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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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La ficción ha encontrado siempre en las distopías material más que suficiente para prevenirnos de un futuro aterrador.Tanto el cine como la literatura, los cómics o los videojuegos han hallado en este género suficientes conflictos en los que la sociedad sucumbe ante alguna catástrofe. La deforestación, la lluvia ácida o la polución son algunas de las constantes que ambientan escenarios grises y contaminados en los que nohay el menor asomo de vegetación. Y los héroes suelen ser personajes anónimos que viven alienados sin saberlo, bajo la opresión de un sistema que les roba suindividualidad hasta el día que despiertan y se deciden a combatirlo. Este libro recorre algunas de las distopías más impactantes que han llegado hasta nosotros a través de algunas de sus manifestaciones artísticas más populares: desde carreras de coches en desiertos australianos, replicantes cuyos momentos se pierden como lágrimas en la lluvia, delincuentes juvenilesque combaten contra tribus salvajes o idiotas del futuro que riegan los cultivos con bebidas energéticas.
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Desde las pinturas rupestres hasta los tuits, lashistorias siempre han formado parte de la vida humana. Pueden ser una profesión en sí, pueden resultarnosútiles en nuestro trabajo, pueden enriquecer nuestravida personal o pueden ser un simple entretenimiento.De cualquier manera, son primordiales para nosotros,aunque a veces no nos demos cuenta. EnEl arte de contar bien una historia, el narrador profesional Héctor Urién propone un compendio detécnicas, y plantea, de forma directa y concreta, 101estrategias como las correspondencias, las estructuras básicas, el uso de símbolos o las alegorías, entremuchas otras, para ayudarnos a contar historias. Nosólo eso, además incluye ejercicios y ejemplos para que nos sea más sencillo familiarizarnos con cada unade las técnicas. Todas las historias tienen un contenido y una forma, y es en ésta última donde anida el factor diferencial que puede convertir una anécdota cualquiera en una gran historia. Ahora, gracias a este libro, aprenderemos a dominar la formapara convertirnos en auténticos maestros del storytelling.
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La feliz recuperación de la obra dispersa de Paulino Viota, inaugurada en 2017 con La herencia del cine, dejó pendientes muchos textos valiosos que desde principios de los noventa del pasado siglo marcaron la gradual transformación del director de la mítica Contactos (1970), el cineasta del «ansia intacta y la esperanza extinta», en uno de los mejores docentes y teóricos que ha tenido España en lo que a los estudios cinematográficos se refiere, como demuestran los esclarecedores acercamientos que aquí dedica a autores tan queridos como Erice, Sternberg, Buñuel, Debord y García Pelayo, sin olvidar otros consagrados a sus irrenunciables Ford, Godard y Fellini. A cargo de José Luis Pérez Trespalacios, vivo ejemplo de la sólida comunidad cinéfila que Viota, con su generoso activismo intelectual, ha contribuido a conformar en su Santander natal, la edición de La familia del cine rescata asimismo artículos fundamentales para nuestra ensayística, piezas maestras inigualadas como «Contar hasta cero (El Quousque tandem…,! y el cine)» (2011), una apasionante relectura de la historia del cine a la luz del pensamiento estético de Oteiza en la que actualizó y perfiló de manera definitiva las ideas sobre formalismo e informalismo que cuarenta años atrás habían inspirado su práctica fílmica y por entonces cimentaban su acercamiento teórico al cine, arte tanto de estructuras y concordancias como de gestos expresivos y encabalgamientos espaciotemporales. A estas características ontológicas destina Viota otro inolvidable escrito aquí recogido, «Las rimas del tiempo» (1990): carambolas de imágenes, vertiginoso recuento de correspondencias entre realidad y ficción a partir del reestreno de La Marsellesa de Renoir en 1967, película donde todos los tiempos parecen amalgamarse dentro de una actualidad atravesada por esquirlas de pasado (la Revolución soviética tal y como la recreara Eisenstein), presente (la Guerra Civil española contemporánea al rodaje) y futuro (las movilizaciones de Mayo de 68 y de la cultura hippie).
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En 1998 nadie podría haber anticipado el éxito que aquella modesta película titulada TheRing acabaría cosechando por todo el mundo. Sus impactantes imágenes yrevolucionariosrecursos sobrecogieron a los espectadores hasta ocupar hoy día un lugar privilegiado ennuestra cultura popular, y la convirtieron en un fenómenoque cambiaría para siempre elgénero de terror. No escasualidad, pues el éxito de su director, Hideo Nakata, consistió ensaber rescatar para la gran pantallala fascinante mitología, el aterrador bestiario y lasutiliconografía que la cultura japonesa ha ido fraguando durante apasionantes siglos dehistoria.Pocos conocen a Okiku, la joven arrojada a un pozo cuyo fantasma atormentaría a suseñor, a Kuchisake-onna, el aterrador espectro que desfigura el rostro de los hombresmásincautos, o incluso al estrafalario Bakeneko, unasuerte de duende en que aseguran seconvierten los gatos domésticos más longevos. Los fascinantes relatos yestética queinspiran el cine de terror nipón son elresultado del ancestral temor a un hábitat violento,la opresión social del arraigado feudalismo, el preciosista teatro kabuki, las leyendasurbanas o la tecnofobia.
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Desde En busca del valle encantado a Jurassic World,este libro recoge la historia reciente de los largometrajes dedicados a las bestias del pasado -tanto superproducciones como gemas ocultas- sin olvidar el pasode estas criaturas por la pequeña pantalla. Una filmografía que desafía el paso del tiempo y que demuestra estar más de actualidad que nunca. Prepárate para embarcarte en un viaje por el cine contemporáneo dedicado a esta fauna, entre dentelladas salvajes y pisadas que hacen temblar el suelo. Cuando los dinosauriosdominaban la tierra continúa la senda que emprendimoscon Hace un millón de años, y completa más de un siglo de cine de dinosaurios que ha asombrado a varias generaciones de espectadores.
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Guiones de todos los capítulos
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Los famosos Apuntes en el aire radiofónicos de José Luis Garci recogidos en 25 películas. Siguiendo el esquema de su famosa sección en el programa Cowboys de medianoche. el autor traza una semblanza de los films con su alabado estilo literario.
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En el 50 aniversario del film Grupo salvaje, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodajeen México, los personajes, el reparto, las localizaciones, el uso de la violencia, las influencias, el inicio del western m
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El número 42 aparece obsesivamente a lo largo de todo el metraje de El resplandor (1980), la terrorífica película de Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King, y 42 son las ocasiones en que Simon Roy asegura haber visto el filme. Simon Roy no puede quitarse El resplandor de la cabeza. ¿Por qué nos fascinan ciertas cosas hasta el punto de consagrar buena parte de nuestra vida al estudio sistemático de un hecho concreto? Esta es la pregunta que se hizo Roy, un humilde profesor de literatura en un instituto de Quebec, durante los días en que duró una huelga estudiantil que le obligó a estar varias jornadas sin trabajar. El desarrollo de la respuesta llegó en forma de libro: él también iba a consagrar sus días a profundizar en su propia obsesión, empezaría a estudiar a fondo el filme de Kubrick. El resplandor sigue siendo para muchos de nosotros un misterio sin resolver. Sus imágenes resultan todavía vívidas, por momentos escalofriantes, y muchos estudiosos han teorizado sobre la singular composición y estructura de la película y su simbología oculta, no sólo en todo lo que atañe al número 42, sino al diseño de laberintos dentro y fuera del hotel, las referencias a genocidios y holocaustos, y la constante presencia de mensajes subliminales que se esconden en muchos momentos clave de la trama. Es, además, una obra que trata sobre cuestiones como la naturaleza del mal, la locura y la familia. A Roy, la investigación también le sirve para conectar su propia vida con esta película. Si ha llegado a atraparle hasta la obsesión no es únicamente por su poder de atracción, sino por cómo la ficción de Kubrick/King ha ido ocupando espacios insospechados en su propia biografía: el descubrimiento por azar de la película con sólo seis años o el suicidio de la madre del autor, que –en un paralelismo terrorífico– tuvo un padre psicópata no demasiado alejado del Jack Torrance que encarnaba Jack Nicholson, o la misteriosa desaparición de su tía, de la que nunca nadie volvió a saber nada. Mi vida en rojo Kubrick es una exploración sistemática de los rincones más perturbadores de El resplandor, la búsqueda de respuestas –desde las ópticas ocultista, freudiana, histórica y cultural– donde sólo parece haber enigmas.
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Una película independiente sobre unos famosos asesinatos comienza su rodaje en la sierra de Madrid. Por ella desfilará un extenso elenco de divertidos personajes, a cuál más incompetente que el anterior, dejandoa su paso planos muy mal rodados y lecciones para toda la vida. En este libro encontrarás multitud de consejos y conceptos técnicos y artísticos de todos los departamentos que conforman un rodaje de cine desde unpunto de vista cercano, sincero y práctico. Como lector no tienes por qué saber mucho de cine para sentirla angustia de los protagonistas, pero este Manual de cine indie es más que un desternillante relato sobre los entresijos de una filmación. Es un inspirador viaje lleno de sorpresas y enseñanzas técnicas que invita a devorar sus páginas, el retrato de una forma dehacer cine en España que resultará muy familiar tanto para quienes estén empezando como para los que tengan ya el beneficio de la experiencia. Que, a veces, reírse de los demás es muy sano. Y hasta instructivo.Esta es la divertida y fascinante historia de un rodaje en el que todo lo que podría haberse hecho mal sehizo mal. AUTOR Ezequiel Romero (Jerez de la Frontera, 1987) es un director de fotografía con infinidad deproyectos audiovisuales a sus espaldas. La mayoría de ellos son tan pequeños que es difícil acordarse deellos, otorgándole un puesto privilegiado en primeralínea de la retaguardia cinematográfica. Miembro de esa primera generación audiovisual que ha tenido que lidiar con la llamada democratización del cine , Ezequiel se ha curtido en todo tipo de proyectos independientes en España y por todo el mundo, siendo parte tanto de la primera hornada de webseries en nuestro paíscomo de proyectos en el corazón de África, por todaEuropa o en el loco cine de Bollywood, en el que asegura no haber tenido que ponerse a bailar todavía. Suestilo cinematográfico nace de un espíritu aventureroy trotamundos, con la pasión puesta en la resoluciónde problemas con ingenio y con pocos medios, algo indispensable en el audiovisual actual. A día de hoy trabaja en un amplio rango de proyectos y géneros en cine y publicidad en España y Reino Unido (donde vive,quejándose siempre del tiempo). Sigue poniendo en práctica las distintas facetas de su experiencia tanto en fotografía como en efectos visuales, edición, guióne incluso interpretación. Ahora, además, ha escritoeste libro. Para más información: www.ezequielromero.com
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Este libro traza un recorrido desde los orígenes delgénero (Apartado de correos 1001, Brigada criminal oA sangre fría) hasta la época más reciente (Grupo 7,No habrá paz para los malvados o Que Dios nos perdone). También pasa por la contribución del injustamentedenostado Antonio Isasi Isasmendi y el cine quinqui de los ochenta. El cine negro español propiamente dicho arranca en 1981 con El crack, de José Luis Garci, que surge de la misma mitomanía que puso en marcha esanostalgia de la novela y el cine negro para retratarla corrupción.
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La fábrica de sueños de Hollywood atraviesa una pesadilla de restricciones. La cultura woke y sus políticas de identidad parecen enloquecer, estableciendo nuevas reglas que muchos ven como una lamentable pérdida de libertad. Las consignas se introducen en guiones y películas que pugnan por obtener un Oscar, y también en televisión, hasta constituir una verdadera revolución en el modo de mostrar sus contenidos.El galardonado crítico de cine Christian Toto analiza dónde se equivocó Hollywood, cómo se ha llevado a cabo ese proceso en la industria del cine y qué rayos de esperanza alberga el futuro.
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Petita gran pantalla
Les sèries de televisió no són un fenomen nou i, per això, algunes d'elles ja ens semblen clàssics, però mai no n'hi havia hagut tantes com ara, ni ho havíem tingut tan fàcil per mirar-les. Durant els darrers anys, s'han convertit en un dels principals productes de consum cultural, ens han canviat la manera de veure la ficció i, fins i tot, han marcat la percepció dels debats públics. Per què mirem sèries? Per què a vegades ens costa tant escollir-ne una? En aquest llibre ens proposem repassar com mostren les sèries els grans temes de la societat actual i per què les hem convertit en part indissoluble de la nostra quotidianitat. Al capdavall, és innegable que les sèries, com les plataformes que les aglutinen als seus respectius catàlegs, ens han canviat la vida.
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En esta larga e íntima conversación entre Alejandro Amenábar y el periodista Antonio Lucas, el cineasta desgrana los momentos más importantes de su vida. En este documento habla del origen infantil de su pasión por las películas de terror y suspense, así como el gusto por escribir y dibujar historias. Su primer largometraje, ''Tesis'' ( 1996), ganó siete premios Goya y le catapultó a la fama con solo 21 años, hasta convertirse hoy, seis películas después, en uno de nuestros directores más internacionales. Nunca le ha gustado hablar de si mismo, pero en esta íntima conversación con el periodista Antonio Lucas comparte su experiencia vital y profesional, sus orígenes, sus dudas y sus miedos, así como sus reflexiones sobre el éxito, el fracaso, la vejez, la muerte, la amistad, el amor y, por supuesto, el cine.
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Cinema i política
Aquest llibre és una introducció àmplia i accessible a la relació ambivalent entre cinema i política. Inspirant-se en la teoria crítica (Michel Foucault, Theodor Adorno), l'autor argumenta que el cinema és una eina clau tant en la construcció de l'autoritat política, la dominació, com en les crítiques de les injustícies en les societats contemporànies. Des d'aquesta perspectiva, Cinema i política inclou anàlisis precises dels clàssics del cinema occidental (Fritz Lang, Stanley Kubrick, Pier-Paolo Pasolini, Agnes Varda, Jean-Luc Godard), i adopta una visió global amb exemples del cinema africà, asiàtic o llatinoamericà (Ousmane Sembène, Akira Kurosawa, Glauber Rocha). El llibre comença cronològicament des dels inicis del cinema fins a finals del segle XIX, i avança a través de diferents períodes històrics que arriben fins als nostres dies amb l'anàlisi de pel·lícules recents com Joker (2010) i de sèries brillants com The Handmaid's Tale i Black Mirror.
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En 2021, La Ribot presentó en la Real Academia de España en Roma Distinguished Anyways, cuatro piezas que jugaban con la luz del sol y la pintura, dentro de su proyecto, desarrollado desde 1993, ''Piezas distinguidas''. Una de estas fue creada específicamente para la ocasión, creando un diálogo con un lugar específico. Si con anterioridad las piezas se presentaban en espacios teatrales o museísticos, ahora se acercaba a la arquitectura, a la historia e incluso a la astronomía para crear un espacio de representación efímero dentro de un lugar tan peculiar como la Academia. Distinguished Anyways no solo supone una reflexión sobre la trayectoria de una artista inclasificable en su mejor momento, sino que es el primer libro en celebrar los ciento cincuenta años de la Real Academia de España en Roma.
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En este libro sobre montaje y narrativa cinematográfica encontrarás un montón de consejos y secretos sobre la industria audiovisual.
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La Pajarita de Papel
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Exposición magistral de cómo son las cosas en el mundo del cine, presentadas con multitud de anécdotas. Ofrece a la vez las memorias de un magnífico director y una guía sobre el arte, la técnica y el negocio de la realización.
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Partiendo de conceptos básicos (¿qué es una escena?, ¿qué es una secuencia?, ¿cómo lograr el clímax de una película?) McKee muestrael misterio de las estructuras, explica las características de cada género, define la importancia de la ambientación,
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Este libro argumenta en favor de un trabajo crítico que haga hincapié, por un lado, en la Semiótica como Teoría general de la comunicación y de la producción /reproducción socio-ideológica y, por el otro, en laTeoría de género en cuanto Teoría del discurso, dimensión crítica indispensable para una comprensión efectiva tanto de la subjetividad como del imaginario social. Desde este punto de vista y en el contexto de lainterculturalidad como base de toda formación cultural que resulta de la interacción de poderes distintose históricamente específicos, el estudio del cine esespecialmente relevante para el análisis crítico de los lenguajes no verbales (o no solo verbales) y de lacomunicación audiovisual. Por eso es importante llevar a cabo una reflexión crítica sobre el cine que seacapaz de desentrañar su dimensión política en cuantoelemento productivo (y no reproductivo, o mimético)del imaginario socio-sexual de nuestra época.
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Desde el momento en que las películas se convirtieron en un fenómeno popular en Occidente, el cine fue utilizado como un útil medio de adoctrinamiento moral y cristiano: un vehículo para difundir la palabra de Dios y poner en imágenes las Sagradas Escrituras. La aparición de Dios en las pantallas es tan antigua como el cinematógrafo, y su representación ha dependido no solo de la conveniencia circunstancial que necesitaran los intermediarios del poder divino en la Tierra para sus ambiciones religiosas, sino de la propia evolución tecnológica del invento. Cuando el cine hubo extendido suficientemente las enseñanzas religiosas, algunos cineastas utilizaron este arte para tratar su particular relación con Dios, de manera que la cámara, dotada aún del elemento mágico que fascinó en sus orígenes, facilitó dar forma a un pensamiento que ha trascendido en algunos casos a su propio trabajo mediante una influencia intelectual dentro de la sociedad. A través del análisis de cincuenta títulos esenciales abordaremos diferentes posturas acerca de la idea de Dios desde la perspectiva de unos cineastas formados dentro de una cultura judeocristiana, católica o protestante, de manera que, conforme han evolucionado las costumbres religiosas en las que su culto ha estado arraigado, han ido transformándose las visiones de Dios a lo largo de la historia del cine.
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En el 40 aniversario del film El precio del poder, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el rodaje, los actores y sus personajes, la versión previa, la música... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Star Wars irrumpió en nuestras pantallas de cine en 1977, y el mundo no ha sido el mismo desde entonces. Después de pasarse la década de 1970 viendo películas cínicas y deprimentes, el público abrazó con entusiasmo la energía positiva del universo Star Wars mientras seguía los pasos del granjero Luke Skywalker en su viaje por las galaxias, conociendo personajes extraordinarios como el misterioso ermitaño Obi-Wan Kenobi, los piratas espaciales Han Solo y Chewbacca, los leales droides C-3PO y R2-D2, la audaz princesa Leia y el temible Darth Vader, al servicio del tenebroso y malvado emperador. El escritor, director y productor George Lucas creó el monomito moderno de nuestro tiempo, que encuentra eco en el niño que todos llevamos dentro. Para lograrlo, fundó Industrial Light & Magic y desarrolló tecnologías de efectos especiales de vanguardia, que combinó con innovadoras técnicas de montaje y una inigualable atención al sonido para brindar al público una experiencia cinematográfica y sensorial única. Realizado en estrecha colaboración con George Lucas y Lucasfilm, este primer volumen aborda la historia de la trilogía original: Episodio IV: Una nueva esperanza, Episodio V: El Imperio contraataca y el Episodio VI: El retorno del Jedi, y ofrece una entrevista en exclusiva con Lucas. El libro está ricamente ilustrado con páginas de guiones, documentos de producción, arte conceptual, guiones gráficos, fotografías de rodaje, fotogramas y carteles.
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Este libro cuenta que hubo varias Repúblicas, una denostada por el franquismo, otra que surge durante la transición como cuna de lecciones sociales y humanas frente a los radicalismos el temor a cometer los mismos errores que en el pasado, hasta llegar, finalmente, a otra con rasgos más dulces e idealizados. Y lo hace analizando algunos filmes: Fortunato (1941) y Cerca del cielo (1951), que ilustran la visión que se quería forjar de la República durante el primer franquismo, Retrato de familia (1976), Mi hija Hildegart (1977) y Tierra de rastrojos (1979), para la transición y, ya en plena democracia, Réquiem por un campesino español (1985), Pasiones rotas (1998), La lengua de las mariposas (1999) y Visionarios (2001). Todo ello resulta muy revelador de la dificultad y efecto tan devastador que tuvo, y tiene, la Guerra Civil en el encaje del proyecto republicano democrático en la memoria y cinematografía española.
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Mi querido actor: creo que lo primero que debo hacer
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Autobiografía de Kosice, escultor, teórico y poeta, conocido como uno de los precursores mundiales del arte cinético y lumínico. Historia de su vida y de su trayectoria artística.o, el propósito de este libro es brindar, con ilustraciones de las piezas más significativas, un estudio integral sobre la escultura y cubrir un vacío en el terreno de la bibliografía sobre las artes plásticas. Las conferencias reunidas en este volumen no pretenden ser un estudio exhaustivo de la escultura, sino más bien, la constatación de una tesis: que la escultura tiene potencialmente una estética propia, que despunta en la prehistoria, asoma en su integridad en algunas ocasiones a lo largo de la historia y recién en la modernidad y a partir de Rodin, se actualiza completa y conscientemente con otras obras.
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Este libro contiene algunas de las películas que tuvieron una banda sonora trascendental para el desarrollo de sus tramas, y que sin ellas hubieran quedado peor explicadas o incluso serían incomprensibles.En cada uno de los filmes escogidos en este libro, la música aporta algo de relevancia, en lo dramatúrgico o en lo narrativo, y gracias a ella las películas son lo que son. Sin una banda sonora adecuada, el taxista obsesionado de Taxi Driver o el atormentado Arthur Fleck de Joker quedarían considerablemente vacíos de contenido.Para ayudarte, cada película comentada viene acompañada de su código QR que permite escuchar la música de la que se habla o revivir la escena explicativa. Todo con el propósito de que te puedas sumergir en cada una de las películas escogidas y las descubras o redescubras desde una perspectiva más completa, más profunda y también mucho más hermosa.
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SEGUNDA EDICIÓN DE UNO DE LOS MEJORES LIBROS ESCRITOS SOBRE ANIMACIÓN! La imagen animada. Una historia imprescindible nos hará comprender de manera global la evolución de este apasionante arte, desde la invención del cine en 1895 hasta la consolida
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Norman McLaren dijo que «la animación no es el arte de los dibujos que se mueven, sino el arte de los movimientos que se dibujan. Lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma». ¿Qué veríamos, pues, si pudiéramos parar el tiempo entre fotograma y fotograma? ¿Cómo se manipulan estos intersticios invisibles, esta otra dimensión paralela a las imágenes? Elena Duque, cineasta y profesora especializada en animación experimental nos propone un recorrido que empieza en la primera década del siglo XX, con los primeros estudios de animación, y nos lleva hacia el trabajo de la animación experimental analógica a través del análisis de una serie de películas creadas por artistas de reconocimiento internacional.
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La mafia ha dado lugar a infinidad de películas y series que se han convertido en iconos universales, como El Padrino, Uno de los nuestros, The French Connection, Érase una vez en América, Cotton Club o Los Soprano. Todas forman parte de nuestra memoria colectiva, y a través de ellas podemos trazar un recorrido por la también mítica ciudad de Nueva York, escenario de grandes momentos del cine negro. Con esta guía imprescindible repasaremos las principales localizaciones de la Gran Manzana y sus alrededores: restaurantes y clubs que han alimentado la leyenda de los grandes capos, hoteles cuyas habitaciones han oído secretos inconfesables, bares, parques y calles donde se han matado a tiros miembros de clanes enfrentados, etc. Una obra de culto que, como la oferta de Corleone, no podrás rechazar.
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«El libro era mucho mejor.» Una frase que se ha convertido en enseña a la salida de muchas salas de cine y en definiciónde toda una corriente cinematográfica.¿En qué nos basamos para afirmarque un libro es mejor que una película? ¿Es válido comparar? El cine no solo ha necesitado de su hermana mayor literaria desde sus inicios, sino que continúa expandiéndose con cada vez más cantidad de adaptaciones de novelas, cuentos, mitos, obras teatrales, textos periodísticos o tratados filosóficosmateriales de autor o anónimos. Porque el cine, como cualquier arte, solo está alerta a la hora de encontrar las fuentes de las buenas historias. En este recorrido de 50 títulos cinematográficos,que abarca desde los comienzos del cine mudo hasta nuestra época, los textos literarios son los protagonistas, pero también las interpretaciones que han hecho sobre ellos distintos cineastas, guionistas, equipos, estudios de producción, audiencias y lectores. Les invitamos a leer la pantalla al igual que los libros: un portal a la imaginación y la diversidad, donde cualquier cosa aguarda al abrir al azar sus páginas.
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Cómo dejar de actuar es ya un clásico entre los libros de técnica actoral, aunque su autor deteste particularmente la palabra «técnica». Harold Guskin ha orientado a un sinfín de estrellas -de Glenn Close a Kevin Kline, de Michelle Pfeiffer a Chris Noth- y este libro, dirigido tanto a actores consagrados como a principiantes, propone una idea singular: «abandonar la idea de actuar y limitarse simplemente a reaccionar al texto». Ahondando en la libertad y la receptividad, en el impulso y en el instinto, enseña a no tener miedo a equivocarse, y ofrece brillantes consejos para afrontar un cásting, adaptarse a las distintas exigencias del teatro, el cine y la televisión, salirse del encasillamiento, trabajar con las emociones o interpretar grandes papeles del repertorio clásico.
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NUEVA EDICIÓN DEL AGOTADÍSIMO Y BUSCADÍSIMO LIBRO! NUEVO DISEÑO! NUEVA PORTADA! Érase una vez un señor conbarba y camisa a cuadros, que quería hacer una película del espacio, como las que veía de niño. Un día, su sueño se hizo realidad cuando otro hombre creyó enél. De esta forma se estrenó en la primavera de 1977Star Wars, que aquí llamaron: La Guerra de las Galaxias. Pero antes de cerrar el trato, el hombre de la barba pactó con la compañía cinematográfica que se quedaría (aunque no demasiado convencido) con un pequeñoporcentaje de la venta de entradas y todo el derechoa explotar todo tipo de productos del fi lm. Esta fueen ese momento una idea revolucionaria, que rompió todos los esquemas en el mundo del cine. De esta manera el hombre, ahora gordo y con la barba blanca, se convertiría en uno de los más ricos del mundo y su película una de las más famosas de la historia. Poco a poco la mercadotecnia y las mercaderías de Star Wars, se han ido haciendo un hueco en la cultura popular y llegando a las casas de todos los fans y no tan fans de cualquier edad. Esta obra cuenta, como esta película, cautivó al mundo entero, desbordando un mar de productos que se han convertido en objetos de culto, nosolo para los fans de La Guerra de las Galaxias, sinotambién para los más nostálgicos de nuestro país.
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CRÓNICA DE LA CREACIÓN DE LA MEJOR PELÍCULADE 2017 SEGÚN LOS PREMIOS OSCARDe manos del maestro de la narración Guillermo Del Toro llegaLa forma del agua, un cuento de hadas sobrenatural quetiene como telón de fondo la época de la Guerra Fría en l
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¿Qué es una película de ciencia-ficción espacial sino, al fin y al cabo, una historia de exploración de territorios desconocidos como las de toda la vida? Antaño fueron los libros sobre valientes marineros que se aventuraban en mares embravecidos o que exploraban una isla misteriosa. Hoy son historias espaciales que nos hablan de androides, de antimateria, de inmortalidad, de los agujeros negros, del hiperespacio, de los robots y de tantos otros temas fascinantes Por eso los relatos de ficción ambientadas en el Cosmos nos siguen atrayendo enormemente, dando lugar a un sinfín de subgéneros que van desde el terror hasta la comedia, las aventuras más alocadas o el realismo más dramático. Este libro destaca las aventuras espaciales más significativas de todos los tiempos, en un recorrido que va desde el cine a la literatura, las series de televisión, los cómics o los videojuegos.
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