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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Un diccionario fundamental contra el ruido y la indigestión que genera la avalancha iconográfica de la cultura contemporánea. Con las cámaras de los teléfonos convertidas en apéndices humanos generamos muchas más imágenes de las que podemos consumir, imágenes que nos someten y ante las que, a veces, no queda más que sublevarse. Imágenes que nos degluten y a las que de vez en cuando conviene deglutir. Imágenes que, bajo la alfombra inabarcable de las millones de reproducciones, casi siempre nos ocultan los imaginarios de esta era, que empezó con la nueva derecha poniendo a volar la cabeza sin cuerpo de Lenin sobre el cielo de Berlín y se alarga hasta un presente en el que la nueva izquierda ha echado a cabalgar el cuerpo sin cabeza de Franco en el suelo de Barcelona.El ensayista Iván de la Nuez define esta omnipresencia como «iconocracia», un término que afianza la tiranía de la imagen pero que, al mismo tiempo, nos permite contrarrestarla. Y es que, sin negar esa ubicuidad opresiva, la apoteosis iconográfica puede entenderse también como un ecosistema de poder y contrapoder, un juego de gobierno y oposición en el que cabe la vomitona radical de la iconoclasia pero también la digestión crítica de la «iconofagia», concepto que han compartido Norval Baitello o Alfonso Morales y que ahora da título a este diccionario que se propone como una sola trama y en cuyos capítulos brillan con luz propia voces e imágenes.Sobre el autor y su obra la crítica ha dicho:«Iván de la Nuez es un francotirador que lleva veinte años publicando ensayos que son hitos de una exploración coherente y original del medioambiente simbólico contemporáneo. (...) Y lo hace con una escritura rigurosa pero también accesible y divertida».César Rendueles, Babelia«De la Nuez es un paria de largo alcance. (...) Pero el autor cubano no va con brújula. Como los parias, como los nómadas, se moja el dedo para detectar el sentido del viento y prospectar el camino del globo. Donde el globo quiera. Donde el viento dicte. De la Nuez, nacido en La Habana, habitante del mundo, vuelca su víscera en cada página (...)».Franco Chiaravalloti, Revista de las letras «Sus libros no se suceden como variaciones de un mismo libro, a la manera de tantos ensayistas, ni tampoco como aplicaciones locales de un canon intelectual propio. (...) En realidad, la metáfora más útil -tal vez la única- para describir la escritura de Iván de la Nuez es la metáfora cartográfica».Javier Calvo, Letras Libres «Hay que disfrutar en de la Nuez (y esto es algo que lo separa de otros intelectuales cubanos contemporáneos suyos más graves), eldescarnado humor, la propensión crítica a salar las cosas, invadir el discurso: darle sabor, darle swing».Alfredo Triff, Tumiamiblog
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A través de 31 lecciones prácticas y sencillas, la acuarelista y profesora estadounidense Jeanne Dobie nos abre las puertas a una nueva manera de pensar el color que nos permitirá desbloquear nuestra creatividad y encontrar el modo de expresarnos a través del arte. Elaborar una paleta de pigmentos puros, entender el avance y el retroceso de los colores cálidos y fríos, generar atmósferas con veladuras, crear puentes cromáticos, aprender a camuflar con color, planificar los blancos y las sombras... Publicado originalmente en 1986 y convertido en todo un referente, este práctico manual nos ofrece las claves para entender no solo cómo actúan los colores y cómo se relacionan entre sí, también otros aspectos esenciales en la creación pictórica como la composición y el diseño.
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¿Hacia dónde camina el museo del siglo XXI? Este ensayo hace un breve repaso de los orígenes y evolución del museo clásico desde el siglo XVIII al XXI. En ese recorrido se centra en la trasformación de la institución museística de templo de la cultura en centro que compite con el resto de la oferta de ocio de su ciudad, desdibujando los ideales que lo sustentaron en origen, mermando el potencial de comunión sublime que puede ofrecer el gran arte, y rindiéndose, además, al poder, las exigencias y manipulaciones de los nuevos cánones imperantes.
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Del natural
III Premi Bones Lletres d'assaig humanísticamb una obra sobreLA RELACIÓ ENTRE ART I NATURAMartí Domínguez porta a terme en Del natural un ample recorregut per la història de la pintura tenint com a principal fil conductor la percepció de la natura. Des de la representació d'un corder per part de Giotto fins a les dones de Gauguin pintades a la Polinèsia, passant pel renaixement italià i flamenc i pels pintors romàntics i impressionistes, l'autor reflexiona sobre com la natura ha estat en cada cas interpretada i pintada, incloent-hi dins d'ella l'estudi del paisatge i de la mateixa naturalesa humana. D'aquesta manera, Del natural és un assaig que, des d'aquesta òptica naturalística, descobreix als lectors noves i sorprenents lectures de les obres d'art, tot això ben amanit per una prosa rica i especiosa, que es recrea en la vida dels pintors i en les seues principals creacions.
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Las plantas han estado presentes a lo largo de los siglos en el arte. El Museo del Prado aloja obras con algunas de las representaciones botánicas más bellas de grandes maestros. El Bosco, Tiziano, Botticelli, Velázquez o Goya nos deleitan con claveles, caléndulas y milenramas.Eduardo Barba nos las muestra en un relato de identidad, de memoria y de tiempo, aspectos enraizados en la historia del arte. Pero en estas páginas también encontraremos viajes, museos y jardines de otros países y experiencias vitales, seducidos por el atractivo de una mirada atenta.
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'En Ruskin, la paradoja, el capricho, el gusto personal y exclusivo se hace convincente, se eleva y se hace hasta inspiración celeste a fuerza de dominar el procedimiento demostrativo, con sedicencias y seducciones.''''Ruskin no es nunca un teórico, cuenta con pisar el paisaje que alaba, con entrar en él, lo ve todovivo, asequible, tibio, móvil y por eso en las cosasmás petrificadas encuentra la brisa que fuera con ellas, la luz que las anima y las adentra.ö
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En este lúcido ensayo, el erudito ensayista francés analiza la obra de Élisabeth Louise Vigée Le Brun, una de las pintoras más brillantes e ignoradas de las últimas décadas prerrevolucionarias en Francia. Retratista magistral «capaz de conjugar el parecido fiel con la idealización impalpable», Vigée Le Brun fue la aliada a la que escogió María Antonieta para ofrecer una imagen humana y digna de ese mundus muliebris que ella representaba y que, supuestamente, corrompía el prestigio y la autoridad de los monarcas a fuerza de afeminarlos. Un relato fascinante que recrea con magnífica precisión el virulento despertar de una misoginia política, moral y social que hizo de la reina María Antonieta y su retratista oficial sus chivos expiatorios.
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Un libro de geopolítica cultural y de historioterapia «Occidente ha olvidado el alma hispana que lo vio nacer. Ya es hora de que reencuentre sus raíces y con él todos aquellos que vivimos divididos y de espaldas a los demás y a la verdad. Este libro contribuye decididamente a esa tarea». Marcelo Gullo, profesor argentino. «El Sacro Imperio Romano Hispano, que describe con acierto Alberto G. Ibáñez, nos incluye a todos: indígenas del norte al sur, españoles, criollos, negros mestizos y mulatos. Es un homenaje merecido a la primera operación civilizatoria multicultural de la Historia». Alfonso Borrrego, biznieto del último caudillo apache Gerónimo. «Ibáñez es un intelectual de gran talla: su lectura es urgente e importante. En el Sacro Imperio Romano Hispánico (SIRH), nos hace palpar la grandeza de nuestro legado y abre vías hacia un futuro pleno». Carlos Leáñez, profesor venezolano. «El autor, tras sus exitosos ensayos anteriores, no defrauda con un nuevo estudio serio, innovador y, sobre todo, fascinante. Con este libro el modelo hispano recupera su trayectoria y avanza una vez más hacia el Plus Ultra»
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Recuperamos no de los libros más significativos del filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, una crítica radical de la naturaleza del arte de nuestro tiempo.Hace más de dos décadas, Arthur C. Danto anunció que la llegada del fin del arte se había dado en los años sesenta, y fue precisamente tras esa declaración cuando se situó a la vanguardia en la crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Esta obra presenta la primera reformulación a gran escala de esta original percepción y muestra cómo, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vasari definió para él en el Renacimiento.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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El director de cine, crí tico y escritor irlandé s Mark Cousins ha creado un libro magní fico y un artefacto de granvalor artí stico que repasa la historia de la mirada humana a lo largo de los siglos. Desde las civilizaciones antigua
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El arte es considerado habitualmente como una actividad solitaria. Pero los artistas visuales, escritores y músicos a menudo encuentran su energía a través de un entorno colectivo. Compartir ideas alrededor de una mesa siempre ha dado lugar a intercambios fructíferos entre artistas de todo tipo. En estélibro, Mary Ann Caws explora una rica variedad délugares de reunión, pasados y presentes, que han sido propicios para la liberación y el sustento necesario délas energías creativas. Encuentros creativos habla de estos lugares en Europa y Estados Unidos, desde paisajes urbanos hasta refugios en islas, desde casas privadas hasta cafés públicos y colonias de artistas. Los ejemplos incluyen la casa de Florence Griswold en Old Lyme, Connecticut, lugar de reunión déla antigua colonia de arte de Lyme, el Café Louvre de Praga, lugar de reunión de Kafka y Einstein, el café modernista de Picasso en Barcelona, Els Quatre Gats, Charleston Farmehouse, lugar de reunión de Virginia Woolf y Vanessa y Duncan Bél, y los cafés de Saint-Germain¡-des-Prés y Montparnasse: los lugares de reunión de Apollinaire, Sartre y Patti Smith.
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¿Es el color tan sólo una reacción psicológica, o una pura sensación física? ¿Tiene un efecto en nuestros sentimientos o estados de ánimo? John Gage examina desde una perspectiva nueva y extraordinaria el fenómeno del color, convencido de que, como el lenguaje, es un hecho históricamente determinado cuyo significado reside en los diversos contextos en los que se experimenta e interpreta. Así, su erudita investigación-ilustrada con más de cien imágenes, treinta y siete de ellas en color-abarca temas tan diversos como las mezclas ópticas en una técnica como el mosaico, la simbología medieval de los colores, la sintaxis de los colores y sus usos en Latinoamérica en tiempos de la conquista, la temprana historia de la óptica y el prisma, o las ideas sobre el color en la obra de Goethe y Runge, Blake y Turner o Seurat y Matisse. Un texto lleno de ideas, tan esencial como ameno.
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Por mucho que conozcamos la genialidad de los grandes artistas del pasado, a menudo, cuando vemos una obra maestra, nos resulta difícil conectar con ella y captar su grandeza. Ossian Ward se enfrenta directamente a este vacío comunicativo y nos brinda algunas de las claves y parámetros con los que volver a mirar las pinturas de los maestros antiguos.El crítico británico toma diversos conceptos que han sido una constante en la historia del arte -como la paradoja, la belleza o el horror- y los convierte en el hilo conductor que conecta nuestra capacidad interpretativa con las mejores obras de la historia de la pintura. Una cautivadora experiencia inmersiva que nos invita no solo a saber de la espectacular teatralidad de El Bosco o de la armonía y simplicidad de Paul Cézanne, sino a aprehenderlas verdaderamente.
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Los encantos de China, para muchos extranjeros, radican en sus culturas tradicionales, costumbres étnicas, y cómo estas se encuentran integradas en el proceso de modernización. De acuerdo con su rica historia, los urbanistas deben asegurar que los elementos antiguos y tradicionales de la ciudad no desaparezcan. Como resultado, el entorno y el trazado de la ciudad contienen a menudo elementos antiguos y modernos. Varias ciudades, como Lhasa, Lijiang y Beijing, poseen una sólida afiliación histórica y cultural, por tanto, constituyen símbolos culturales del país. Con una gran diversidad de herencias culturales, diferentes unas de otras, estas ciudades chinas presentan un entorno estimulante para poder disfrutarlas a plenitud.
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Esta obra es una selección de estudios sobre las complejas relaciones entre la imagen y el lenguaje, y sobre las dependencias ideológicas nacidas de su relación. El planteamiento de cada uno de los trabajos que se recogen aquí aborda transversalmente trasfondos metodológicos de máxima actualidad derivados de las crisis de las disciplinas que se venían encargando de analizar las prácticas artísticas, las instituciones culturales, los imaginarios globalizados y las formas de comunicación masiva inscritas en nuestras narrativas actuales.En todos estos casos, se impone una aproximación intermedial para analizar con nuevas herramientas y perspectiva suficiente fenómenos dispares pero unidos por esta dimensión migrante entre diversos soportes, medios y contextos institucionales. En este volumen podrá encontrarse una propuesta de análisis liberada de determinismos históricos, centrada en la capacidad de los casos de estudio, con independencia de su ubicación o su distancia histórica, para revelar las pervivencias actuales de estos mecanismos de interacción imagolingüísticos.
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El autor explora treinta y tres películas importantes, influyentes y populares que permitieron una creación y proliferación de las imágenes queer. Constituye un repaso a la historia política, social y cultural de gays, lesbianas, bisexuales, travestis y transexuales. Desde películas hollywoodianas hasta las experimentales. De las de culto a las nacionales o pertenecientes a otras nacionalidades.
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A camp obert
La cultura és un camp obert, un espai que, per definició, no es deixa tancar, és inestable i genera interrogants, crea nous llenguatges i referents, i transita per itineraris que cal descobrir i explorar. Les pràctiques i les disciplines que hi intervenen es creuen, es nodreixen entre elles, i malden per trobar sentit al subjecte humà i la seva contemporaneïtat, que sovint és una realitat heterogènia, contradictòria i canviant. De les noves mitologies a la reflexió sobre la intel·ligència artificial, del teatre a l'arquitectura, el cinema i la creació artística i literària, de la sociolingüística a la ciència i la tecnologia, aquest volum recull una sèrie d'assaigs breus que dibuixen, en conjunt, allò que avui podríem entendre per cultura, sense voler limitar-la ni esgotar-ne totes les potencialitats. I és, sobretot, un estímul per pensar, a partir de la singularitat de cada mirada, com ens situem al món des del coneixement, la creativitat i la imaginació.
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En esta antología completa de sus ensayos sobre artistas, John Bergernos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solonos sumergen en la singularidad de cada creación artística, sino que vanmucho más allá y nos conducen con maestría entre lo personal, locultural y lo político. No en vano Berger es considerado uno de losintelectuales europeos más importantes de nuestro tiempo y uno de loscríticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepción del arte yel lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporánea.En este segundo y último volumen dedicado a los artistas, el críticobritánico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obrade Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacidaen 1983. Al igual que en el primer volumen, que arrancaba con laspinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta llegar a PaulCezánne, los ensayos han sido compilados por Tom Overton a partir de losarchivos que Berger donó aun en vida a la British Library. Del conjuntode textos se desprende nuevamente la mirada incisiva y siempresorprendente de Berger, una mirada que se materializa en una prosaigualmente directa e iluminadora. En definitiva, una ediciónimprescindible para conocer el gran legado teórico y vivencial de JohnBerger.
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Enlloc com a casa
Teniu a les mans el llibre que, per primera vegada, proporciona als pares i mares tots els recursos i orientacions per a jugar a casa amb les fills sense deixar d’aprendre. Estar a casa deixarà de ser un problema a les èpoques de l’any amb menys llum. Un grup d’educadors i educadores de la Fundació Pere Tarrés, especialistes en aquesta matèria, ens mostren a Enlloc com a casa diferents activitats per jugar en família i és que el joc dóna plaer i desperta en l’infant un gran ventall d’emocions capdals en el seu procés de creixement.
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El famoso jardinero francés Gilles Clément nos habla de un arte involuntario que, aunque parece pasar desapercibido, somos capaces de ver si estamos atentos a él.El arte involuntario es un arte poco estimado, pues no es premeditado, flota en la superficie de las cosas. No tiene peso, pues la sociedad no se lo da. Es un arte sin estatus, sin discurso, tan carente de mensaje que uno puede leerlo, finalmente, por lo que representa -una figura del azar- sin estar obligado a llevarlo más allá de sus propios límites. Es un arte desvalido, privado de acciones y misiones oportunas, se zafa de la política, se muestra con prisa y desaparece de inmediato. Privado de consistencia útil, nadie puede sacar partido de él porque no pertenece a nadie. Es un estado de ser fugaz y sutil. A veces una luz.
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Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de difícil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanálisis sea útil para las investigaciones históricas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento más profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras. Se trata, pues, de investigar cuándo, dónde y por qué se creó una imagen típica del artista en la mente del público en general y cuáles han sido sus rasgos distintivos y fortuna crítica. La respuesta se ha buscado en el maremágnum de fuentes históricas: biografías, cartas y documentos, es decir, que la investigación está enfocada rigurosamente hacia la documentación histórica.
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Monuments de Catalunya
Daniel Romaní és periodista i escriptor. Ha publicat assaigs, novel·les juvenils i diverses obres per donar a conèixer el patrimoni català. Col·labora regularment al diari Ara.
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Único en su categoría, este bellisimo «libro-objeto»–de conmovedora adecuación entre contenido y forma– plantea una reflexión sobre los absurdos recorridos alos que fueron forzados los prisioneros de los camposde concentración nazis, en concreto, los 77 artistasque incluye este libro, como cronistas de las condiciones infrahumanas en las que vivieron. Cada estrellaes un gueto o campo de concentración, cada línea, una vía de tren que convierten la locura de estos trayectos en constelaciones, creando un sorprendente universo que golpea el corazón y la conciencia. Un libro poético, lleno de silencios, que invita a la reflexión, cada vez más necesaria
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En Palma de Mallorca, en la imaginaria 'playa' que rodea el homérico Mediterráneo, Joan Miró instalará en 1956 su taller definitivo. Desde ahí trabajará para devolver a su arte la fuerza de la voz coral, capaz de someter, con la memoria de la historia y el gesto del oficio, la materia a las formas del espíritu.
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El Museo del Prado no es solamente la mejor pinacoteca del mundo es también el álbum familiar de las dinastías españolas, los Austrias y los Borbones, que han regidolos destinos deEspaña desde hace cinco siglos. En este libro, Juan Eslava Galán
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This catalog presents the works of the Hochschild Collection, one of the most important in Peru, and the only one that so far has been devoted almost exclusively to the production of Modern and contemporary art of the Andean country. The Collection will be shown in an exhibition, taking place in Madrid at the Sala Alcalá 31 from the 21st of February.
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Dos filósofos conversan sobre la situación del arte en la actualidad: lo que quiere decir de hoy en adelante, lo que, lejos de ser una palabra anticuada, nos permite reflexionar de nuevo. El elaborado pensamientode Jean-Luc Nancy sobre este tema es retomado y también continuado en el curso de una discusión en la queLèbre se interroga con él sobre la mejor manera de aprehender el compromiso del cuerpo sensible en la actividad artística y la aproximación a las obras, la relación del arte con la técnica, la historia, su modulación en las artes tradicionales y nuevas, su posición actual frente a la religión, la política y la literatura. Este texto, un diálogo en el más pleno sentido filosófico del término, constituye en sí una introducción al pensamiento de Nancy en torno al hecho artístico: qué es el arte, su significación y finalidad en nuestro tiempo, su polimorfismo, la responsabilidadque tiene para con el mundo, su interacción con él…
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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Una historia alternativa del Renacimiento contada por las mujeres detrás de las pinturas.Belleza, maquillaje, arte, poder: Cómo ser una mujer en el Renacimiento presenta una historia alternativa de este fascinante período contada por las mujeres detrás de las pinturas. El Renacimiento fue una época obsesionada por las apariencias: el mundo visual se pobló de desnudos de la mano de artistas como Miguel Ángel y Tiziano y emergió una vibrante escena literaria alrededor de consejos de belleza, cosméticos y adornos. Jill Burke nos lleva desde las bulliciosas plazas del mercado italiano hasta los niveles más altos de la sociedad renacentista para acercarnos a las vidas de cortesanas, artistas, actrices y escritoras que se labraron un espacio propio, así como aquellas que ganaron poder e influencia en el despiadado mundo de la corte o las que se rebelaron contra las restricciones de su época en un momento en el que las valoraciones sobre los cuerpos y el color de la piel estaban en el punto de mira debido al contexto colonial. Esta vívida exploración de la vida íntima de las mujeres renacentistas nos invita a cuestionar las ideas de tenemos sobre nuestro propio cuerpo a la vez que desentraña los orígenes de los ideales de belleza que todavía nos acompañan en la actualidad. «Nunca verás los retratos del Renacimiento de la misma manera.» Maggie O'Farrell, autora de Hamnet y El retrato de casada
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Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.
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Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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La mirada captiva
Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.Déjate seducir por la belleza y el misterio que se esconden detrás de cada pincelada y cada obra de arte con La mirada captiva, una colección de ensayos del aclamado escritor irlandés Colm Tóibín. En este volumen, que reúne quince textos inéditos escritos a lo largo de veinte años, Tóibín nos invita a un viaje íntimo y personal por el universo de la creación artística. No se trata de un manual de historia del arte, sino de una exploración apasionada sobre el acto de mirar, de dejarse atrapar por una imagen y de cómo esta experiencia puede transformar nuestra percepción del mundo.Con una prosa elegante y cercana, el autor nos guía a través de las vidas y las obras de grandes maestros. Desde la relación entre Miró y Calder hasta la intensidad de Bacon o la carnalidad de Lucian Freud, pasando por la genialidad de Goya, Tintoretto o Tàpies. Tóibín se adentra en el momento preciso de la creación, ese instante de concentración furiosa donde el artista se encuentra solo ante el lienzo en blanco, dando forma a su imaginación. Es una reflexión profunda sobre cómo nace el arte y cómo, a través de su mirada, podemos conectar con las emociones y las circunstancias vitales de los creadores. El propio autor sugiere en el prefacio que, probablemente, fue la pintura lo que le impulsó a empezar a escribir, una confesión que revela la profunda conexión entre las diferentes formas de expresión artística.¿A quién va dirigido el libro La mirada captiva?Esta obra es ideal para cualquier persona con sensibilidad artística, ya sean amantes de la literatura, la pintura o simplemente curiosos por entender el proceso creativo. No es necesario ser un experto en arte para disfrutar de estos ensayos; solo hace falta tener ganas de descubrir una nueva forma de mirar y de acercarse a las obras con una perspectiva fresca y humana. Es un libro perfecto para lectores que buscan una lectura estimulante, que combine la profundidad del ensayo con el placer de una narración cercana y personal.Temas que trata el libroLa mirada captiva explora una serie de temas interconectados que giran en torno al arte y su relación con la vida:El proceso creativo: Tóibín analiza el instante solitario y decisivo en que el artista inicia su obra, explorando la mezcla de imaginación, inteligencia y emoción que define el acto de crear.La relación entre arte y vida: El libro indaga en cómo las circunstancias personales, las amistades y el contexto histórico de los artistas, como la relación entre Miró y Calder, influyen directamente en sus creaciones.El acto de mirar: Más allá de la técnica, el autor pone el acento en la importancia de la mirada del espectador, en cómo nos dejamos cautivar por una obra y en la narrativa que construimos a partir de esta experiencia.Análisis de grandes artistas: Se ofrecen radiografías humanas y artísticas de figuras clave como Francis Bacon, Lucian Freud, Goya y Diane Arbus, entre otros, desde una perspectiva íntima y reveladora.El simbolismo del color: Uno de los ensayos más destacados explora la historia y la evolución del color azul, desde la antigüedad hasta la actualidad, en un texto que combina la erudición con el relato autobiográfico.En general, la crítica coincide en describir La mirada captiva como una colección de ensayos de alto voltaje que, con un estilo vigoroso y accesible, logra acercar al lector al arte de una manera sorprendente y profundamente humana.
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El petit llibre de la història de l'art a Catalunya
Un recorregut essencial per l’art català.Si et fas un embolic entre el Renaixement i la Renaixença o entre el Modernisme i l’Impressionisme, aquest petit llibre, molt pràctic i accessible, et portarà de la mà a través de les diferents corrents i èpoques artístiques de la història. Entén d’una vegada les diferències bàsiques entre el Romànic i el Gòtic, i gaudeix de les millors obres artístiques de la història de Catalunya alhora que aprens a situar-les en el seu context històric i etapa artística. Descobreix com l’evolució de la història de l’art a Catalunya ha esculpit la nostra sensibilitat com a societat i la forma en què avui entenem les expressions artístiques.
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A celebration of more than 100 major public art commissions throughout the New York transit system Contemporary Art Underground presents more than 100 permanent projects completed between 2015 and 2023 by MTA Arts & Design. This ground-breaking program of site-specific projects by a broad spectrum of well-known and emerging contemporary artists has helped to create a sense of character and place at subway and commuter rail stations throughout the MTA system. Among the featured artists are Yayoi Kusama, Kiki Smith, Nick Cave, Ann Hamilton, Xenobia Bailey, Jim Hodges, Alex Katz, Sarah Sze, and Vik Muniz. Of special interest is the discussion of fabricating and transposing the artist’s rendering or model into mosaic, glass, or metal, the materials that can survive in the transit environment. This is the definitive survey of the latest works of the internationally acclaimed MTA Arts & Design collection. On view 24 hours a day, the collection is seen by more than four million subway riders and commuters daily and has been hailed as ‘New York’s Underground Art Museum.’ The collection enlivens stations in all boroughs, with a myriad works by major contemporary artists executed in mosaic, glass, metal, and ceramic.
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