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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Jean-Louis Barrault (Le Vésinet, 1910 – París, 1994). Actor, mimo y director escénico francés. Después de completar sus estudios de Historia del Arte, ingresó al Théâtre de L´Atelier en 1931 siendo discípulo de Charles Dullin y completando su formación como actor con el estudio en profundidad del mimo y la pantomima bajo la supervisión de Étienne Decroux. En 1935 irrumpe en al panorama teatral francés con Alrededor de una madre, adaptación de El ruido y la furia de William Faulkner. Antonin Artaud se convierte en uno de sus más fervientes admiradores. En 1940, ya en la Comedie Francaise, conoce a Madeleine Renaud y junto con ella crean una compañía teatral de fama mundial. Incorporando un amplio repertorio que va desde Shakespeare, pasando por Feydau, Claudel e Ionesco, entre muchos otros dramaturgos. La amalgama de diversas formas de puestas en escena, le dio a la compañía un sello distintivo y un enorme éxito durante décadas en Europa y América Latina. Barrault también fue director del Odéon Théâtre en 1959 y del Théâtre des Nations en 1965. En 1967 dirige en el Metropolitan Opera de Nueva York las óperas Fausto, de Gounod y Carmen, de Bizet. Como actor también incursionó en el cine, destacando su trabajo en Los niños del paraíso, El día más largo y La noche de Varennes.
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Un actor en plena crisis existencial encuentra un mito sobre el origen del teatro. Sin saberlo, se zambullirá en un juego de espejos, rostros y máscaras en el que intentará encontrar respuestas al enigma de la identidad. ¿Y si el mito primigenio fuera uno mismo? Al estilo de los autores del Siglo de Oro, Pablo Macho Otero explora a través de personajes mitológicos la epopeya de enfrentarse a los misterios del yo. Ante el auge de la identidad individual y la autoficción, el autor propone una ficción verdadera y no ahonda en las etiquetas que nos distinguen, sino en lo que nos asemeja.
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Henrik Ibsen nació el 20 de marzo de 1828 en Skien, al sur de Cristianía, llamada hoy con su nombre más antiguo: Oslo. Alternó sus residencias en Noruega —su patria—, Alemania, Italia y, desde 1892, ya no se movió de Cristianía, donde murió en 1906. Hasta el final de su vida Ibsen marcó las llagas morales de su pueblo y de la humanidad, sin hacer caso de las voces contrarias. Desenmascaró a sus adversarios en Un enemigo del pueblo (1883), planteó la lucha entre la verdad y la mentira en El pato silvestre (1884), y la de los valores ciertos o aparentes en Casa de muñecas (1879), determinó las causas del tormento fisiológico y espiritual en Espectros (1881), en Hedda Gabler (1890) buceó en el abismo del alma femenina como foco de un problema general, debatió en La dama del mar (1888) el determinismo y el libre albedrío, formulando sugestiones novísimas, y deslumbró con la imaginación envolvente de Peer Gynt (1867), donde resuenan los ecos de las fantásticas leyendas nórdicas.
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Este libro forma parte de una serie de publicaciones dedicadas a las grandes obras de la dramaturgia española del siglo XIX. En esta ocasión, se centra en el estudio y la edición del teatro breve de esa época, un tipo de piezas que representa aproximadamente un tercio de la vasta producción escénica de un siglo marcado por el surgimiento y desarrollo de la industria teatral.A partir del entremés barroco y otras formas teatrales cercanas, la proliferación de obras breves se intensificó en el siglo XVIII, consolidándose el sainete como género principal para expresar el costumbrismo y la comicidad popular. Durante el Romanticismo, esta tradición teatral se mantuvo viva y fue enriquecida por los escritores surgidos en el contexto de la revolución burguesa, quienes incorporaron nuevos temas, personajes y una particular visión de la realidad.En este volumen se incluye una muestra representativa de piezas teatrales en un acto, que refleja el tono, la temática y los rasgos distintivos del género en los años centrales del siglo xix. En total, son doce obras elegidas no solo por el éxito que alcanzaron en su tiempo, sino también por su originalidad, calidad literaria y, en especial, su potencial escénico. Los autores incluidos abarcan tanto figuras de gran relevancia en la literatura de la época como nombres menos conocidos, pero igualmente valiosos para ilustrar la riqueza del teatro español del siglo xix. Entre ellos destacan Manuel Bretón de los Herreros, Mariano Pina y Bohigas, Antonio Gil y Zárate, Joaquina Vera, Manuel Fernández y González, Antonio María Segovia, José Méndez de Álvaro, Rafael Máiquez, Miguel Pastorfido, Juan de la Puerta Vizcaíno, Ventura de la Vega, Carlos García Doncel y Luis Valladares y Garriga.
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Durante el reinado de Felipe II, el príncipe Carlos, heredero del mayor imperio de la historia, vive sumido en el desánimo ya que la mujer que ama está casada con otro. Conquistarla no sólo supondría romper los vínculos del matrimonio, sino también contravenir las leyes naturales, ya que ese otro es el mismísimo rey, su padre. Don Carlos es una tragedia amorosa en la que se suceden las intrigas con la sublevación de los Países Bajos como telón de fondo. Esta obra, fruto de uno de los mayores talentos del teatro alemán y universal, sirvió de inspiración para la famosa ópera de Verdi de mismo nombre, y constituye un fascinante canto a la amistad, el amor y la libertad humana.
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Esquilo (h. 525-456 a. C.) es el autor más antiguo del que conservamos tragedias completas. Además de dramaturgo, fue también soldado en una época difícil para Atenas y participó en algunos de los combates determinantes de las Guerras Médicas. Esa experiencia personal emerge con fuerza en una pieza de trasfondo bélico como Los siete contra Tebas.Situada en el tiempo mítico justo antes de la Antígona de Sófocles, Los siete contra Tebas narra el asedio de la ciudad defendida por Eteocles ante el ataque de su hermano Polinices y sus aliados de Argos. Esquilo despliega en esta obra sorprendentemente realista un conflicto entre hermanos que se ve enriquecido con una adversidad superior: la de una ciudad que teme la derrota y sus terribles consecuencias. Quizá fue eso lo que convirtió a Los siete contra Tebas en una de las tragedias favoritas de sus contemporáneos.
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Es esta la más famosa novela de Pirandello, y representa un momento decisivo en el desarrollo de su personalidad. Narra la historia de un tímido provinciano, Matías Pascal, que se aleja de su casa después de una de las habituales peleas con su mujer y su suegra y, en Montecarlo, gana una enorme cantidad de dinero. La lectura de una crónica periodística, que anuncia equivocadamente su muerte, lo empuja a intentar vivir una vida nueva. El difunto Matías Pascal llega a ser de esta manera el señor Adriano Meis, y va a establecerse a Roma. Pero Matías, finalmente, “muriendo” de nuevo, decide matar a Adriano y recobrar su antigua personalidad.
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Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887), impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez.El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”
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En 1972, el joven director de teatrofrancésGeorgesWerlerfue a ver a MilanKundera a Praga y a suregresoconsiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatroJacques y su amo. Kundera la habíaescritodespués de la invasiónsoviética, cuandotodasu obra, pasada y futura, habíaquedadoborrada de las letraschecoslovacas. Jacques y su amo relata tres historias de amor que se entrecruzandurante el viaje que emprendenJacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye, tres historias que se entremezclanpolifónicamente, donde cada una es, a suvez, variación de la otra, y juntasconforman una comedia sobre los problemasexistenciales de la pasión amorosa.
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Tú yo yo somos tres (1945) es una de las piezas más divertidas de Enrique Jardiel Ponceal, renovador del teatro de humor español. Es, sin embargo, una de las menos conocidas. Su autor la denominó «comedia psico-ilógica», por los elementos inverosímiles que incluía, que rompían la lógica de lo cotidiano y hacían entrar al espectador en un mundo extremo y absurdo donde los personajes se enfrentaban a las situaciones más peregrinas y divertidas.
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Esta traducción que presentamos de Otelo es la segunda entrega de la colección «Shakespeare en el Mediterráneo». Coriolano fue la primera, y esperamos ir completando la traducción de las veinte obras restantes que el autor inglés situó en ciudades del Mediterráneo. En el prólogo de Coriolano se exponían las razones de esta iniciativa: el Renacimiento surgía en las ciudades de Italia y se extendía por el Mediterráneo, Inglaterra salía de la Edad Media y volvía los ojos y la pluma a Italia, Francia o España. Decíamos que «el Támesis terminó desembocando en el Mediterráneo».
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En les Elegies de Teognis de Mègara ressona el desencís d'un aristòcrata que veu com s'esfondra el món que coneixia. Però, més enllà del seu temps, el poeta converteix l'experiència personal en reflexió universal: la fragilitat dels valors, la corrupció del poder, el pas inexorable del temps, la recerca del plaer mesurat, la fidelitat en l'amor i en l'amistat. Tot allò que, fa més de dos mil anys, preocupava els grecs, continua interpel·lant-nos avui amb una sorprenent claretat. Amb criteri didàctic i un ordenament temàtic renovat, la traductora ens ajuda a seguir el fil d'uns versos que «enganxen»: consells, sentències, advertiments i confidències adreçats al jove Cirnos, que han esdevingut, amb el temps, veritables lliçons de saviesa i que conformen la primera traducció completa al català per obrir-nos les portes a una poesia viva i intensa. Tal com recorda Francesc Casadesús en el pròleg, aquestes elegies ens obliguen a mirar de nou el nostre present i a preguntar-nos quin rumb volen prendre les societats modernes enmig d'un canvi de paradigma moral. Les ales de perennitat que Teognis atorgava al seu deixeble són també les que han permès a aquesta poesia travessar els segles i arribar fins a nosaltres, encara vibrants, encara necessàries.
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Es una comedia de ambiente urbano que narra una historia coetánea al espectador del siglo XVII. En ella se dan cita el amor, los celos y las reglas del código del honor, junto con abundantes guiños cómicos, equívocos, simulaciones y enredos, que la convierten en una obra divertida para un lector o espectador actual.La pareja protagonista de la historia la componen doña Ángela y don Manuel. Toda la acción gira en torno a las tretas que inventa doña Ángela para intentar burlar la pesada vigilancia de sus hermanos y poder disfrutar de libertad para moverse a su antojo.
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Santa Aurora de la Pietat era un poble normal, ple de gent normal que feia coses normals
fins que la Clara i en Josep van tenir elseu fill, un nen radicalment diferent: en Ramon. Aquesta obra forma part del projecte Ànima Lliure, amb què el Lliure vol a
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El mercader de Venecia, escrita entre 1596 y 1598, es una tragedia romántica muy representativa de la obra de William Shakespeare. En esta pieza teatral hallaremos a algunos de los personajes más icónicos de la literatura shakesperiana: el prestamista usurero Shylock, dispuesto a cobrarse sus deudas de la forma más sanguinaria, el mercader Antonio, antítesis del anterior, quien asumirá los riesgos financieros de la aventura sentimental de su amigo Bassanio, poniendo su amistad incluso por encima de su propia carne, y la acaudalada huérfana Porcia, quien, con su aplastante superioridad intelectual y audacia, conseguirá doblegar las voluntades de cuantos la rodean. Esta apasionante obra, dividida en cinco actos, disecciona el alma humana para adentrarse en una cuestión que, más de 400 años después, sigue gozando de plena actualidad: hasta dónde es capaz de llegar el poderoso con tal de cobrarse una deuda de quien todo lo ha perdido.
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En un ámbito fantasmagórico y nocturno, se encuentran tres monarcas que persiguen una estrella anómala. Han abandonado su reino, se han echado a los caminos, se han visto obligados a dialogar con su conciencia. Cada cual mantiene en secreto el motivo de su peregrinar, en parte porque ellos mismos lo desconocen. Felipe Benítez Reyes ha publicado diversos libros de poesía, recopilados en un volumen titulado Trama de niebla. Es autor de novelas como El novio del mundo y El pensamiento de los monstruos. Ha obtenido el Premio de la Crítica y el Premio Nacional de Literatura, entre otros. Los astrólogos errantes es su primera obra teatral, que en la actualidad está siendo representada por La Madriguera Teatro, con música original de Javier Ruibal y con la colaboración de Joaquín Sabina en la voz del narrador.
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Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: ''Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos''. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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En el teatro de Mauricio Kartun se entrelazan la micro y la macropolítica. Las dos obras incluidas en este tomo son una muestra cabal de esa búsqueda y dos puntos de inflexión en su carrera.La Madonnita marca su primera experiencia como director de sus propios textos. A principios del siglo xx, en un estudio fotográfico en un caluroso altillo de Parque Lezama, Hertz toma fotos pornográficas a su propia mujer para luego venderlas. El cuerpo callado de Filomena, sometido al deseo de los varones, nos permite una mirada íntima de la opresión patriarcal del pasado y atisbar sus continuidades en el presente.El niño Argentino, por su parte, señala un cambio radical en la poética del dramaturgo. El viaje en barco de Buenos Aires al puerto de Le Havre que hacen un joven aristócrata, su peón y una vaca holando-argentina es una alegoría de la evolución de la historia política argentina: un ciclo de tragedias y farsas movido por la desigual distribución de la riqueza, la ambición y la traición.Prologadas por el especialista en teatro Jorge Dubatti y seguidas de una entrevista que les da marco, estas obras son un “ladrillazo a la vidriera”: un teatro que diseña una cartografía del mal en sus múltiples máscaras con la secreta esperanza de que esa visión despierte la conciencia de los espectadores hacia la utopía de un mundo mejor.
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La urbanización. R. BELLO: El amor y la muerte encarnados en una escritura españolísima y hermosa. 56 verdes diferentes. B. BERGAMÍN: Una mujer que vive en carne propia los cambios que el tiempo pinta en su cuerpo y en la naturaleza emprende y aprende el camino hacia lo inevitable. La obra del mar. A GARCÍA: poema escénico que apuesta desde la forma y la memoria por repensar la escritura. Un castaño, un almendro o un árbol que dé fruta. L. MIHON: ¿Cómo gestionamos la muerte, la propia y la ajena, en un mundo diseñado para ignorarla? Hay un perro que camina en la niebla. S. SERRANO: La palabra como herramienta de emancipación. Ídolo. Episodios de mutismo selectivo. A. TORRES PEÑALVER: una obra de teatro que se resiste a ser escrita. También hay un diario. Y un manual de clases.
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Publicamos juntas estas dos obras porque comparten el mismo espíritu: el análisis y la crítica de la sociedad de su tiempo con el bufón como personaje central. La primera, El sobrino de Rameau, es la obra más importante de Diderot que escribió durante veinte años y que no publicó en vida. Schiller la descubrió y Goethe, entusiasmado con la obra, decidió traducirla al alemán. A través del diálogo que se establece entre el filósofo y el sobrino del músico, Diderot realiza un demoledor ataque a la corrupción social de la Francia del siglo XVIII previa a la Revolución así como de la cobardía de quienes criticaban a los creadores de la Enciclopedia. Perro muerto en tintorería es un potentísimo texto dramático de Angélica Liddell (autora, directora y actriz) que, con El sobrino de Rameau de fondo, plantea los problemas derivados de un hipotético mundo futuro en el que la única posibilidad que queda para vivir como una persona con todos sus sentimientos es la autodestrucción. Angélica Liddell señala: «De la filosofía me interesa que se plantean cuestiones amorales para alcanzar conclusiones morales [...] He intentado ser muy radical para generar un auténtico conflicto en el espectador».
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En El diablo y Dios (1951), el personaje central Goetz encarna magistralmente el mal, el mal absoluto, lleva así sus tropas deliberadamente a la muerte y descarga su responsabilidad en Dios. Y cuando aparentemente cambia, por una apuesta, pretendiendo hacer el bien, gana por medio de trampas. De hecho, Goetz no cree en Dios ni en el diablo, quiere lo absoluto, quiere ser uno u otro por ambición o afán de asombrar, pero sin que entre en juego ninguna creencia.En cuanto a Los secuestrados de Altona (1960), su acción ya no se basó en tiempos remotos, al contrario, se situó en días rigurosamente contemporáneos a su escritura, en la Alemania posnazi.Franz, uno de los que colaboraron con ese régimen, se niega a reconocer la derrota y vive enclaustrado, ajeno al tiempo transcurrido. “Pretendí que me encerraba —dice Franz en el último acto—, para no asistir a la agonía de Alemania, pero eso es falso. Yo deseé la muerte de mi país y me secuestré para no ser testigo de la resurrección”.
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La imatge de la coberta és l'astronauta soviètic Iuri Gagarin que, un cop a l'espai, exclama: «Déu no hi és!» Rere aquesta imatge, hi ha el sentit d'aquest llibre. Aquest llibre és un intent d'explicar el món, d'abordar les incongruències que són inherents a la nostra existència. Aquest llibre és una recerca d'un agnòstic o un ateu que, en el fons, és paral lela a la recerca d'un creient: l'ateu i el creient transiten pels mateixos espais i els mateixos dubtes. Aquest llibre delata la incapacitat humana per a definir l'alternativa o l'oposició a Déu que no sigui la negació de Déu.
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En un jardí oblidat al bell mig d'un barri envellit, la Carme, una dona gran lligada al passat, i en Gerard, un funcionari atrapat per les seves pròpies contradiccions, s'enfronten a un dilema profund: la lluita entre la memòria i el progrés. Quan l'Ajuntament decideix enderrocar la casa de la Carme, aquest petit espai es converteix en un camp de batalla on es qüestionen la justícia, la impotència i el sentit de l'existència. Amb un gronxador com a símbol de pèrdues irreparables i esperança tènue, l'obra explora la fragilitat humana davant les forces implacables de la societat.
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Mai havíem vist el Jordi Prat i Coll amb la franquesa i intimitat amb què se'ns mostra en aquest llibre que ara teniu a les mans. Aquest és un material difícil de classificar i sense rei que el governi. Podria ser un diari personal, un assaig, una carta fragmentada o un recull d'aforismes anòmals -per no fer-se mal- d'algú que cerca escriure alguna cosa a la vora de la vida que l'ajudi a guarir-se. És un quadern sense marcs, amb un ordre trencat que no nega la deriva, prenyat d'allò que és profund i superficial, tràgic i còmic, miserable i feliç.
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Federico García Lorca, Obra Completa V. Teatro 3. Cine. MúsicaTeatro imposible: Diálogos El público Así que pasen cinco años Comedia sin título CINE Viaje a la Luna. Música: Colección de canciones populares antiguas Dos melodías del «Romancero gitano» Canciones del teatro Música para La Barraca Granada. Apéndices: Diálogos Teatro inconcluso Música
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Dues veus que es busquen, una altra que irromp. Es parlen i es retenen en un temps sense temps. Amb Mai no ens separarem (Og aldri skal vi skiljast), Jon Fosse construeix una peça d'una simplicitat radical: una llengua nua, inconfusible, feta de silencis, ritme i repeticions, on les paraules tornen, varien i s'endinsen, deixant entreveure una experiència íntima i quasi hipnòtica on allò que no es diu pesa tant o més que les paraules dites.
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El juego teatral es una actividad que, sobre todo en los chicos, estimula la capacidad de imaginar, de crear mundos nuevos y de meterse en la piel de un personaje, con sus problemas y vivencias. La obra Vive. El teatro en los ámbitos escolar y catequético, de José Ramón Mata Jiménez , tiene un claro perfil evangelizador porque el tema central es el anuncio de la Pascua de resurrección de Jesús. Esta obra de teatro se desarrolla en tres actos: El calvario, La resurrección y María, la madre y se ofrece con dos versiones: una completa, con cincuenta personajes, y otra breve, con veinticinco. La representación está pensada para chicos y chicas a partir de diez años en la escuela y en la parroquia o en otros espacios eclesiales. La obra Vive contiene diversos recursos adicionales, como las descripciones de los personajes para conocerlos más a fondo y biblografía específica para poder profundizar en dichos personajes y su contexto.
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Biblioteca del exiliRenacimiento editori
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El Misántropo es una creación singular para la época. Los personajes principales de la obra pertenecena la aristocracia, pero su comportamiento no sirve, como en las tragedias clásicas inspiradas en las monarquías e imperios, para resaltar las virtudes de la nobleza. '' El Misántropo '' hace funcionar un salónaristocrático en donde se debate el juego de las apariencias o de la hipocresía. Alcestes, el enamorado atrabiliario, es un héroe ambiguo y, como todos los héroes, la invulnerabilidad de sus normas éticas se ve amenazada por el punto vulnerable de sus sentimientosamorosos. Un coro de intrigantes, fatuos, hipócritas,chismosos y vanos cortesanos actúa como contrapuntode Alcestes, y las figuras de Filinto y Elianta constituyen el puente de prudencia y sabiduría, como portavoces del propio Molière.
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Poseedor de una técnica consumada para la adaptación de obras clásicas, Alejandro Casona (1903-1965) presenta en EL CABALLERO DE LAS ESPUELAS DE ORO, una de sus últimas producciones, una visión de don Francisco de Quevedo, en la que lo histórico se entrevera de lirismo. Es tal la maestría del escritor, que textos quevidianos en prosa y verso se hacen vida dramática al servicio de una lección: la de que uno debe permanecer fiel a sí mismo, a una verdad. Cumpliendo la enseñanza, Casona permanece aquí fiel a su modo de hacer teatro, que conjuga de continuo fantasía y realidad como componentes inseparables de la vida. Buen ejemplo de ese quehacer ofrecen las cinco piezas de distintas épocas agrupadas bajo el título de RETABLO JOVIAL . Fueron escritas algunas de ellas para su representación en las Misiones pedagógicas que en los primeros años treinta recorrían los pueblos de España. De ahí que tanto esas como las después creadas en América, susciten aún eco de positiva respuesta popular.
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Creador de la comedia en Francia, Jean-Baptiste Poquelin, Molière (1622-1673), entreveró la capacidad de observación, el talento literario y el impulso críticopara alumbrar un género dramático en el que los propios contemporáneos suministraban la materia adecuadapara la creación de personajes inolvidables que animan tramas perfectamente estructuradas. El presente volumen reúne dos de sus obras más célebres, muy distintas entre sí aunque con el denominador común de incidir en los nuevos aires '' socializadores '' promovidos por el reinado de Luis XIV. Si en '' El misántropo '' (1666) es un atrabiliario miembro de la noblezael que, enamorado, se '' suicida '' socialmente enuna comedia a la postre sombría, '' El burgués gentilhombre '' (1670) hace chanza de un burgués enriquecido cuyas ínfulas y cuyo afán por codearse con la aristocracia lo llevan al ridículo. Prólogo y traducción de Mauro Armiño
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Cuando Tartufo aún estaba prohibido, al día siguiente del estreno de Don Juan o el Festín de piedra (1665), la censura empezó por eliminar algunas frases. Tras la séptima función, se le indicó discretamente a Molière que echase definitivamente el telón sobre la obra. El seductor les parecía un hombre sin costumbres, sin conciencia ni religión, capaz de creer únicamente en que ''dos y dos son cuatro''. En Anfitrión los cortesanos vieron los escarceos iniciales de Luis XIV tras una dama de compañía de la reina. La anécdota no es un reproche de Molièrea su protector: la incrusta de forma natural en el esquema heredado de Plauto para construir una comedia galante.
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Nàpols milionària ens fa viure, amb l'habitual tendresa i humor de l'autor, la tragèdia domèstica d'una família enriquida amb l'estraperlo que fa estralls al Nàpols de la Primera Guerra Mundial i la seua postguerra. Guiats per l'objectiu de la riquesa s'embolicaran en un procés de menyspreu de conductes i normes ètiques amb resultats dubtosament positius per l'ús de procediments corruptes: temes i conflictes propis d'èpoques de crisi, com aquella o com la nostra.
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Fuente Ovejuna se cuenta entre las comedias más apasionantes de Lope de Vega. En ella el autor reivindica la fuerza y el sentido de justicia que subyacen a la colectividad, representando a través de las acciones de un pueblo que se rebela contra una autoridad local los valores humanos de la dignidad, el coraje y el apoyo mutuo. Su importancia literaria y social han sido enormes, tanto que incluso han dejado huella en nuestro refranero, como lo prueba el hecho de que la expresión ''Todos a una, como en Fuente Ovejuna'' todavía se utilice para reivindicar la unidad en la lucha contra la injusticia y por el bien común.
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Si existen en la historia de la literatura dos personajes que sean el símbolo de los eternos enamorados, serán sin duda, desde que Shakespeare los inmortalizó en su tragedia, Romeo y Julieta. Como dice uno de los versos de la obra, ambos nacieron bajo estrellas impropicias, y aunque su amor no tuvo un cumplimiento feliz, su muerte, como en los dramas griegos, purificó y desterró el odio del corazón de Capuletos y Montescos, las dos familias rivales. Versión castellana en verso del gran poeta y humanista Albert Manent.
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.
