro No pensis, mira?Este libro se dirige a un público amplio interesado en el arte y su experiencia. Se presenta como una invitación a una relación personal y directa con las obras de arte y las exposiciones. Su enfoque es accesible tanto para aquellos con conocimientos previos en arte como para aquellos que se acercan a él por primera vez. La claridad expositiva de la autora facilita la comprensión de los conceptos planteados, convirtiéndolo en una lectura enriquecedora para un público diverso. La obra se presenta como una propuesta estimulante para cualquier persona que desee profundizar en su propia experiencia con el arte, más allá de la simple contemplación.Temas que trata el libro No pensis, miraNo pensis, mira explora la relación personal e individual que cada persona establece con las obras de arte y las exposiciones. La autora, con su experiencia como profesora de arte y cronista de exposiciones, invita al lector a enfocar su mirada y a establecer una conexión directa con las piezas artísticas. El libro se centra en la importancia de la observación, la memoria íntima y el análisis social como herramientas para comprender y apreciar el arte. Se trata de una reflexión sobre la experiencia estética, que combina la observación culta con la experiencia personal y la perspectiva social. El libro no se limita a una simple descripción de obras de arte, sino que profundiza en la manera en que estas interactúan con la memoria, la cultura y la sociedad, invitando a una experiencia más completa y significativa. Se aborda la relación entre el espectador y la obra de arte, promoviendo una mirada activa y reflexiva.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro No pensis, miraAún no hay opiniones o críticas sobre No pensis, mira.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.