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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Durante la segunda mitad del siglo XIX las exposiciones universales escenificaron el sueño utópico de la civilización y el progreso occidentales. Al depender las futuras relaciones políticas, económicas y culturales de la representación adoptada por cada colectivo en estos escaparates internacionales, la elecciónde una determinada fisonomía podía favorecer el arraigo de prejuicios y estereotipos en el imaginario visual de un público cosmopolita. En consecuencia, al margen de la utilidad social y moral de sus numerosas innovaciones industriales y artísticas, las exposiciones universales configuraron un complejo entramado de identidades y relaciones de poder que las convirtieronen una suerte de espectro caleidoscópico donde los múltiples puntos de vista adoptados por gobiernos, expositores, cámaras de comercio o, incluso, por los mismos organizadores del concurso, confluían simultáneamente. En este marco el caso de España reviste un particular interés, puesto que su diversidad cultural, suantiguo poderío político venido a menos y el exotismo suscitado entre los viajeros occidentales la situaron una y otra vez en la encrucijada entre tradición ymodernidad, allí donde se desdibuja la tenue frontera que separa las convencionales nociones de Oriente yOccidente.
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Tal qual
Per mitjà de breus anotacions -sovint tan sols per mitjà d'enginyosos aforismes-, Valéry ens convida en aquest llibre a una festa per a l'intel·lecte, un lluminós estat de la qüestió sobre la nostra civilització,sobre l'evolució o el retrocés intel·lectual de la humanitat i, principalment, sobre el paper de la literatura en la formació de l'esperit de les persones.
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En este libro se muestra que el fundamento de la actitud crítica en filosofía -tanto en el criticismo kantiano, como en la crítica marxista, así como la llamada ''teoría crítica de la Escuela de Frankfurt''- procede en realidad de la crítica artística y literaria,y no al revés. Por ello también, este libro se afanaen buscarle un fundamento de legitimidad a la crítica, así como en establecer su alcance y sus límites.
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El primer defensor del informalismo en España fue elcrítico de arte Juan Eduardo Cirlot. Los textos de esta antología profundizan en la obra de artistas comoAntoni Tàpies, Antonio Saura, Modest Cuixart, ManoloMillares, Luis Feito o Rafael Canogar, y de Rothko, Fautrier, Fontana o Manzoni. Cirlot esclarece las ideas que unen a artistas que en un principio parecían muy alejados los unos de los otros.
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Ojos y capital es un ensayo de textura piel y tft queoscila entre las 4 y las 15 pulgadas, habla sobre elpresente y la cultura-red y amenaza con la materialidad de “,lamer los ojos”,. Este libro,que transita por la conformaci≤n identitaria a travΘsde la visualidad y la economφa, se pregunta por c≤molos ojos operan hoy como nueva moneda. Para ello, pretende identificar desarrollos contradictorios de latransformaci≤n capitalista de un mundo conectado, excedentario en lo visual y trucado en la preeminencia de lo econ≤mico frente a clßsicas y nuevas formas de polφtica y Θtica. Quiere hacerlo atravesando conceptoscomo sombra, mirada, desaparici≤n, (auto)representaci≤n, derroche, reciprocidad, lazo moral, capitalismoo feminizaci≤n, interpelado por las vigentes formas de creaci≤n de valor y nueva colectividad en las redes.
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Este catálogo acompaña la exposición Sorolla. Tormento y devoción, que se centra en los primeros años del pintor Joaquín Sorolla (1880-1900) que se desarrollaron entre Valencia, Roma, París, Asís y Madrid. Trata del acercamiento de Sorolla tanto a la pintura religiosa, que le valió para competir en los grandes certámenes, como del costumbrismo popular y devoto, género que se puso de moda en la pintura española durante el último cuarto del siglo XIX en parte gracias a la impronta del pintor Mariano Fortuny. De esta manera, Sorolla intentó abrirse camino entre la alta burguesía con escenas en interiores sacros e iglesias barrocas valencianas con episodios de devoción religiosa popular.
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El miedo al futuro, la angustia ante el presente, lacultura de la culpa, la textura ilusoria de la realidad, los laberintos de la identidad, son algunos síntomas atrabiliosos que observamos en el mundo actual. Este ensayo los deshila, a la par que ausculta el latido social a través de un pensamiento crítico salpicado de metáforas artísticas y paseos literarios.La metadel arte, escribía Michel Leiris, es explorar los demonios interiores. ¿Y que hay de los demonios exteriores? Lo cierto es que se engendran unos a otros, lossíntomas individuales y los signos culturales de malestar se entrelazan como una doble hélice en el ADN dela humanidad.
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Peter Halley (Nueva York, 1953) se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del movimiento neoconceptualista. ''Escritos sobrearte'' ofrece al lector la primera traducción al español de una selección de sus ensayos más innovadores,así como una muestra de algunos de sus escritos más personales, como su primer encuentro con Andy Warhol
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“En el arte es feo lo que no tiene carácter, es decirlo que no revela ninguna verdad interior ni exterior. En el arte es feo lo que es falso, lo que es artificial, lo que pretende ser bonito o bello en lugar deser expresivo, lo que es trivial, lo que sonríe sin motivo, lo que se amanera sin razón, todo lo que carece de alma y de veracidad, todo lo que es sólo apariencia de belleza o de gracia, todo lo que miente.”
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* ''¿Le importan la belleza desgarradora, las ideas novedosas, las destrezas asombrosas, las soluciones ingeniosas o el estremecimiento de una imagen impactante? ¿Crearía arte, aunque no fuese su trabajo? Si es así, este libro es para usted''. Grayson Perry. Artista y ceramista * Para los pensadores visuales, los creadores, los soñadores y los provocadores. * Conozcay amplíe sus capacidades creativas, a través de lecciones fundamentales impartidas por tutores de la facultad (UAL:Central Saint Martins). Desarrolle su propio lenguaje visual y amplíe su talento creativo con estos proyectos exclusivos del Diploma en Arte y Diseñodel prestigioso Central Saint Martins Foundation, que inspirarán sus experimentos y liberarán su potencial en diversos ámbitos: diseño de comunicación, moda ytextiles, bellas artes y diseño tridimensional. Seacual sea la disciplina que decida desarrollar, estelibro le ayudará a descubrir quién quiere ser y le situará en el camino para conseguirlo.
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Lilith, la que según los textos hebreos fuera la primera esposa de Adán, no fue “concebida” por él como encierto modo lo fue Eva al ser extraída de una de suscostillas. Lilith, como Adán, fue creada del polvo de la tierra, por eso ella siempre se consideró su igual y no quiso someterse a su dominio. En consecuencia, se rebeló, lo abandonó y, libre, gozó de las relaciones en el mundo de Lucifer, muchas veces transmutadoen serpiente y otros malignos seres de la nocturnidad. Fue la primera mujer que se emancipó. La primera 'femme fatale'.
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Rembrandt alcanza una expresión artística del movimiento vital hasta entonces desconocida: una expresión que no puede traducirse en un método o un estilo sinoque depende por entero de su genio. Como demuestran sus retratos, el problema ''pictórico'' de Rembrandt es sencillamente la representación de una totalidad humana viva, justamente en tanto problema pictórico, yno psicológico, metafísico o anecdótico: su pintura plasma la movilidad de la vida interior.
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Hay un momento en que los ojos se abren de pronto alarte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación deno avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos lasobras de arte y a buscar sus vínculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporáneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empecé aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y también en la realidad. Mucho más tarde, ya adulto, descubrí a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han idoescribiendo de manera intermitente a lo largo de casiveinte años. Al verlos juntos ahora, observo que elazar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la derivade mis intereses personales y mis aficiones, quizás con la ética y la estética que están implícitas en eltrabajo de cada escritor.
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«Unas jóvenes santas presentan en Sevilla un desfilede alta costura. Bellas como andaluzas, los ojos negros, el pelo negro, lucen vestidos largos, con o sin capa […,] El corte de los vestidos, la elegancia de los tafetanes o de las sedas bordadas en oro y plata, la audaz combinación de los colores […,], el refinamiento de los detalles […,], todo contribuye a crear la ilusión de un desfile de alta costura en el Siglo de Oro […,] Pero la ilusiónse disipa en cuanto nos acercamos». A través de una selección de cuadros de santas realizados por Zurbarán, Florence Delay nos descubre la secreta relación entre la majestuosa indumentaria con que las retrató elpintor extremeño y la existencia que las elevó muy por encima del común de los mortales. Un ensayo refinado y erudito sobre la sutil relación entre arte y moda.
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Mirar a la cartografía desde las disidencias sexuales posibilita un proceso de resignificación que habla en otros términos, trata otros territorios y rompe con los ideales hegemónicos de lo cartográfico. Busca encontrar un potencial que permita cuestionar, remover e imaginar otras vivencias posibles, dar cuenta de lo subjetivo y activar herramientas que denotan una voluntad política. El trabajo de Kyle Lasky, nucbeade y Lucas Larochelle forman esta primera aproximación cartográfica acompañados de un texto de Yera Moreno. Son mapas que están construidos con argamasa de memoria colectiva, experiencias personales, deseos entrelazados y relatos ficcionados. Hacen referencia a las diferentes formas de vivir y habitar el espacio a través de testimonios, fotografías u otros registros que cuentan historias, historias que hablan desde la memoria, la intimidad y la ficción, desde lugares de resistencia y de vulnerabilidad.
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Enlloc com a casa
Teniu a les mans el llibre que, per primera vegada, proporciona als pares i mares tots els recursos i orientacions per a jugar a casa amb les fills sense deixar d’aprendre. Estar a casa deixarà de ser un problema a les èpoques de l’any amb menys llum. Un grup d’educadors i educadores de la Fundació Pere Tarrés, especialistes en aquesta matèria, ens mostren a Enlloc com a casa diferents activitats per jugar en família i és que el joc dóna plaer i desperta en l’infant un gran ventall d’emocions capdals en el seu procés de creixement.
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La mujer ha sido durante mucho tiempo tratada por los artistas como objeto de representación, pero su contribución como creadora de arte es poco reconocida.Aunque las mujeres artistas ya no están obligadas atrabajar en el anonimato ni a aceptar seudónimos masculinos, hace relativamente poco, en 1989, las Guerrilla Girls salieron a las calles de Nueva York para preguntarse si las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Metropolitan Museum. En este libro, la autora explora la vida y la obra de más de cincuenta de las más destacadas artistas femeninas de todos los ámbitos desde el siglo xv hasta la actualidad, entre ellas, Artemisia Gentileschi, Georgia O'Keeffe y Louise Bourgeois. ''Un excelente estudio dedicado a artistas internacionales decisivas. Estas esenciales figuras femeninas deberían formar parte de nuestra historia del arte, y este libro es parte de esa importante revisión''. Jessica Morgan, directora de Dia Art Foundation En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundodel arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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A principios del siglo XVII surgieron en Europa las cartillas de dibujo, unos materiales pedagógicos que revolucionaron la metodología tradicional de la enseñanza de esta disciplina, permitiendo a artistas, aficionados y particulares progresar sin la presencia de un maestro, sobre todo en la representación del cuerpohumano. Su principal novedad radicaba en el empleo del grabado: a partir de esquematizaciones, proporciones o líneas de contornos y sombreados, y mediante lacopia directa y repetitiva, el alumno asimilaba un método, una manera y un estilo determinados, memorizando sus gestos y mejorando su destreza. La exposición ala que acompaña este catálogo destaca los ejemplos españoles de los siglos XVII-XIX y los sitúa en el contexto europeo. Aunque su número fue reducido, su interés resulta excepcional, pues desde el principio destacaron por su carácter autóctono y, en ocasiones, novedoso. Junto a artistas como Villafranca, García Hidalgo y López Enguídanos descuella Ribera, que ya en 1622 había comenzado a estampar lo que parecía iba a ser su propia cartilla y que no se publicó hasta décadas después.
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La perspectiva para Panofsky no es un simple elemento «externo» o «técnico» de la obra de arte, no es un supuesto insignificantedel estilo, sino que, por el contrario, expresa, en sus diversas configuraciones, su propia esencia. Para Panofsky, la Anti
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En la muestra vamos a caminar a lo largo de casi toda una vida mostrando lo que sus ojos perciben, lo que sus pinceles cuentan, lo que después se impregna en nosotros y se queda. A lo largo de los años su obra se ha ido moviendo despacio buscando un camino que recorrer, pero variando su ruta si encuentra algo en lo que merezca la pena quedarse un tiempo. Algo que le dé una nueva perspectiva, que lo transforme. Un Corella caminante, experimentador, que recorre todas las sendas hasta encontrar la adecuada: la que le conmueve. Desde sus paisajes urbanos hasta sus desnudos (pasando por la inocente infancia de su hija) todo tiene un matiz propio, un color, una luz que lo identifica. Detrás de miradas desgarradoras, pero llenas de ternura, se ocultan tristes historias escondidas en el fondo del corazón.
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«A Coruña» es un libro de artista en el que David Pintor plasma su fascinación por su ciudad natal con una treintena de dibujos llenos de frescura y capaces de mostrar distintos espacios -tanto los conocidos como los menos populares en las guías turísticas- desdepuntos de vista sorprendentes, introduciendo elementos imaginarios a la vez que recoge la esencia del entorno natural y la identidad propia del lugar
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Creatividad y arte son una pareja infiel. Quizá suene raro, pero sirva un voto de confianza: quien dice esto es Questlove, exitoso músico estadounidense, cofundador de The Roots, una de las mejores bandas de hip hop del momento y productor, periodista, diseñador y profesor. Un experto en la materia y una de las pocas voces críticas que se baja del pedestal para contarnos que hay mucho artefuera del arte. En Ponte Creativo, Ahmir Khalib Thompson, Questlove, sintetiza las filosofías, lecciones e historias alrededor de la creación que viene escuchando en boca de otros colegas, fans y su propia cabeza. Todos nos preguntamos quién es capaz de crear, pero pocos respondemos como él: tal vez hay mucho más común entre David Bowie y un cirujano de lo que normalmente pensaríamos. Este es un libro con sabiduría del día a día y una inteligencia honesta muy alejada de lo que normalmente expresan lasestrellas de la música. Una exploración sobre la inspiración y la creatividad del ser humano y, ante todo, una invitación a la acción para artistas que nunca han estado interesados en hacer arte.
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Alta cultura descafeinada indaga desde una perspectiva crítica en la despolitización del arte en las últimas décadas. Ofrece una crítica directa a esos procesos destinados a recuperar y reinsertar prácticas en otro tiempo disidentes.
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Célebre tanto por su ambición como por su belleza, la condesa de Castiglione, oren- tina a ncada en la París de Napoleón III, se convirtió en una heroína de Italia. Aman- te del emperador, desempeñó un papel de- cisivo en la uni cación italiana de 1 8 6 1, aunque quizá su mayor legado fueron los más de setecientos retratos para los que posó en el estudio de Pierre-Louis Pierson a lo largo de su vida. La narradora de este singular y hechizante relato topa por ca- sualidad con una de las fotografías de «la Castiglione» e inicia una indagación sobre el destino de una mujer que se convirtió en un absoluto enigma a fuerza de mos- trarse hasta la extenuación. Y al examinar las fotografías para revelar su secreto, va descubriendo todo lo que se ha ocultado a sí misma y exponiendo su historia per- sonal. Nathalie Léger nos ofrece así una auto cción que es también una re exión sobre el espacio de lo femenino.
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De los pioneros de la tinta, a las jóvenes promesas,de los puristas legendarios a los innovadores que handefinido un estilo propio… Descubre a los tatuadoresque están revolucionando el mundo del tattoo japonésde procedencia hispana y déjate sorprender por sus múltiples estilos: preciosistas y limpios unos, macarras y potentes otros, pero siempre movidos por el respeto a la centenaria tradición del irezumi y un talento innegable. Agustín Cavalieri • Al Romero • Andrés Cruces • Bushi • Chris Treviño • David Baibar • DiegoAzaldegui • Diego Martín • Freddy Ampuero • Gabriel Toz • Gonzalo Goicoechea • Hernán Chevalié • Hugo HAB• Jano Navarrete • Kabra • Leo Denegri • Moroko Gon •Nil Marqués • Omar Morales • Pablo Barada • Paco Excel • Pera Vidal • Rafa Jurado • Santu Horisada • S. Nezumi
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Para movernos sobre un territorio podemos disponer de guías y mapas, opisar directamente el terreno. Este es el planteamiento del que partePanorámicas, un recorrido por las guías y mapas con los que John Bergerreformuló su mirada del arte, así como por sus impresiones y reflexionessurgidas directamente de lo artístico, lo social y lo político.En la estela de los imprescindibles retratos recogidos en Sobre losartistas, Panorámicas presenta una brillante antología de piezas muydiversas -ensayos, relatos cortos, poemas- que replantean radicalmentenuestra concepción del arte y su papel en el mundo. El dibujo, lanarración, Roland Barthes, Rosa Luxemburg, Walter Benjamin, BertoltBrecht, los museos, la crítica o el retrato. En sus páginas Berger nosolo rinde homenaje a los personajes y las herramientas que lo guiaron através del territorio, sino que nos sumerge directamente en nuevas yapasionantes formas de pensar la idea de creador, los movimientosartísticos y el contexto político y social del arte. Un reto, endefinitiva, para cuestionar profundamente nuestras preconcepciones sobreel papel de la creatividad en nuestras vidas.
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A partir de la descripción pormenorizada de algunos de los cuadros más emblemáticos del pintor de Delft, Brook estudia el súbito intercambio de mercancías a escala global, entre Europa, América y Asia,que se desarrolla a lo largo del siglo XVII. Es la historia de las expediciones para penetrar en nuevos territorios y el comercio de tabaco, porcelana y otros objetos que pronto causaron furor en el mundo entero. También es la historia del choque de civilizaciones entre Europa y Asia, el papel de los jesuitas en China y Japón, los naufragios, los abordajes de piratas, las guerras de conquista, el sometimiento delos pueblos nativos. Es, en muchas de sus páginas, un auténtico libro de aventuras. Una apasionante historia de la economía y la cultura de la época.
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La educación en los museos ha sufrido un importante crecimiento en los últimos veinte años en el territorio español que la ha acercado a una madurez plena. Lacrisis reciente, sin embargo, puso en jaque los hitosalcanzados, el avance y el desarrollo del campo de la mediación y de todos los implicados en él. Detrás del incansable esfuerzo de los trabajadores de los museos se encuentra el propósito de democratizar y haceraccesible las instituciones culturales para una diversidad de públicos, pues, como afirma Nora Sternfeld,la cuestión no es tanto si la práctica educativa deja suficiente espacio a las contradicciones, sino, másbien, si esas contradicciones pueden marcar una diferencia tanto en los públicos como en el propio discurso institucional. Este libro nace del deseo de ofrecer un relato veraz sobre lo que sucede en la prácticadiaria, en el terreno, en un museo de arte contemporáneo como el MUSAC de León, para plasmar las experiencias vividas, aprender de ellas y apuntar quizá así caminos nuevos para lo que está por venir. Como afirmaPaul B. Preciado, el museo tiene ya su propia historia.
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Los orígenes y el desarrollo del Museo del Prado soninseparables de los debates sobre el destino del Estado liberal en España, de la evolución de las ideas museísticas en Europa y de la amalgama de experienciasque ofrecía el paseo del Prado. Sin asumir que sus visitantes hubieran llegado a estar de acuerdo algunavez en cómo interpretar el museo, este libro aborda su historia como la de un debate público a muchas voces. Al igual que aquellos visitantes que cruzaban el umbral del museo y no siempre trazaban una línea claraentre lo que podían ver o hacer dentro y fuera del edificio, en el paseo del Prado y en sus alrededores,los participantes en este debate consideraban la visita al museo como un pasatiempo íntimamente conectadocon otras actividades públicas y, por tanto, parte deun debate más amplio sobre ciudadanía y derecho al voto, el ascenso de Madrid a la condición de capital moderna y la creciente brecha entre campo y ciudad. Siguiendo el ritmo agotador de la modernización, el museo y el paseo del Prado coevolucionaron de formas queconvirtieron el ocio en un fenómeno tan relevante como tantos otros estudiados por los historiadores de los museos: los cambios en las exposiciones y colecciones, la reforma del edificio y las definiciones cambiantes de la conciencia nacional española.
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La Modernitat Cauta: 1942-1963. Resistència, resignació, restauració
LA CULTURA I L'ART EN EL PURITÀ I AÏLLAT PRIMER FRANQUISME Ara fa cinquanta anys, Barcelona inaugurava el Museu Picasso, fet que certificava la voluntat col·lectiva de reprendre el projecte cultural i de país anterior a la Guerra Civil. Enrere quedaven dues dècades en què, superada la immediata postguerra, la voluntat de modernització cultural del país havia maldat per sobreviure, adaptant-se a unes circumstàncies profundament adverses, en forma d'una modernitat no sempre visible que va sobreviure amb cautela durant els primers anys del franquisme fins a l'arribada de la nova atmosfera aperturista dels anys 60. Els autors reflexionen sobre les polítiques culturals, les orientacions estètiques, les circumstàncies històriques i els protagonistes més significatius entre 1942 i 1963, d'acord amb les úniques estratègies possibles aleshores: resignació, restauració o resistència. REPÀS DE LES MANIFESTACIONS ARTÍSTIQUES I LA VIDA CULTURAL AL LLARG DEL PRIMER FRANQUISME, EN QUÈ LA RECERCA DE LA MODERNITAT ARTÍSTICA QUEDA LATENT. ARTICLES DELS MILLORS EXPERTS EN L'ART DE L'ÈPOCA, QUE S'ESTÀ REVALORANT. ES TRACTEN SOBRETOT TRES DISCIPLINES ARTÍSTIQUES: ARQUITECTURA, PINTURA I LITERATURA.
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La inteligencia artificial ha irrumpido en nuestras vidas con una fuerza arrolladora. Y el auge de la IA generativa está afectando también a un ámbito que cabía pensar a salvo de su influencia: el de la creación artística. Nuestros conceptos habituales de estética o diseño están cambiando, nos vemos obligados a cuestionarnos la naturaleza del acto creativo, de la autoría, de la idea de originalidad. ¿Será posible que las máquinas generen una estética propia?Partiendo de una larga experiencia teórica y práctica en este campo, y con un enfoque multidisciplinar que va de la filosofía y la psicología del arte a la teoría de los medios o la ciencia de datos, este apasionante libro ofrece una sorprendente y esclarecedora visión de conjunto de un tema de máxima actualidad que, sin embargo, está dominado por generalidades y lugares comunes. Un texto que da un vuelco radical a cualquier idea preconcebida que el lector pudiera tener al respecto.
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El estudio acadΘmico de la historia de las exposiciones y del comisariado es un fen≤meno relativamente reciente. Aunque en su inicio se entrelaz≤ con la historia del arte y con los estudios de museologφa, en los·ltimos a±os ha ido adquiriendo una progresiva autonomφa. Las exposiciones se pueden estudiar como generadoras de esfera p·blica, como ßmbitos discursivos y derepresentaci≤n, como dispositivos productores de experiencias psicol≤gicas y sociales y como formatos deproducci≤n susceptibles de determinar la producci≤n artφstica. El comisariado es una prßctica de mediaci≤ndiscursiva que toma fuerza en la segunda mitad del siglo XX y cuyo ''hacer'' se distingue por la combinaci≤n de aspectos prßcticos e intelectuales que dan sentido al conjunto heterogΘneo de las obras de arte contemporßneas. Este libro entrelaza ambas genealogφas ypropone una historia unificada de su convergencia. Para ello despliega seis relatos que atraviesan este entrecruzamiento y propone lφneas de interpretaci≤n denaturaleza mßs temßtica que cronol≤gica.
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Las imágenes distan de ser transparentes, están plagadas de sobreentendidos y códigos, tienen etimologías,dialectos y jergas. La visión no es solo un fenómenoóptico, implica también pactos y procesos sociales.La adopción de hormas mentales derivadas de la perspectiva renacentista o el empleo de artefactos como lacámara oscura o la linterna mágica estuvieron cargados de consecuencias. Y la enunciación de la mirada contemporánea supone suscribir, consciente o inconscientemente, un complejo aluvión de atavismos asentados ennuestro ADN cultural, desde Altamira hasta la Capilla Sixtina o las actuales pinturas callejeras. Este libro, profusamente ilustrado, muestra algunos de esositinerarios. Por sus páginas desfilan Leonardo, Brueghel, El Bosco, El Greco, Rembrandt y Arcimboldo, Cervantes y Borges, Goya y Solana, Einstein, Escher y Moebius, Eisenstein, Orson Welles, Hitchcock, Pasolini,Godard, Buñuel y Dalí. Pero también otros eslabones menos conocidos, que han configurado nuestra vivenciaespaciotemporal y hoy nos permiten trasvasar a las tramas audiovisuales las últimas teorías sobre el cosmos.
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Articulado sobre cinco conversaciones entre David Bestué y personas vinculadas a Madrid desde muy diversos ámbitos —los arquitectos María Langarita y Víctor Navarro, el arqueólogo Alfredo González-Ruibal, el periodista Borja Casani, el cineasta y escritor Luis López Carrasco y la poeta Olvido García Valdés—, este trabajo complementa la exposición FLOR HISPANIA, comisariada por Bestué y enmarcada dentro del programa del Museo Centro de Arte Dos de Mayo que invita a artistas a realizar lecturas personales en torno a la colección del museo.Tanto en el planteamiento curatorial como en las piezas de su propia autoría, David Bestué descompone y reinterpreta símbolos, iconos y elementos históricos de Madrid, buscando nuevas formas de reflexión y diálogo con la tradición y las narrativas visuales. El conjunto convierte FLOR HISPANIA en un espacio de interrelación que revela las múltiples facetas, tensiones y riquezas del contexto urbano y cultural madrileño, y sus constantes contradicciones y transformaciones. El catálogo incluye, además de una selección de obras, objetos e imágenes, una entrevista de los editores a Bestué.Madrid es centro geográfico, político, económico y simbólico de España. Hay quien piensa que esa cualidad vincula la ciudad a la pureza de unos valores, de una tradición, y hay quien, sin embargo, cree que su posición la obliga a ejercer de motor de cambio del país. Estas visiones contrapuestas tienen un correlato físico entre los que entienden Madrid como algo estable, invariable, y los que, por el contrario, la conciben como una trama de fuerzas en conflicto.David Bestué
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Este libro es un ensayo de fenomenología y de antropología –y hasta una poética– de los gestos de levantamiento. Interroga a los cuerpos con la psique a través del vínculo profundo, paradójico, dialéctico, que se instaura entre el deseo y la memoria. Al igual quehay un «lo que nos mira» más allá de «lo que creemosser», hay quizás también un «lo que nos levanta» másallá de «lo que creemos ser». Se trata de una cuestión planteada al principio –o en el interior– de nuestras opiniones o acciones partidarias: una cuestión planteada, pues, a los gestos y a las imaginaciones políticas. Una cuestión planteada a la potencia de levantarse, incluso cuando el poder no está a la vista. Esapotencia es indestructible, como el deseo mismo. Esuna potencia de desobedecer. Es tan inventiva que merece una atención a la vez precisa (porque lo singular, en este caso, nos dice más que lo universal) y errática (porque los levantamientos surgen en tiempos, enlugares y a escalas en los que no se los esperaba).
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Crφtica visual del saber solitario reivindica tanto la estΘtica como el saber de un cuerpo cada vez mßs da±ado por las l≤gicas del capital, y lo hace a travΘsde tres momentos definidos como TESIS, CRISIS y CAOSMOSIS. Comienza con la fantasφa del sujeto autosuficiente, masculino y soberano que se considera capaz de conocer y organizar un mundo del que se mantiene aislado. Le siguen las sublevaciones de 1968, donde saltanpor los aires las formas tradicionales de representaci≤n, y las revoluciones de 2011, que proponen el valor positivo de la interdependencia, la creaci≤n colectiva y el activismo social. Desde ahφ se revisan losprotocolos acadΘmicos de los mundos del arte. La intenci≤n marcadamente polφtica de este ensayo nos invitaa decidir quΘ salvar y quΘ condenar del mundo que haorientado nuestros conocimientos.
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